Odd Nerdrum

Se dice que "puede ser que sus pinturas te disgusten intensamente pero que tardarás en olvidaralas"...Estoy convencida de eso

Odd Nerdrum Olaf nació el 8 de abril de 1944 en Hälsingborg en el sur de Suecia. Su interés por  el  arte clasico  comenzó cuando  solo tenía  11 años y vio un libro de  él Botticelli.

- "En la infancia, tuve una fuerte sensación de que podrían deshacerse de mí, un sentimiento de no ser querido, dijo Nerdrum."

Leyó no sólo libros de arte,  iba a menudo de visita a la Galería Nacional para  estudiar la obra de Edvard Munch.Antes de cumplir los 13 años viajó solo en  avión a Copenhague dos veces. Allí vio las colecciones  de escultura y pintura en el  Statens Museum for Kunst.

Nerdrum cree que uno de sus momentos más fuertes en su relacion con los libros de historia del arte fue, cuando tenía 15 años de edad y vio el  Saturno de Goya

- "Me sorprendió que fuera pintado hace tanto tiempo. Parecía más moderno que cualquier otro que había visto. Siempre he pensado que el mundo de Rembrandt es más humano que el de Picasso."

Cuando Odd Nerdrum tenía seis años, sus padres se separaron, y la relación con su padre se volvió  aún más tensa cuando se casó de nuevo.

Nerdrum comenzó su educación artística en un momento en que el modernismo no figurativo se había establecido  como una fuerza líder en el arte noruego. Cuando era un estudiante de  18 años, en un viaje de estudios  a Estocolmo, mientras los otros estudiantes visitaron el Museo de Arte Moderno para ver la obra de Matisse, Picasso y Warhol, Nerdrum se fue al Museo Nacional para ver la obra de Renbrandt, decidió pintar como él. 

No podría haber elegido un camino más difícil. No había tradición  para enseñar este tipo de arte. Su profesor  en la academia, Åge Storstein, no podía entender por qué tenía que tomar  a Rembrandt como modelo para aprender a pintar. 

Nerdrum interrumpió sus estudios en la academia, y comenzó en  la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf bajo Joseph Beuys.  En su primera exposición, a la que fue invitado con otros seis artistas,  un observador calificó su estilo como  "salsa de viejo maestro".  Cuando realiza su primera exposición individual en la Asociación de Arte de Gran Hall, con 23 años. Nerdrum fue considerado un fenómeno y tambien muy debatido. Su arte era considerado por muchos como un fenómeno noruego distintivo; una protesta-romántico realista contra el modernismo  no figurativo nunca plenamente aceptado.

El arte noruego quedó  dividido rápidamente en dos grupos. El grupo más grande cree que el arte de Nerdrum podría ser peligroso para el desarrollo profesional  de la pintura moderna. El segundo grupo defendió su dotación barroca y habilidades figurativas.

 En 1986, Nerdrum visitó Islandia por primera vez y  encontró una fuerte afinidad con el paisaje. 

A finales de los 90  Nerdrum   comenzó a definir su obra  como pintura kitsch, y se quejaron de que se  hubiera  llamado a sí mismo artista. En este contexto, publicó el libro ¿Qué es el kitsch?

- "El kitsch es simplemente una comprensión pragmática de la historia. El corazón de Europa reside en kitschen, la europeer- étnica que por cierto ni siquiera se lanzó como una raza separada recae en el kitsch. Kitschen es  nuestra alma. Aunque me siento como un kitsch  profesional..."

En 1998, se registró  una  asistencia de 50.000 visitantes en su primera gran exposición en el Museo Astrup Fearnley en Oslo.  Es uno de los pocos artistas noruegos en la coleccion del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

Fuentes:

• Seminario de tesis de la Universidad de Oslo: Doreen Fräßdorf: Nerdrum Impar - Un controvertido artista
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• Englishhttp://www.artcyclopedia.com/feature-2004-02.html

Ramon Calsina

Ramon Calsina Baró (Barcelona, 26 de febrero de 1901 - Barcelona, 26 de noviembre de 1992). Pintor y dibujante catalán del siglo XX.

