LUCIO FONTANA

Lucio Fontana nace en Rosario de Santa Fe (Argentina) en 1899. Italiano y argentino, su vida estuvo marcada por esta doble nacionalidad, y sus raíces están tanto en la Pampa argentina como en los lagos de Lombardía. Será en Milán donde finalmente se acabará estableciendo después de muchas idas y venidas. Artista contradictorio, alterna entre la abstracción y la figuración, lo barroco y lo clásico, la materia y el espacio. Experimenta con esculturas, pinturas, dibujos, cerámicas, ambientes y realizaciones decorativas. Hijo y nieto de escultores, se inicia en el oficio a los once años en el estudio de su padre, Luigi Fontana, con la escultura monumental y decorativa. Continúa sus estudios artísticos en Italia, en la prestigiosa Academia de Brera, bajo las enseñanzas del simbolista Adolf Wildt. En los años treinta rompe con la tradición académica y se adscribe al primer grupo de arte abstracto italiano, los llamados «abstractistas milaneses», un movimiento que surge como continuación de las preocupaciones futuristas. Entre 1934 y 1939 reside en París, donde conoce a Miró, Brancusi y se une al grupo Abstraction-Création. Inicia su actividad como ceramista en Albisola y en 1937 en Sèvres. Durante toda esta época alterna abstracción y figuración, y experimenta con relieves en terracota, lápidas grabadas en cemento coloreado y esculturas cerámicas. Cuando Fontana regresa a Italia después de la Segunda Guerra Mundial, tras un breve paréntesis argentino, se convierte en punta de lanza de todos los movimientos de vanguardia en Italia. Instalado de nuevo en Milán, crea el Movimiento Espacialista y presenta sus ideas en varios manifiestos que se suceden entre 1947 y 1952. En ellos defiende la superación de los límites entre pintura y escultura y la desmaterialización de la obra de arte. Mantiene la necesidad de integrar todos los elementos físicos (color, sonido, movimiento y espacio) en una unidad ideal y material. En esos años, Fontana produce esculturas «espaciales» e inicia un Informalismo matérico. Intenta alcanzar un equilibrio formal entre el espacio real y el espacio ilusorio, incorporando a la tela piedras, vidrios y lentejuelas. En 1949 inicia la serie Buchi (lienzos agujereados) y Concetii Spaziali. Durante los años cincuenta y sesenta, las series se van sucediendo, desde las Galassie –que reflejan su fascinación por la conquista del espacio-, losTeatrini- guiñoles de papeles-, o los Fine di Dio, en forma de elipses. Sus planteamientos artísticos e investigaciones en torno a los materiales influyeron en muchos artistas jóvenes después de su muerte en 1968

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Nikolay Alexeyevich Kasatkin

Nikolay Alexeyevich Kasatkin 1859-1930 Pintor ruso nacido en Moscú. Estudió en la Escuela de Pintura y Arquitectura de Moscú con Vasily Perov

 Se hizo miembro de los Peredvizhniki (los errantes) un grupo de artistas rusos originarios de San Petersburgo. En 1922 se convirtió en miembro de la Asociación de Artistas de la Rusia revolucionario (AKHRR). Empezó pintando  obreros y mineros en Donbass. Fue un precursor del realismo socialista cuando empezó la revolución Rusa  

Clyfford Still

Grandin, 1904-Baltimore, 1980  Representante destacado del expresionismo abstracto americano, el pintor Clyfford Still comenzó su camino en el arte de manera autodidacta en unas obras que plasmaban sus impresiones del paisaje canadiense en el que creció desde los seis años. Estudió brevemente en la Art Students League de Nueva York en 1925, y desde 1933 hasta 1941 asistió, primero como alumno y luego como profesor, al Washington State College. A pesar de que en 1934 defendió una tesis sobre PaulCézanne, pronto decidió abandonar toda referencia a la tradición artística europea, siendo uno de los primeros artistas norteamericanos en llegar a la abstracción. En sus obras, en principio cargadas de referencias alegóricas clásicas, poco a poco ganaron protagonismo unas composiciones a base de grandes planos. Con este proceso, que tuvo lugar a finales de la década de 1930, se anticipó al resto de artistas de su generación, que por esas épocas aún trabajaban en obras figurativas conectadas con el surrealismo

