jueves, 30 de diciembre de 2010

Charles Filiger





Charles Filiger 1863-1928
Pintor y grabador francés. Estudió en París en la Académie Colarossi. Se instaló en Bretaña en 1889, donde se asoció con Gauguin y su círculo en Pont-Aven, pero él seguía siendo un místico e introvertido. Bretaña, con su paisaje severo y los habitantes, devotos campesinos, fueron un terreno fértil para el desarrollo de la imaginería mística de Filiger y sus arcaísmos deliberados.

El amigo de Filiger, el pintor Emile Bernard, dijo que el estilo de Filiger se caracterizaba como una amalgama de formas de arte bizantino y arte popular bretón. La calidad geométrica hierática y los rostros sin expresión de los temas sagrados de sus gouaches como la Virgen y el Niño (1892; Altschul priv. Col. Nueva York 1979-1980) ponen de manifiesto el amor de Filiger por los principios de la pintura italiana y la tradición bizantina.

Los trazos gruesos y colores planos de su obra evidencian tambien la escuela de Pont-Aven y la influencia de estampas populares bretonas y épinales. Los paisajes de Filiger, como el bretón Shore (1893, Nueva York, AG priv Altschul col..), comparten con las pinturas de Gauguin una cualidad decorativa y de rigurosa simplificación

SOURCES FUENTES
The Nabis and their period .The Grove Dictionary of Art

Josep Cusachs i Cusachs





Montpellier, 1851 - Barcelona,1908

Nació en Francia de modo accidental, ya que sus padres se encontraban de viaje en ese país, pero su arte y su vida estarían siempre vinculados a dos localidades: Barcelona y Mataró. En 1865 y tras aprobar una oposición, ingresa en la Academia Militar de Artillería de Segovia, comienzo de una larga carrera militar, llegando a ser Capitán del Ejercito, por meritos de guerra, en el año 1874.

La primera noticia acerca de su actividad artística, es como caricaturista y cronista de una España sumida en una vorágine de acontecimientos políticos, en la cual estaba inmerso debido a su condición de militar. Tras abandonar voluntariamente el ejercito en 1882, debido, en parte, al éxito que rápidamente obtuvo su producción artística, diversifica la temática de sus obras, aunque sin abandonar del todo las escenas militares y el motivo del caballo, al cual será fiel durante toda su obra. Estilísticamente era un hombre abierto a la innovación, pero siempre tamizada por el filtro de la valoración y la meditación, adoptando aquellos aspectos que consideraba validos y desechando los que no.


En 1884 la inauguración de la renovada Sala Parés de Barcelona y la participación de Cusachs con cuatro óleos, va a hacer que se liguen sus destinos de manera indisoluble, el del artista y el de la galería. En 1890 ya era expositor habitual, presentando novedades cada semana. Hasta tal punto fue así, que a la muerte del pintor la sala entro en la mas absoluta decadencia.

martes, 28 de diciembre de 2010

Jean-François Raffaëlli



Jean-François Raffaelli (20 abril 1850 - 11 febrero 1924) fue un pintor, escultor y brabador realista francés que exhibió en la impresionistas . También fue actor y escritor.

Nació en París , y mostró interés por la música y el teatro antes de convertirse en un pintor en 1870. Una de sus cuadros de paisaje fue aceptado para una exposición en el Salón de ese mismo año. En octubre de 1871 realizó un curso de tres meses con Jean-Léon Gérôme en la Ecole des Beaux-Arts en París, no realizó ningún otro curso académico.

Raffaelli pintó principalmente imagenes costumbristas hasta 1876, cuando comenzó a representar a la gente de su época-sobre todo campesinos , trabajadores, y traperos que encontraba en los suburbios de París, en un estilo realista. Su nuevo trabajo fue defendido por críticos influyentes como J.-K. Huysmans, así como por Edgar Degas .

