ines

Alfred Kubin

2012-01-29T14:08:00.000-08:00

Locura

“El sueño es como un cuadro, pero hay que cuidarse de desmembrarlo de acuerdo a un sistema moral o psicológico para encontrarle una interpretación: es preferible permitirle al espectador que subsista en su genuina pureza simbólica porque la visión visible y creadora es más fuerte y fecunda que su prolijo análisis.” Alfred Kubin.

guerra

El muro del cementerio

La caza

La gran Babilonia

epidemia

Alfred Leopold Isidor Kubin (10 de abril de 1877 – 20 de agosto de 1959) Ilustrador expresionista austriaco y escritor ocasional, descendiente de ancestros checos.

Kubin nació en Leitmeritz, Bohemia, que entonces era parte del Imperio austrohúngaro. Desde 1892 hasta 1896 estudió fotografía. Entre 1898 y 1901, Kubin estudió en la escuela de arte Schmitt Reutte y en la Academia de Munich. En 1902 comenzó a colaborar con la revista satírica Simplicissimus. Ese mismo año expone en Berlín y publica su primera recopilación de dibujos el año siguiente. Produjo un pequeño número de pinturas al óleo entre 1902 y 1910 pero pronto comenzaron a predominar en su producción otras técnicas, el dibujo con pluma a tinta china se convirtió en su medio favorito, también realizó acuarelas, y litografías. Viaja, sobre todo a París, y emprende una gran amistad con Franz Kafka.

En 1911 participó junto a sus amigos Paul Klee y Franz Marc en la exposición de Der Blaue Reiter.

Se considera un importante representante del Expresionismo, destacando por sus fantasías oscuras, espectrales y simbólicas (normalmente relacionadas por series temáticas). Se han encontrado influencias, especialmente en sus obras tempranas de artistas como Francisco de Goya, James Ensor y Max Klinger.

Como Oskar Kokoschka y Albert Paris Gütersloh, Kubin compartió el talento para las artes plásticas con el literario. Ilustró obras de Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, Fyodor Dostoevsky, entre otros. Es también autor de numerosos libros, el más conocido de ellos es su novela Die Andere Seite (El otro lado, comúnmente traducida como La otra parte) (1909), una distopía apocalíptica de atmósfera claustrofóbica y absurda, con reminiscencias de los últimos escritos de Kafka. Esta novela es considerada como una de las obras maestras de la literatura fantástica en lengua alemana; así la han calificado reputados autores, como Hermann Hesse que la sitúa a medio camino entre Meyrink, Poe y Kafka.

Su trabajo literario incluye:

The Looking Box, 1925;
Of the Desk of a Draughtsman, 1939;
Adventure of an Indication Feather/Spring, 1941;
Sober Balladen, 1949;
Evening-red, 1950;
Fantasies in the Boehmerwald, 1951;
Daemons and Night Faces, 1959 (autobiografía).

Desde 1906 hasta su muerte, estuvo llevando una vida retirada en un castillo del siglo XII en Zwickledt. Kubin fue galardonado con el premio del Gran Estado Austriaco en 1951, y con la condecoración Austriaca de las Ciencias y las Artes en 1957.

Kubin ha sido una influencia determinante en uno de los cineastas más innovadores y representativos del expresionismo: Murnau. Sentía una fascinación por la obra de Kubin y en especial por su utilización irreal de la luz. La magia de muchos de sus grabados y dibujos está de hecho en la iluminación porcedente de fuentes de luz imposibles e ilógicas. En una escena del Fausto de Murnau se copia literalmente una de las ilustraciones de la novela de Kubin "La otra parte": la casa de la madre de Margarita extrañamente iluminada por la noche. Algo similar sucede en una escena de la calle en Nosferatu, también copia de otra ilustración del mismo libro.

Por su capacidad onírica Kubin ha sido considerado también de gran influencia en los pintores surrealistas, entre otros en Dalí.

Egon Schiele

2012-01-29T11:14:00.000-08:00

Su padre era jefe de estación; su madre originaria de Krumau (actualmente Český Krumlov), en Bohemia. En 1905 su padre muere y el joven Schiele es enviado a casa de un tío, el cual después de haberlo tentado inútilmente para que se dedicara a los ferrocarriles, descubre su talento artístico. Ya en esta época, empieza a pintar, en especial autorretratos.

En 1906 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Viena, donde estudió dibujo y diseño. Frustrado por el ambiente conservador y cerrado, en 1909, abandona la Academia y funda la Neukunstgruppe. Ese año conoce la nueva teoría artística del estilo Secesión vienés, en particular a Gustav Klimt, que será para siempre modelo de admiración y un maestro muy influyente para Schiele. También Klimt le tendrá mucha estima, presentándole algunos ricos mecenas, que le asegurará una cierta estabilidad financiera como debutante en la escena artística vienesa.

En 1908, Schiele expone por primera vez, siendo un gran éxito. Abandona el rígido estilo de la Academia, y gira hacia el expresionismo: Junto a los retratos de amigos y autorretratos, representará el desnudo a través de una agresiva distorsión figurativa.

En 1911 conoce a Valerie (Wally) Neuzil de 17 años con la que entabla una relación sentimental y será su modelo para algunas de sus mejores obras. Schiele y Wally deciden marcharse de Viena para tratar de conseguir la inspiración en el campo y se van a Krumau (el pueblo de su madre).

Su forma de vida choca a los habitantes, y el máximo escándalo se produce en el 1912 cuando es acusado por corrupción de menores por la edad de su joven amante. Además era corriente que tomara como modelos a los niños que se acercaban a su casa y a menudo los retrataba desnudos o en posición que parecía obscena por lo que se consideró su obra más o menos como pornográfica. La conclusión de este hecho fue el arresto, una breve estancia en la cárcel y la quema de uno de sus dibujos.

Schiele volvió a Viena, gracias a su amigo Klimt, obtuvo numerosos encargos y volvió a lo alto de la escena artística austríaca, llegando a participar en muchas exposiciones internacionales. Su producción artística se hace muy numerosa en estos momentos, en su mayoría retratos y autorretratos.

Conoció a Edith y a Adele Harms, dos hermanas de clase burguesa y tras cortejar a ambas, se casó con Edith en 1914. El matrimonio lo dotó de una nueva estabilidad y resurgió una nueva fuerza pictórica influido por la obra del pintor Ferdinand Hodler. A los pocos días sobrevino la Primera Guerra Mundial y Egon Schiele, por pertenecer a lo que se considera la élite intelectual, no es enviado al frente. En 1918 participó con éxito en la cuadragésimonovena exposición de la Secesión de Viena, además de otras exposiciones en Zurich, Praga y Dresde. En otoño de 1918 la epidemia gripe española (que causó más de 20 millones de muertos en Europa) asoló Viena. Edith, embarazada de seis meses, murió el 28 de octubre. Tres días después, el 31 de octubre de 1918, Egon Schiele murió a la corta edad de 28 años. En febrero de ese año también acabó la vida de su amigo y maestro Gustav Klimt.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utiliza una línea cortante e incisiva para exprimir su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano.

El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Al igual que otros pintores austríacos de la época como Alfred Kubin y Oskar Kokoschka, el espacio se convierte es una especie de vacío que representa la trágica dimensión existencial del hombre, en continuo conflicto entre la vida y la muerte.

Nace en Tulln, Austria en 1890
Su breve etapa creativa dura solo diez años, desde 1908, año en que expone por primera vez, hasta 1918, cuando despues de haber alcanzado la fama muere a consecuencia de la gripe española.

Su encuentro con Klimt en 1907 marca e impulsa su carrera artística- Muestra tambien interés por Kokoschka, kubin y Gerstl.

Desde 1909 desarrolla un estilo muy original, caracterizado por una linealidad elegante. Despues introduce un trazo nervioso, el uso de colores oscuros, figuras retorcidas en composiciones donde acentúa el dramatismo, el gusto por lo grotesco y una intensa carga erótica- En su época esta fuerte carga sensual se consideraría pornografía, lo que hizo su vida en Krumau muy dificil y llegó incluso a ser acusado de corrupción de menores y fue encarcelado.

Schiele experimentó una nueva forma de representar el cuerpo humano, deformado, torturado por el sufrimiento y encerrado centro de un contorno cortante.

Al estallar la primera Guerra Mundial es llamado a filas y destinado a Praga. Son años dificiles, mitigados por la presencia de su mujer Edith Harms, a la que convierte en modelo de su obra. Los horrores de la guerra y la enfermedad de su mujer producen en el una tensión entre la vida y la muerte que quedará reflejada en sus ultimas obras

Giovanni Boldini

2012-01-27T12:00:00.000-08:00

Giovanni Boldini (Ferrara, 31 de diciembre de 1842 - París, 11 de enero de 1931), fue un pintor italiano.

Fue el octavo de 13 hijos de Antonio y Benvenuta Caleffi. Su padre, nativo de Spoleto, era pintor de matriz purista, alumno de Tommaso Minardi (1787 - 1871), y restaurador; se dice que, dotado de notable técnica, hacía buenas copias de obras de Rafael y de paisajistas venecianos; de su padre recibió Zanin (como era conocido familiarmente Giovanni) las primeras enseñanzas de dibujo.

En Ferrara frecuenta desde 1858 los cursos de pintura de Girolamo Domenichini (1813 – 1891), autor de los frescos, de tradición académica, del Teatro local, y de Giovanni Pagliarini (1809 – 1878), que se impartían en el Palacio de los Diamantes; tuvo también la oportunidad de conocer bien a los grandes pintores ferrareses del Quattrocento, además de Dosso Dossi y el Parmigianino.

Verdi

Su primera obra importante fue Il cortile della casa paterna, (El patio de la casa paterna), un óleo fechado en el año 1855; le siguen, fechados a fines de la década de 1850, un Autorretrato a los dieciséis años y los retratos de su hermano Francesco, de Maria Angelini y de Vittore Carletti.

En 1862 se inscribe en la Academia de Bellas Artes de Florencia, donde fue alumno de Stefano Ussi (1822 - 1901) y de Enrico Pollastrini (1817 - 1876). Frecuenta el conocido lugar de encuentro de los artistas florentinos, el Caffè Michelangiolo, donde conoce Giovanni Fattori, Odoardo Borrani, Telemaco Signorini, Cristiano Banti, del cual es huésped en sus villas de Montorsoli y de Montemurlo, y Michele Gordigiani (1830 - 1909) y ya manifiesta su interés, que no abandonará jamás, por los salones elegantes de la aristocracia y de la burguesía, siendo huésped de la familia Falconer, para los que decora con témpera en seco, entre 1867 y el 1870, las paredes de una salita de su villa en Pistoia, "La Falconiera"; la villa será comprada en 1938 por la viuda del pintor y en ella se guardan aún un centenar de sus obras.

En el 1866 marchó a Nápoles con Banti, a quien retratará en varias ocasiones; en 1867 hace un viaje a Francia, con los Falconer: en Montecarlo pinta el Generale spagnolo ("Una de las mejores cosas de mi juventud", dirá). En París visita la Exposición Universal y conoce a Edgar Degas, Alfred Sisley y Édouard Manet.

Se establece en Londres en 1870, invitado por William Cornwallis-West, a quien había conocido en Florencia; este pone a su disposición un estudio en el centro de la ciudad, frecuentado por la alta sociedad, pero a fin de año se encontraba nuevamente en Florencia.

En octubre de 1871 se establece en forma estable en París, abriendo un estudio en la Avenida Frochol y luego a la Plaza Pigalle, donde vive con la modelo Berthe. Trabaja para el marchante más importante de París, Goupil, para quién trabajaban ya pintores de gran éxito como Mariano Fortuny y Ernest Meissonier, además de los italianos Giuseppe Palizzi y Giuseppe De Nittis. Pinta una serie de cuadros de género al gusto dieciochesco, muy de moda en la época.

Henri de Toulouse-Lautrec

En 1874 expone con éxito en el Salón de París su cuadro Las Lavanderas. Termina su relación amorosa con Berthe e inicia una con la condesa Gabrielle de Rasty, de quien expone un retrato en el Salón de 1875; en mayo retorna brevemente a Ferrara a causa de la muerte de su madre. En 1876 viaja a Alemania, donde conoce y retrata al gran pintor Adolph von Menzel, y a Holanda, donde admiró las obras de Frans Hals.

Por esos años ya estaba muy solicitado por el llamado bel mondo: en 1886 retrata por primera vez a Giuseppe Verdi sobre tela; le regalará el retrato siete años después en Milán, pero no satisfecho con el resultado lo retratará nuevamente utilizando pastel sobre papel, en 5 horas. El pintor guardó este retrato para sí, presentándolo a la Exposición de París del 1889 y en el 1897 a la Primera Bienal de Venecia, donándolo finalmente a la Galería de Arte Moderna de Roma en el 1918.

El 5 de febrero de 1887 asiste en el Teatro alla Scala de Milán al estreno del Otello de Verdi, habiendo sido invitado al palco. En 1889 es nombrado "Comisario" de la sección italiana de la Exposición Universal de París, exponiendo tres de sus retratos, uno de los cuales es el famoso Retrato de Emiliana Concha de Ossa, sobrina del embajador chileno ante el Vaticano, Luis Subercaseuse.

Su decisión de aumentar el tamaño de sus telas se atribuye a la influencia del pintor sueco Anders Zorn, a quien conoce en los años 1890. En 1892 atiende al pedido de la Galería de los Uffizi de un Autorretrato para su famosa colección de este tema, a cambio de un busto berniniano del Cardenal de Medici. Vuelve a París, donde por un año dio clases de pintura a la joven y rica Ruth Sterling.

En la primavera del 1900 fue huésped, en Palermo, de la familia Florio, para pintar el retrato de Donna Franca. La pintura no satisfizo a su marido, a causa del amplio escote y de las piernas descubiertas un poco debajo de las rodillas. El retrato fue modificado y vendido después (1928) por el enorme monto de un millón de liras. Posteriormente, el cuadro fue robado por los ocupantes nazis en París, y llevado a Alemania, donde sufrió serios daños que obligaron a cortarle su parte inferior.

