martes, 9 de octubre de 2018

George Grosz


 Grosz, Berlín, 1893-1959 el artista-revolucionario durante el inestable período que precedió al golpe nazi en 1933. 
George Grosz planteó problemas tanto  en sus dibujos como en sus escritos, que no pueden limitarse a Alemania en la década de 1920

 Con la muerte de su padre en 1900, George Grosz se crió en la sección proletaria de Berlín, donde sufrió  pobreza . Más tarde, su madre consiguió un trabajo doméstico en el Club de Oficiales del Húsar, donde el joven Grosz observó de cerca a la clase militar, que más tarde satirizaría en gran parte de su trabajo. Como soldado en la Primera Guerra Mundial, al igual que miles de otros hombres, tomó una postura agresiva antimilitar. Oficialmente, su baja del ejército se debió a una condición de sinusitis severa, pero en realidad  con una carpeta de  sus dibujos convenció a las autoridades de su "locura", y se encontró que era "persistentemente inadecuado para la guerra".

Su amistad con Wieland Herzfelde y su hermano John Heartfield, comenzó en 1915  y fue decisiva para Grosz el artista y revolucionario. En 1919, los tres profundizaron su compromiso con el arte revolucionario, especialmente después de que las tropas militares dispararon sin querer a un cuadro de Reubens en la galería del centro de Zwinge"en lugar de" disparar contra trabajadores en huelga.  
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Oskar Kokoschka, un artista e intelectual muy respetado en esa época, "hace un llamamiento a los habitantes de Dresde pidiéndoles que resuelvan sus problemas en algún lugar distinto al de Zwinger, donde las  obras  de arte podrían sufrir daños. En respuesta, Grosz y Heartfield publicaron su manifiesto, "The Artist as Scab":

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Damos la bienvenida a la noticia de que las balas se dispararon en museos y palacios, en las obras de Rubens, en lugar de en las casas de los pobres en los barrios obreros!
Le damos la bienvenida cuando la lucha abierta entre capital y trabajo tiene lugar donde la cultura y el arte se sienten como en casa. El arte y la cultura que amordazan a los pobres, que deleitan a los burgueses el domingo y se acomodan a la opresión del lunes.
¡Toda expresión de indiferencia artística es contrarrevolucionaria! 
Parte de la prensa publicó: "usan el arte como arma contra la clase dominante"

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 Grosz, Heartfield y Herzfelde pertenecían al Movimiento de la Joven Alemania, una organización comunista formada durante la Revolución de 1848, su arte fue informado como "arte tendencioso",  "expresa deliberadamente opiniones políticas y presuposiciones ideológicas. . está comprometido políticamente ... es una herramienta en la guerra de clases y ... es propaganda" 


A pesar de sus polémicas, Grosz obtuvo un éxito crítico incluso con críticos burgueses, que duraron hasta el golpe nazi de 1933, cuando Hitler comenzó a "purificar" el arte de manera sistemática, culminando con The Degenerate Art Exhibit, 1973, que enfocó su invectiva contra Grosz. Otto Dix, Max Beckmann y Marc Chagall. Para estas fechas, Grosz estaba en el exilio en los Estados Unidos.

La segunda batalla de George Grosz

En enero de 1933, pocas horas después de que Hitler llegara al poder, una escuadra de asalto (SA) nazi irrumpió en el estudio berlinés del pintor George Grosz, destruyendo y saqueando todo lo que encontró en el lugar. La propia escena fue como un cuadro de Grosz. Si el pintor salió con vida fue sólo porque, viéndoselas venir, había emigrado a Estados Unidos, entonces país de libertad y refugio, el año anterior. 


Grosz idealizó a América desde su infancia cuando leyó sobre Karl May, el "vaquero" alemán, que glorificó el viejo oeste en varias novelas. De hecho, cuando un periódico local en 1930 le pidió que ubicara "el paraíso", Grosz respondió que estaba en algún lugar de las Montañas Rocosas.  Al igual que otros utopistas, Grosz estaba severamente decepcionado en los Estados Unidos, En 1959 regresó a Alemania para siempre. Seis semanas después murió despues de una noche de copas. Los trabajadores lo encontraron encorvado en un sótano por la mañana, casi muerto.

lunes, 8 de octubre de 2018

Jaume Queralt




Nació en Tarragona en 1949.
Se formó artísticamente en la Escuela de La Massana de Barcelona.