El trapero se convirtió para Raffaelli en un símbolo de la alienación del individuo en la sociedad moderna. La historiadora de arte Barbara S. Fields escribió sobre el interés de Raffaelli en el positivismo la filosofía de Hippolyte-Adolphe Taine:

Le llevó a formular una teoría del realismo que él bautizó caractérisme. Esperaba apartarse de los irreflexivos, los llamados artistas realistas cuyo arte siempre llevaba al espectador a ver una representación literal de la naturaleza. Su observación cuidadosa del hombre en su medio paralelo a la lucha contra la estética, a un enfoque anti-romántico cercano a la literatura Naturalista de Zola y Huysmans.


Degas lo invitó a participar en las exposiciones impresionistas de 1880 y 1881, una acción que amargamente dividió el grupo, no sólo no fue porque Raffaelli no era impresionista, sino que amenazó con dominar la exposición de 1880 con su descomunal pantalla de 37 obras. Monet , resentido de la insistencia de Degas en la expansión de las exposiciones impresionistas mediante la inclusión de los realistas, optó por no exhibir, quejándose, "La pequeña capilla se ha convertido en una escuela común que abre sus puertas al primer aplicante que venga."

Después de 1890 Raffaelli desplazó su atención de los suburbios de París a la ciudad en sí, y las escenas de la calle fueron bien recibidas por el público y la crítica. Hizo una serie de esculturas, pero estas son conocidas hoy en día sólo a través de fotografías. En los últimos años de su vida, se concentró en el grabado en color. Raffaelli murió en París el 11 de febrero de 1924.

References

* Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-6
* Turner, J. (2000). From Monet to Cézanne: Late 19th-century French Artists. Grove Art. New York: St Martin's Press.

domingo, 26 de diciembre de 2010

RON ARAD





Ron Arad nace en 1951 en Tel Aviv (Israel). Estudia en la Academia de Arte de Jerusalén y en la Escuela de Arquitectura de Londres.

En 1981 abre su propio estudio de diseño, One Off Ltd., en Londres con Caroline Thorman y comienza con la producción artesanal de sus muebles poco convencionales, fabricados principalmente con chapa de acero soldada, que destacan por un carácter marcadamente escultórico.

En 1989 funda Ron Arad Associates Ltd. con Alison Brooks, una arquitecta canadiense. Desde finales de los años ochenta diseña también muebles y objetos para la producción en serie.

En 1994 abre el estudio ron arad studio en Como. Desde 1997 da clases de diseño de productos como profesor invitado en la Escuela Técnica Superior de Viena. Desde 1997 es profesor de diseño industrial y de mobiliario en la Real Escuela de Arte de Londres.

vitra

lunes, 20 de diciembre de 2010

Georges Lacombe






Georges Lacombe (18 junio 1868 a 29 junio 1916) fue un escultor y pintor francés.

Nacido en una familia distinguida de Versalles, recibió su formación artística en la Académie Julian de los impresionistas Alfred Roll y Gervex Henri. Allí conoció a Emile Bernand y Sérusier en 1892, poco después se convirtió en miembro de su grupo de artistas, Les Nabis.

Al igual que muchos otros Nabis pasó los veranos desde 1.888 hasta 97 en Bretaña, algunas fuentes dicen que conoció a Bernand y a Sérusier allí. Se convirtió en el escultor Nabi: el escultor del grupo. De hecho, muchas fuentes se refieren a él sólo como escultor.

Georges Lacombe falleció en Alençon, Orne el 29 de junio de 1916

domingo, 19 de diciembre de 2010

Henri Gervex




Henri Gervex (París, 10 de diciembre de 1852 - 7 de junio de 1929) fue un pintor francés, que estudió con Alexandre Cabanel, Pierre-Nicolas Brisset y Eugène Fromentin.


