martes, 25 de enero de 2022

El constructivismo ruso

                                                 El Lissitzky


 El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. ... Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.

                                               Liubov Popova

 El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.

    

                                                  Tatlin

Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.

                        Alexander Rodchenko

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…



lunes, 17 de enero de 2022

Sándor Bortnyik




 Sándor Bortnyik representó un importante papel en el desarrollo de la vanguardia húngara. Desde 1913 estudió en Budapest y se sintió atraído por el estilo pictórico de los fauves hasta que, en 1915, conoció a Lajos Kassák, editor de MA, que le introdujo en el grupo de colaboradores de la revista.

En 1919, tras el derrocamiento del breve régimen comunista de Béla Kun y la invasión de las tropas rumanas, Bortnyik y otros artistas ligados a MA se vieron obligados a abandonar Budapest. Se instaló en Viena, y posteriormente vivió en Weimar entre 1922 y 1924. Sus estrechos contactos con la Bauhaus y con los movimientos constructivistas del momento dieron lugar a unas obras no figurativas con una fuerte preponderancia de lo arquitectónico. A pesar de ello, Bortnyik se negó a ser identificado con la Bauhaus. Durante esta época, también trabajó en Kassa (hoy Kosice, Eslovaquia) y en Berlín, donde en 1922 la galería Der Sturm celebró una exposición de su obra. A partir de 1924 comenzó a interesarse por la representación de escenas de talante satírico en las que, conservando el carácter geométrico anterior, aparecían figuras enmarcadas en extrañas arquitecturas.
En 1925 regresó a Hungría. Allí volvió a dedicarse al diseño de carteles, actividad que había practicado durante sus primeros años, y montó un taller al que asistió, entre otros, Victor Vasarely y que cerró en 1938 por problemas económicos. A mediados de la década de los años treinta, Bortnyik volvió a retomar la pintura influido por un grupo de artistas socialistas formado en Budapest en 1934. Durante los años siguientes fue promotor de la publicación de diversos libros y revistas y profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Budapest. Al final de su vida, la Galería Nacional de Budapest organizó una exposición retrospectiva en la que se reconocía la trayectoria de Bortnyik como artista.



Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

jueves, 13 de enero de 2022

Yurii Annenkov





Petropavlovsk, 1889-París, 1974

Nacido en Siberia, lugar en el que su familia se había exiliado, Yurii Annenkov se trasladó a San Petersburgo durante su infancia. Desde 1908 estudió en la universidad y asistió a los talleres de Savely Zeidenberg y de Yan Tsyonglinsky, donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Matvey Vol’demar y Mijaíl Matyushin. Entre 1911 y 1912 Annenkov residió en París y trabajó en el estudio de Maurice Denis y en el de Félix Vallotton.

En 1913 regresó a San Petersburgo, donde evolucionó rápidamente hacia la abstracción, si bien no se asoció con ningún grupo artístico en concreto y continuó manteniendo cierta predilección por lo decorativo. Desde 1919 se interesó por el collage, medio en el que realizaría un gran número de obras, y desarrolló una intensa actividad como ilustrador tanto de revistas, como Satirikon o Argus, como de libros de temas variados, entre los que destaca el poema revolucionario de Alexander Blok «Dvenadtsat» (Los Doce, San Petersburgo, 1918). Paralelamente se dedicó a la realización de retratos en los que combinaba el interés por el físico del retratado con una fragmentación del espacio pictórico deudora del cubismo y el constructivismo. Entre los retratos que realizó en esta época figuran personalidades como León Trotsky.

Annenkov dirigió el resurgimiento del grupo Mundo del Arte entre 1922 y 1924 y colaboró en el establecimiento de la Sociedad de Pintores de Caballete. Diseñó puestas de escena teatrales en Moscú y Petrogrado (hoy San Petersburgo) y las celebraciones de 1920 para conmemorar la Revolución de 1917 en las calles de Petrogrado y la escenificación de la toma del Palacio de Invierno en un espectáculo en el que intervinieron alrededor de siete mil actores. Desde 1924 residió en París, donde continuó su actividad como escenógrafo.


Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

lunes, 10 de enero de 2022

Michael Andrews




 Norwich, 1928-Londres, 1995

Michael Andrews ocupa un importante lugar entre los artistas británicos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra, de factura minuciosa y lenta, ha sido vinculada a la Escuela de Londres, que aglutinó a un grupo heterogéneo de artistas que compartían un interés por la representación de la figura humana y un rechazo tajante de la tradición naturalista académica.

De educación metodista estricta, Andrews estudió en la Slade School of Art de Londres en 1947 y, de nuevo tras cumplir el servicio militar, entre 1949 y 1953. Allí fue discípulo de William Coldstream, artista realista vinculado a la Euston Road School, que le instruyó en la importancia de copiar del natural, y recibió clases de Lucian Freud. Desde sus primeros pasos como pintor, sus obras se caracterizaron por la preocupación por llegar al virtuosismo técnico y la representación de los estados de ánimo y las diferentes formas de comportamiento.

A las pinturas de escenas familiares de la década de 1950 siguió la representación de fiestas de los años sesenta en las que, junto a sus amigos, incorporaba imágenes procedentes de los medios de comunicación, la moda o el mundo del cine o la música pop. En 1959 comenzó su actividad docente en la Norwich School of Art que después continuó en la Chelsea School of Art y la Slade School of Art.

En 1966 firmó un contrato con la Marlborough Gallery, algo que ya habían hecho previamente Francis Bacon y Lucian Freud y desde entonces se dedicó únicamente a la pintura y comenzó los estudios para su serie Luces. En esta serie experimentó con la pintura acrílica y con el uso de la pistola, con las que conseguía superficies en las que no intervenía la mano del artista, en las que la luz adquiría una relevancia trascendente. La exploración de la naturaleza como experiencia liberadora fue en aumento en las pinturas y acuarelas realizadas durante su viaje a Australia y sus numerosas visitas a Escocia y continuó como constante hasta el final de sus días.


 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

lunes, 27 de diciembre de 2021

Eleuterio Blasco Ferrer





 

 (Foz-Calanda, 1907 - Alcañiz, 1993)

  Este artista estudia en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en la etapa de 1926 a 1930. Allí se imbuirá de las ideas políticas anarquistas, por eso con la ocupación franquista se ve obligado a exiliarse en París desde 1939. Allí realizó la mayor parte de su obra, considerándose un artista del pueblo. Con la instauración de la democracia en España decide el regreso y en 1984 fija su residencia en Barcelona y finalmente en Alcañiz donde fallece en 1993.

Su obra pictórica es de factura expresionista, de carácter sombrío y acentuado dramatismo. Cultiva el retrato y el paisaje con o sin figura humana. Desde su infancia, quizá por ser hijo de alfarero, se inclina por el metal, mediante chapas y láminas de hierro que suelda. 

Dicho material le sirve para un expresionismo al servicio de muy dispares temas: bailarinas, retratos, tipos populares, maternidades, personajes históricos, etc.; los interpreta a través de potenciar dispares sentimientos. El uso del barro, a partir de 1965, le permite concluir una obra de marcado primitivismo, cercano al arte ingenuo y a los exvotos iberos.


martes, 30 de noviembre de 2021

Jaume Queralt.

 



Jaume Queralt ( 1949 )

Jaume Queralt es un artista catalán, conocido por sus múltiples facetas como las de pintor, poeta, ensayista y activista social.

Profesor de la Escuela de Bellas Artes de Perpiñan y colaborador en revistas y períodicos con artículos, además de haber escritos numerosos libros de arte y poesía.

A los 23 años se formó como pintor en la Escuela de Arte de Tarragona y en sus obras hay una exploración de su interior plasmada en cuadros. Llama la atención sus pinturas centradas en las muñecas de porcelanas, haciendo de el , un artista muy peculiar.