Nacido el 26 de febrero de 1901 en Barcelona, era hijo de panaderos del Poblenou, uno de los barrios obreros de Barcelona. "Yo nací dibujando como otro nace jorobado", decía Ramon Calsina, que desde pequeño empezó a estudiar dibujo. A los 12 años comenzó sus estudios en la Academia Baixas de dibujo, hasta que a los 14 años tuvo la edad para entrar en la Escuela Llotja (Escuela de Bellas Artes). Al terminar sus estudios, después de trabajar en la panadería familiar y habiendo cumplido con el servicio militar, decidió dedicarse a la pintura profesionalmente.

En 1929, coincidiendo con la Exposición Internacional de Barcelona, ganó el segundo premio de la Beca Nacional Amigó Cuyàs. Este premio le permitió viajar durante varios meses por España. En Granada conoció músicos como Manuel de Falla y Enrique Fernández Arbós y al poeta Federico García Lorca. En 1932, Calsina ganó el primer premio de la Beca Internacional Amigó Cuyàs, con el dinero de la cual viajó a París donde residió un año y medio. En París trabajó duramente y partició en diferentes exposiciones, entre ellas una en la Société Nationale des Beaux-Arts, el Salon des Humoristes y el Salon des Superindependents. También le publicaron dibujos en la revista alemana Der Querschnitt. A pesar del éxito cosechado en Francia, en 1933 decidió volver a España. En 1934 hizo en Barcelona su primera exposición individual en la Sala Parés.

Hasta la llegada de la Guerra Civil Española cosechó muchos éxitos y trabajó en muchos campos. Hizo, por ejemplo, los decorados y los carteles de las obras de teatro Fam de Joan Olivé y La boda de la Xela de Xavier Benguerel. También trabajó como profesor en la Escuela de Bellas Artes (Llotja). En los últimos días de la Segunda República, Ramon Calsina huyó a Francia, aunque a los pocos días, ante el miedo de un largo exilio, decidió volver. Pasó meses en la plaza de toros de Vitoria, convertida en campo de concentración, hasta que consiguió volver a casa. Entonces comenzó una etapa muy difícil con todos sus avalistas lejos del país y en un ambiente que le era hostil. Se encerró en su estudio a trabajar preparando la exposición de cada año y manteniéndose al margen de las corrientes artísticas que se iban imponiendo. Se casó a los 44 años, con Rosa Garcés, con la que tuvo tres hijos. En colaboración con la editorial La Osa Menor editó un libro de litografías del Quijote y otro sobre el mundo de los toros observado con sarcasmo. En 1957, un grupo de amigos y de entidades culturales aprovecharon una exposición del pintor en la galería Syra para hacerle un homenaje y entre unas cuantas iniciativas se hizo una suscripción para comprar un magnífico aceite que cedieron al Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC).

El estilo artístico de Ramon Calsina se encuadra entre el surrealismo y el arte figurativo. Algunos críticos han catalogado su estilo de realismo mágico, aunque el propio pintor no quiso nunca enmarcarse en una determinada corriente. El grueso de su obra son oleos y dibujos, aunque también trabajó el grabado.

En 1965 Le concedieron el prestigioso premio Ynglada-Guillot de dibujo. También hizo las vidrieras para la iglesia de Sant Esteve de Granollers y otras para el Banco Transatlántico de Barcelona. Calsina ha tenido siempre un público fiel y entusiasta, pero un escaso reconocimiento oficial. En cambio si se repasa lo que se ha escrito sobre él tiene una entidad considerable y hay una unanimidad en muchos aspectos: un oficio extraordinario, una personalidad exuberante, integridad, fiel a unas convicciones artísticas y morales. En 1984 esta admiración afloró y un numeroso grupo de poetas, escritores, artistas e intelectuales, encabezados por Avel•lí Artís Gener "Tisner", hicieron un llamamiento social al reconocimiento de Calsina. Entre los firmantes de esta carta, escrita por Pere Calders, figuraban media docena de Premios de Honor de las Letras Catalanas. Como consecuencia del manifiesto, la Caja de Ahorros de Barcelona, con la colaboración de la Generalidad de Cataluña organizó una exposición antológica. En 1990 se realizó otra gran exposición antológica en el Centro Conde Duque de Madrid, con la colabroación del Ayuntamiento. Ese mismo año le fue concedida la Creu de Sant Jordi (distinción que otoga la Generalidad de Cataluña).
Falleció en Barcelona el 26 de noviembre de 1992.