Sus primeros trabajos pertenecen casi exclusivamente al género mitológico. Su Rolla de 1878, basada en un poema de Alfred de Musset, fue rechazada por el jurado del Salón de París por inmoral, al representar una escena de una prostituta desnuda después de tener relaciones sexuales con su cliente.

Más tarde, Gervex siguió las representaciones de la vida moderna y logró éxito con La Operación, una paráfrasis modernizada de la Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp de Rembrandt.

Recibió encargos importantes para pintar y decorar de los edificios públicos. Entre sus pinturas están la Distribución de Premios (1889) en el Palais de l'Industrie, La Coronación de Nicolás II, Los banquetes de los alcaldes (1900), y el retrato de grupo La République Française, y en las obras decorativas destacan, Salle des Fêtes at the hotel de yule, París, y los paneles decorativos pintados, junto con Blanchon, para la 19 división administrativa de París. También pintó, con Alfred Stevens, Panorama du Siècle (1889). En Luxemburgo pintó Sátiros jugando con un Bacchante, así como Los miembros del Jurado del Salón (1885).



Este artículo incorpora texto de la Encyclopædia Britannica de 1911 (dominio público).

Arnold Böcklin






Basilea, 1827 - Fiésole, 1901

Artista suizo que perteneció al circulo de los Neoclásicos-Romano-Germanos. Comenzó pintando paisajes al modo romántico tradicional, escenas bucólicas y luminosas, influenciado por su visita a Italia entre 1890 y 1897.

Más adelante, su pintura evolucionó hacia una mayor voluptuosidad, sobre todo en las figuras, que pasan, de formar parte de una vista general, como motivo casi anecdótico, a ser parte central de la composición en temas mitológicos y alegóricos.

La proyección del arte de Böcklin, nos acerca a la Pintura Simbolista, que recoge ese espíritu mágico y casi irreal, para representar los valores fundamentales del ser humano.

sábado, 18 de diciembre de 2010

Benvenuto Benvenuti






Nacido en Livorno, 05 de octubre 1881. Su historia está vinculada a algunos de los más importantes pintores italianos puntillistas (especialmente Vittore Grubicy De Dragon).

Su primer maestro fue Lorenzo Cecchi, un maestro en la escuela de artes y oficios de Livorno.

Su debut es un paisaje en 1896, cuando sólo tenía 15. Durante esta etapa inicial, que va desde 1896 hasta 1899, tiene influencias muy fuertes de Macchiaioli. Se hace amigo de varios artistas, por ejemplo, Lloyd Llewelyn y está fuertemente influenciado por Adolfo Tommasi y Signorini.


En 1900 el artista comenzó una fase caracterizada por los experimentos divisionistas. En sus primeros diez o quince años de trabajo, tiene un enfoque ecléctico, no es riguroso, eligiendo lo que le convence por diferentes artistas en diferentes épocas. El Caballo "del pesebre" y "Tríptico de Demanda" de 1901-1902 son dos ejemplos de su fase experimental.

El encuentro con Grubicy en 1902 marca el comienzo de una amistad muy intensa, sobre todo después del traslado a Milan con él, primero por un año y luego periódicamente hasta 1920. Bienvenido se acerca a la pintura de textura polvorienta en tono nacarado de su amigo y maestro.


En 1907 Livorno expone siete paisajes la Galería Grubucy en París, y dos años después, todavía en esta ciudad, en el Salón de Automme con sus amigos Lloyd y Livorno Llewelyn Novellini. En 1911 expuso en Milán en el Festival de Arte Libre.

Luego se instaló en Livorno, en 1921 reanuda la actividad de exposiciones en la Bienal Primera Romana con su amigo Lloyd Novellini.

En los años veinte presta especial atención a los gráficos - en su mayoría dibujos y litografías -. El resultado es una exposición especial en 1933 en la Galería de Milán.

En 1935, Pierotti Of Blood organiza una exposición individual en la Galería Scopinich Milán.

Bienvenido también publicó un ensayo titulado: La idea y la luz en la pintura puntillista y mi exposición en Milán.