Tras. el fin de la Segunda Guerra Mundial, Still se instaló en Nueva York. Gracias a Mark Rohtko, al que había conocido en 1943 y que se había convertido en buen amigo suyo, conoció a Peggy Guggenheim, que un año después presentó su obra en su galería Art of This Century. En los años que siguieron Still conoció a otros artistas vinculados al expresionismo abstracto, expuso en la Betty Parsons Gallery y su obra se hizo más abstracta. Los títulos fueron sustituidos por números para evitar cualquier interpretación, y su interés por la verticalidad, que ya se había manifestado con anterioridad, se hizo aún más evidente en unos lienzos de grandes formatos bañados por manchas de colores contrastados. Sin embargo, fue precisamente en este momento en el que Still comenzó a volverse muy crítico con el mundo del arte. Se aisló cada vez más y en ocasiones evitó que su obra fuese expuesta o incluso vendida. Finalmente, en 1961, se instaló en una granja de Maryland, donde pasó el resto de su vida

Museo Thyssen-Bornemisza

Satish Gujral

Uno de de las más grandes y versátiles artistas de la India. Se le conoce por sus pinturas, obra gráfica y escultura, ademas de la arquitectura e interiorismo.

Nació en Gujral, Punjab, en 1925. A los ocho años una enfermedad lo dejó sordo. En 1939 ingresó en la Mayo School of Art en Lahore para estudiar artes aplicadas. En 1944 se trasladó a Bombay e ingresó en  The Sir J.J. School of Art. Durante su estancia en la universidad se puso en contacto con el Grupo de Artistas Progresistas. Tuvo dificultades para ponerse de acuerdo con sus técnicas y comenzó a buscar algun tipo de modernidad con raíces en las tradiciones indias.

En 1947, debido a una enfermedad recurrente se vio obligado a abandonar la universidad. Se fue a Mejico en 1952 con una beca, para hacer un aprendizaje con Diego Rivera y David Sequeiros. Alli su obra se vio influenciada por el sufrimiento de la gente que perdían sus casas y familias debido a la división del país. Empezó a mezclar  acero con trozos de deshechos industriales para sus esculturas.

Desde finales de la década  de 1980 sus pinturas y esculturas se hicieron más grandes. Empezó a hacer murales, la mayoría de mosaico o teselas. Más  adelante incluyó elementos de acero. Las esculturas de madera quemada las convierte en figuras humanas y otras formas. Desde 1952 hasta 1974 organizó exposiciones de su obra en Méjico, Nueva York, Nueva Delhi, Bombay, Calcuta, Montreal, Roma, Berlín, Tokio, Buenos Aires y Estocolmo  



Ref-Cultural India

Max Klinger

Pintor, grabador y escultor alemán -1857-1920. Nació y trabajo en Leipzin, pero de vez en cuando, viajaba a Bruselas, París, Munich, Berlín y Roma.  Roma, donde estuvo  desde  1889 hasta 1893 marcó mucho su desarrolo artístico, en especial Anrbikd Bocking.  Estudió en la escuela técnica de diseño gráfico durante unos pocos años y en la década de  1970 con Karl von Gussow en Kalsruhe y Berlin. Como pintor creía que el color exigía más realismo mientras que el dibujo y el grabado permitían expresar sentimientos y fantasía

Roberto Montenegro

Roberto Montenegro , 1881-1968

Nacido en Guadalajara, Jalisco en 1881, el pintor y muralista Roberto Montenegro, heredó su amor al arte de su tío, quien le dió sus primeras lecciones de pintura. Contribuyó con ilustraciones y viñetas en la Revista Moderna y más tarde se mudó a la ciudad de México. Estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Antonio Fabrés y Germán Gedovius. Vivió en Europa hast 1921, donde trabajó con importantes artistas españoles, franceses y belgas. En México, José Vasconcelos lo comisionó para realizar diversos murales en la Secretaria de Educación Pública, en la Escuela Benito Juárez, en la Librería Iberoamericana y en la Escuela Nacional de Maestros. Como escritor y crítico, junto con otros artistas contemporáneos, trató de apartar la atención del arte europeo introduciendo el arte popular mexicano al público. Su vasto conjunto de obras incluye pintura, grabado, ilustraciones de libros, viñetas y vitrales. Fue fundador de la Academia de Artes, y murió en Morelia, Michoacán en 1968.

Patrick Caulfield

Pintor y grabador inglés  (1936-2005). Estudió en Chelsea School of Art en Londres y continuó en el Royal  College of Art.o

A principios de la década de  1960 sus cuadros se caracterizaban por imágenes planas, objetos geometricos en pares o solos, contra un plano de color, como si quisiera representar cosas cotidianas como realidades misteriosas.  Poco a poco fue introduciendo elementos arquitectónicos. Durante la década de 1980 volvió a una estética mas simplificada  en la que insertaba elementos poco identificables como si quisiera ir a un mundo más abstracto

