Faustino Brughetti

Faustino Eugenio Brughetti, nació en Dolores, Provincia de Buenos Aires, el 6 de septiembre de 1877. En 1896 viaja a Italia, para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes y en la Escuela de Artes Decorativas de Roma. Tres años después se traslada a París para completar su formación profesional. De regreso en Argentina en 1901, realiza la primera exposición Impresionista en el diario La Prensa. Brughetti incursionó en múltiples expresiones: fue introductor del impresionismo en la Argentina, precursor del expresionismo y cultor del simbolismo. A lo largo de su carrera realizó 36 muestras individuales en el país y en el exterior y participó de más de 100 muestras colectivas. Obtuvo importantes premios, como la Medalla de Plata en la Exposición de Bellas Artes de La Plata, la Primera Medalla en la Exposición Internacional Montecatini, la Primera Medalla y la Cruz al Mérito en Nápoles. En 1914 fundó la Academia de Bellas Artes de La Plata, la cual lleva su nombre. Allí, impartió clases de pintura, dibujo y música hasta su muerte. En el Centro Cultural de Dolores funciona el Museo de Bellas Artes Faustino Brughetti, inaugurado en 1994. Sus obras se encuentran en museos e instituciones de Argentina y del exterior. Falleció en La Plata, el 6 de junio de 1956.

Ref- Arte en la Argentina

Frits van den Berghe

Frits van den Berghe ( 1883 –  1939) fue un pintor belga nacido en Gante.Empezó pintando en estilo impresionista y tiene tambien obras simbolistas pero hoy en día  es reconocido como un maestro del expresismo  y surrealismo fantástico belga

En 1902 Alfons Dessenis le sugirió mudarse a Sint-Martenes-Latern y en  1906 se hizo amigo de Albert Servaes, Gustaaf De Smet y Constant Permeke y así fue como nació el expresionismo Latem . Van den Berghe fue quizas el pintor mas cerebral del grupo

En 1907 se casó con Elvira Van Houtte y ese mismo año se convirtió en profesor de la Academia de Gante.  Un romance con la actriz Stella van de Wiele rompió su vida familiar y afectó negativamente a su actividad artística

Durante la Primera Guerra Mundial, cuando su país fue invadido por los alemanes, huyó con De Smet a Amsterdam y fue en esta época cuando cambió al expresionismo.  Volvió a Gante en 1922 y en 1925 su obra cambió ligeramente hacia el cubismo, aunque en esta década se nota la influencia de Ensor y de Hieronymus Bosch. Estas obras se han visto como una anticipación del  surrealismo. Su temática incluye paisajes, retratos y alegorías de la condición humana.

A partir de 1928 se hizo ilustrador del Socialist Daily Vooruit de Gante, donde trabajó hasta el final de su vida.

Owusu-Ankomah

Este pintor ghanés nació en 1956 en Sekondi. Pasó los primeros años de su vida en su ciudad natal.  Desde niño tuvo claro que lo que le gustaba era pintar, por ellos se trasladó a la capital para realizar su formacion en artes plásticas en el Ghanatta College of Arts y despues se trasladó a Bremen, en Alemania, donde vive desde hace 30 años.

Actualmente es uno de los más importantes artistas africanos. Ha hecho una sólida carrera artística realizando importantes exposiciones por todo el mundo.  Con los años, el artista va dedicando sus obras a temas espirituales y metafísicos.  Trabaja en grandes formatos, series en movimiento, esquemas en blanco y negro, símbolos complejos

“Mi obra no se dirige a un colectivo cerrado, es un mensaje de amor y de comprensión dirigido a la Humanidad. Porque es así como veo el arte. El arte debe mover el alma humana.” 

Christian Wilhelm Allers

Pintor e impresor alemán-1857-1915

Nació en Hamburgo, hijo de un comerciante. Primero trabajó como litógrafo  y en 1857 se trasladó a Karlsruhe donde continuó trabajando como litógrafo. 

En 1880 hizo el servicio militar en la armada alemana, en Kiel, y allí el pintor Anton Alexander von Werner le ayudó. Tambien se hizo amigo del poeta Klaus Groth.