Se sintió atraído desde niño por la pintura, arte que pudo desarrollar gracias al aliento de los hermanos de La Salle. Fueron ellos quienes convencieron a su padre para que facilitara su vocación, y desde ese momento, además de padre, se convirtió en su aliado más fiel. 

Empieza profesionalmente a pintar a los 23 años, pero tanto antes, en su periodo de formación en la Escuela Taller de Arte de Tarragona, la Escuela Massana o el Cercle de Sant Lluc, como ahora, cuando su voz tiene un sitio asignado en el mundo del arte, Jaume se ha considerado siempre un artista muy disciplinado. 
 Su interés por el pasado, por el universo de los recuerdos, lo plasmó en una etapa de su vida cuando en Olot, en un entorno volcánico, de paisaje sufrido, que llamaría la atención a cualquier artista, prefirió pintar interiores de anticuario. Allí descubrió las muñecas, muñecas antiguas, el principal tema por el que se le conoce: “he encontrado en las muñecas otra dimensión”. Es una dimensión casi mágica, que hace cobrar vida a un objeto en la pantalla sin horizonte de un cuadro

viernes, 5 de octubre de 2018

Robert Gober



Robert Gober nació en Meriden, Connecticut, y creció en la cercana ciudad de Wallingford.  Los miembros de la familia de Gober eran católicos estrictos, y Gober sirvió de monaguillo en una iglesia cuando era niño. El catolicismo de su familia y sus experiencias dentro de la iglesia sirvieron para darle forma a su vida y obras de arte. 


 Él ha dicho: "Creo que el beneficio de una infancia católica es su creencia en los símbolos visuales como transmisores de información y pistas sobre la vida, ya sea el misterio de la vida o la vida en general".Desde principios de la década de 1980, Robert Gober ha producido esculturas paradójicas que parecen encarnar cualidades de objetos hechos a mano y de máquina al mismo tiempo.Sus obras a menudo son réplicas de artículos que se encuentran en la vida cotidiana: bolsas de arena para gatos, latas de pintura, fregaderos de cocina, urinarios, pero sus técnicas de fabricación deliberadas transforman estas cosas mundanas en obras de arte.





 En 1999, Gober recibió la Medalla Skowhegan de escultura de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan de Maine. Participó en la Bienal de Venecia de 2001 y fue objeto de una retrospectiva en 2007 en el Museo Schaulager en Basilea, Suiza. En 2014, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una importante encuesta de su obra, la primera de su tipo en los Estados Unidos.

jueves, 4 de octubre de 2018

André Masson



André Masson nacido 1896 - 1987

Pintor, esculor, ilustrador, diseñador y escritor francés, nacido en Balagny (Oise). Pasó la mayor parte de su juventud en Bruselas, donde trabajó como dibujante de patrones en un estudio de bordado y estudió a tiempo parcial en la Académie des Beaux-Arts. Luego se mudó a París y estudió en la Escuela de Bellas Artes. Sirvió en el ejército francés y resultó gravemente herido. Vivió entre 1919 y 222 en el sur de Francia, luego regresó a París donde conoció a Gris, Derain y luego a Miró y Breton. Primera exposición individual en la Galerie Simon, París, 1923.


  Pinturas de bosques, jugadores de cartas y bodegones, seguido de experimentos con dibujo automático. Participó desde 1924-9 en el movimiento surrealista. Realizó otros trabajos que exploran los efectos del azar, incluidas las pinturas de arena, así como pinturas de metamorfosis de formas animales y humanas, temas de germinación, combates y masacres, con énfasis en la violencia y el erotismo.  