En 1904 Boldini pide la mano de Alaide Banti, hija de su amigo pintor Cristiano, pero la boda no se llevó finalmente a cabo, y en París inicia una relación con la señora de Joss de Couchy.

En el inicio de la Primera Guerra Mundial, en 1914 se traslada a Niza en compañía de su modelo Lina, hasta el 1918; ya enfermo, con la vista débil, en el año 1926 conoce a la joven periodista Emilia Cardona, con quien se casa el 29 de octubre de 1929.

Murió en París, el 11 de enero de 1931. Sus restos descansan junto a los de su familia en el cementerio de Certosa de Ferrara.

Paul Delvaux

2012-01-26T14:09:00.000-08:00

Paul Delvaux (23 de septiembre de 1897 - 20 de julio de 1994) fue un pintor belga neoimpresionista y expresionista en sus comienzos, se orientó posteriormente, influenciado por René Magritte y E. L. T. Mesens, hacia un surrealismo clásico: su pintura se caracteriza por desnudos femeninos en ambientes oníricos y desdibujados, cargados de un erotismo latente y figuras idealizadas.

Nació en la ciudad de Antheit, provincia de Lieja, hijo de un abogado. Estudió entre 1920 y 1924 pintura y arquitectura en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde siguió los cursos de Constand Montald.

El joven Delvaux recibió clases de música, estudió griego y latín, absorbiendo la ficción de Jules Verne y la poesía de Homero. Toda su obra resultó influida por estas lecturas, comenzando por sus primeros dibujos con escenas mitológicas.

Estudió en la Academia real de Bellas Artes de Bruselas, aunque en el departamento de arquitectura debido a que sus padres desaprobaban su deseo de ser pintor. A pesar de ello, consiguió su objetivo, acudiendo a clases de pintura de Constant Montald y Jean Deville. Los pintores Frans Courtens y Alfred Bastien también le animaron. Sus obras de este periodo fueron sobre todo paisajes naturalistas.

Fue nombrado director de la Academia real de bellas Artes en 1965.

Es padre del importante cineasta belga André Delvaux.

En 1982 se inauguró el Museo Paul Delvaux en San Idesbaldo. Delvaux murió en Veurne en 1994.

Acabó unos ochenta cuadros entre 1920 y 1925, siendo este último año el de su primera exposición individual. Sus primeras obras estuvieron influenciadas por el impresionismo y por el expresionismo alemán que conoció a través de Gustave de Smet.

En 1934 participó en la exposición Minotauro de Bruselas junto con René Magritte, Salvador Dalí, Max Ernst, Joan Miró y Balthus, operándose en él un cambio que le llevó a destruir la mayor parte de su obra primitiva.

Las pinturas de Delvaux de finales del los años veinte y principios de los treinta, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influidos por expresionistas flamencos como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo alrededor de 1933 refleja la influencia del «arte metafísico» de Giorgio de Chirico, a quien había conocido por vez primera en 1926 o 1927.² A principios de la década de los treinta, Delvaux encontró más inspiración en sus visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantenía un stand en el que se mostraban esqueletos y una figura de Venus mecánica en un escaparate con cortinas de terciopelo rojo. Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían a lo largo de su obra posterior. A mediados de los años treinta comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compatriota belga René Magritte, así como el estilo inexpresivo de dicho pintor al presentar las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios. Encontró en James Ensor y, sobre todo, en René Magritte y Giorgio de Chirico, la inspiración de un estilo al que permanecería fiel hasta el final de su vida, calificado como realismo mágico.

Delvaux reconoció sus influencias, diciendo de Chirico, "con él me di cuenta de que era posible, el clima que tenía que desarrollarse, el clima de calles silenciosas con sombras de personas que no pueden verse, nunca me he preguntado si es surrealista o no." Aunque Delvaux se asoció durante un tiempo con el grupo surrealista belga, no se consideraba a sí mismo "un surrealista en el sentido escolástico de la palabra."⁶ Tal como dice Marc Rombaut: "Delvaux... siempre mantuvo una relación íntima y privilegiada con su infancia, que es la motivación subyacente de su obra y siempre consigue que salga a la superficie. Esta 'infancia,' que existe dentro de él, le llevó a la dimensión poética en el arte."

La fuite (1936) fue una de las primeras obras pintadas con este nuevo estilo, enriquecido durante su viaje a Italia en 1938 y con referencias a la arquitectura antigua y al tema de los paisajes desiertos con ruinas (La ville endormie, 1938).

Las pinturas de Delvaux se hicieron famosas al representar mujeres desnudas que miran fijamente como si estuvieran hipnotizadas, con gestos misteriosos, a veces reclinadas de manera incongruente en una estación de ferrocarril o vagando por edificios clásicos. A veces las acompañan esqueletos, hombres con sombreros hongos, o científicos asombrados tomados de las historias de Jules Verne. Delvaux repetiría variaciones sobre estos temas durante el resto de su larga vida, aunque pueden reconocerse algunos alejamientos. Entre ellos están sus pinturas de 1945-47, realizadas en un estilo aplanado de efectos de perspectiva forzada y distorsionada, y la serie de crucifixiones y deposiciones de la Cruz protagonizadas por esqueletos, pintada durante los años 1950.

A finales de los años cincuenta produjo una serie de escenas nocturnas, en las que hay trenes que mira una niña vista desde atrás. Estas composiciones no tienen nada que sea abiertamente surrealista, y aun así la claridad de detalle a la luz de la luna tiene un efecto de alucinación. Los trenes han sido siempre un tema de interés para Delvaux, quien nunca olvidó lo maravilloso que le pareció, siendo un niño pequeño, cuando vio los primeros tranvías eléctricos en Bruselas.

En 1959 ejecutó un mural para el Palais du Congrès en Bruselas, uno de los encargos decorativos a gran escala que emprendió Delvaux.

La técnica de Delvaux es precisa y seca. Su academicismo, voluntariamente anacrónico, acentúa por su falsa ingenuidad el erotismo latente en sus obras. En ellas se representan cuerpos femeninos estereotipados, mudos y estáticos dentro de un marco estrictamente definido, al que a veces se añade una penumbra misteriosa e inquietante, un hombre vestido (tal vez el doble del artista) que les ignora o les mira impasible.

La obra de Delvaux se conserva tanto en colecciones públicas belgas como en la Tate Gallery de Londres, el Museo Nacional de Arte Moderno de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En España, su única obra expuesta en colecciones públicas se conserva en el Museo Thyssen-Bornemisza.

En 1982 se inauguró en San Idesbaldo (Bélgica) un museo dedicado a este artista.

Laurie Raskin

2012-01-25T09:31:00.000-08:00

Recibi el MFA en Bellas Artes en el California Institute of the Arts de mediados de los setenta. He trabajado como una artista de collage y diseño gráfico. Mi trabajo ha sido desarrollado para murales, libros, revistas, telas y diseños de envases. En 1984, fui una de los 12 artistas seleccionados para crear un cartel de serie de la firma de los Juegos Olímpicos de Verano en Los Angeles. Desde mediados de los años 80 he seguido mi otra pasión centrada en el diseño arquitectónico. Después de una ausencia de 25 años de la creación artística, en 2008 regresé al collage y grabado, y se han mezclado mis dos pasiones visuales felizmente desde entonces. Actualmente trabajo en el estudio usando una prensa para realizar monotipos. Creo impresiones de edición limitada las que me gusta personalizar con toques de pintura. Siempre me atraen las imágenes gráficas, sencillas que tengan humor y belleza.

Christian Schad

2012-01-24T10:18:00.000-08:00

Christian Schad (1894-1982), como Grosz, había tenido una importante participación en el movimiento dadaísta de Zurich entre 1915 y 1920 y antes había colaborado en Die Aktion. Precisamente hablando de sus trabajos experimentales con papel fotográfico se refirió a ellos como "fotos sin cámara", algo que podría decirse igualmente de sus retratos realistas u objetivos de los años veinte, porque tanto las schadografías dadaístas abstractas como los retratos pintados descubren una realidad que la cámara fotográfica no era capaz de captar.Schad inició este tipo de retratos objetivos después de un viaje por Italia, a principios de la década. Con una factura brillante e impecable y una frialdad no menor, se interesa por personajes al margen, a los que retrata como si utilizara un bisturí en lugar de un pincel. Los mira como objetos que provocan su curiosidad, y que pueden provocar deseo. Su mirada es sobria, sin pasión, aún más fría que la de Sander. Igual que en las fotos de aquél, las personas (?) aparecen como objetos de estudio científico, dignos de interés entomológico; solos y aislados, aunque haya más de uno en el cuadro: solos, fríos y ausentes, sin capacidad para manifestar sentimientos y sin posibilidad de establecer una comunicación con otro, deshumanizados.

Arte Historia

Pierre Alechinsky

2012-01-23T11:20:00.000-08:00

Bruselas, 1927

Pintor y grabador belga.

Estudia en la École Nationale Superieure d´Architecture et des Arts Décoratifs de Bruselas, mostrando especial interés por las técnicas de ilustración de libros y tipografía. En 1949 se une al Grupo Cobra y empieza a trabajar a seis manos con Karel Appel y Dotremont: lienzos al óleo donde formas y personajes se agitan dentro de grandes multitudes. Tras la disolución del grupo se traslada a París, donde estudia técnicas de grabado en el Studio 17 con S. W. Hayter, entrando en contacto con varios calígrafos de Kyoto. Rueda una película sobre el arte de la caligrafía en 1955. El estilo de Alechinsky es vigoroso, cercano a la abstracción expresiva, y son sus motivos decorativos una constante en su obra; con elementos llenos de fantasía que se acercan al surrealismo y cuya materia fluida es propicia a su surgimiento. En 1965 abandona el óleo por el acrílico y empieza a rodear sus pinturas con notas marginales, predellas, etc, instaurando multiplicidad de narraciones paralelas. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones tanto en Europa como en Estados Unidos, y su última retrospectiva ha sido organizada por el Musées royaux des Beaux-Arts de Bélgica, en 2007.

Kenneth Armitage

2012-01-23T09:35:00.000-08:00

William Kenneth Armitage (18 de julio de 1916 - 22 de enero de 2002) fue un escultor inglés conocido por sus esculturas de bronce semiabstractas.

Armitage estudió en el Leeds College of Art y en la Slade School of Fine Art antes de unirse al Ejército Británico en 1939. Después de la Segunda Guerra Mundial, Armitage se convirtió en el jefe del Departamento de Escultura de la Bath School of Art and Design. En 1952, tuvo su primera exhibición individual en Londres y en 1953 se convirtió en el primer artista residente de la Universidad de Leeds. Armitage ganó el premio a la mejor escultura internacional en el Bienal de Venecia de 1958. Armitage apareció en el documental de 1964 5 British Sculptors (Work and Talk), dirigido por el estadounidense Warren Forma. En 1969 fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico y en 1994 fue elegido miembro de la Royal Academy.
El estilo maduro de Armitage es evidente a partir de 1952. La mayoría de sus trabajos son figuras humanas, pero generalmente están pegadas con formas de animales o muebles. Armitage también estaba interesado en el arte del Antiguo Egipto y el arte cicládico, lo que le dio a sus obras un tono arcaico.

Nikolay Pavlovich Akimov

2012-01-22T16:37:00.000-08:00

Akimov, Nikolai Pavlovich (1901–68), escenógrafo, director y diseñador sovietico que llamó la atención por sus diseños para "Armored train" de Ivanov y "Fear" de Afinogenov en el teatro de la comedia de Leningrado (1931). Se trasladó a Moscú para trabajar en el teatro Vakhtangov y fue el responsable de la famosa producción de Hamlet en 1932, en la cual Hamlet falsifica al fantasma, y Ofelia "una cosa joven y brillante", no estaba loca sino beoda, por lo cual se ahoga debido a la borrachera: la obra obtuvo diversidad de opiniones . En 1936 Akimov fue nombrado director artístico del Teatro de la comedia de Leningrado, siendo el responsable de la bella puesta en escena de Twelfth Night. En la década de 1950 luchó por crear un repertorio original, y se esforzó para que se aceptaran las nuevas comedias soviéticas. Su nombre está particularmente asociado a las obras de Shwartz. Desde 1955 hasta su muerte estuvo trabajando en el Leningrad Theatrical Institute.

"Akimov, Nikolai Pavlovich." The Concise Oxford Companion to the Theatre. 1996. Encyclopedia.com. (January 22, 2012). http://www.encyclopedia.com/doc/1O79-AkimovNikolaiPavlovich.html

Louise Abbema

2012-01-22T14:41:00.000-08:00

Nacida en Estampe, a los 18 años Louise recibió su primer reconocimiento público por el retrato de la actriz Sarah Bernhardt - que era su amante en aquella época.

Louise continuó pintando retratos de los miembros más importantes de la sociedad asi como murales para el Hotel de Ville y para la ópera de Paris.

Su obra fue exhibida en " the Women's Building" en a 1893 en la World Columbian Exposition en Chicago.

Una de la piezas expuestas fue un busto que Sarah Bernhardt le había hecho a ella. Tambien escribió para revistas como "L'Art" y "Gazette des Beaux-Arts".

A Louise la nombraron pintora oficial del la Tercera República y en 1906 recibió la Legion d'Honneur.

fuente: Matt and Andrej Koymasky Living Room - LGBT Biographies

Yelena Akhvlediani

2012-01-22T12:38:00.000-08:00

Telavi, 1898; Tbilisi, 1975.