Queralt, desde su aislamiento en su estudio del pequeño municipio de Alforja (Tarragona) - donde vive y trabaja -, es capaz de desarrollar de manera simultánea diferentes líneas argumentales, que pese a ser complementarias, responden a razonamientos dispares e inciden en distintas maneras de entender la psique y la condición humana.

Ciertamente, el proceso creativo de Jaume Queralt es poco o nada convencional. Es un artista que rehuye de la creación insípida y meramente decorativa. Para él, el Arte debe comunicar, debe transmitir, sino no tiene sentido y cae en la banalidad.

Si a este hecho le sumamos la gran creatividad con la que se expresa y la intensidad con la que plasma sus propias inquietudes y temores a través de su pintura, obtenemos como resultado una obra realmente comunicativa, sensible, inquietante en algunas ocasiones, que incita a la meditación y que provoca en el espectador una profunda introspección y una acuciante necesidad de llegar, incluso, a cuestionarse los fundamentos mismos de la propia esencia del ser humano.

El artista vuelca sobre la tela sus angustias y sus vivencias interiores, que son las que muchos otros tenemos, por esta razón comunica tan bien con el espectador.

Todas sus obras responden a ejercicios reflexivos de investigación y a planteamientos madurados a nivel interno de manera muy espiritual. Sin embargo, pese a ese proceso de reflexión, que podría dar a entender que sus obras son premeditadas en exceso, su mano corre por el lienzo de manera muy libre y espontánea, guiada por su portentosa creatividad.

También caería en el error quien pudiera pensar que toda esa carga psicológica podría dar como fruto obras con demasiado peso conceptual que se harían fatigosas de interpretar, pues ello también es falso. Sus obras tienen una lectura profunda, aunque agradable, al estar apoyadas en suaves contrastes cromáticos y en una manera de componer gratamente cautivante.

Recurre, en ocasiones, a un suave informalismo y a ligeros apoyos constructivistas, aunque su versatilidad hace que se mueva con soltura en el expresionismo, el simbolismo o el impresionismo, alternando abstracción con figuración. En definitiva, un artista muy completo, con una obra cargada de un onirismo absorbente y apasionante. 


ciudad de la pintura


viernes, 26 de noviembre de 2021

Marisa Roesset y Velasco-





 (Madrid, 1904-1976). Pintora española que cultivó el retrato y los temas religiosos. Se formó en la madrileña Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumna de Fernando Álvarez de Sotomayor, José María López Mezquita y Daniel Vázquez Díaz. Participó en numerosas exposiciones y certámenes artísticos y se dio a conocer en el Liceum Club Femenino.


 Remitió sus obras a la exposición celebrada en el Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid en 1929 y dos años más tarde al concurso de Pintura, Escultura y Grabado organizado por el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fue galardonada con sendas terceras medallas en las Exposiciones Nacionales de 1924 y 1929, por los lienzos titulados Autorretrato y Reposo; asimismo, obtuvo una segunda en la edición de 1941 por el lienzo titulado La Anunciación. Presentó sus obras en la exposición del Women International Art Club en 1947 y un año después en la Internacional de Buenos Aires.

Museo Nacional del Prado

jueves, 25 de noviembre de 2021

María Roësset Mosquera (MaRo)

 

María Roësset Mosquera (1882-1921)​ es la primera gran conocida de la saga de las Roësset, pues era tía de la pintora Marisa Roësset Velasco, de la escultora Marga Gil Roësset. Nacida en el seno de una familia burguesa, se formó con el pintor Eduardo Chicharro. Comenzó su actividad artística copiando obras del Museo del Prado. Más tarde realizó escenas de género y retratos, en los que predomina el color sobre el dibujo debido a la influencia de Cecilio Pla y Joaquín Sorolla.