Se dio a conocer cuando publicó su colección Club Eintracht a la que siguió unas colecciones de mapas y libros. En la década de 1890 pudo construir una villa en Capri. Vivió allí durante  muchos años, aunque pasaba temporadas en Hamburgo, Karlsruhe  y viajando por el mundo.

Sus dibujos, normalmente reflejan escenas cotidianas y retratos

En 1902 hubo un gran escándalo. Friedrich Alfred Krupp, miembro de una famosa dinastía industrial y otro alemán muy conocido, que vivían en Capri, fueron acusados en algunos periodicos italianos de homosexualidad y pederastia. No se sabe cuanto había de verdad en las acusaciones, pero unas semanas más tarde, Allers fue acusado y Krupp, unas semanas despues  murió, posiblemente se suicidó. Aller huyó antes del juicio.

Viajó por el mundo durante diez años, permaneciendo temporadas en Nueva Zelanda. Samoa y Australia. Durante esta época utilizaba el pseudónimo de W. Andresen, y se ganaba la vida haciendo retratos a gente rica.

Murió en Karlsruhe, pocos meses despues de regresar a Alemania

Georg Tappert

Georg Tappert

Berlín, 1880 -1957

Georg Tappert nació en Berlín en 1880, el mismo año que Ernst Ludwig Kirchner(1880-1938) y Franz Marc (1880-1916), las dos principales figuras de las renombradas asociaciones de artistas expresionistas alemanes, Brücke y Der Blaue Reiter. Tappert nunca formó parte de ninguna de estas asociaciones pero sí fue amigo de la mayoría de sus componentes. Persiguió objetivos artísticos muy próximos a los suyos, participó en muchas de sus exposiciones, e incluso compartió con ellos el sino de ver cómo prohibían su obra. Tappert empezó su vida profesional como artesano. Trabajó como sastre antes de 1900, cuando, a los veinte años de edad, con la recomendación de Max Liebermann (1847-1935), ingresó en la Karlsruhe Akademie, escuela conocida por entonces por la enseñanza de pintura de paisaje. Después de dedicarse a una serie de empresas diversas, ingresó en la colonia de artistas en Worpswede, cerca de Bremen, en 1906. Allí se hizo amigo de Heinrich Bogeler (1872-1942) y se vio influenciado (aunque conservando su independencia) por Paula Modersohn-Becker (1876-1907). 

En Worpswede fundó una escuela de pintura que contó con Wilhelm Morgner (1891-1907) entre sus alumnos. Mucho tiempo después de su muerte, Tappert siguió defendiendo generosamente la obra ardiente e intensamente expresiva del joven pintor. Hacia finales de 1909, regresó a su ciudad natal, Berlín. Allí, en los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, fue testigo de la gran eclosión de actividad artística. Cuando la Berliner Secession rechazó su obra, al igual que la mayoría de los artistas de su generación, Tappert formó parte de la Neue Secession (ya en 1911 -año en que Tappert pintó Varieté- las espectaculares exposiciones de la Neue Secession fueron las primeras en incluir obras de artistas pertenecientes tanto a Brücke como a Der Blaue Reiter junto a obras de artistas franceses, rusos y checos). 

En 1911 Tappert promocionó también exposiciones sin jurado en Berlín, siguiendo el ejemplo del Salon des Indépendants de París, y escribió para la publicación de crítica social Die Aktion. Su contribución de cuatro obras al Sonderbund de Colonia, en 1912, señala un punto culminante en su producción, consistente principalmente en cuadros de figuras y desnudos. 

En 1918, justo después de la guerra, participó en el grupo revolucionario Novembergruppe. Poco tiempo después, comenzó a enseñar de nuevo. Su dedicación y entusiasmo por la enseñanza creció hasta tal punto que empezó a descuidar su propia producción artística. Cuando subieron al poder los nacionalsocialistas en 1933, Tappert estuvo entre los primeros profesores en ser despedidos. Brevemente admitido más tarde, fue definitivamente despedido en 1937. 

Tappert continuó pintando -paisajes sobre todo-, pero su inspiración pictórica parece haberse marchitado y secado en gran medida. Nunca más volvió a florecer, ni siquiera en 1945 cuando, a la edad de 65 años, se le encomendó la reorganización de la Hochschule für Bildende Künste junto a Karl Hofer (1878-1955). Puesto que no expuso ninguna obra propia hasta su muerte en 1957, los críticos pasaron por alto el nombre de Tappert durante mucho tiempo, incluso aquellos que ya mostraban un renovado interés por el Expresionismo alemán. 