Pintora georgiana. Desde 1922 estudió en Tiflis (ahora Tbilisi)en la Academia de Bellas Artes, Donde Georgy Gabashvili, un pintor realista, se dio cuenta de su talento. Visitó Italia y Francia donde estudió en la Academia Colarossi en Paris. Pintó Tiflis y Paris en un estilo similar, en tonos rojos y grises, recordando algo la obra de Albert Marquet. Despues de varias exposiciones en Paris, donde se mezclo con la pequeña comunidad georgiana y se hizo muy amiga de Lado Gudiashvili, en 1927 volvió a Georgia, celebrando varias exposiciones alli. Durante algún tiempo se sentía incapaz de avanzar con su arte y en 1930 se dedicó a ilustrar libros de literatura para niños para una editora - Detskaya- ilustrando obras de Mark Twain, Victor Hugo, Il’ya Chavchavadze y otros escritores. En 1928 empezó a trabajar en el teatro para el director Kito Marjinashvili, y diseñó numerosas producciones de teatro y cine en Rusia, Ucrania y Georgia.

History of Art

Roger-Noël-François de La Fresnaye

2012-01-21T11:01:00.000-08:00

Roger-Noël-François de la Fresnaye,1885-1925 FRANCES

- Aunque nació en Le Mans, donde su padre, un oficial en el ejército francés, estaba destinado temporalmente, procedía de una familia aristocrática cuyo hogar ancestral, el Château de la Fresnaye, estaba cerca de Falaise. Su educación fue exhaustiva y basada en lo clásico, fue seguida por estudios en París en la Academia Julian (1903-1904) y en la escuela de Bellas Artes (1904-1905 y 1906-1908); a partir de 1908 estudió en la Académie Ranson bajo la tutoría de Maurice Denis y Paul Sérusier, cuya influencia es evidente en sus primeras obras como Mujer con Crisantemos (1909), tiene la atmósfera de ensueño simbolista y estilización característica de la labor de la Nabis.

ROY LICHTENSTEIN

2012-01-20T17:54:00.000-08:00

Roy Fox Lichtenstein (Nueva York, 27 de octubre de 1923 – Nueva York, 29 de septiembre de 1997), pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic .

Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente, mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal, pero no creo ser impersonal mientras la realizo

Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949.

Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto, pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles, libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense, Frederic Remington.

A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva.

Escultura en el Centro de Arte Reina Sofia en Madrid, España

Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964, Galería Leo Castelli, Nueva York), son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso.

También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Ha realizado, también, obras en cerámica.

En 1993 el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países.

Una de sus obras se expone en Kunsthalle Hamburgo Alemania. Shipboard Girl, 1965.

Paul Peterson

2012-01-19T08:59:00.000-08:00

Paul nació en Viborg SD en junio de 1967. Crecer en una granja en el sureste de SD ha dado a Paul una comprensión íntima de la vida rural y una perspectiva única como artista. Los espectadores de su obra no sólo perciben un sentido de lugar, pero también experimentan los sentimientos complejos y contradictorios, a veces la experiencia de muchos habitantes de zonas rurales durante su vida. Las pinturas son coloridas, emocionales y autobiográficas espejo del sentimiento del artista, de la conexión con la tierra.

MARTINHO DIAS

2012-01-18T13:45:00.000-08:00

MARTINHO DIAS,
(1968), nació en Trofa, cerca de Oporto, Portugal, donde vive y trabaja.
Licenciado en Bellas Artes- pintura- por la Facultad de Bellas Artes de Oporto. (1996)
1. La complejidad y las múltiples facetas del mundo global son mis principales fundamentos. Seleccionando y manipulando imágenes principalmente de la prensa y revistas populares, intento crear una realidad sugerente, una nueva narrativa abierta al espectador.
3. Con la selección y manipulación de imágenes, fundamentalmente de la prensa y las revistas populares, trato de crear una nueva realidad sugerente, una nueva narrativa, abierta al espectador.
5. A lo largo de mi carrera como pintor, tambien he desarrollado vias de comunicación con diferentes culturas, como con otras áreas, particularmente con la música y los que en ella intervienen.
7. Proyectos como “Pinturas Escritas” y “Pangea” (vídeo actualmente en realización en el que intervienen entidades y cantantes de 26 países) me concederá el placer de la colaboración de Kepa Junkera, Pauline Oliveros, Peter Ablinger, Gianluigi Trovesi, Robert Rich, Eurico Carrapatoso, Amélia Muge o António Victorino d’Almeida, entre otros muchos.

-Traducido de la página del autor

Giuseppe Migneco

2012-01-17T09:50:00.000-08:00

Giuseppe Migneco nació en Messina el 9 de febrero de 1908. Pasó su infancia en Ponteschiavo, donde su padre trabajaba en el ferrocarril y su madre era maestra. Volvió a Messina para asistir a la escuela secundaria en el instituto Maurolico. En 1931 se trasladó a Milan para estudiar medicina, pero abandonó la carrera para dedicarse al arte. Para ganarse la vida hizo ilustraciones para el “Corriere dei Piccoli”, creó anuncios publicitarios, todo esto mientras continuaba pintando. Sus temas tienen que ver con su propia biografía y el estilo recuerda vagamente a Scipione o Sironi.

Su encuentro con el mundo artístico ocurrió en 1934 cuando se encuentra con Benjamin Joppolo, amigo del istituto, que le presentó a Birolli, De Grada y Sassu, que se convirtieron en amigos suyos. Gracias a los ánimos de estos amigos y su asistencia a clases de arte, empezó a respirar aires de libertad en su pintura. En 1937, fue miembro fundador del movimiento “Current” junto a Treccani Birolli Cassinari, Saau, De Grada, Valenti, Badocli y Joppolo, y a continuación se unieron Guttuso, Vedova, Morlotti, los escultores : Manzù, Fountain, Cherchi, Grosso, Brogini, Pancera y Paganin, y los críticos de arte: Anceschi, Labò, De Micheli, Silva y Bini. “Current” celebrando su primera exposición en Milan en 1939

En 1940, Migneco inauguró su primera exposición individual en la galería Genoa en a la que siguieron otras en Bottega di Corrente, en 1942 en la Galleria la Spiga etc. Cuando Italia entró en guerra fue reclutado y tuvo que detener su carrera artística hasta 1945, que reanudó con una exposición en la galería S. Redegonda di Renzo Bertoni, en Milan. Durante los años siguientes expuso en Goteborg, Boston, Paris, Stuttgart, New York, Amsterdam, Hamburgo y Zurich. En 1958, participó en la XXIX Venice Biennale.

Giuseppe Migneco murió en 1997, en Milan.

Portale Arte

Constant Permeke

2012-01-16T15:52:00.000-08:00

Constant Permeke (Amberes, 31 de julio de 1886 - Ostende, 4 de enero de 1952) fue un pintor y escultor belga, considerado el principal representante del expresionismo flamenco. Fue miembro de la colonia de artistas de Sint-Martens-Latem, junto a Albert Servaes, Gustave Van de Woestijne, Gustave De Smet y Frits Van den Berghe. Influido por el pintor renacentista Pieter Brueghel el Viejo y por James Ensor, su temática se centró en paisajes costeros y retratos de marinos y pescadores. Durante la Primera Guerra Mundial se refugió en Gran Bretaña, recibiendo la influencia del cubismo y el arte africano. Desde 1935 se dedicó también a la escultura. Su estudio de Jabbeke, cerca de Brujas, es actualmente un museo dedicado a su obra.

Bibliografía

AA.VV. (1996). Diccionario de pintura. Larousse Planeta

Eugène De Bie

2012-01-16T15:22:00.000-08:00

Eugène De Bie (1914 Watermael-Boitsfort - 1983) Artista belga.

Eugène de Bie nace en 1914 en Watermael-Boitsfort. Deja sus estudios en la Escuela de Minas para entrar en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Sus compañeros Anto Carte, James Ensor, Constant Permeke y Léon Devos le invitan en varias ocasiones a exponer con ellos con el grupo Nervia. Se hace amigo del escultor forestois Victor Rousseau, entonces director de la Academia de las Bellas Artes de Bruselas. Acabará a continuación su formación, durante dos años, en París, en la Escuela del Louvre dónde copia maesatros antiguos.

En 1947, vive durante un tiempo en Bretaña, en el puerto de Guilvinec dónde la luz lo fascinará. Su paleta va a aclararse. En 1960 vuelve a Bélgica y comparte su tiempo entre su taller belga y breton. Su obra en evolución constante, da prueba de su temor por la repetición y trata de evitar el encasillamiento cómodo en un estilo. En una perpetua investigación, va a alcanzar el sueño a través de lo fantástico.

Portail de l’histoire de l’art

Bobak Etminani

2012-01-15T13:32:00.000-08:00

"Busco la esencia, lo obviamente oculto, en lo que podría ser mayestatica belleza. Tengo la sensación de la unidad misteriosa de la naturaleza, la mayor fuente de mi inspiración. Pinto para pedir lo Inseparable, para desvelar un secreto sobre mi lienzo. Si mi oración se concede ., un universo hecho de pintura cobra vida ante mis ojos, al que doy testimonio. Por lo tanto, pinto para armonizar mi interior con una fuerza cada vez mayor, el gran gesto, que unifica todo en un solo ser, como un torbellino Sufi. "(Bobak Etminani)

Después de recibir su licenciatura en Bellas Artes por la California College of Arts and Crafts en 1991, Bobak Etminani regresó a su Irán natal para enseñar pintura. El vivir en la sociedad de transición de Irán desde hace más de una década maduró su visión artística para integrar los dos polos opuestos de la modernidad y la tradición mística, plasmado en sus pinturas recientes,The Creation Series .

Nasrotallah Moslemian

2012-01-15T12:18:00.000-08:00

El arte de Nasrotallah Moslemian tiene su base en las miniaturas persas clásicas. Sus colores brillantes, líneas curvas, y el rechazo al sistema de escala y proporciones occidentales a todos nos recuerda el modelo histórico. Moslemian ha transformado estos elementos para producir un estilo que es a la vez muy abstracto y original, una versión contemporánea de la tradición de la miniatura persa.

El principio que domina sus composiciones es el concepto de "espacio transversal". Esto se ve mucho en las miniaturas persas, y es equivalente a su espacio ideal. El espacio pictórico de Moslemian, no es ilusionista ni totalmente bidimensional, comprende subdivisiones combinadas, individuales o superpuestas. Una sección independiente pueden ser figuras que se muestran más allá de la línea del horizonte, o una tira de color con un motivo particular, o un trozo de una ilustración impresa. Las secciones son a menudo visualmente distinguibles, pero tienen una especie de interconexión conceptual. Este método de separación trae consigo algo de sensación de suspensión en el tiempo y lugar.

Moslemian a menudo hace referencia a símbolos mitológicos, y metáforas poéticas tomadas del amplio repertorio de la cultura persa. Símbolos conocidos, como la media luna, el estanque, los cipreses alargados, las aves, el cuerno de toro, y la rebanada de sandía llevan a menudo más de un significado en sus pinturas. Su media luna es una metáfora poética, y sobre todo, una herramienta cortante como una espada, y la línea de arco se convierte en el horizonte y el paso del tiempo.

Moslemian fue el ganador del premio Grand Prix en la Primera Bienal Internacional de Beijing, de 2003, y el ganador del Primer Premio en el Primer Encuentro Internacional de Teherán Bienal del Mundo Islámico, 2000.

Fuente

Farbod Morshedzadeh

2012-01-15T11:21:00.000-08:00

Farbod Morshedzadeh nació en Iran en 1974. En 2000, terminó su licenciatura en Bellas Artes en la Azad Islamic University en Teheran, Iran, famosa por ser un centro para pintores y eruditos para artistas de vanguardia no tradicional. Durante sus estudios tuvo la oportunidad de trabajar estrechamente con pintores conocidos como Moslemian y Etminani. En 2004, Farbod se fue a la India para continuar sus estudios de Género e Identidad Sexual bajo la directa supervisión del escritor y activista indio, mundialmente conocido, R. Raj Rao.

Farbod vive en Iran donde esta considerado como uno de los más importantes pintores figurativos contemporaneos del país. Tambien es profesor en Azad Islamic University in Teheran.

Michael Parkes

2012-01-14T14:07:00.000-08:00

Michael Parkes nació en 1944 en Sikeston, Missouri. Es un artista americano que vive en España. Es conocido por su estilo "realismo mágico". Está especializado en pintura, escultura y litografía. Su obra esta ampliamente disponible, ya que el autor realiza tiradas de litografías, posters, etc, tambien ha publicado nueve libros.

Parkes estudió artes gráficas y pintura en la Universidad de Kansas. Cuando era estudiante, estaba fascinado por los diversos procesos gráficos, y más tarde se convirtió en experto en el difícil medio de la litografía en color. Muchos de sus trabajos más recientes se han producido como Aurographics, en ediciones limitadas.

Su estilo único desarrollado de forma aislada, después de un período en el que abandonó la práctica del arte y se fue a la India en busca de iluminación filosófica, un lugar que él y su esposa siguen visitando cada año.

Al principio, pintó en estilo expresionista abstracto en general, común entre sus maestros. Sin embargo, más tarde empezó a dibujar y pintar en un estilo meticuloso de representación detallada. Este estilo es realista, en principio, pero a menudo utiliza la mágica, con imágenes sacadas de una serie de tradiciones como la cabalística y el tantra. Extrañas bestias misteriosos encuentros con mujeres aladas, lucha entre el bien y el mal en su conflicto eterno.

References

^ Fagan, Jenni (2007). "On looking beyond the veil: Considering Michael Parkes 'The Venus.'". Serendipity (No. 11). Retrieved October 1, 2009.
^ "Exclusive Michael Parkes One-Man Show, Nov 8th - Borsini-Burr Gallery 01.11.2008". NewsGuide.us. January 11, 2008. Retrieved October 1, 2009.
^ Lo, Kevin (February 2003). "A world of wonder: artist Michael Parkes traveled the globe in search of meaning and found it in the worlds he paints and sculpts". Art Business News (30.2): pp. 116(2).
^ "Fantasy Art has a Real Audience". Art Business News. June 1, 2005.
^ "Michael Parkes - Summary Bibliography". The Internet Speculative Fiction Database. 2008. Retrieved October 1, 2009.
^ "Select Focus: Michael Parkes". Fine Arts Magazine: pp. front cover, pp. 92–93. Sep/Oct 2004.
^ Lengel, Kerry (March 14, 2007). "Contemporary troupe finds the fun in dance". The Arizona Republic.
^ "Interview: Michael Parkes and the Venus Painting" (video). April 16, 2007. Retrieved October 1, 2009.
^ Beyer, T.R., Jr. 33 Keys to Unlocking the Lost Symbol: A Reader's Companion to the Dan Brown. ReadHowYouWant.com, 2010. pp 60-63.
^ Daniel Burstein, Arne De Keijzer. Secrets of the Lost Symbol: The Unauthorized Guide to the Mysteries Behind the Da Vinci Code Sequel. Harper Paperbacks, 2010. pp. 288-293.
^ "Chesley Awards and Nominations: Michael Parkes (1944-)". Artcyclopedia. May 8, 2006. Retrieved October 1, 2009.
^ ""The Court Painter" Association of Science Fiction & Fantasy Artists (ASFA) - Best Product Illustration Nominee". October 2002. Retrieved October 1, 2009.

