martes, 30 de junio de 2015

Joe Jones








Nació en San Luis, Missouri, el 7 de Abril de 1909.
Artista autodidacta, abandonó la escuela cuando contaba sólo quince años para comenzar a trabajar con su padre que era pintor de brocha gorda, trabajo que ejerció más de doce años.

Comenzó a pintar en San Luis, ganando varios premios en sendos concursos a los que se presentó, gracias a lo que logró el encargo de pintar un mural para la emisora de radio KMOX y una exposición individual.
En 1933 Elizabeth Green, junto a diez de sus clientes, fundaron el “Joe Jones Club”, que financió un viaje al artista a la colonia de pintores de Provincetown, en Massachusetts.


Algunos críticos de arte han clasificado sus primeras obras como típicas del estilo Midwestern Regionalista, del que fue uno de los máximos exponentes Thomas Hart Benton, mientras que otros la encuadran en todo lo contrario, como “antiregionalista”.
Durante un tiempo se dedicó a trabajar como ilustrador para algunas revistas; según Andrew Hemingway, historiador de arte, Jones fue influenciado por la pintura de los modernistas y cubistas.


Tras su regreso a San Luis, instaló su residencia en una casa flotante.
En agosto de 1935, Jones pintó una serie de murales en la Universidad Commonwealth en Mena, Arkansas .



La obra que le dio más fama fue “Trigo”, que presentó en la II Bienal de Pintura Contemporánea de América, en el Museo Whitney, realizada en 1934 – 1935.
En sus cuadros de esta época incluyó elementos revolucionarios; Jones escribió a Green, “no está pintado para desviar la atención a cualquier parte” a excepción de la lucha militante de la clase obrera, que contrasta con los artistas que creyeron en el Partido Comunista. En 1935, la revista Times, publicó una biografía sobre Jones, en la que se decía que el pintor había contribuido con una pintura al CiSixteen Cities Show, en el Museo de Arte Moderno. En ese momento, Jones se convirtió en un comunista.


De vuelta a San Luis, promovió este tipo de pensamiento en sus clases de arte en el St. Louis Artists Guild. En respuesta, el director de Seguridad Pública de la ciudad lo expulsó de la institución.

En 1936 viajó a Nueva York para asistir a un simposio organizado por los New Masses, en el que participaron, Louis Bunin (titiritero), Stuart Davis (Artista del Congreso Americano), Joseph Freeman (crítico literario y fundador de la New Masses ), William Gropper (pintor y dibujante), Jerome Klein (crítico del New York Post , y Roger Baldwin, presidente de los New Masses.
Tras esto expondría de forma individual, por primera vez en la Galería de ACA y en la Galería Walker.
En 1937, la revista Times, informó que el Metropolitan Museum de Nueva York, había adquirido uno de sus cuadros.
En 1938, igualmente Times, sigue clasificando la pintura de Jones como “proletaria” .


En 1943, durante el transcurso de la II Guerra mundial, Jones se alistó en el Departamento de Guerra de Estados Unidos en el programa de artistas de guerra; a pesar de su adscripción comunista, el presidente del programa, George Biddle le apoyó alegando que Jones estaba “dispuesto a jurar que Jones jamás perjudicaría los intereses del Gobierno estadounidense”; siendo asignado al Comando de Defensa Alaska, en Fort Richardson, en Anchorage.
En 1951, ya de nuevo en Nueva York, las nuevas obras de Jones nos muestran imágenes delicadamente coloreadas, playas, ciudades y puertos, sin asomo de tristeza o ira en ellos. Ya contaba con 42 años, perdió todo interés por el comunismo y aparta de sus cuadros los temas de guerra de clases. En ella se interesaba por delicadas líneas y colores en tonos suaves, en contra de “la preocupación por la luz y la sombra que ha victimizado arte occidental desde el Renacimiento.”