El nuevo descubrimiento de su obra, que había sobrevivido casi intacta a la Segunda Guerra Mundial, también tuvo lugar bastante más tarde. La primera monografía sobre Tappert -que acompañaba al catálogo de sus obras-, apareció en 1980. El catálogo de sus grabados no se publicó hasta 1996. Desde 1993 el legado del artista -recogido en la Fundación Georg Tappert- aportó al Schleswig-Holsteinischen Landesmuseum una importante colección de arte expresionista

Museo Thyssen-Bornemisza

Christiaan Tonnis

Christiaan Dirk Tonnis (Sarrebruck, 5 de junio de 1956) es un pintor y videoartista alemán.
Los trabajos de Tonnis están "apoyados en el conocimiento psicológico". Sus primeros dibujos reflejan su interés por  el psicoanálisis y la  psicopatología  como, catatonia o la depresión postparto representados en su colección de 1980–85   Para mostrar  " lo psiquico como una segunda cara" "usa costuras, máscaras y fragmentos de máscaras;  a veces apenas visibles." En 1986, comenzó a pintar paisajes de la literatura como la "Montaña mágica ( de  Thomas Mann)" y  retratos de  escritores  filósofos.

Desde 2003 su trabajo se ha hecho más meditativo: "Modelos geométricos en colores brillantes", consecuentes con  el Libro tibetano de los muertos (Bardo Thodol) y el Nuevo Testamento — la serie de minimalistic "Cuadros de meditación". Formas simples y básicas como la cruz o el círculo están tomadas  del simbolismo cristiano y budista.

En 2006 Tonnis estableció  una página de MySpace dedicada a Thomas Bernhard, utilizando  cuadros que explicaban  su biografía. El tema de la página era  sobre el lema de Bernhard: "En la oscuridad todo se hace claro." Una serie de collages con cabezas de gatos — en el cuerpo de mujeres  — 

Tonnis comenzó a hacer vídeos en 2006. Sus temas han incluido a William S. Burroughs, Thomas Bernhard y el poeta Georg Trakl. Para la exposición en 2008 del Frieze Art Fair,  participa con "Road movie" dirigido por Neville Wakefield. A partir de 2009  ha producido  80 vídeodocumentales  para preparaciones de exposiciones  así como entrevistas a artistas  para Kunstverein Familie Montez

Ginny Grayson

Nació en 1967 en Nueva Zelanda y se trasladó a Australia en 1995. Estudió en la universidad Victoria de Wellington, licenciandose en bellas artes en la Universidad RMIT. 

Da clases en las universidades RMIT y Monash.

Su obra, en lápiz, carboncillo y acuarela refleja incertidumbre y es considerada por algunos críticos como sombría. La autora dice que solo intenta reflejar el mundo de hoy, la que ella ve a través de su ventana

George Hyde Pownall

George Hyde Pownall(1876 - 1932) Se sabe muy poco de este pintor. Nació en Inglaterra y pintó escenas de Londres,  principalmente del centro. Durante 1911 y 1930 vivió en Australia y allí pintó escenas de Melbourne y paisajes campestres

Christopher Wool

Nació en Boston en 1955. Estudió en Sarah Lawrence College y en New York Studio School. Artista conocido por sus cuadros de gran tamaño.  Uno de los artistas abstractos más importantes de su generación. Quizás es más conocido por sus pinturas de grandes letras que utiliza para formar palabras o frases, dispuestas de tal forma que alteran los patrones normales de la percepción y expresión. 

Saltó a la fama en Nueva York, en la década de 1980. Desde entonces el artista ha utilizado una variedad de medios como aerosol. plantillas, disolventes, pistolas  todo tipo de herramientas para plasmar lo que el desea sobre superficies gestuales. Tambien utiliza fotografías de sus propias obras como fuente de nuevos cuadros para reproducirlas luego sobre aluminio o lienzo.

Combinando herencias del arte expresionista abstracto de la década de 1950, del POP Art de 1960, el arte conceptual de 1970 y la cultura de la calle, atrae a los críticos de arte actuales y apunta nuevas posibilidades para el futuro de la pintura.