ISABELLE PLANTE

2012-01-14T12:51:00.000-08:00

Isabelle Planté nació en Pau, sur de Francia. Tuvo su primera exposición en Tahití en 1974. Los colores de sus cuadros tienen mil matices, pasan de la figuración a la fantasía. Su arte entra en una tierra de misterio, como si la artista intentara a través de sus lienzos descubrirnos un mundo desconocido.

Con un perfecto dominio de la composición y la perspectiva, Isabelle hace malabares con la proporción como un mago. Es nuestro mundo, el mundo en que vivimos, pero lo sentimos con una percepción diferente, ella entra en él con la intuición de una pintora que revela las verdades ocultas. Nuestro mundo está tan angustiado que tal vez ha descuidado la comtemplation estética

Isabelle es una artista provocadora que nos desafía. Detrás de cada tela, sus ojos burlones nos miran, se ríe de nuestra reacción, y se pregunta que hemos visto y lo que hemos sentido.

En nuestro mundo pragmático, su obra nos enseña a soñar en una búsqueda incansable, que nos haga sentir al otro lado del escenario, nos impulsa a ver más profundamente a la gente y las cosas. Ella revela las múltiples facetas de la belleza y, en un estallido de color, da a luz a la vida. Como ella dijo: "Cuando el ojo ve sin ver, cuando se convierte en un simple sirviente del pensamiento, cuando todo se vuelve mágico, ¡Oh, el poder fantástico de la pintura".

When the eye sees without seeing, when it becomes merely the simple servant of thought, when all becomes magic, Oh, the fantastiWhen the eye sees without seeing, when it becomes merely the simple servant of thought, when all becoWhen the eye sees without seeing, when it becomes merely the simple servant of thought, when all becomes magic, Oh, the fantastic power of painting”.mes magic, Oh, the fantastic power of painting”.c power of painting”.

Alain Bonnefoit

2012-01-14T11:05:00.000-08:00

Alain Bonnefoit es un artista pintor y escultor francés, nacido el 18 de mayo de 1937 en Montmartre, París. Tiene estudio en París y en Florencia

En la década de 1950² Alain Bonnefoit , estudió en París en la Escuela de Artes Aplicadas (de 1953 a 1955)y en la Escuela de Bellas Artes (1956-1957). Posteriormente se trasladó a Bruselas para estudiar grabado y escultura en la Academia Real de Bellas Artes⁵ (1959-1960). De regreso en París el año 1962, fue alumno de Antoniucci Volti que le influyó en su gusto por el retrato del cuerpo femenino.

En 1963 viajó a la Toscana, profundamente impresionado, decidió abrir allí su segundo estudio y desde entonces reside en Florencia parte del año

MARIONA BRINES

2012-01-13T09:17:00.000-08:00

Vilmos Aba Novák

2012-01-12T10:54:00.000-08:00

Vilmos Aba Novák, (nacido el 15 de marzo de 1894 en Budapest, Hung.-murió 29 de septiembre de 1941 en Budapest), pintor y grabador, fue uno de los talentos más originales y controvertidos de la pintura moderna húngara .

De 1912 a 1914, Aba Novák estudió en la Escuela de Bellas Artes de Budapest. Luego trabajó en las colonias de artistas en Szolnok y en Nagybánya (ahora Baia Mare , Rom.). Desde 1928 a 1930 fue becario en la Academia Húngara de Roma, y desde 1939 enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Budapest.

Su estilo combina elementos de expresionismo con los del novecento italiano . Sus composiciones dinámicas y el uso de colores fuertes transmiten un sentido de lo fantástico, el mundo de la feria de pueblo y el circo fueron sus temas favoritos. Aba Novák recibió numerosos encargos de frescos del Gobierno de Hungría y de las iglesias a través de Hungría (en particular los frescos de la iglesia católica en Jászszentandrás, en la Puerta de los Héroes en Szeged , y en el Mausoleo de San Esteban en Székesfehérvár). Ganó el Premio del jurado en la Gran Exposición Universal de París en 1937 y el de la Bienal de Venecia en 1940. Sus pinturas se encuentran en la Galería Nacional Húngara ya en otras colecciones públicas, así como en varias colecciones privadas.

Fuente-Enciclopedia Británica

Edward Kienholz

2012-01-10T14:47:00.000-08:00

1927 - 1994

El arte de Edward Kienholz es su acusación de lo que el veía como la hipocresía y la inmoralidad de la vida contemporánea. Nacido en Fairfield, Washington, se crió en una granja en la parte oriental del estado. En su juventud aprendió carpintería y mecánica. Después de una serie de trabajos, Kienholz se estableció en Los Angeles, donde se involucró en las artes.

Junto con otros artistas de vanguardia de la zona, abrió galerías de arte, siendo la más notable la Galería Ferus. A pesar de su falta de formación artística formal, comenzó a emplear sus conocimientos de mecánica y carpintería en la fabricación de pinturas y relieves collage montados a partir de materiales recuperados de las calles y aceras de la ciudad. En 1960 se retiró de la Galería Ferus para concentrarse en su arte, creando grandes cuadros sobre el medio ambiente. Los ensamblajes de Kienholz creados con objetos encontrados - detritus de la vida moderna, a menudo incluyendo figuras del elenco de la vida - a veces vulgares, brutales y espantosos, se enfrenta al espectador con preguntas acerca de la existencia humana y la inhumanidad de la sociedad del siglo XX. Debido a su tono satírico y anti-establishment, sus obras han sido a menudo vinculados al movimiento de arte de funk con base en San Francisco en la década de 1960.

En la década de 1970, Kienholz recibió una beca que le permitió trabajar en Berlín con su esposa y colaboradora, Nancy Reddin. Su trabajo ha sido ampliamente aclamado, especialmente en Europa. En 1973, y Reddin y Kienholz se mudaron de Los Angeles a Esperanza, Idaho y durante los siguientes veinte años dividieron su tiempo entre Berlín y Idaho. Kienholz murió en Idaho en 1994.

History of Art

Fernand Khnopff

2012-01-10T13:01:00.000-08:00

Fernand Khnopff (Grembergen-lez-Termonde, 1858- Bruselas, 1921), fue un pintor belga cuya obra entronca con el Simbolismo y la estética decadente.

Fernand Khnopff nació en Grembergen-lez-Termonde en 1858, en el seno de una familia relacionada con Francisco José de Austria y la nobleza rusa. Influenciado seguramente por el ambiente familiar, inició estudios de derecho en la Universidad de Bruselas, pero pronto los abandonó para ingresar en la Academia de Bellas Artes, bajo la tutela de Xavier Mellery, pintor que orientó al joven Khnopff hacia la estética simbolista. En 1877 viajó a París, ciudad donde pudo admirar las obras de Delacroix, Gustave Moreau y los prerrafaelitas. Hay que destacar sobre todo la influencia ejercida por Edward Burne-Jones, pintor con quien Khnopff tendrá una estrecha relación en vida, como atestigua el Estudio Femenino de 1896, que incluye una dedicatoria al pintor británico.

Tras la estancia parisina, Khnopff participó activamente en la intensa actividad artística de Bruselas, en pleno apogeo durante el fin de siglo XIX, como lo prueba el hecho de que fuese uno de los fundadores del círculo de Los XX en 1883. Como parte de la cultura finisecular europea, también se interesó por el ocultismo, colaborando activamente con el Primer Salón Rosacruz, organizado por el místico Joséphin Péladan en 1892, así como en posteriores ediciones del mismo. Durante su vida Khnopff llegó a ser considerado un auténtico árbitro del gusto y las tendencias artísticas de Bruselas, siendo capaz de compaginar sus cuadros más personales y crípticos con refinados retratos de la sociedad belga de su tiempo, incluyendo la más cercana a la Realeza. Pruebas de la importancia de su papel son su exposición individual de la Hannover Gallerie de Londres, su colaboración con la revista The Studio, y sobre todo el enorme éxito de crítica que obtuvo su obra en la Secession Vienesa de 1898, con el que presentó su obra a la Viena finisecular, otro foco cultural enorme durante el fin de siglo. En 1900 se hizo construir en Bruselas una vivienda siguiendo planes completamente propios, distribuida en espacios estéticos organizados con los mismo criterios que su obra. El resultado fue una casa espaciosa y calma, en la que las estancias se distribuían supeditándose al estudio, habitación principal y lugar de trabajo de Khnopff concebido como un templo al Arte, decorado a tal efecto con emblemas, símbolos y diversos objetos alusivos a la creación artística. La casa fue demolida en 1930 con el consentimiento de la familia.

Durante la Primera Guerra Mundial permaneció en Bruselas, donde su natural inclinación a la soledad se convirtió en una consciente auto-reclusión ante los horrores de la guerra. Tras el conflicto el Simbolismo dejó de ser vanguardia definitivamente, y el artista es relegado a un relativo olvido.

Fernand Khnopff murió en Bruselas el 12 de noviembre de 1921.

La obra de Fernand Khnopff se integra plenamente en la cultura europea finisecular, y por lo tanto participa de una manera de representar relativamente específica, participante de las búsquedas estéticas de su tiempo y que en líneas generales se conoce como Simbolismo, aunque el término no pueda definirse de forma concreta, puesto que no se desarrolló de manera unitaria, y se desplegó en diferentes manifestaciones según las distintas vías de expresión del arte. A pesar de la dificultad de definición del Simbolismo, sí que pueden registrarse en el arte de Khnopff ciertas maneras de representar comunes a esta tendencia, principalmente la huida y negación del mundo cotidiano material y la consiguiente construcción de mundos propios a través del arte, poblados de los aspectos no tangibles de la existencia: todo aquello que aunque no se perciba sensorialmente no es menos real, lo onírico, lo oculto, etc. Los cuadros de Khnopff construyen la realidad a base de metáforas, que son las verdaderas protagonistas de unos lienzos que comunican a algo más allá de la propia superficie pictórica. El cuadro es un vínculo entre el yo del espectador y el del artista, y su contenido siempre habla de algo que no se percibe con un juicio técnico o formal de la obra. Esta cualidad del arte de Khnopff es en realidad algo común a los artistas finiseculares, y de hecho es lo que permite la agrupación bajo el término Simbolismo de manifestaciones artísticas a priori muy diferentes. A Khnopff se le ha acusado a menudo se ser demasiado difícil, puesto que en sus cuadros las alegorías y analogías que se desarrollan aluden a aspectos muy particulares del yo del artista, que mezcla y entrelaza las fuentes de sus símbolos en un mismo lienzo, consiguiendo así una obra laberíntica de casi imposible interpretación. Pero en el caso de Khnopff la forma no se altera en pos de una mejor expresión del símbolo o de la metáfora en que se convierta el cuadro, caso de los finiseculares más cercanos al Expresionismo como Edvard Munch o James Ensor. Al contrario, la técnica de Khnopff es de lo más preciosista, minuciosa y fotográfica. Con ello se gana en peso simbólico, puesto que el símbolo se comunica mejor a través de una forma reconocible.

Josep Guinovart i Bertran

2012-01-10T12:06:00.000-08:00

Josep Guinovart i Bertran. (Barcelona 1927–2007) fue un pintor, dibujante y grabador de Cataluña
Josep Guinovart, «uno de los más destacados pintores españoles de los últimos 50 años», según el crítico Daniel Giralt, y una referencia entre los artistas del 'exilio interior' que encendieron la llama de las manifestaciones artísticas renovadoras en la larga noche del franquismo

Josep Guinovart nació en Barcelona el 20 de marzo de 1927. Con sólo 14 años ingresó en la Escuela de Maestros Pintores, donde trabajó como pintor de paredes; pasó después por Artes y Oficios y la Llotja en Barcelona. En 1952 marchó a París para seguir sus estudios con una beca del Gobierno galo; es la época en que estudian allí Pablo Palazuelo, Eduardo Chillida y Antoni Tàpies, con el que no tardaría en reunirse, una vez de vuelta en Barcelona, dentro del grupo Dau al Set y desde 1955 en el grupo Tahüll; también allí coincide con Modest Cuixart, muerto a finales de octubre. En 1959 pintó unos bocetos para la II Bienal de Teatro de Barcelona y los decorados de la obra teatral 'Fuenteovejuna'. Participó también en las bienales de Sao Paulo (1952), de Alejandría (1955) y de Venecia (1958 y 1962).

El abstracto

En esa época surge el Guinovart abstracto. En 1980 presentó tres muestras a la vez en Madrid y al año siguiente logró el Premio Ciudad de Barcelona. Después llegaron los reconocimientos internacionales tras presentar, en 1982, en Nueva York un mural de 36 metros. Un año después, recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Ginovart celebró su última antológica en 2002 en La Pedrera, de Barcelona, pero es en la localidad leridana de Agramunt, donde pasó la Guerra Civil y los primeros años de la posguerra, donde un museo lleva su nombre, Espai Guinovart.