En aquel momento veía la pintura como espacio y no como objeto, buscó el humanismo no del sujeto, sino de la línea. En aquel tiempo trasladó su residencia a Morristown, en Nueva Jersey.
Murió en abril de 1963, en Morristown, de un ataque cardíaco, contaba solo 54 años de edad.


Re. trianarts


lunes, 29 de junio de 2015

Arthur Dove

centerport by arthur dove



Canandaigua, 1880-Long Island, 1946
Arthur Dove es considerado el primer artista norteamericano en crear obras abstractas. Estuvo vinculado a Alfred Stieglitz y al círculo de artistas que promovían la renovación artística en Estados Unidos
Entre. 1903 y 1907 trabajó como ilustrador en diversas publicaciones periódicas como Century y Life. Viajó a París y el sur de Francia, se sintió atraído por el fauvismo y la obra de Paul Cézanne y conoció a algunos de los artistas americanos que residían en la capital francesa, como Patrick Henri Bruce o Max Weber. Tras su regreso a Nueva York, en 1909, conoció a Stieglitz, que se convertiría en su amigo y marchante y fue quien organizó en 1912 su primera exposición individual. La obra de Dove se expuso con frecuencia en las tres galerías que Stieglitz abrió de manera sucesiva en Nueva York durante esos años: 291, Intimate Gallery y An American Place
En. 1911 se trasladó a Westport con el propósito de ganarse la vida como granjero e ilustrador. En 1921 se separó de su primera mujer y desde entonces vivió en diversas casas flotantes y barcos con la también pintora Helen Torr, hasta que en 1927, por motivos de salud, se vio obligado a reducir sus estancias en el barco a los meses de verano
La. obra de Dove se caracterizó desde 1910 por la abstracción. En ella, formas de apariencia orgánica se interrelacionaban y se superponían creando composiciones que destacaban por su movimiento y su ritmo. Su evolución estilística haría que, con el tiempo, éstas se volvieran algo más pausadas y armónicas, con una mayor tendencia a la geometría y a la bidimensionalidad. Dove se interesó por diferentes medios pictóricos, entre los que destacó su dedicación al pastel a finales de la década de 1910. Entre 1921 y 1927 prácticamente abandonó la pintura para experimentar junto a su mujer Helen Torr la técnica del collage con objetos encontrados
Museo Thyssen-Bornemisza

domingo, 28 de junio de 2015

Archibald Motley





Nació en Nueva Orleans y se crió en Chicago. Ya desde niño quiso ser artista y estudió arte en el Instituto de Chicago y en 1928 se convirtió en el segundo artista afroamericano en tener una exposición individual en la ciudad de Nueva York. En 1929 le concedieron una beca Guggenheim y se fue a París. Cuando volvió a Chicago en 1930, comenzó a pintar retratos y escenas de género de la comunidad afroamericana. Aunque no vivió nunca en Harlem lo identifican con el renacimiento de Harlem

sábado, 27 de junio de 2015

Paul Cadmus



Paul Cadmus 1904-1999 fue un artista norteamericano, conocido por sus pinturas y dibujos de hombres desnudos. Sus obras combinan elementos eróticos con crítica social, un estilo denominado realismo mágico. Pintaba con témpera y huevo una fórmula asociada a los iconos griegos. 


En 1934, estando trabajando en el Proyecto de Arte de la WPA, pintó "The Fleet In!", un cuadaro que representaba marinos de juerga, con mujeres y una pareja homosexual, fue objeto de una protesta pública y fue retirado de la galería Cocoran. La publicidad que este hecho causó ayudó a lanzar su carrera.  Tambien trabajó como ilustrador industrial pero Jared French, otro artista, se convirtió en su amante y lo convenció que se dedicase por completo al arte.

Jon Anderson, que fue su campañero durante 35 años figura en muchos de sus cuadros. 