En febrero de 2001 se inauguró en Barcelona, en el barrio del Poblenou, una plaza que lleva su nombre. En 2009 fue creada la Fundació Ramon Calsina, impulsada por la familia del pintor.

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Toshinobu ONOSATO

Nacido en  Nagano, Japón, en 1912. Se trasladó a Kiryu en Gunma, Japón, cuando tenía diez años. Aprendió a pintar en el taller de Tsuda Seifu a partir de  1931. En 1935 fundó Kokushoku Youga Ten. En 1938 se hizo miembro de Jiyu Bijutsuka  Kyokai hasta que se fue en 1956. A partir de ese momento ya trabajó de forma independiente. Participó en la Segunda Guerra Mundial en 1941, en Manchuria, fue hecho prisionero y enviado a Siberia.  No pudo volver a Japón hasta 1948. Despues de su vuelta continuó pintando en su taller en Kiryu  Representó a Japón en la Bienal de Venecia de 1964 y 1966. Ososato participó en los movimientos de vanguardia antes y despues de la guerra junto a su amigo Q ei.  Murió en  1986

English- http://www.tokinowasuremono.com/e/artist-b08-onosato/

Francisco Oller

Francisco Oller y Cestero, nació en San Juan de Puerto Rico en  1833. Le dio sus primeras clases de pintura Juan Cleto Noa.  En 1851, viaja  a Madrid, en donde ingresa en la Academia de San Fernando. Fue discípulo de Madrazo. Regresa a Puerto Rico en 1853 y, despues de fallecer su padre, en 1858,  viaja a París, vive una vida bohemia en el ambiente artístico parisino y estudia con Gustave Courbet. Debido a su condición precaria tuvo que hacer todo tipo de trabajos para mantenerse, trabajó como sacristán, barítono en una compañia de ópera italiana, etc. Frecuentaba el café Guerbois y la brasserie Andles, donde conoce a Degas, Pissarro y al escritor Zola.  En 1859 entra en el taller de Gleyre donde tiene como compañeros a Bazille, Renoir, Monet y Sisley, mas adelante, en 1861, conoce a Cézanne.  Expone junto a Bazille, Monet y Sisley. Regresa a Puerto Rico en 1865 ya conocido como el primer pintor impresionista puertorriqueño. En 1884 funda la Academia gratuita de arte libre de Puerto Rico, que más tarde se conocerá como "Universidad Nacional". 
En 1872, el rey de España, Don Amadeo I de Saboya, lo nombra pintor de la Real Cámara. Y, al siguiente año, el gobierno español lo designa para que represente al país en la Exposición Universal de Viena. Y finalmente se convierte en el pintor favorito de la nobleza. Vuelve a Puerto Rico, exhibe más tarde en La Habana y regresa París, en donde entra en contacto con Manet y Paul Cézanne. Finalmente, se establece en San Juan, en donde, para poder subsistir en sus últimos años, el Comisionado de Instrucción le otorgó un nombramiento de profesor de dibujo, con una pensión, hasta su muerte en 1917 en San Juan de Puerto Rico.

 English
http://biography.yourdictionary.com/francisco-manuel-oller 

Jules Olitski

"Mis cuadros sólo son colores rociados en el aire y suspendidos ahí". 

Jules Olitski 1922–2007

Olitski nació en Gomel, Rusia y vivió en Nueva York desde los dos años. Tomó la nacionalidad norteamericana cuando servía en el ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Estudió en la National Academy of Design, de Nueva York 1940-2, despues, con la ayuda de la GI Bill, continuó sus estudios en París, en la Escuela de Ossip Zadkine en 1949 y en la Académie de la Grande Chaumière 1949-1950. Realizó una exposición individual en la Galerie Huit, en 1950, y  fue invitado a exponer con el grupo  Cobra. Sin embargo, regresó a Estados Unidos donde continuó desarrollando una pintura  que tenía vínculos tanto  con la pintura informalista parisina como cn el  expresionismo abstracto estadounidense  . Obtuvo una Licenciatura en Artes de la Universidad de Nueva York en 1952, y una Maestría en Artes en 1954.