Vivió 1934-6 en España; pinturas de corridas de toros, mitos españoles, etc. Se refugió en 1941-5 en los Estados Unidos, donde vivió en New Preston, Connecticut, y realizó obras inspiradas en las fuerzas elementales de la naturaleza. Regresó a Francia en 1945 y se estableció en 1947 en Aix-en-Provence. Temas de paisajes pintados, como montañas y cascadas durante varios años, seguidos de algunas imágenes casi completamente abstractos . 


 Sus obras también incluyen conjuntos y trajes para el teatro, ilustraciones de libros y varias esculturas pequeñas; ha escrito varios libros, incluyendo Mythologie d'André Masson 1971.

miércoles, 3 de octubre de 2018

Jean-Marie Poumeyrol



Poumeyrol nació en 1946 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Burdeos.Después de graduarse comenzó su  carrera como profesor de dibujo.
 
Afortunadamente, esta ocupación fue interrumpida cuando fue liberado del sistema educativo al suspender su examen como profesor de arte.  Al mismo tiempo las obras eróticas de Poumeyrol se vieron por primera vez y fueron buscadas con avidez por los coleccionistas

En sus primeras obras, Jean-Marie Poumeyrol fue reconocido como un maestro de la erótica, combinando imágenes alucinógenas y macabras de una manera incomparable. Pero, en su madurez, el artista ha mostrado una marcada fascinación por los paisajes, en particular los espacios cerrados de alcantarillas, residuos industriales y plantas de eliminación. Sin embargo, la asombrosa precisión y delicadeza de la interpretación que animó sus primeros trabajos no lo ha abandonado y, en todo caso, solo ha aumentado con la edad.
 "A través de interiores misteriosos, logré emerger en el mundo exterior. Una vez más, un rico flujo de recuerdos me reveló nuevas pinturas. Redescubrí en mi mente aquellos espacios que antes me habían fascinado".- escribió

martes, 2 de octubre de 2018

Rudolf Schlichter



En 1919 participó en la formación del Gruppe Rih, que promulgaba la lucha contra la vida burguesa y una democratización de la cultura que hiciese desaparecer las barreras sociales. Poco después se mudó a Berlín para convertirse en miembro del Novembergruppe y del movimiento dadá de la ciudad. Sus implicaciones políticas fueron en aumento, y en 1924 colaboró en la fundación del Rote Gruppe, una asociación de artistas comunistas. En 1925 participó en la exposición Neue Sachlichkeit de Mannheim, que daría nombre a esta corriente.
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En torno a 1927 comenzaría la desaparición paulatina de los temas políticos en sus obras, lo que iría parejo a un retorno a la fe católica. En 1932 se trasladó a Rottenburg, donde comenzó a redactar su autobiografía, que fue publicada en dos volúmenes y que el Gobierno nacionalsocialista retiró de la circulación en 1933. Las desavenencias con el nuevo régimen no terminaron en este punto, pues fue expulsado temporalmente de la Reichskammer der Bildenden Künste y encarcelado durante tres meses en 1938. Después de una temporada en Stuttgart, se instaló definitivamente en Múnich, donde moriría en 1955. En los últimos años de su vida, sus pinturas estuvieron marcadas por un pesimismo ligado a la estética surrealista.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

lunes, 1 de octubre de 2018

Tamara de Lempicka



Ambigua, obsesiva, bisexual, noctámbula feroz e irresistible icono pop, la pintora ruso-polaca  ni siquiera se sabe con seguridad su fecha de nacimiento.
  La mayoría de autores sostienen que Tamara Gurwik-Górska nació en 1898 en Moscú, de familia polaca. Pero otros lo sitúan en Varsovia y en 1895, hay incluso expertos en su obra que hablan de 1906. Falleció en 1980 en Cuernavaca (México). Su certificado de defunción decía que tenía 82 años.


Amiga y amante de reyes exiliados y aristócratas de alta y baja estofa, organizadora de fiestas y orgías, cocainómana, amante del lujo  y de la decandencia burgesa, inspiración de modistas y diseñadores, una influencer de su época,  pero quizás el personaje mató a la artista.