Después de la Segunda Guerra Mundial, durante la cual vive con su familia cerca de Lucca, una vez más expone en 1945, en la Galería del talón en Milán y en 1948, en Casa Dante en Florencia).

Una enfermedad de los ojos provoca la interrupción de su trabajo en los años cincuenta.

Murió en 1959 en Livorno, en su casa de Antignano.

jueves, 16 de diciembre de 2010

Edward Middleton Manigault




Edward Middleton Manigault (1887 - 1922) tuvo una carrera breve pero aclamada como un pintor modernista, ceramista y fabricante de muebles. Creyendo que el ayuno podría aumentar su sentido de la conciencia y la creatividad y que le permitiría "ver colores no perceptibles para el ojo físico", ayunaba durante largos períodos mientras trabajaba en la pintura.

Aunque Manigault mostró una paleta increíble, esta práctica condujo a su muerte por inanición a los 35 años. Después de su muerte, Manigault cayó en el olvido durante muchos años, en gran parte debido a la escasez de obras conocidas (en un momento dado, destruyó hasta 200 de sus obras porque creía que eran indignas de su firma).

Recientemente, sin embargo, ha habido un renovado interés por su obra, debido a un pequeño círculo de eruditos y coleccionistas. Manigault nació en London, de familia importante, sus padres alentaron su interés por el dibujo. A la edad de 18 años fue encargado por su ciudad natal para hacer representaciones de los edificios públicos, que fueron reproducidas y vendidos como postales.

En 1905 se trasladó a Nueva York para asistir a la New York School of Art, donde fue apadrinado por Kenneth Hayes Miller. En poco tiempo se convirtió Manigault en el centro de la escena artística de Nueva York, su arte fue coleccionado por J. Paul Getty y Arthur Jerome Eddy y mostrado en las prestigiosas Armory y Whitney. Como pintor fue versátil y muy emocional.

En 1915 la vida de Manigault cambió bruscamente cuando interrumpió su exitosa carrera como pintor para ser voluntario como conductor de ambulancias en la Primera Guerra Mundial. Fue enviado a Flandes, lugar de algunos de los combates más intensos. Después de la exposición al gas mostaza, sufrió una crisis nerviosa y fue dado de baja. Desde este momento su salud poco a poco se deterioró. Al volver a Nueva York se encontró con dificultades para concentrarse en la pintura. Fue ayudado a pasar sus episodios de depresión su esposa, Gertrudis, con quien se había casado apenas unos días antes de ir a la guerra. A pesar de su deteriorada salud, Manigault se mantuvo experimentando en la creacion de obras brillantes.

Buscando un clima más suave y un ritmo más lento, los Manigaults se trasladaron a Echo Park en 1919, comprando una casa en San Lemoyne en Fellowship Park. Este cambio le llevó a centrarse más en las artes decorativas, y produjo hermosas cerámicas y muebles. También recibió un encargo lucrativo para diseñar cubiertas para Oneida.

Beth A. Beth A. Venn describió a Manigault como: visionario modernista en un catálogo publicado por Hollis Taggart Galleries en Nueva York: "Parece ser que casi inmediatamente después de su llegada a California, Manigault con entusiasmo se entregó a la premisa básica del movimiento Arts and Crafts - que la artesanía y trabajos manuales podrían ser elevados al nivel de estética de la pintura"


El error fatal de Manigault fue cuando aceptó un trabajo en San Francisco. Con Gertrude en Los Ángeles, no había nadie para controlar su ayuno. El 25 de agosto de 1922, Gertrude recibió un telegrama diciendo que Manigault estaba muy enfermo. Ella tomó el tren a San Francisco y cuando llegó lo encontró demacrado y semi-inconsciente. Cuando lo ingresó en un hospital, el médico dijo que haría falta aproximadamente un mes para que recuperase sus fuerzas. Nunca lo consiguió.