Cadmus murió en su casa de Weston, connectucut, a edad avanzada, estaba a punto de cumplir 95 años

viernes, 26 de junio de 2015

Reginald Marsh




Reginald Marsh
París, 1898 - Dorset, 1954

Reginald Marsh nació en París el 14 de marzo de 1898. En 1900, sus padres, artistas norteamericanos, se trasladaron a Nutley, Nueva Jersey, y posteriormente a New Rochelle, Nueva York. Marsh estudió Bellas Artes en la Universidad de Yale, donde dibujaba ilustraciones para la revista The Yale Record. Tras su graduación en 1920, trabajó como dibujante independiente en Nueva York. Entre 1922 y 1925, Marsh dibujaba temas urbanos y bosquejos de obras de teatro para el Daily News y diseñaba telones y decorados teatrales en Nueva York y Provincetown, MA. Se casó con la escultora Betty Burroughs en 1923. Su primera exposición individual se celebró en el Whitney Studio Club en 1924. En 1925, Marsh estaba empleado por el New Yorker, hacía trabajos independientes para las revistas Esquire, Fortune y Life, y realizó el primero de seis viajes a Europa. En 1927, se matriculó en la Art Students League para estudiar con Kenneth Hayes Miller, George Bridgeman, George Luks, Macque Maroger, Stanley William Hayter y Mahonri Young. Marsh estudió anatomía en el Colegio de Médicos y Cirujanos de Nueva York y posteriormente escribió Anatomy for Artists. El primer matrimonio de Marsh acabó en divorcio, y en 1934 se casó con la pintora Felicia Meyer. A mediados de los treinta, a Marsh le encargaron que realizara pinturas murales para el edificio de Correos de Washington, D.C., y la Aduana de Nueva York. Aunque pintaba y exponía con regularidad, Marsh aceptó el puesto de profesor en el Art Students League en 1942. En 1943, trabajó como corresponsal artístico de la revista Life en Brasil, Cuba y Trinidad. En 1946 Marsh fue profesor invitado del curso de verano del Mills College, Oakland, California, y en 1949 fue nombrado jefe del Departamento de Pintura del Moore Institute of Art, Science and Industry de Filadelfia. Marsh murió en Dorset, Vermont, el 3 de julio de 1954.

miércoles, 24 de junio de 2015

Ron Mueck




Ron Mueck (1958) es un escultor australiano que actualmente trabaja en el Reino Unido.


Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.
En 1996 Mueck cambió hacia el “otro bando” colaborando con su suegra Paula Rego, para producir pequeñas figuras como parte de una escena que ella estaba mostrando en la Galería Hayward. Rego lo presentó con Charles Saatchi quien inmediatamente quedó sorprendido con su trabajo y comenzó a coleccionar y solicitar trabajos. Esto lo dirigió hacia la creación que le formó un nombre a Mueck, “Dead Dad” (papá muerto) que es una escalofriante e hiperrealista obra de silicona y otros materiales, del cuerpo muerto de su padre, reducido aproximadamente a dos tercios del tamaño natural. Es la única obra de Mueck que usa su propio pelo para el producto final.
Las esculturas de Mueck reproducen partes intimas del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden.1
Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.
Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Wikimedia Foundation

martes, 23 de junio de 2015

Walter Greaves

  • 1846–1930

Walter Greaves pintor y grabador británico, principalmente de escenas ribereñas, paisajes y retratos.  Hijo de un contructor de barcos de Londres y barquero.  A principios de la década de  1860, el y su hermano, conocieron a Whistler, vecino de Chelsea, y comenzaron a llevarlo en bote por el río, que era uno de sus entretenimientos preferidos. Aproximadamente  en 1863 se convirtieron en  discipulos y ayudantes en su estudio. Walter continuó con Whistler hasta la década de 1890. Había pintado antes de conocer al maestro pero su obra temprana fue considerada de estilo casi ingenuo, pero despues de conocerlo, su influencia  se hizo palpable, hasta el punto de causar confusión. Sin embargo, se reconoce una diferencia de perspectiva en las escenas del río.  