Se sabe que estudió arte en Petrogrado, antes de abandonar Rusia. Emigró a París y allí empezó a pintar. Se convirtió en la retratista de moda, en parte por su estilo personalísimo pero tambien por sus contactos. Mujer hermosa y moderna, amante del hedonismo, las fiestas y las orgías, se movía entre la alta burguesía de París.
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Al estallar la segunda Guerra Mundial emigró a los Estados Unidos donde tiene más éxito como baronesa que como pintora porque el art-decó ya se estaba apagando.

En su obra se puede apreciar la influencia de Ingres, Boticelli y el manierismo en general. 

viernes, 28 de septiembre de 2018

Luis Fernández






Luís Fernández (Oviedo, 29 abril 1900 – París, 25 octubre 1973) pintor asturiano que empieza en 1912 sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona los cuales compagina con su trabajo en una joyería. En 1924 marcha a París en busca de nuevos horizontes artísticos y conoce a Matisse, Laurens, Braque, entre otros, y se relaciona con Le Corbusier y Ozenfant cuya influencia es presente en su obra geométrica de finales de los años 20. 

En 1929 muestra su obra por primera vez en España en la “Exposición de Arte Moderno Nacional y Extranjero” que tiene lugar en la Sala Dalmau de Barcelona. Forma parte del grupo “Abstraction-Création” y colabora con el mítico número extraordinario de la revista catalana “D’Aci i d’Allá”.  En 1936 expone por primera vez en la Galería Cahiers d’Art en una muestra junto a Picasso, Julio González y Joan Miró, quienes para los Zervos son los cuatro mejores artistas españoles de París. Su obra empieza a acercarse al surrealismo. 

 En 1950 realiza su primera exposición individual en la Galerie Pierre de París. En 1966 comienza a trabajar en la serie “Cráneo y velas”. En 1972 se celebra en el Palacete Rothschild de París la gran exposición antológica dedicada a Fernández, y que posteriormente itinera al Palais des Beaux Arts en Charleroi (Bélgica).  El 25 de octubre de 1973 muere Luis Fernández en París.

GALERIA MARC DOMÈNECH

martes, 25 de septiembre de 2018

Yozo Hamaguchi


Japón  (1909 - 2000)  nació en  Wakayama.

Hamaguchi es ampliamente considerado como uno de los mejores artistas mezzotint en la historia del medio. Estudió escultura en la Escuela de Arte de Tokio pero abandonó sus estudios en 1930 para ir a Francia. Después de regresar a Japón en 1939, se estableció en París en 1953. Desde aproximadamente 1955, comenzó a producir mezzotints en blanco y negro y color. Fue galardonado con premios en la Bienal de Sao Paulo y en la primera Exposición Bienal Internacional de Impresión en Tokio en 1957. Su primera exposición individual, que incluyó más de 160 copias, se llevó a cabo en Japón, en el Museo Nacional de Arte de Osaka. Las mezzotints de Hamaguchi y sus virtuosos trabajos han llevado a la popularidad actual de esta técnica.

viernes, 21 de septiembre de 2018

Honoré Desmond Sharrer


Artista estadounidense (nacida el 12 de julio de 1920 en West Point, Nueva York, falleció el 17 de abril de 2009 en Washington, DC)
Fue una pintora figurativa izquierdista y femenina en una época en la que el sentimiento anticomunista y el expresionismo masculino y los movimientos del arte pop dominaban la cultura estadounidense. Las pinturas brillantes, divertidas  y distintivamente femeninas de Sharrer combinan elementos del realismo social y el surrealismo con un efecto seductor e inquietante.

Fue una importante figura del mundo del arte en los años que rodearon la Segunda Guerra Mundial, aunque su compromiso con los ideales izquierdistas y una trayectoria alternativa de surrealismo la ponía en una posición cada vez más difícil con el clima político y artístico de los años cincuenta.

viernes, 14 de septiembre de 2018

Eric Fischl

 Women in Water (A Question of Fashion), 1980. Oil on Canvas. 90 x 90 in. (229 x 229 cm.)