El 31 de agosto Manigault fue declarado muerto debido a inanición y neurastenia. Se había martirizado por su arte. La obra de Manigault forma parte de la colección permanente del Museo de Arte de Columbus en Ohio y del SC Gibbes Museo de Arte en Charleston, SC

Historic Echo Park

miércoles, 15 de diciembre de 2010

Michelangelo Pistoletto



Pintor y escultor nacido en Biella (Italia) y formado con su padre, un restaurador de cuadros que le imprime una fuerte impronta clásica. Comenzará haciendo una pintura cercana al Pop-Art de Warhol. Se vinculó desde muy joven al Arte Povera y a Germano Celant reivindicando la ironía ante el mercado artístico e implicando perceptivamente al espectador en la obra. En efecto, el Povera rechazaba las jerarquías y contaba con la complicidad del público.


Inmerso en los movimientos artísticos del Turín de posguerra, como otros muchos artistas leerá críticamente las transformaciones industriosas de esta ciudad. Se convertirán en agentes sociales de crítica. Lo político y sus conflictos están muy presentes por ejemplo en “Mapamundi” (”Mappamondo”, 1966-1968), en que denuncia la manipulación. Actuará en una película: “Buenos días Michelangelo” (”Buongiorno Michelangelo”, 1966) de Ugo Nespolo, en la que recorrerá las calles de Milán con su obra “Escultura de paseo” (”Scultura da passeggio”, 1966) un enorme globo terráqueo.
Las obras precedentes aluden a los problemas de la realidad y se incluyen dentro de la serie “Objetos en menos” (”Oggeti in meno”, 1965-1966) en los que juega con la percepción, conjugando el espacio virtual y el real de la obra de arte. Formalmente remiten al típico objeto minimalista a través de objetos del mundo cotidiano, que reivindica materiales pobres en contra de la dictadura comercial del arte.


En ellos, Pistoletto se libera de algo, es decir lo hace cosa, quizá siguiendo esa tradición finisecular que llevó a poetas como Mallarmé o Rilke y a artistas como Rodin a volcar sus angustias en sus creaciones. En estos objetos, más que una liberación de angustias, hay una liberación de ideas y conceptas, un concepto mucho más comprometido y menos individualista.
Recordemos que todas estas obras hay que verlas en el contexto del mayo del 68, es decir un revulsivo ante el armisticio posterior a la Segunda Guerra Mundial ante la situación del mundo: problemas de hambre y pobreza derivados de la descolonización, Vietnam, Indochina, Argelia…


Posteriormente se irá desvinculando de las ideas sobre el Povera de Celant, para crear las suyas propias. En “La última palabra famosa” (”La ultime parole famose”, 1967) pone en jaque al lenguaje y sus estructuras lógicas y racionales como elementos de la sociedad a combatir. Busca nuevas formas de expresión, frente al lenguaje estereotipado y lleno de significados vacuos en su devenir histórico, que sólo nos llevan a mantener las mismas estructuras y convencionalismos sociales.



Experimentará con los soportes usando espejos y hojas de acero pulido reflectantes en los que incluye el concepto de espacio ilusorio de tradición renacentista. Aquí está presente el concepto del cuadro dentro del cuadro, el espectador directamente apelado, la reflexión y metáfora sobre la pintura presente en maestros universales como van Eyck, Velázquez o Manet.

Realizará una serie de cuadros negros sobre fondo de acero inoxidable en la que imprime serigrafías fotográficas de personas: “Una mujer” (”Una donna”, 1993). Se crea un cuadro-espejo que resume en su materialidad, en un sólo plano el pasado (fotografía) con el presente (reflejo del espectador). El arte es entendido como lugar de encuentro, con responsabilidad ética y capacidad de relación. Se ve apelado directamente, tanto él como su mundo, al mezclarse con las figuras del cuadro. Crea una tensión entre lo inmóvil y la movilidad del espectador y añade el concepto de siniestro en la aparición del doble. Se convierte en el otro del mundo ilusionista del espejo-reflejo.