José María Sicilia

2012-01-09T12:12:00.001-08:00

José María Sicilia (1954)
Madrid

La pintura española de los ochenta tiene en José María Sicilia a uno de sus representantes más internacionales. El trabajo del pintor madrileño supo abrir nuevas vías expresivas mediante lenguajes que ya habían gozado de momentos anteriores de esplendor. El Informalismo y aires procedentes del Neo Expresionismo alemán se manifiestan en el juego que establece entre materia y textura. Pero Sicilia es un mundo que evoluciona, que cambia. La importancia de la superficie le permite crear universos translúcidos en los que apenas se puede adivinar la presencia de objetos como sombras. El ámbito de trabajo no queda reducido a la tela y el óleo. Lápices de colores, acuarela, graffito y toda la variedad imaginable de las artes gráficas se ponen al servicio de su creatividad.

La formación de Sicilia comienza en la Escuela de Bellas Artes de Madrid pero la estancia en París que inicia a partir de 1980 es la que le permite desarrollarse como artista. En 1982 consigue su primera exposición individual en la Galería Trans/Form de París y la Galería Fernando Vijande le acoge en 1984 en su primera individual española. En estos primero momentos Sicilia se muestra como un artista que mantiene la figuración con un tratamiento cercano a la fuerza gestual y matérica del Informalismo y el Expresionismo Abstracto americano. El interés reside en lo puramente plástico, eliminando cualquier tipo de significación dramática.

El año 1985 marca un giro en su estilo. Se instala en Nueva York y la Abstracción irrumpe en la obra pictórica. La tradición pictórica europea se fusiona con las corrientes abstractas que tanto éxito tuvieron en los años cuarenta y cincuenta estadounidenses. Sicilia muestra a finales de los ochenta que domina el trabajo de la materia con virtuosismo y suntuosidad.

Los noventa inauguran una nueva forma de hacer. El soporte se convierte en protagonista. Mediante la combinación de lienzo y papel encerado consigue que el acrílico transparente objetos que se reducen a meras sombras. La delicadeza y poesía que logra en tales obras elevan un grado más la calidad de su pintura.

José María Sicilia es uno de los principales renovadores del panorama artístico español de los ochenta que ha sabido reinventarse a sí mismo sin caer en la monotonía. Ha alcanzado un estilo personal e intransferible que homologa la calidad de su trabajo haciéndole imprescindible en multitud de centros y museos de Arte Contemporáneo nacionales e internacionales.

Fuente- Arte Selección

Margarita Georgiadis

2012-01-08T14:48:00.001-08:00

Margarita Georgiadis nació en Sydney, Australia, en 1968. La muerte de su padre la produjo una fuerte confrontación entre la vida y la muerte, lo que la llevó a profundizar en el estudio de bases filosóficas, las cuales transmite a traves de su obra

Para Margarita Georgiadis, el proceso de pintar se asemeja al de escribir un libro. En su obra descubrimos un testimonio de vida que encuentra resonancia a través de su desarrollo. Cada una de sus pinturas se relaciona con su obra completa, pero cada una de ellas explora un periodo particular o faceta de experiencia que se cristaliza por el título y da una sensación de episocio o capìtulo, similar al de una viñeta en un relato.
La metodología de giorgiadis se basa en la autobiografía, pero ella piensa que lo personal es universal. Su obra funciona como una representación de nuestros impulsos humanos mediante una exploración filosófica. Guiada por escritos de física y psicología, sus investigaciones siempre atraviesan una diversidad de esferas antes del proceso físico de pintar que le da la oportunidad de aclarar la relación entre pensamiento y emoción

El acto de creación provocada por la investigación de la artista, busca la resolución momentánea de su expresión en el lienzo. Es sólo una reflexión, sin embargo, cuando la artista y el espectador son uno, es posible comprender lo que se ha aprendido.

Manel Anoro

2012-01-08T13:22:00.000-08:00

Manel Anoro es un pintor nacido en Barcelona el 13 de junio de 1945. Su extensa obra se encuentra repartida principalmente por Estados Unidos y, en menor proporción por España, otros paises de Europa y Japón.

Su infancia transcurre entre modas y modelos en el taller de modisteria de su madre en Barcelona – Hostafrancs. Es en el colegio de párvulos donde ya descubre el poder apabullante que tienen los dibujos y caricaturas irónicos -sarcásticos- sobre profesores y alumnos. Esta actitud de describir con sencillos y rápidos dibujos el entorno y situación de cada momento de su vida, es algo que ya no abadonó jamas.

Cursa primero estudios de agricultura en Barcelona (Ingeniero Técnico en Explotaciones Ganaderas - 1965) y posteriormente se licencia en Ciencias Económicas por la Universidad de Barcelona. En el segundo curso de dicha carrera es expedientado y expulsado de la Universidad, por su activa participación en la lucha contra la dictadura de Franco (1968). Trabajó como Técnico de Sistemas en IBM Barcelona durante varios años.

Su primera exposición es en Barcelona en el año 1984, y desde entonces ha realizado 31 exposiciones individuales en Estados Unidos, 23 en España, 6 en Europa y 4 en el Japón. Aparte, ha participado en Ferias Internacionales (Miami, New York, Los Angeles, Chicago, Madrid, Barcelona) y en un gran número de exposiciones colectivas.

Su obra está actualmente muy centrada en la descripción de ambientes que le atraen especialmente: barrios de Cuba, pueblos de Senegal, paisajes de Marruecos o Menorca (donde tiene su segundo estudio). El desnudo es otra de las constantes de su carrera y sus últimos cuadros en este género acostumbran a representar dos modelos posando en conjunto.

Esta es una declaración del propio artista, acerca de Matisse, que define acertadamente su actitud de complacencia con su retina:

«...creo que Matisse, en oposición a la mayoría de los artistas de su generación -entre ellos Picasso- mantuvo una lucha titánica consigo mismo, al querer, por un lado, ser alguien innovador en el mundo del arte, y por otro no poder evitar que aflorara en él esta sublime complacencia, esta plácida conformidad, que provoca el estar de acuerdo que las cosas, que la imagen que percibimos de esas cosas, sean como son y no de otra manera»

Hans Hofmann

2012-01-08T11:46:00.000-08:00

Equinox

Hans Hofmann (1880-1966) es una de las figuras más importantes del arte americano de posguerra. Famoso por sus exuberantes lienzos, llenos de color y reconocido como un maestro influyente para generaciones de artistas-primero en su Alemania natal, y luego en Nueva York y Provincetown Hofmann-desempeñó un papel fundamental en el desarrollo del expresionismo abstracto. Como profesor llevó a América el conocimiento directo de la obra de un célebre grupo de modernistas europeos (antes de la Primera Guerra Mundial había vivido y estudiado en París) y desarrollado su propia filosofía del arte, que expresó en los ensayos que se encuentran entre los mas debatidos y atractivos de la pintura en el siglo XX, entre ellos "The Color Problem in Pure Painting—Its Creative Origin."" Hofmann enseñó arte durante más de cuatro décadas, y entre su impresionante lista de estudiantes sobresalen Helen Frankenthaler, Red Grooms, Alfred Jensen, Wolf Kahn, Lee Krasner, Louise Nevelson y Frank Stella . Como artista Hofmann exploró sin descanso la estructura pictórica, las tensiones espaciales y las relaciones de color. En sus primeros retratos hechos en los primeros años del siglo XX, sus escenas interiores de la década de 1940 y sus lienzos de finales de 1950 y principios de 1960, Hofmann llevó a su pintura lo que el historiador de arte Karen Wilkin ha descrito como una serie " que va desde una acumulación de trazos sueltos de su técnica "push and pull" ...a unos quebradizos arreglos rectangulares...pero eso de alguna manera parece menos importante que su uniforme intensidad, su energía y su consistencia física"

Hofmann pensó que el acto de pintar comportaba significaciones psicológicas. Se distingue de la pintura pesimista de los expresionistas abstractos de su época por la expresión de su alegría de vivir.

fuente- Pagina web del artista

Marc Schimsky

2012-01-08T10:27:00.000-08:00

Marc Schimsky comenzó a pintar y a dibujar en la escuela secundaria. En la universidad, se especializó en educación artística con un enfoque en el grabado, pintura y el diseño. De 1969 a 1970, estudió italiano, historia y cultura en la Universidad de Siena, Italia, y asistió a clases de pintura al fresco y escultura en el Instituto Statale d'Arte di Duccio di Buoninsegna. Durante ese tiempo, vivió en las afueras de las murallas medievales de Siena, más allá de "San Domenico" en una zona residencial por debajo de la famosa "Fortezza Medicea." Su aventura en Italia reforzó su deseo de dedicar su vida al arte y a la enseñanza.

Mientras trabajaba en su master en el Pratt Institute en 1976, Marc recibió una beca de Clare Romano-Ross, un innovador del proceso de colagrafía, en el Pratt Graphics Center cerca de Union Square en Nueva York. Fue durante este tiempo, cuando le enseñaron las posibilidades de las técnicas mixtas. Veinte años después, en 1996, Schimsky recibió el premio“Power of Art” de la fundación Robert Rauschenberg que le dio la oportunidad de visitar brevemente con el famoso artista POP contemporáneo Robert Rauschenberg, la Escuela de LAB en Washington, DC . Inspirado por la personalidad de Rauschenberg y al ver sus cuadros en la colección de Meyerhof en la Galería Nacional de Arte, Schimsky se interesó en experimentar con materiales que se piensan normalmente incompatibles con el plano del cuadro y comenzó una serie de obras en técnica mixta que comunicaban memoria y abandono.

Desde el año 2001, Schimsky se ha dedicado a la pintura al óleo y acrílicos. En los últimos 4 o 5 años, sus obras son cada vez más representativas. Sus pinturas tienen que ver principalmente con asuntos de lugar, tiempo y una fascinación por la gente. Estos temas son explorados a través de la utilización de colores vivos, pincelada suelta pero con la ilusión de movimiento. Sus préstamos se encuentran en la fotografía, muchas veces desdibuja partes de sus personajes como si tratara de que se congelen, marcando el momento fugaz de una experiencia familiar. Lo hace con la esperanza de revelar algo misterioso o mágico en sus personalidades.

Marc siempre ha sido un gran admirador de las obras de Hans Hofmann, Max Beckmann, deKooning Willem, Francis Bacon, Manel Anoro y los pintores de Bay Area de San Francisco, Elmer Bischoff, Theo Brown, Wonner Paul y Richard Diebenkorn. Estos artistas han influido profundamente en su forma de ver el mundo.

Willem de Kooning

2012-01-07T13:31:00.000-08:00

Willem de Kooning (1904-97), Incluso mas que su contemporaneo Jackson Pollock, inició una libertad, una energía urbana mayor en el arte moderno americano. Polock fue famoso como "action painter", y su fama, como dijo de Kooning, rompio el hielo para los artistas americanos- pero el estilo de Pollock es, de hecho clasicamente ordenado, una visión de la naturaleza (pintó mejor en la Long Island rural), en la que insistía "no hay caos, maldita sea!"- El caos está en de Kooning

Nacido en Rotterdam, llegó ilegalmente a los Estados Unidos en 1936. De Kooning era caustico, áspero, de mente turbia. Sus pinturas con contraste con las de Pollock o Rothko, son reconocibles como de "estilo tradicional europeo" Los cuadros de de Koonig parecen como si fueran pintados por las manos de un gigante, sin embargo los colores rosas y azul marino extendidos a lo ancho del cuadro resultan inesperadamente delicados. Es el más grande colorista despues de Matisse

El mentor de de Kooning en Nueva York fue el artista armenio Arshile Gorky; las clásicas abstracciones de de Koongin como Attic /1949) sugieren formas rotas, aplastadas, clavadas al plano mundo de la pintura, tomadas de las ideas de Gorky pero endureciendolas

De kooning describió el motivo figurativo de su pintura no como una representación sino como una cosa solapada en el lienzo, liberándolo de ansiendades formales. En Mujer I " yo hice una cosa para mi, eliminé la composición, los arreglos, relaciones, luz, porque ese motivo era la única cosa que quería hacer, pensé que podría tambien dar la idea que tiene dos ojos, nariz, boca y cuello"

Los ojos tan grandes como granadas, los dientes sonriendo vilolentamente, miembros grandes, pechos grandes como montañas- esta mujer es exagerada, fisicamente absurda y al mismo tiempo no existe en absoluto, un monstruo vomitado por la fantasía, un crudo grafito que le llevó dos años de angustia pintarlo. Piernas de un color rojo y amarillo, faldas blancas con manchas, las nubes blancas de los senos flotan en la mente de de Kooning como un apocalipsis remoto como la novia que cuelga sobre los solteros en el gran vidrio de Duchamp

Es una balada de frustración sexual. Si se tuviera que visualizar la relación de de Kooning con la mujer, te lo imaginarías intentando mantener una conversación cortés, o haciendole caso omiso sentado frente a ella en el metro, mientras el deseo le golpea el cerebro

Es una pintura cómica, en contraste con la visión trágica de un Rothko o un Pollock tardío, pero sería perder el punto de verlo como "figurativo" en el sentido británico, por el contrario, abre nuevas áreas del erotismo a la vida cotidiana al arte abstracto. Comparenlo con Bacon o Freud y comparen a que distancia está esta pintura de la meláncolica figuración tradicional. No hay un cuerpo aqui. La mujer es una mujer en la mente del artista- una fabulación de color y pincelada, con el salpicado y lanzado de pintura nos esta diciendo claramente que es una visión con furia sexual

Corneliu Baba

2012-01-07T10:10:00.000-08:00

Corneliu Baba (, 18 de noviembre 1906, Craiova , 28 de diciembre 1997 - fue un pintor rumano, ante todo un retratista , pero también se conoce como pintor de género e ilustrador de libros .

Tras haber estudiado con su padre, el pintor académico Gheorghe Baba, Baba estudió brevemente en la Facultad de Bellas Artes de Bucarest. Su primera exposición pública fue en 1934 en la ciudad balneario de Băile Herculane , lo que lo animó ese mismo año a estudiar con Nicolae Tonitza en Iasi , con el fin de recibir un diploma en Bellas Artes por la facultad en Iasi en 1938, donde fue nombrado asistente de la Cátedra de Pintura en 1939 y profesor de pintura en 1946.