A lo largo del siglo XIX las artistas proyectaron una imagen pública de sí mismas que contrasta en buena medida con la de sus predecesoras. Salvo excepciones, eligieron no
representarse en el acto de pintar ni con los instrumentos propios de una actividad que, profesionalizada, podía comprometer su estatus social.
El estilo de María Roësset evoluciona a lo largo de sus escasos años de producción: desde artistas como Wisthler, Sargent, Sorolla, Vázquez Díaz o Paula Modersonh-Becker; a movimientos como el simbolismo, el costumbrismo o el expresionismo.
Su pintura tuvo como objeto central a las mujeres de su familia, a las que a menudo hizo posar como modelos para sus composiciones, para subrayar su carácter oriental, a veces cosía cuentas y adornos.​ Dicho discurso pictórico no implica que María pintase únicamente por afición o exclusivamente retratos sino que plasmaba su propio universo femenino compuesto por sí misma y sus familiares más directas.
La pintora Solía firmar sus cuadros como MaRo​, pintaba sin voluntad de profesionalización, afirmación muy fácil de hacer en relación a las mujeres creadoras y parte de la descripción romántica y plagada de silencios que nos han llegado de esta pintora. Esta descripción no casa con la rotundidad de sus imágenes, en especial de sus autorretratos, si los analizamos en relación a las muy particulares coordenadas de este género, clave para el examen de la autoría artística.
Su Autorretrato de cuerpo entero del 1912, donado por su hija al Museo del Prado en 1985 ​ y hoy ubicado, aunque no expuesto, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,​es seguramente su obra maestra. En él, la autora se pinta como una mujer singular, cuyo rostro posee una gran fuerza expresiva, acentuada por su mirada analítica, profunda y delicada.

De pie ante un fondo neutro de color rojizo, ofrece al espectador su porte de viuda elegante, no exento de cierta atractiva extravagancia, en el que se funde la sed de orientalismo con el reconocimiento de la tradición del retrato barroco español, concentrado y sintético, del que había bebido en el Museo del Prado.
De su producción también destacan, por su particularidad y la controversia que en la época causaban este tipo de obras realizadas por mujeres artistas, los desnudos de jóvenes y adolescentes. Pinta en varias ocasiones a su hija Eugenia, es el caso de Desnudo de niña con brazos cruzados conservado en el Museo de Bellas Artes de la Coruña, y a su sobrina Marisa Roësset (que tiempo después seguirá sus pasos como pintora y que está presente en las exposiciones de "Pintoras de España)
Una actitud desafiante frente a los convencionalismos sociales de la época en sus respectivos campos. Así, desde la propia MaRo hasta su sobrina Marisa, «el apellido Roësset encarna en España la lucha de género, con sus avances y retrocesos».


Bibliografía  :Enciclopedia online del Museo del Prado

lunes, 22 de noviembre de 2021

Vera Nilsson


1888 - 1979

1888 - 1979

Conocida  pintora sueca, nacida en Jönköping. Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, en Valand en Gotemburgo y en la Académie de la Palette en París. Tuvo su primera exposición en Copenhague junto con Mollie Faustman. 

Ese mismo año, 1922, se estableció   en Liljevalchs con "Falange". Falange fue un grupo de 17 artistas suecos compuesto por ex alumnos de Henri Matisse: Leander Engström, Arvid Fougstedt y Einar Jolin. Vera Nilson era expresionista y a menudo pintaba con pinceladas vigorosas y colores intensos. 