Destacables son dos obras más: “Vietnam” (1965) que remite a una época temprana de su producción y por tanto muy influida políticamente. Usando una gran variedad de materiales con un sorprendente resultado: lápiz de grafito, óleo, papel trasparente y acero pulido realiza un espejo en el que superponen dos personajes con una pancarta de “Vietnam” en medio de la cual se reflejan los espectadores, formando una especie de umbral que pretende comprometer con la causa.



La otra, “El pintor” (”Il pittore”, 1993) es tan sólo el dibujo de un lienzo sobre el espejo, de modo que el espectador aparece como agente conformante de la obra de arte, como hacedor y protagonista, enlazando con todos los pintores que se autorretrataron en esta postura durante el pasado: Velázquez, Goya…

En ocasiones se han leído estas obras como verdaderos happening en los que el artista juega con la participación y el movimiento del espectador. Si así fuera sería de una manera muy peculiar y merecería un detallado análisis a parte.
El espejo se concibe como el ojo de las cosas, que están frente a él y dentro de él, es el que realiza el autorretrato, son ojos con memoria, por tanto, al captar porciones de realidad en la que estamos nosotros mismos. También está vinculado a las corrientes del Nuevo Realismo de los años sesenta. Dentro del movimiento está el concepto de cuadro como gran obra y del fragmento como su totalidad.


Con “Pozos” (”Pozzi”, 1991), una instalación que subvierte el concepto tradicional de espejo, sitúa espejos poligonales enmarcados sobre el suelo, de modo que se refleje todo lo superior, desde el techo, hasta los paseantes. Asomarse a estos espejos, es como asomarse a un pozo lleno de agua, a lo profundo que no es otra cosa que la superficie: nuestro rostro, un rostro en ocasiones lleno de miedos atávicos y oscuro, un rostro oculto. Pero también hay, obviamente una lectura perceptiva y dialéctica con el espacio al reflejarlo fragmentariamente.
Sus cuadros reflectantes, instalaciones de bombillas o acumulaciones de ropa vieja siguen en la línea Povera, pero quieren ir más allá al no quedarse sólo en una reflexión objetual sino conectarla con un determinado contexto social.



Desde “Jaula espejo” (”Gabbie specchio”, 1975/1992) obra tomada y retomada hasta la saciedad, muestra espejos sin ninguna impresión formando ángulos variados: abierto u obtusos dispuestos laberínticamente como un trasunto de las imágenes veloces del mundo actual y de las complejas relaciones metropolitanas, que impiden toda comunicación metafísica.

En la famosa “Venus de los trapos” (”Venere degli stracci”, 1967), y también en “Orquesta de trapos” (”Orchestra di stracci”, 1967) amontona ropa vieja borrando o confundiendo los límites entre belleza y suciedad. En la citada Venus una pila de ropa sucia a parece ante la copia escultura clásica de espaldas al espectador, cuyo paño impoluto contrasta con los trapos multicolor.
En ellos y citando el famoso poemario de T. S. Eliot: “La tierra baldía” hay un intento de mostrar lo que queda del arte y de la realidad, fragmentos de basura, de trapos usado en una era procaz y abyecta.


Interesado por lo teatral, en 1967 funda el grupo teatral “Zoo” cuyas escenografias están llenas de objetos en espectáculos relacionados con “Fluxus” y “Living Theatre” al aunar el texto con la música y lo gestual, en una moderna y mucho más anárquica “obra de arte total”.

Desde 1992 es profesor en la Academia de Bellas Artes de Viena. En su afán por unificar arte y sociedad o por dejar que el mundo penetre en el arte y éste se convierta en el reflejo de aquel, inaugura en 1998 la Fondazione Pistoletto.


mundoarte