DAMASO RUANO

Dámaso  Ruano (Tetuán 1938- Málaga 1914)  es uno de los pintores malagueños que contribuyó   abiertamente a la renovación  plástica   de Málaga, formando parte del grupo Palmo de tanta trascendencia en el discurrir nuevo del arte malagueño. Su pintura recrea una estética en la que se pone de manifiesto un interés por el equilibrio y la serenidad desde unas marcas externas que muestran una creciente intencionalidad para con la materia plástica, aunque  ese poderío formal no está exento de una sutirl poética donde se  ha desprovisto de su hojarasca y ha retomado caminos intimistas donse se produce un  análisis de la forma. La pintura de Dámaso Ruano extrae el núcleo expresivo a una  representación a la que se somete a un proceso profundo de  síntesis  hasta conseguir   que  las bandas de color, a las que ha sido reducido el conjunto, ejerzan su potestad diferenciadora. El espectador siente una íntima unión, sin distorsión alguna con la forma, existe una sintonía, no hay lugar para la confusión porque la pintura desencadena su fuerza expresiva y toda su capacidad de sugerir. Es la obra del artista una rigurosa lección de pintura abstracta en la que se desentrañan, al unísono, los valores plásticos y espirituales.

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Gina Pellón

 

Nació en 1926 en Cumanayagua, Cuba, a partir de 1959 vivió en París.  Fue en esta ciudad donde conoció al grupo Cobra, uno de los principales movimientos de vanguardia.  Su carrera en Europa fue muy prolífica. Expuso en París, Lausana, Bruselas, Amsterdam, Tolouse, Silkebour  y en Larvik.  Tambien hizo exposiciones individuales en Miami, Nueva York y Caracas, entre otros. "Pinto todos los días, desde que sale el sol hasta que se pone. Necesito crear, retratar emociones y cuando estoy a punto de acabar un cuadro, tengo que empezar otro" - Decía

Su estilo esta marcado por la espontaneidad y colores fuertes. Además de pintar tambien grababa y escribía poesía.  Murió en París en 2014

Jean Hélion

1904-1987

Para el pintor -y escritor- español Eduardo Arroyo, Jean Hélion ridiculiza con su simple trayectoria "ese ejército conformista y pusilánime educado en el culto del vanguardismo a cualquier precio". En efecto, Hélion se da a conocer entre 1929 y 1930 como teórico del grupo Art Concret, junto a Theo van Doesburg, Otto Carlsund y Léon Tutundjian. Antes, el uruguayo Joaquín Torres-García le familiarizó con el cubismo y el surrealismo pero ahora Hélion defiende un arte "enteramente concebido y formado antes de su elaboración", en el que no hay lugar para la naturaleza, la sensualidad, el simbolismo, lo dramático o el sentimiento".

El entusiasmo por un universo cuadriculado, "a lo Mondrian", se agotará pronto y las formas curvas regresan a sus telas, luego lo hacen las figuras -cilindros, conos...- que enseguida caen, como derrotadas por una realidad humana que reclama sus derechos. "Durante el año y medio que fui prisionero de los alemanes no soñé con formas geométricas sino con nalgas, con amigos, comida y objetos tangibles" explicó en su día.

El resultado es que el más abstracto de los abstractos, después de viajar a la URSS en 1931, de vivir varios años, entre 1932 y 1940, en EE UU y ser allí el mayor profeta de la modernidad, se reinstala en París en 1947 (entre 1943 y 1947 ha vivido de nuevo en Nueva York pero le da la espalda al expresionismo abstracto triunfante) para interesarse por Alessandro Magnasco, por la figuración a la manera de Fernand Léger o Max Beckman y, al fin, por sentirse heredero de Poussin o Chardin. Las naturalezas muertas de esa época son un escándalo para un mundo que sólo tiene ojos para la abstracción.

La pintura de Hélion, a partir de la segunda mitad de los años 50, se reconcilia con toda la tradición pictórica, integra en sus telas escuelas y soluciones distintas, juega con temas surrealistas tratados de manera informal, incorpora iconografía abstracta en telas que describen la vida cotidiana, se aleja de todas las capillas, se abre a todas las corrientes y se plasma en un estilo elegante y esquemático que le permite, incluso, aventurarse a resucitar géneros tan desacreditados como la "pintura histórica" a través de su tríptico consagrado a Mayo 1968.

Jean Hélion, con graves problemas de retina, pinta en los últimos años de su vida personajes que sufren accidentes, que caen, que, con un bastón blanco en la mano, avanzan titubeantes por el mundo y acaba con una obra extraordinaria y de título duchampiano: El pintor pisoteado por su modelo. Nada resume mejor la trayectoria de quien ha puesto en cuestión todo confort, capaz de levantarse contra el movimiento que ha contribuido a popularizar justo cuando el éxito lo consagra, capaz también de alistarse en Nueva York para luchar contra los nazis cuando tantos artistas parisinos buscaban refugio en la ciudad de los rascacielos y capaz, por último, de pintar con los ojos de la memoria cuando la vista flaqueó demasiado.

EL PAIS