 Eric Fischl (Nueva York1948) es un pintor estadounidense. Uno de los principales exponentes de la que ha sido considerada como pintura postmoderna. También se le ha enmarcado dentro del Neoexpresionismo y del Bad painting.
Worry, 2017. Oil on Linen 78 x 90 inches
En los años 70 y 80, Eric Fischl se convirtió en el niño malo del neoexpresionismo con sus representaciones psicológicamente cargadas de los suburbios estadounidenses. Su propia niñez disfuncional se centró en una madre desesperadamente deprimida y alcohólica, que se convirtió en una gran influencia en sus pinturas. Comprometido con "nunca dejes que lo indescriptible sea también lo que no se puede mostrar", ofreció una visión refrescante e inquebrantable de la parte vulnerable de las relaciones humanas y la vida cotidiana, que se escondía bajo la fachada maquillada de la sociedad. 
 Untitled (Brice in Pink Shirt), 2006. Oil on Linen. 50 x 60 in. (127 x 152 cm.)
 Su trabajo nos invita a reflexionar sobre nuestro propio lugar dentro de los mundos que retrata y a explorar nuestra hipocresía, conflicto interno y complacencia. 
Untitled, 2017. Oil on Linen, 90 x 68 in
 El trabajo de Fischl puede verse como una forma en la que el artista procesa sus propios conflictos internos. En las primeras piezas suburbanas lo vemos sondear la dinámica invisible de la familia. En obras posteriores, que muestran los estilos de vida relajados junto al mar de la élite, lo vemos explorando su propio lugar dentro de su privilegio. En un trabajo reciente, destacando a los participantes en las principales ferias de arte, lo vemos enfatizar la brecha entre la belleza de la creación artística y la mercantilización del arte dentro del mercado.

martes, 11 de septiembre de 2018

Victor Brauner


 Moldavia 1903;  París 1966.
    Pintor, escultor y dibujante rumano, activo en Francia. De niño, compartió el apasionado interés de su padre por el espiritismo, anunciando una preocupación duradera por lo oculto. 
Al crecer bajo la influencia de la alquimia, el ocultismo y el espiritualismo, muchas de sus pinturas contenían elementos de estas prácticas. De la mano de estos elementos, comenzó a tener una fijación con los ojos y la ausencia de su poder, lo que lo llevó a pintar un autorretrato en el que su ojo izquierdo está ciego. 

Se piensa que esta pintura fue una premonición ya que tiempo después perdió la visión de su ojo izquierdo al mediar en una pelea entre Esteban Francés y Óscar Dominguez.
En 1912 acompañó a su familia a Viena, y de 1916 a 1918 asistió a la escuela evangélica en Braila, cerca de Galati, estudiando zoología con gran entusiasmo; y  también comenzó a pintar. En 1921 pasó un breve período en la Escuela de Bellas Artes de Bucarest, donde su primera exposición se celebró en 1924 en la Galerie Mozart. El mismo año, Brauner y el poeta Ilarie Voronca fundaron la revista 75HP, en la que publicó su manifiesto de "Pictopoesie" y un artículo sobre "Le Surrationalisme". 
Desde 1928 hasta 1931 trabajó con la revista Dada y Surrealista UNU, que reprodujo sus dibujos y pinturas. Instalado en París en 1930, conoció a Constantin Brancusi, quien le presentó a  Yves Tanguy, a través de quien conoció a los principales surrealistas. Vivió en el mismo edificio que Tanguy y Alberto Giacometti. Su Autorretrato premonitorio con Enucleated Eye (1931, París, col. Privada) se convirtió en una causa célebre para los surrealistas, a quienes se unió oficialmente en 1932. André Breton escribió la introducción para su primera exposición individual en la Galerie Pierre de 1934.  
En los últimos años de su vida se dedicó a pintar obras referentes al arte primitivo y de las primeras civilizaciones con una fuerte carga de simbología esotérica con el que relacionaba sus obras con su propia vida. Volvió a Bucarest brevemente en 1935, se unió al clandestino Partido Comunista Rumano, pero se fue en 1936 al comienzo de los juicios de la época soviética.