Poco después de su debut oficial en 1948 con una pintura titulada El jugador de ajedrez en el Salón de Arte de Bucarest, fue arrestado y brevemente encarcelado en la prisión de Galata en Iasi. Al año siguiente, fue suspendido sin explicación de su posición en la facultad y se mudó de Iasi a Bucarest.

A pesar de una relación inicialmente incómoda con las autoridades comunistas que lo denunciaron como formalista , Baba pronto se estableció como ilustrador y artista. En 1955 se le permitió viajar a la Unión Soviética , y ganó una medalla de oro en una exposición internacional en Varsovia , Polonia . En 1956, Baba expuso El jugador de ajedrez y otros dos cuadros en la Bienal de Venecia , después los cuadros viajaron a exposiciones en Moscú , Leningrado , y Praga

En 1958, Baba fue nombrado profesor de pintura en el Instituto de Nicolae Grigorescu de Bellas Artes de Bucarest, donde Niculiţă Secrieriu y Câlţia Ştefan estaban entre sus alumnos. El mismo año recibió el título de Emérito Maestro de Arte. En ese momento, sus problemas anteriores con las autoridades comunistas parecían haber sido suavizadas. En la siguiente década, expuso por el mundo, participando en exposiciones en lugares tan diversos como El Cairo , Helsinki , Viena y Nueva Delhi , que culminó con una exposición individual de 1964 en Bruselas . En 1962, el gobierno rumano le dio el título de Artista del Pueblo , en 1963 fue nombrado miembro de la Academia Rumana , y en 1964 fue honrado de manera similar con el East Berlin Academy of Fine Art

Siguió con honores y exposiciones, que van desde una exposición individual de 1970 en Nueva York a la recepción de una decoración Estrella Roja en 1971. Mientras que su nombre se convirtió en una palabra familiar en Rumania y, en menor medida, en todo el bloque oriental , nunca alcanzó una fama comparable en occidente .

En 1988, Baba resultó herido gravemente por un accidente en su estudio, y fue inmovilizado durante varios meses. Poco antes de su muerte en 1997, Baba publicó sus memorias, notas por un artista de Europa del Este. Se le concedió a título póstumo el Premio a la Excelencia por la Fundación Cultural Rumana .

Tal vez pasado de moda para un pintor del siglo 20, Baba trabajaba conscientemente en la tradición de los viejos maestros , aunque, desde el inicio de sus estudios con su padre, también fue influenciado por el expresionismo , art nouveau , el academicismo y los "remanentes" del impresionismo . El mismo Baba citaba a El Greco , Rembrandt y Goya como influencias particularmente fuertes.

Casi todo el trabajo de Corneliu Baba permanece en Rumanía. Casi no hay ni un museo impotante en ese país que no tenga algun cuadro de este artista. Entre sus obras más notables son un retrato de 1952 de Mihail Sadoveanu (ahora en Bucarest, Museo Nacional de Arte ) y un retrato de 1957 de Krikor Zambaccian , (ahora en el Museo Zambaccian , también en Bucarest). Una de sus pocas piezas en exposición pública fuera de Rumania es una escena de grupo titulada Miedo, ^] en el Museo Szépművészeti en Budapest

A lo largo de los años 1970 y 1980, Baba hizo una extensa serie de pinturas de arlequines y "reyes locos", la mayor parte de estos últimos se mantuvieron en la colección personal del artista hasta su muerte

References

Susara, Pavel, Corneliu Baba, London: Parkstone, 2001. ISBN 1-85995-745-5. (The author's name is properly Şuşară, but the English-language edition of the work renders it without diacritics.)
Pavel Susara, "Un Pictor din Est?" ("A painter from the East")
- Part I, Observator Cultural Nr. 104 19–25 February 2002. Accessed 9 July 2006. (Romanian)
- Part II, Observator Cultural Nr. 105 26 February - 4 March 2002. Accessed 9 July 2006. (Romanian)
- Part III, Observator Cultural Nr. 106 5–11 March 2002. Accessed 9 July 2006. (Romanian)

Johannes Theodor Baargeld

2012-01-07T09:30:00.000-08:00

Enlace del MOMA

http://www.moma.org/explore/multimedia/audios/29/717

Johannes Theodor Baargeld o Zentrodada, de nombre civil Alfred Ferdinand Gruenwald, (9 de octubre de 1892 en Stettin—18 de agosto de 1927 en Mont Blanc) fue un pintor, escritor y periodista alemán, adherido al dadaísmo.

Procedente de la alta burguesía, se alistó en 1914 en el ejército alemán. En la guerra se forjaron sus convicciones políticas. En 1918 se afilió al Partido Socialista de Alemania (USDP). En su obra, arte y política van de la mano. Compartía con los dadaístas berlineses la pretensión de que el dadá ayudase a impulsar un cambio político en Alemania.

Publicó junto a Max Ernst la revista Die schammade, y fue uno de los fundadores del grupo dadaísta de Colonia. Allí fundó la revista Der Ventilator, donde a veces se hacía llamar Zentrodada o Jesaias y después publicó la revista Bulletin D.

Como fotógrafo realizó unas series temáticas sobre montañas que se conservan en el Museo Ludwig.

Murió en un accidente en los Alpes franceses el 18 de agosto de 1927.

Siegfried Zademack

2012-01-04T11:11:00.000-08:00

Siegfried Zademack nacido en Bremen (Alemania) en 1952. Es un artista surrealista con dimensiones metafísicas. En la primera visión podríamos relacionarlo con Dalí pero su verdadera influencia son desde los artistas italianos del Renacimiento hasta los Manieristas.

Johannes Itten

2012-01-04T10:29:00.000-08:00

El arte del color ó Teoría del color es una de sus principales obras
El pintor Johannes Itten fue profesor en la Escuela Bauhaus. En el año 1961 ha publicado su libro "Kunst der Farbe" (El Arte del Color). En este libro fue presentado una selección de pensamientos de la Teoría de los Colores que fueron aceptados en su época. Se orientaba en las ideas sobre el color de Newton, Goethe, Runge y Hoelzel.

Johannes Itten Listo

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Oskar Schlemmer

2012-01-04T09:40:00.000-08:00

Oskar Schlemmer

Stuttgart, 1888-Baden-Baden, 1943

El pintor Oskar Schlemmer formó parte de la vanguardia artística alemana durante la primera mitad del siglo XX. Huérfano desde muy joven, Schlemmer fue aprendiz en un taller de marquetería entre 1903 y 1905, mientras asistía a clases en la Kunstgewerbeschule de Stuttgart. Desde 1906 estudió, gracias a una beca, en la Kunstakademie de la misma ciudad y, tras una estancia en Berlín entre 1911 y 1912, volvió a la academia, donde se convirtió en discípulo de Adolf Hölzel, pionero de la abstracción. Allí estableció contacto con Willi Baumeister, que sería amigo suyo el resto de su vida, y con Otto Meyer-Amden y Johannes Itten, entre otros. El arte de Schlemmer fue tendiendo a la esquematización de sus figuras, que se convirtieron en una variante figurativa del constructivismo. Fue herido en varias ocasiones durante la Primera Guerra Mundial. En 1919, de nuevo en la academia, intentó reformar el sistema educativo y conseguir que Paul Klee fuese contratado como profesor. Sin embargo, ambas tentativas fracasaron

Expuso. sus pinturas y esculturas en la galería Der Sturm de Berlín y en la Galerie Arnold de Dresde, y en 1920Walter Gropius le ofreció un puesto de profesor de la Bauhaus, donde intentó transmitir la idea de la «obra de arte total» a través de sus diferentes clases de pintura mural, dibujo del natural, escultura, teatro o danza. En 1922 se representó por primera vez su Triadisches Ballet, una de sus obras más conocidas y que se convirtió en símbolo de la reforma de la danza y de la escenografía teatral

Desde. 1929 enseñó en la Staatliche Akademie de Breslau hasta su cierre, en 1932. Tras un breve periodo en Berlín, se instaló en Suiza con la idea de volver a Alemania, siempre que el régimen nacionalsocialista suavizase su dura política cultural. Sin embargo, la inclusión de sus pinturas en la exposición Entartete Kunst (Arte degenerado) en 1937 terminó de minar todas sus esperanzas. Aun así, decidió regresar a Alemania, donde, ante la imposibilidad de ejercer su profesión, trabajó en diversas fábricas relacionadas con la producción de pintura y esmalte. Sus últimas obras representan ventanas a través de las que se ven interiores con personas realizando acciones cotidianas

Museo Thyssen-Bornemisza

Kiyoshi Awazu

2012-01-03T15:08:00.000-08:00

1929-2009

Aunque empecé mi carrera como diseñador gráfico, he trabajado en diferentes areas del arte, dirección de cine, escenografía, cine experimental, murales, escultura y grabado. Tambien he escrito varios libros de diseño y arte y una obra llamada "Tokyo Three Penny Operetta".

Me pregunto que estaré haciendo en el futuro. Han pasado 50 años desde que soy artista. Soy incapaz de contar mis obras. Diría que son unas 3000. Pero sigue siendo una décima parte de lo que produjo Pablo Picasso. Siempre he estado lleno de curiosidad. Siempre que he ido a algún sitio he encontrado algo interesante. A menudo leo sobre temas que no entiendo.

Es verdad que la pintura y el diseño gráfico requieren sentido de la estética y chispas de genialidad. Pero tambien pensé que, con el fin de completar mis trabajos, he tenido que hacerme preguntas sobre objetos en el espacio.

Yo estaba interesado en la mitología, cuentos y leyendas y estaba absorto con la biología. Estaba fascinado con Hokusai, interesado por el arquitecto español Antonio Gaudí. Si voy hacia adelante, como así ha sido, correré a toda velocidad hasta el final

En una hoja de papel en blanco, casualmente dibujo una línea. La hoja en blanco inmediatamente se convierte en una pantalla y un espacio. Sentado delante del papel, espero la visita de la imaginación. Mi imaginación tiene que ser más clara que cuando medito. De lo contrario no puedo sacar nada. Debo haber estado soñando o algo así. Empecé a dibujar un circulo y el círculo se convierte en una cara sin ojos. Los bordes de la cara son las líneas de un estrato, lineas de un contorno metereológico. La cara de una chica o de una vieja, el grito de Munch aparece delante de mi y se escapa. Las cabezas de Picasso, Sharaku y Eisen pasan por mi mente pero desaparecen, demasiadas imágenes que van y vienen. Caras que no reconozco van y vienen. ¿Que rostros son esos? ¿Son esas nubes o es el cielo que se refleja en el agua? Una hoja vibra y desaparece

Aunque no tenemos un conocimiento detallado de las funciones de los carteles en nuestra vida actual, al menos, el hecho es que ellos son las evidencia viva de la cultura de cada época. Lo que hace la calle como la calle debería ser son los carteles, y como dice un diseñador polaco, son en realidad "el arte de la calle". Creo que esto es porque podemos tenermos en cualquier sitio y a cualquier hora, no solo en sitios respetables como en las salas de exposición, sino tambien en lugares llenos de gente, en restaurantes, salones de té, paredes sucias, escaparates o como pin-ups en sitios privados; Existen libremente y se pegan como si fueran "expuestos". Por lo tanto, los carteles son el origen del "environment art", y al mismo tiempo parecen convertir la calle en un museo pop

A veces me pregunto cuales son las diferencias entre la impresión y el diseño gráfico. En mi caso, no hay nada especial, todo es lo mismo... excepto que si es diseño hay un cliente, si es impresión no lo hay. Esa diferencia podría existir. Pero no hay razón para distinguir entre ambas cosas. Una impresión no lo será hasta que yo lo determite, por decirlo así, pero el contenido dibujado tiene mucho en común con las imágenes de diseño gráfico e ilustraciones. No he pensado en ninguna actitud especial hacia la realización de copias. Más bien a veces elijo los temas al ser aconsejado, mirando diseños gráficos e ilustraciones terminados, o influenciado por impresiones ya hechas

Me pregunto cuantos libros he diseñado. Nunca los he contado. Aunque he diseñado un buen número de libros, hay solamente unos pocos que realmente me gustan. Parece que al ser diseñados por mi, deberían gustarme todos, pero podría no haber hecho muchos memorables. Diseñar libros es uno de los campos más interesantes en el diseño gráfico. Diseñar libros parece fácil, pero en realidad es bastante dificil hacerlo bien. Tienes que considerar el tema del libro y el presupuesto limitará la calidad del papel, la impresión y el número de colores que puedes utilizar. No se te permite hacerlo con libertadUsted puede imaginar el libro terminado bastante bien, pero no sabemos realmente cómo se ve hasta que esté terminado. A veces te llega a gustar el libro después de algunos años, y el libro q te hace recordar lo que has hecho en el pasado.
El diseño de - environment- se inició con "iron gate" de Tzumo Shire (1962) y continuó con "Relief for the wall and tiles courtyard" en el centro cultural Tsuyama, "The wall of iron pipes" en Rinkai-Kogyo Center y "The shuji Terayama Memoral Hall". Fue una bonita experiencia cuando trabajé para esas tres obras. Asi que más que trazar un plan, trabajé en sitios reales. Cuando trabajé con hierro pasé varios días visitando fabricas de hierro. Vi el caos que provocaba mi trabajo. Creo que una obra como "Courtyard" no se habría realizado si yo no estuviera en Tsuyama."environment" no es un tema aislado. Se trata de una serie enlazada, de temas relacionados, tal vez podamos llamarla condicionante, es como una situación donde una escultura parece independiente, al mirarla en realidad existe, con su plataforma, el suelo, el calor de la tierra, el techo y el cielo.

Los artistas de mi generación tendemos a tratar las cosas más allá de sus géneros. Un cruce de distintos estilos y distintas formas de arte se difuminan. Los artistas a menudo sentimos que podemos saltar a diferentes géneros y explorar un mundo desconocido. Si tomamos las bellas artes y el diseño gráfico de forma más abierta, un espacio teatral es tambien un espacio artístico. Pero en la época actual de especialización, podríamos ser solo nosotros, la generación de la Segunda Guerra Mundial, los que empezamos a partir de una amplia extensión de ruinas quemadas, los que tenemos este concepto sobre los estilos artísticos.A diferencia de las obras teatrales que se basan en la cooperación, las bellas artes y el diseño son obras individuales. Son, pues, básicamente diferentes en términos de expresión.