A finales de 1950 Olitski se  hizo amigo del influyente crítico de arte norteamericano Clement Greenberg y en 1958 expuso en una muestra colectiva en French & Co (una galería para que Greenberg era consultor). La exposición  incluía  artistas como Morris Louis, Barnett Newman, Kenneth Noland y David Smith. En 1960 Olitski comenzó a verter y manchar con  tinta grandes lienzos . Experimentó con diferentes métodos de aplicación de la pintura, usando pinceles, esponjas, trapos y rodillos. A partir de 1965 comenzó a rociar pintura sobre sus lienzos con el fin de crear campos desmaterializados de color. Durante estos años, cuando estaba en el apogeo de su fama e influencia, participó en varias exposiciones colectivas importantes, incluyendo el Carnegie International, Pittsburgh (1961), "formalistas" en la Galería de Arte Moderno de Washington (1963), Tres Nuevos  Pintores  estadounidenses en Norman Mackenzie Art Gallery, Regina, Canadá (1963) y en la Bienal de Venecia de 1966.

Olitski dio clases  en el  CW Post College, Universidad de Long Island, Nueva York desde 1956 hasta 1963, y en el Bennington College, Vermont desde 1963 hasta 1967 tuvo su primera exposición individual  en la Corcoran Gallery of Art, Washington DC, en 1967, y en 1969 realizó su primera exposicion de escultura en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la primera exposición individual dada por ese museo a un artista americano vivo. El Museo de Bellas Artes, Boston celebró una exposición retrospectiva en 1973, de su obra desde los años 1980 siendo testigo de un retorno a las fuertemente texturadas superficies de sus primeras  pinturas.

English
http://www.theartstory.org/artist-olitski-jules.htm.

Jesús Olasagasti

Su excelencia como pintor y su ingenio como dinamizador de la vida cultural donostiarra, a la que vincula con las vanguardias artísticas europeas durante la primera mitad del pasado siglo, son las características más destacadas de Jesús Olasagasti (San Sebastián, 1907-1955).

Olasagasti es, junto con Nicolás de Lekuona, uno de los principales exponentes de la "generación perdida" de artistas vascos, a quienes la guerra civil truncó una trayectoria inicial vinculada a las vanguardias artísticas europeas. Desde sus inicios, de la mano de Vázquez Díaz, Tellaeche o Martiarena, Olasagasti quiso alejarse de la pintura etnográfica simbolizada en los hermanos Arrúe, o la costumbrista que enlaza con Zuloaga.

En sus viajes a Italia a lo largo de los años treinta conoció a los pintores del Quatrocento; en París, a los cubistas, y en Londres se empapó de los grandes retratistas ingreses. En esa época, Jesús Olasagasti proyecta además estas inquietudes en la vida cultural donostiarra a través de la Asociación cultural GU, de la que fue fundador y dinamizador. Su relevancia lo demuestra el hecho de que en 1931 recibieran la visita de Picasso.

La guerra interrumpe estos contactos con las vanguardias. En la postguerra se impone la supervivencia y, además, un arte poco comprometido. Olasagasti, que ya había destacado desde sus inicios en su maestría para el retrato cultiva este género para el que es constantemente requerido.

Ref- EL  PAIS

Markus Oehlen

Markus Oehlen
Nacido en Krefeld (Alemania) en 1956, Markus Oehlen estudió en la Staatliche Kunstakademie de Dösseldorf -donde enseñaba Beuys-. Realizó su primera exposición individual en 1977, en la Konrad Fischers Raum de esa ciudad. No volvería a hacerlo hasta los 90. Desde entonces ha realizado numerosas exposiciones. Su primera escultura, Pferd (Caballo), de 1985, mezclaba figuras de ciencia ficción y sillas de cowboy. Realizada con poliestireno y cuerdas coloreadas, fue origen de una larga serie de personajes antropomorfos y máquinas sonoras. 

Información- EL CULTURAL

Roser Oduber

Roser Oduber, panameña de nacimiento pero afincada en Cataluña desde los 4 años. Nacida en 1957  vive en Barcelona.

Roser trabaja los recursos minerales de una manera primitiva, para expresar un sentimiento de origen, de imponer una prueba de memoria y para simbolizar nuestra pertenencia a la naturaleza. Desde su elaboración a su contemplación, sus obras son esferas de actuación en entre el cuerpo, la mente y la materia. Ella mantiene el sentido y la imaginación de la eternidad con un alma llena de magia.

información- bazart