Greaves no alcanzó reconocimiento la mayor parte de su vida, hasta que fueron descubiertas unas pinturas suyas en una librería de Londres en 1910. Fueron expuestas en la galería Goupil de Londres en 1911 y en la Galería Cottier de Nueva York en 1912 y fue elogiado como un genio anónimo. Se armó una gran controversia porque algunos críticos decían que era obras de Whistler retocadas y firmadas por él,  fue defendido por Sickert.  En 1922 fue admitido en un albergue para pobres, donde vivió el resto de su vida

lunes, 22 de junio de 2015

Barnett Newman






Barnett Newman, nombre original Baruch Newman (nacido el 29 de enero 1905,Nueva York, NY, Estados Unidos y murió el 3 de julio de 1970 en la ciudad de Nueva York), pintor estadounidense  con gran influencia en los  pintores de la década de 1960.
Hijo de inmigrantes polacos, Newman estudió en el Art Students League de Nueva York y en el City College de Nueva York, donde se graduó en 1927. Trabajó en el negocio de la ropa de su padre en la década de 1930 y poco a poco comenzó a pintar a tiempo completo. En 1948 fundó, junto con William Baziotes, Robert Motherwell y Mark Rothko, una escuela llamada Subjet of the Artist , que celebraba sesiones abiertas y conferencias para otros artistas.
Newman desarrolló un estilo de abstracción mística en la década de 1940 y logró un gran avance con el lienzo "Onement I" (1948), en la que una sola raya naranja divide verticalmente un campo de color rojo oscuro. Este estilo geométrico austero se convirtió en su marca registrada. Su primera exposición individual  se celebró en la ciudad de Nueva York en 1950, despertó  hostilidad e incomprensión, pero a finales de 1950 y de los años 60 su obra había  influido en Ad Reinhardt, Clyfford Still, y en artistas más jóvenes tales como Frank Stella y Larry Poons. Una Serie de Newman de 14 pinturas llamadas "Estaciones de la Cruz",  que se caracteriza por las enormes proporciones de los lienzos y por las líneas de diversos colores que dividen aquéllos, exhibida en el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, en 1966, estableció plenamente su reputación.

domingo, 21 de junio de 2015

August Macke


Meschede, 1887-Perthes-les-Hurlus, 1914
August Macke, uno de los principales componentes del grupo expresionista alemánDer blaue Reiter (El jinete azul), vivió un período especialmente innovador dentro del arte de su país en el que, mientras se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, iban difundiéndose los sucesivos movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa. Como un verdadero contemporáneo de su tiempo, Macke supo integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de la vanguardia
Vivió. la mayor parte de su vida creativa en Bonn, salvo algunas estancias en el lago Thun, en Suiza, y varios viajes a París, Italia, Holanda y Túnez. En París, adonde viajó por primera vez en 1907, conoció la obra de los impresionistas, y poco después, en Berlín, estuvo unos meses en el estudio de Lovis Corinth. Su estilo artístico se inició dentro del impresionismo y el postimpresionismo francés y atravesó más tarde una fase fauve. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoció aKandinsky y durante un tiempo compartió la estética no-objetiva y las preocupaciones místicas y simbólicas de Der blaue Reiter
El. encuentro en París con Robert Delaunay, en 1912, fue para Macke una auténtica revelación. El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como orfismo, se impuso en su pintura a partir de entonces. Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una personal interpretación de las Ventanas de Delaunay combinadas con la simultaneidad de imágenes del futurismo italiano. El ambiente exótico de Túnez, adonde viajó en 1914 junto a Paul Klee y Louis Moillet, fue determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida, etapa en la que realizó una serie de obras consideradas como obras maestras del color
Su. carrera se vio truncada por su prematura muerte en el frente de la I Guerra Mundial, en septiembre de 1914