En cuanto a películas, comencé con la produccion de "Otoshiana" en 1961, e hice varios títulos para películas. Tambien hice algunos cortos experimentales, los llamados cortos individuales.
Durante la realización de estas películas, yo estaba preocupado por el aspecto del diseño. Mi trabajo en el cine tambien estaba motivado por un interés en la individualización de las imágenes y visiones. Si lo digo en palabras de Yuusuke Nakahara es el "sentido de ver". Mi unidad de disco para la búsqueda de lo inesperado, del espacio que me rodea en el arte de dirigir cine y en la puesta en escena de obras de teatro. Se trata de "Shinju-tenno-amijima" , "Himiko", "Denen-ni-Shisu" , y así sucesivamente.

Gillian Ayres

2012-01-03T11:39:00.000-08:00

Gillian Ayres, nacida el 3 de febrero de 1930, en una pintora inglesa.

Ayres nació el 3 de febrero de 1930 en Barnes, Londres, la más joven de tres hermanas. En 1946, solicitó entrar en la Slade School of Fine Art y fue aceptada aunque debido a que solo tenía dieciséis años y era demasiado joven para inscribirse, le aconsejaron que se matriculara en la Camberwell School of Art y estudió allí desde 1946 hasta 1950.

Trabajó a tiempo parcial en la galería AIA en Shoho desde 1951 hasta 1969 antes de empezar su carrera de docente. Mantuvo varios puestos en la docencia entre los años 1960-70. convirtiendose en amiga de pintores como Howard Hodgkin, Robyn Denny y Roger Hilton. En 1959, le pidieron que enseñara en Bath Academy of Art, Corsham durante seis semanas. Se quedó hasta 1965, pero durante ese tiempo compartió estudio con Malcolm Hughes.
Fue profesora de St Martin’s School of Art en Londres desde 1965 hasta 1978 y la nombraron directora de la Winchester School of Art en 1978. Abandonó la enseñanza en 1981 y se trasladó a una vieja rectoría en la península de Llyn en el noroeste de Gales para dedicarse exclusivamente a la pintura. Se trasladó de nuevo en 1987 a una casa de campo del siglo 15 en Morwenstow en la frontera con Devon-Cornwall

Su primera exposición se celebró en la Galeria One, en 1956 en Londres. Las primeras obras de Ayres estaban hechas con pintura acrílica en una reducida gama de colores y de formas simples, pero más adelante empezó a pintar con óleo y sus cuadros desde entonces son más exhuberantes muy empastados y llenos de colorido.

Ayres fue nominada para el Premio Turner en 1989. Fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 1986, y en 1991 se convirtió en miembro de la Real Academia.

Fue nombrada Miembro de la Orden del Imperio Británico (CBE) en 2011 conmemorando su cumpleaños

Se casó con el pintor Henry Mundy en 1951.^{Se divorciaron casi 30 años despues pero ahora viven juntos}. Tienen dos hijos nacidos en 1958 y 1966.^{El hijo menor es} Sam Mundy, tambien pintor

References

^ ^a ^b ^c ^d ^e "Gillian Ayres RA". Royal Academy of Arts. Retrieved 5 July 2010.
^ ^a ^b ^c ^d Gayford, Martin (2010-01-28). "Abstract artist Gillian Ayres: painting against the tide". The Telegraph. Retrieved 6 July 2010.
^ Gooding, p14
^ ^a ^b Gooding, p15
^ ^a ^b ^c ^d ^e ^f Bumpus, Judith (1997-07-01). Dictionary of Women Artists. 1. Routledge. pp. 203–206. ISBN 9781884964213.
^ Gooding, p46
^ ^a ^b Valerie Grove (2010-01-30). "At age 80, the painter Gillian Ayres is just hitting her stride". The Times (London).
^ ^a ^b ^c Thorpe, Vanessa (September 21, 1997). "Hindley picture is a sensation too far for artist Ayres". The Independent (London). Retrieved May 3, 2010.
^ http://www.alancristea.com/artist-Gillian-Ayres
^ London Gazette: (Supplement) no. 59808. p. 7. 11 June 2011.
^ "Main list of the 2011 Queen's birthday honours recipients". BBC News UK. Retrieved 11 June 2011.

Michael Ayrton

2012-01-03T10:44:00.000-08:00

Berlioz
1968

Berlioz - Scene aux Champs
1969

Michael Ayrton (Londres, 20 de febrero de 1921 – 17 de noviembre de 1975), fue un artista y escritor inglés, conocido como pintor, grabador y escultor, y también como crítico, locutor y novelista. Fue escenógrafo y diseñador de vestuario, trabajando con John Minton en las producciones de John Gielgud de 1942 de Macbeth, cuando solo tenia 19 años. Diseño e ilustró libros para Wyndham Lewis, en concreto, la trilogía The Human Age y William Golding. También colaboró con el compositor Constant Lambert.

Nació en Londres y sus padres fueron Gerald Gould y Barbara Ayrton, de quien tomó profesionalmente el nombre. Sus obras están en varias colecciones importantes incluyendo la Tate Gallery y la National Portrait Gallery, en Londres, el Museum of Modern Art de Nueva York y la Fry Art Gallery de Essex.

En 1951 se casó con Elizabeth Evelyn Walshe (1910-91), la anterior esposa del novelista Nigel Balchin.

Anton Ažbe

2012-01-03T09:58:00.000-08:00

Anton Ažbe (30 de mayo de 1862 – 5 de agosto de 1905) fue un pintor y profesor esloveno que vivió durante la existencia del Imperio austrohúngaro. Está considerado como el pintor esloveno más importante de la segunda mitad del siglo XIX.

Comienza su educación artística en Liubliana con Yanesha Wolf. En el otoño de 1882 se fue a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Viena, en 1884 se trasladó a Múnich, donde asistió a las lecciones de arte clásico en la Academia de Bellas Artes de Múnich y luego en 1892 dio clases en su propia escuela de arte a las que asistieron entre otros pintores Vasili Kandinski, Alekséi von Jawlensky, Matija Jama, Rihard Jakopič, Nadežda Petrović y Matej Sternen.

Su estilo fue ido evolucionado desde el mundo académico a la pintura realista, convirtiéndose junto con Yuri Shubitsem en representante del realismo en el arte esloveno. Su pintura Mujer de negro es una buena representación de sus principios artísticos, para Ažbe este lienzo muestra cómo se puede cambiar de color bajo la influencia de la iluminación.

Respecto a sus principios pedagógicos su metodología tenía por objeto el desarrollo de las capacidades individuales de los estudiantes y que cada cual desarrolle su propio estilo. En pintura rechazó los patrones de pensamiento y estimuló la necesidad que tienen los artistas de explorar nuevas técnicas artísticas. Por tanto sus alumnos no se especializaban en algún área específica en la pintura.

Murió en Múnich en 1905.

Francesc Ruiz

2012-01-02T12:34:00.000-08:00

El trabajo de Francesc Ruiz, centrado, fundamentalmente desde los años noventa, en el dibujo, nos traslada al terreno del cómic y la viñeta. Dibujos en los que utiliza el lenguaje de la tira gráfica por entregas o incluso del póster callejero. El tema de la ciudad y sus diferentes subculturas, así como todo lo que de él derivan, son algunos de los recursos temáticos utilizados por este artista. Habla así de la cotidianeidad y el entorno que nos rodea desde obras en las que utiliza la fotocopia para formar un gran mural hasta la utilización de la viñeta ampliada. Sus proyectos muestran las vinculaciones existentes entre un site specific y la narración gráfica. Transeúntes en diferentes situaciones que no son ajenas a cualquier espectador es lo que hace de Francesc Ruiz uno de los artistas que mejor conecta con el propio entorno del público, ya que de sus obras desenmascaramos retratos de cualquier ciudad con una acumulación de personajes, en la mayoría de los casos utilizando una estética en blanco y negro. Sus dibujos invaden las paredes para narrar determinadas situaciones en lo que se ha denominado "cómic expandido", y narran numerosas acciones realizadas por múltiples grupos de gentes en diferentes escenarios, tales como Montjuic en Barcelona, la calle Doctor Fourquet de Madrid, etc.

1971, Barcelona, España
Vive y trabaja en Barcelona, España

La mayoría de sus instalaciones están formadas por dibujos que componen un sistema narrativo con escenas sin ninguna conexión aparente. El procedimiento artístico está basado en la digitalización de un dibujo que después es exhibido en formato de collage de fotocopias pegadas a la pared. Para Globos Sonda, Francesc Ruiz desarrolla, continuando con los ejes principales que conforman su trabajo, una propuesta en la que vuelven a incidir, mediante el lenguaje del cómic, en los espacios urbanísticos que nos rodean. (T. P.)

Georg Baselitz

2012-01-02T12:13:00.001-08:00

Georg Baselitz (nacido el 23 de enero de 1938) es un pintor alemán que estudió en la anterior Alemania del Este, antes de trasladarse a lo que entonces era la República Federal de Alemania. El estilo de Baselitz se interpreta por los estadounidenses como neoexpresionista, pero desde una perspectiva europea, se considera más bien posmoderno.

Su carrera comenzó de manera meteórica en los años sesenta después de que la policía actuara contra una de sus pinturas, un autorretrato (Die große Nacht im Eimer) que representaba a un chico menor masturbándose.

Baselitz es uno de los artistas vivos superventas. Es profesor en la renombrada Hochschule der Künste en Berlín.

Baselitz nació el 23 de enero de 1938 como Hans-Georg Kern en Deutschbaselitz, Sajonia, en lo que más tarde sería Alemania del Este. Su padre era maestro de escuela elemental y la familia vivía en la escuela local. Baselitz conoció el arte por vez primera en álbumes de dibujos a lápiz del siglo XIX en la biblioteca de la escuela. También ayudó al fotógrafo natural Helmut Drechsler en ocasionales toma de fotografías ornitológicas.

Siendo joven, su familia se trasladó a la ciudad rural de Kamenz. Baselitz acudió a la escuela local. En la sala de la asamblea colgaba una reproducción del cuadro de 1859 Wermsdorfer Wald de Louis Ferdinand von Rayski. Leyó los escritos de Jakob Böhme. A los 14-15 años pintó retratos, temas religiosos, bodegones y paisajes, algunos en estilo futurista. En 1955, solicitó la entrada en la Kunstakademie de Dresde pero fue rechazado. En 1956, superó el examen para estudiar forestal en la Forstschule de Taranth y con éxtio solicitó la entrada en la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín Este. Estudió pintura con los profesores Walter Womacka y Herbert Behrens-Hangler, y se hizo amigo de Peter Graf y Ralf Winkler (más tarde conocido como A. R. Penck). Después de dos semestres, fue expulsado por «inmadurez sociopolítica». Al año siguiente logró con éxito una plaza en la Escuela Superior de Berlín Oeste y continuó sus estudios en la clase del Profesor Hann Trier. Se sumergió en las teorías de Ernst-Wilhelm Nay, Vasili Kandinsky y Kasimir Malevich. Durante esta época se hizo amigo de Eugen Schönebeck y Benjamin Katz.

En 1958, después de pasar de Berlín Oriental a Berlín Occidental, Baselitz conoció a su futura esposa, Elke Kretzschmar. También produjo sus primeras obras originales en un estilo distinto y propio, entre ellos retratos imaginarios como Tío Bernhard/ Onkel Bernhard. El mismo año, comenzó a trabajar en la serie Cabeza-Rayski/ Rayski-Kopf. En 1961, adoptó el nombre de Georg Baselitz como tributo a su ciudad natal. El mismo año, fue admitido en la clase magistral de Hann Trier. En 1962, se casó con Elke Kretzschmar y tuvieron un hijo, llamado Daniel. También acabó sus estudios en la Akademie. En 1963, la primera exposición individual de Baselitz en la Galería Werner & Katz, de Berlín, provocó escándalo público. Dos de los cuadros, La gran noche bajo el desagüe / Die große Nacht im Eimer (1962/63) y el Hombre desnudo / Nackter Mann (1962), fueron confiscadas por el fiscal. El litigio posterior no acabó hasta 1965.

Baselitz pasó la primavera de 1964 en Schloß Wolfsburg y produjo sus primeros aguafuertes en el taller de impresión local, que se expusieron más tarde, ese mismo año. Al año siguiente, obtuvo una beca de seis meses para estudiar en Villa Romana en Florencia. Estando allí, estudió el arte gráfico manierista y produjo los cuadros Pieza Animal/ Tierstück. Después de regresar a Berlín Occidental, trabajó hasta 1966 en el grupo Azadas / Helden, que incluye la composición de gran formato Los grandes amigos/ Die großen Freunde. En 1966, nació su segundo hijo, Anton, y la familia se trasladó a Osthofen, cerca de Worms. A principios de 1969, produjo más cuadros de gran formato: Guardabosques / Waldarbeiter. En 1969, usando Wermsdorfer Wald de Louis-Ferdinand von Rayski como modelo, pinta su primer cuadro que representa un motivo invertido, El bosque sobre su cabeza / Der Wald auf dem Kopf.

En los años setenta, Baselitz expuso con regularidad en la Galería Heiner Friedrich de Múnich. La mayor parte de las obras que produjo en esta época son paisajes considerados como cuadros dentro de un cuadro. En 1970, en el Kunstmuseum de Basilea, Dieter Koepplin organizó la primera retrospectiva de dibujos y obra gráfica de Baselitz. En la Galeriehaus de la Lindenstraße de Colonia, Franz Dahlem organiza la primera exposición de cuadros con el motivo dado la vuelta. En 1971, la familia Baselitz se trasladó de nuevo, ubicándose esta vez en Forst an der Weinstraße. Georg usó la vieja escuela del pueblo como estudio y comenzó a pintar cuadros con motivos de pájaros. Expuso varias veces en los años siguientes en Alemania. También participó en la documenta 5 de Kassel (1972 ). Ese mismo año comenzó a usar una técnica de pintar con los dedos. Luego comenzó a pintar paisajes hasta 1975, basados en motivos de los alrededores de Deutschbaselitz. En 1975, la familia marchó a Derneburg, cerca de Hildesheim. Baselitz visitó Nueva York por vez primera y allí estuvo trabajando durante dos semanas. También visitó Brasil, participando en la 13.ª Bienal de São Paulo.