A menudo se inspiró tanto en El Greco como en Vincent van Gogh. Vera Nilsson, como la primera mujer en la década de 1900, junto con Sigrid Hjertén, fue elegida miembro de la Academia y se convirtió en una de las principales artistas pioneras de Suecia.


miércoles, 17 de noviembre de 2021

MARIANNE STOKES

 


 


(1855-1927)


Marianne Preindlsberger nació en la ciudad austriaca de Graz el 19 de enero de 1855. Inició sus estudios artísticos en la Academia de Arte de Munich donde aprendió del pintor alemán Wilhelm Lindenschmit el Joven. Un lienzo que tituló Mutterglück le valió una beca para continuar sus estudios en Francia.
En París aprendió de muchos pintores de la época y pintó hermosos paisajes de la ciudad de París y sus alrededores. En la ciudad de la luz conoció a la pintora finlandesa Helene Schjerfbeck con quien visitó la localidad de Pont-Avent en la Bretaña francesa en 1883. Allí conoció al pintor de paisajes Adrian Scott Stokes con quien se casaría un año después.
Convertida en Marianne Stokes, su obra Reflexión se exponía en Inglaterra en 1885. La vida en común de Marianne y Adrian se centró en la trayectoria artística de ambos. La pareja, que no tuvo hijos, viajó en varias ocasiones a Dinamarca. En la ciudad de Skagen se unieron a una colonia de artistas conocida como Skagen Painters.
Con el cambio de siglo, los Stokes se instalaron en Saint Ives, donde se unieron a otra colonia de artistas, la Newlyn School
Marianne viajó con su marido a otros lugares como Irlanda o Inglaterra. Cuando descubrió la actividad artística de los prerrafaelitas quedó prendada de su vuelta a la Edad Media y empezó a pintar cuadros de escenas medievales.

Marianne Stokes fallecía en Londres el 13 de agosto de 1927.


 Referencias 

www.penleehouse.org.uk/artists/marianne-stokes
www.tate.org.uk/art/artists/marianne-stokes-528
arthive.com/artists/7118~Marianne_Stokes_Preindlesberger

martes, 16 de noviembre de 2021

JUAN GUERRA HERNÁNDEZ



1945 Las Palmas de gran Canaria

 En 1960 comienza los estudios de pintura en la escuela Luján Pérez (Las Palmas de Gran Canaria). En 1965 obtiene el título de Maestria industrial y oposita para una plaza de delineante en el departamento de Urbanismo del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria. 

En 1975 inicia los estudios de Bellas Artes en Las Palmas de Gran Canaria y obtiene en 1980 la Licenciatura en la Facultad Santa Isabel de Hungría de la Universidad de Sevilla; a partir de este año viaja a diferentes capitales europeas, principalmente París, Bruselas, Amsterdam, etc.. para ampliar sus conocimientos. 

En 1981 obtiene el Título de Agregado en la asignatura de Dibujo en Enseñanza Secundaria y en 1983 el título de Catedratico de Dibujo, desenpeñando su cargo en distintos institutos de Las Palmas de Gran Canaria. En 1984 inicia los estudios de arquitectura en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. El 11 de abril de 2013 es elegido Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes (RACBA).

lunes, 15 de noviembre de 2021

Heidi Palmer




 Heidi Palmer nació en Ginebra, Suiza, ha vivido en Canadá y actualmente reside en Connecticut. Luz, aire y el significado del tiempo son los tres elementos que ella trata de abordar en sus pinturas.

Se graduó en grabado e ilustración. Comenzó ilustrando libros infantiles para dedicarse despues a la pintura. Confiesa que los artistas que más le han influido son Vermeer, Hammershoi, Randall Exon, Diebenkorn y Homer. Su medio preferido es el óleo sobre lienzo. Sin embargo, también disfruta creando monotipos porque hay un grado de libertad que caracteriza el proceso.

La luz, el aire y el significado del tiempo son los tres elementos que trata de abordar en sus pinturas y grabados. La luz gobierna sus composiciones tanto en los paisajes como en los interiores. La luz define la forma, que es muy concreta, pero también sirve como catalizador para ahondar en los efectos efímeros del aire y la atmósfera que ayudan a aclarar el sentido del lugar. Momentos, recuerdos, ensoñaciones, comienzos, finales y anhelos son parte de lo que es ser un ser humano en este mundo.

"A través de mi trabajo, espero que los espectadores puedan experimentar un sentido de lugar y tiempo y su significado para ellos mismos"- confiesa