Museo Thyssen-Bornemisza

jueves, 18 de junio de 2015

Sámal Joensen-Mikines

landscape with mountain and reflecting water, the faroe islands by samuel joensen-mikinesview from bøur towards tindhólm, the faroe islands by samuel joensen-mikines



Sámal Joensen-Mikines (Mykines23 de febrero de 1906 — Copenhague21 de septiembre de 1979) fue el primer artista profesional de las Islas Feroe y uno de los más importantes. Frecuentemente es reconocido como el "padre de la pintura feroesa".
Nació como Samuel Elias Frederik Joensen en Mykines, una isla de difícil acceso localizada en el extremo occidental de las Islas Feroe. Añadió a su apellido el nombre de su tierra natal (una reforma ortográfica posterior cambiaría la forma Mikines por la actual Mykines), mientras que Sámal es la forma feroesa de Samuel. Mikines, como sería conocido, mostró siempre un fuerte apego a la naturaleza de su isla y a sus coterráneos.
Entre 1928 y 1932 Mikines estudió en la Escuela de Pintura de la Real Academia de Arte de Dinamarca, en Copenhague. Tras terminar sus estudios, regresó a las Islas Feroe, y después alternaría su residencia en Tórshavn, Mykines y Copenhague. Visitaba su isla natal todos los veranos. Fue en las Feroe donde encontró la mayor parte de la inspiración para sus obras, con excepción de algunos paisajes daneses pintados en la década de 1960.
Su obra muestra un inconfundible tono expresionista nórdico. Entre 1933 y 1940 el sufrimiento humano se convirtió en un tema fundamental. Mikines enfrentó la muerte de una manera muy dolorosa: su padre y tres de sus hermanos fallecieron de tuberculosis, además de que varios jóvenes de la isla —amigos, compañeros y parientes del artista— murieron en naufragios en el mar o debido a otras desgracias. Mikines se dedica a obras monumentales de tono ascético y colores oscuros que representan a dolientes en torno al lecho de muerte o al ataúd de un ser querido, o después del funeral. En esta época también realizó una serie de retratos de gente nativa de Mykines, obras que se cuentan entre su más importante y original legado.
De Edvard Munch pudo decir:
Todo el arte, literatura y música, se tiene que producir con la propia sangre del corazón. El arte es esta sangre."
Un largo viaje en 1937 fue de gran significado en su posterior desarrollo artístico. Este viaje lo llevó a BergenOslo,Estocolmo, Copenhague, La HayaÁmsterdam y París.
El 1 de agosto de 1940, Mikines se afilió al DNSAP, el principal partido nazi de Dinamarca.
Después de la Segunda Guerra Mundial, el arte de Mikines se dirigió principalmente a un lenguaje colorista, en detrimento de los contenidos expresionistas. De esta época data una serie de paisajes de las Islas Feroe, especialmente de Mykines.
De las Islas Feroe llegó a decir:
Aquí en las islas, los colores se rompen de una manera extraña por la humedad del aire, a menudo en una impresión visual difusa, que yo he experimentado, cuando mar y cielo se funden en tonos rosas y grises con brillos nacarados y cascadas de luz, y a veces en un tremendo drama atmosférico, son lanzados repentinamente e iluminan el mar, los acantilados, los verdes prados y las negras casas de la aldea. En ambos casos es al mismo tiempo una luz fuerte y suave. Es fascinante."
A mediados de la década de 1950 regresa a los temas de sufrimiento que abordaba en su juventud y produce una serie de obras importantes que representan una síntesis del expresionismo de los años 30 y el colorismo de la posguerra.
El Museo de Arte de las Islas Feroe, en Tórshavn, alberga una colección representativa de la obra de Mikines. El Departamento de Correos de las Islas Feroe ha emitido sellos postales con varias de sus obras.
Sámal Joensen-Mikines estuvo casado entre 1944 y 1952 con la artista gráfica feroesa Elinborg Lützen. Se casó de nuevo en 1954, en esta ocasión con la enfermera danesa Karen Nielsen.


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