En 1976, Baselitz creó un taller adicional en Florencia, que usó hasta 1981. En 1977, comenzó a trabajar linograbados de gran formato. Comenzó a enseñar en la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe, donde fue nombrado profesor en 1978. Desde 1978 hasta 1980, trabajó en dípticos usando la técnica de pintura a la témpera, combinando motivos, pinturas con múltiples partes (series de motivos), y grandes obras individuales como Die Ährenleserin, Trümmerfrau, Adler y Der lesende Knabe. Las obras se hicieron más abstractas, predominando en ellas elementos escriturales. En 1980, expuso su primera escultura en la Bienal de Venecia.

En 1981, Baselitz creó un estudio adicional en Castiglione Florentino, cerca de Arezzo, que usó hasta 1987. Su obra se expuso en Nueva York por vez primera en 1981. Para 1982, comenzó a dedicar más tiempo a la escultura, además de realizar varias exposiciones. En 1983, comenzó a utilizar motivos cristianos en mucha de su obra, y acabó la gran composición Cena en Dresde / Nachtessen in Dresden. El mismo año, asumió un nuevo cargo como profesor en la Escuela Superior de Arte de Berlín. En 1986, en reconocimiento a los logros de Baselitz, fue premiado con el Kaiserring de la ciudad de Goslar. A lo largo de los años ochenta, la obra de Baselitz se expuso con frecuencia en Alemania. En 1989, recibió el título Caballero de la Orden de las Artes y Letras por el ministro francés de las artes, Jack Lang.

En 1990, en la Nationalgalerie im Alten Museum de Berlín, se produjo la primera gran exposición de las obras de Baselitz en Alemania Oriental. En 1992, dimitió de la Akademie der Künste de Berlín. En 1993, diseñó el escenario para la ópera de Harrison Birtwistle «Punch and Judy», representada con dirección de Pierre Audi en la Ópera Holandesa en Ámsterdam. También intervino en el Pabellón Internacional de la Bienal de Venecia con la escultura Torso masculino / Männlicher Torso, acompañada por desmesurados dibujos. En 1994, Baselitz diseñó un sello para el servicio postal francés. También produjo su primer cuadro de oro molido ese año. En 1995, se celebró la primera gran exposición retrospectiva de la obra de Baselitz en los Estados Unidos, en el Guggenheim de Nueva York. Esta retrospectiva también se expuso en Washington, D.C. y Los Ángeles. A lo largo de los años noventa, su obra se expuso con frecuencia en Europa.

En 2004 obtuvo el Praemium Imperiale en reconocimiento a su carrera. Baselitz actualmente vive y trabaja en Imperia. Recientemente vendió su castillo en Derneburg.

Muy interesante la entrevista que le hace FIETTA JARQUE en EL PAIS DE 12/09/2009

http://www.elpais.com/articulo/arte/astronauta/pintura/elpepuculbab/20090912elpbabart_2/Tes

El astronauta de la pintura

Wolfgang Tillmans

2011-12-31T10:35:00.000-08:00

En la fotografía de Tillmans cabe absolutamente todo. Cualquier cosa que esté en su mano para demostrar que en todas partes hay belleza. Hasta en la imagen de unas ratas escabulléndose por las alcantarillas. Tillmans ha sido el fotógrafo de moda de los noventa, en el sentido más amplio de la palabra. Nacido en Alemania en 1968, se trasladó a Londres a finales de los ochenta y comenzó a trabajar como fotógrafo en revistas relacionadas con la cultura juvenil como "The Face".

Pronto empezó a forjarse una gran reputación y retrató a un gran número de figuras populares como Kate Moss o Moby. Su estilo espontáneo y claramente impremeditado le otorgó un éxito sin precedentes. En 2000, Tillmans recibió el Turner Prize, máximo galardón concedido a un artista plástico en el Reino Unido. Las bases del Turner Prize son claras. Británicos menores de 50 años pueden optar al galardón. Como pudo Tillmans ganar tan prestigioso premio habiendo nacido en Alemania? La obra de Tillmans se caracteriza por su inmediatez y frescura

Sus exposiciones son un gigantesco inventario de todo lo que nos rodea. Tillmans es un artista netamente visual. No existen densas cargas conceptuales a su alrededor. Recorren un amplio espectro que va desde lo conmovedor hasta lo banal. Sus imágenes cuelgan de chinchetas en vez de ser enmarcadas para así subvertir la tradicional idea de objeto artístico y se conforman en enormes grupos de fotografías para hacer hincapié en su capacidad netamente visual.

Wolfgang Tillmans ( 16 de agosto de 1968) es un fotógrafo y artista conceptual alemán que trabaja en Londres y Berlín. Su obra emplea la investigación sobre los conceptos básicos de la fotografía y la realización de instalaciones. Reivindica lo directo y lo auténtico.¹ Ha sido el primer artista no británico en recibir el premio Turner.

Nació en 1968 en Remscheid aunque en 1987 se trasladó a Hamburgo donde estuvo trabajando de telefonista y comenzó su trabajo investigador empleando la fotocopiadora sobre imágenes fotográficas y poco después empezó a documentarse sobre la subcultura rave. Durante estos años estuvo publicando sus fotografías en las revistas i-D, Tempo, Spex y Prinz. En 1990 se trasladó a Bournemouth para estudiar fotografía y dos años después a Londres. En 1994 se trasladó a Nueva York donde estuvo viviendo un año.

La muerte de su compañero Jochen Klein en 1997 a causa del sida hizo que le dedicara una serie de fotografías como su «última comida o la ventana del hospital». En 1998 estuvo como profesor en la escuela de bellas artes de Hamburgo y en 2003 comenzó a ejercer como profesor en la academia de bellas artes de Frankfort.

En sus exposiciones suele colocar las imágenes sin destacar las obtenidas mediante una cámara fotográfica de la procedente de cualquier otro medio de reproducción como por ejemplo una fotocopiadora. Su primera exposición en España la realizó en 1998 en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.⁴ En 2002 grabó un documental titulado Ligth para el grupo Pet Shop Boys. En 2009 recibió el premio de cultura de la asociación alemana de fotografía.

Jeffrey Isaac

2011-12-30T13:31:00.000-08:00

Jeffrey Isaac nació en 1956 en Nueva York, pintor y creador de videos.

Nacido en Estados Unidos, pasó su infancia en Suiza. Estudió pintura en Rhode Island School of Design en Estados Unidos y en Camberwell School of Art en Londres. Desde 1976 Jeffrey Isaac ha hecho muchas exposiciones en Los Estados Unidos, Suiza, Italia y Alemania. En Nueva York empezó a publicar lo que se llamó "la revista más pequeña del mucho de este tipo", llamada “Public Illumination Magazine.” En 1986 se trasladó a Umbria cerca de Spoleto. Allí conoció al artista americano Sol LeWitt que se convirtió en un buen amigo suyo. Durante el periodo de 1999 a 2006, se dedicó casi exclusivamente al vídeo. En 2004, le rodeó un pequeño escándalo, pintó una pancarta de invitación para la procesión anual de la ciudad de Foligno y mostró a su patrón San Feliciano, practicamente desnudo, montado a caballo. En 2007 diseño la animacion para la performance de IL CORVO de LaMama Experimental Theater Company en la 38 Biennale en el Teatro de Venecia. En 2009, una selección de sus pinturas fueron exhibidas en la " exhibition DETOURNEMENT VENISE" un evento colateral en la 53 Venice Biennale.

References

Elizabeth Barsham

2011-12-30T05:16:00.000-08:00

Vivo en Tasmania, que es el lugar mas lejano donde puedas vivir, y paso el más tiempo posible en la selva que es un buen sitio para el alma El paisaje aqui es viejo y duro, con un montón de montañas y valles misteriosos. Tanto el paisaje como la historia se describen como góticos normalmente aqui, así que es lo que yo pinto. Gótico Tasmanio.

Nacida en Tasmania, Elizabeth Barsham creció en Hobart y estudió arte en Melbourne. Sus pinturas han ganado muchos premios y han sido adquiridas por la Universidad de Monash y coleccionistas privados de todo el mundo. Expone con regularidad y ha sido profesora de dibujo y pintura durante muchos años, en primer lugar en Melbourne, luego en Hobart desde que regresó en 1997.

Pintura imaginativa única y los dibujos son una expresión emocional de su relación ancestral con el paisaje y su gente. Descendiente de colonos convictos ha escrito varios libros y artículos sobre la historia familiar de Tasmania y fue la primera en Tasmania en publicar un libro sobre un antepasado convicto.

"El arte es mi vida! es lo que hago. Es muy importante para mí tambien la transmisión de los conocimientos que he acumulado a lo largo de toda una vida en la pintura. Después de unas cuantas lecciones y un montón de práctica, cualquiera puede aprender a pintar lo suficientemente bien como para disfrutar de un pasatiempo absorbente.

James Casebere

2011-12-29T09:56:00.000-08:00

Nacido en 1953 en Lansing / Michigan, USA, vive y trabaja en Nueva York

"...Miro la creación artística como un proceso de diálogo social. Ahora estoy tratando de reducir la imágenes a vacíos esenciales. El interior de las habitaciones no solo son reflejo de mi estudio sino tambien un reflejo de los mecanismos de la fotografía. La célula es una pequeña caja, como la cámara, y la ventana es una apertura que permite entrar la luz. La habitación es la camara oscura"

La obra de James Casebere se inserta en la corriente de la fotografía arquitectónica. Casebere realiza maquetas de arquitecturas, de exteriores e interiores, del tamaño del tablero de una mesa. Tras un concienzudo proceso de iluminación fotografía la maqueta obteniendo un resultado que no permite distinguir entre realidad y ficción. Con una trayectoria muy consolidada (más de setenta exposiciones individuales y unas doscientas colectivas) la exposición que le dedica el Cleveland Museum of Modern Art, titulada "Picture Show", forma parte de una itinerancia que parte del Southeastern Center for Contemporary Art de Carolina del Norte. La arquitectura se ha convertido en un subgénero de la fotografía y las arquitecturas irreales tienen un gran número de seguidores en el circuito internacional como por ejemplo Giacomo Costa o Thomas Demand

La obra de Casebere tiene matices que la acercan a lo cinematográfico. Como buen amante del cine que es, Casebere realiza maquetas a modo de decorados. Los espacios que construye son vacíos, jamás introduce a la figura humana (tradicionalmente, la figura humana es la gran ausente en la fotografía de arquitecturas). Casebere crea espacios que después no tienen ninguna utilidad. Reproduce un espacio que, a su vez, es reproducido por la cámara. Son espacios por lo general vacíos, donde la iluminación adquiere una importancia vital. Es la luz la que da forma a muchos de los espacios del artista. En las imágenes de la serie "Asylum" que se exhibió en Santiago el yeso y la luz se hermanan para crear escenarios de marcado carácter aséptico y sumamente misteriosos.

LEE BONTECOU

2011-12-29T04:55:00.000-08:00

"Lo que los estudiant4es no entienden que es tener un master- NO SIGNIFICA NADA. LO QUE TIENES QUE HACER, ES HACER DE TI MISMO UN ARTISTA... TIEN4ES QUE PERMANECER EN EL TIEMPO"

"Necesitamos tener plantas. Si no las ves, tenderemos que recordar como eran, este tipo de flor está hecha de una de plástico"

Nacida en 1931.
Vive y trabaja en Orbisonia, Pennsylvania

En 1959, la joven escultora Lee Bontecou había desarrollado un lenguaje único, inspirado en igual medida por formas orgánicas y estructuras mecánicas. Oscilando entre la abstracción y la figuración, sus lienzos, relieves de alambre y esculturas de la década de 1960 expresa poderosamente el asombro y el terror de lo inexplicable, ya sean naturales o provocados por el hombre. Una científica de lo invisible, ofrece detalles a observar cuidadosamente como evidencia de fines mucho más grandes. "Mi pensamiento más persistentemente recurrente es trabajar en un ámbito de tan largo alcance como sea posible", escribió a principios de su carrera ", para expresar un sentimiento de libertad en todas sus ramificaciones, respeto, belleza, magnitud, horror y vileza . "A pesar de que continuó haciendo esculturas y dibujos a lo largo de la década de 1970, 80 y 90, Bontecou optó por no mostrar su trabajo públicamente, prefiriendo trabajar en relativo aislamiento en su estudio de Pennsylvania occidental. En los últimos años, ha empezado a exponer una vez más. Sus trabajos más recientes son de alambre y esculturas de cerámica que se asemejan a los sistemas macrocósmicos, tales como constelaciones o microcosmos, como los insectos. Aunque son distintos a los trabajos anteriores, siguen la fusión de lo empírico con lo trascendental, lo científico con lo espiritual.

Selected Bibliography:

Hadler, Mona. "Lee Bontecou's 'Warnings.'" Art Journal 53 (Winter 1994): 56–61.

Judd, Donald. "Lee Bontecou." Arts Magazine 39 (April 1965): 16–21.

Smith, Elizabeth A. T., ed. Lee Bontecou: A Retrospective. Exhibition catalogue. Chicago: Museum of Contemporary Art; Los Angeles: UCLA Hammer Museum, in association with Harry N. Abrams, 2003. Essays by Donna De Salvo, Mona Hadler, Smith, and Robert Storr.

Solomon, Alan. New York: The New Art Scene. New York: Holt, Rinehart, Winston, 1967.

Sussman, Elizabeth. "Lee Bontecou: UCLA Hammer Museum." Artforum 42, no. 5 (January 2004): 48–49.