Josep Esteve Adam

 Josep Esteve Adam. Algemesí, 1946. 

Licenciado en Bellas Artes por la Escuela Superior de San Carlos de Valencia. En cuarto curso obtiene la beca de El Paular de Segovia, una de las más prestigiosas y antiguas en paisaje. Expone regularmente con gran éxito en diferentes ciudades de España. Obtiene premios como el de Lucena en Córdoba, el del VI Concurso de Pintura Sorolla en Elda, el Certamen de Pintura de Reinosa, el Premio Ateneo de Albacete, El Bacardí en 1993 y como broche de oro el BMW en 1994. Colabora con la Galería Arboreda desde 1992.

   Es también desde hace años miembro del jurado del Premio de Tudela, por el que han pasado acompañándole pintores de la talla de Antonio López, Enrique Brinckmann, Farreras o Juan Genovés.

   Esteve Adam ha recorrido incansablemente toda España para plasmar el paisaje desde una posición de pintor racional y reflexivo. Un admirador de la naturaleza aunque la observe con un ojo casi geométrico y vea un plano sobre otro como un orden que debe resolver y desvelar. De su experiencia a base de oficio y, porqué no, de ser pintor artesano, ha logrado del paisaje un gesto instantáneo de expresión en el que casi no hay forma, pero que encierra la verdad del observador que analiza con rigor matemático todas las posibilidades del natural. Arrozales, interiores pedregosos, meseta hostil, paisaje industrial, son motivos suyos que siempre atraen por la audacia con que son concebidos. Grises, ocres, amarillos y verdes, colores que conforman su paleta y crean una obra coherente, enérgica y expresiva  de la que tan bien ha hablado el crítico Juan Manuel Bonet

Información- Galería Arboreda                                                                                                                     

Simeón Saiz Ruiz

"Matanza de civiles en Sarajevo por proyectiles, junto al mercado principal, el lunes 28 de agosto de 1995. En la calle", 1997.
Óleo sobre lienzo. 50 x 85 cm

"Forense yugoslavo examinando el viernes 22 de enero de 1999 la radiografía de una víctima de la matanza de Racak", 2005
Carboncillo sobre papel. 46 x 75 cms

"Victima de bombardeos serbios a zona croata por encima de las posiciones bosnias en Mostar", 1996

Oleo sobre lienzo. 241 x 390 cms

Simeón Saiz Ruiz nació en Cuenca en 1956. A los dieciseis años conoció a Fernando Zóbel, quien se convirtió en su maestro en el terreno del dibujo y la pintura, al margen de toda academia o institución. En 1976 presentó su primera exposición individual en la Galería Edurne, de Madrid..

Tras realizar el servicio militar, se marchó a EEUU en 1979, viviendo primero en Boston y luego en Nueva York hasta 1986, año en el que vuelve a España contratado como Profesor de Pintura en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, tarea que sigue desempeñando en la actualidad.
Tras su vuelta, Simeón Saiz comenzó a estudiar Filosofía en la Universidad Complutense de Madrid, terminando la Licenciatura en 1995. En febrero de este año ha obtenido el título de Doctor, tras defender una Tesis sobre Jacques Derrida.
Aunque su trabajo se centra fundamentalmente en la pintura, Simeón Saiz ha utilizado también la fotografía y el vídeo. Desde 1990 expone habitualmente en la Galería Fúcares, en Madrid y en Almagro. En estos momentos prepara una nueva muestra para la próxima temporada que podrá verse en la Galería Tomás March, de Valencia.

Arte y realidad

Que el arte toma la realidad como tema es tan evidente como que igualmente usa la fantasía. También que las mezcla. Muchos artistas han pensado que la vida es suficientemente desagradable como para tener que rodearse de productos artificiales que nos lo recuerden continuamente. Más bien éstos debían servirnos de reposo, como quería Matisse. Crear un arte que nos repare a la vuelta del trabajo es una gran actividad en la dirección de mejorar nuestras condiciones de vida.

Sin embargo, el arte no puede sustraerse a la necesidad de cambiar el mundo. Acabo de leer la entrevista a Claudio Magris (EL PAÍS, 30-10-06), donde en tres frases pasa de la negación a la afirmación: "¡Ay de la literatura si nace para enseñar la justicia de forma explícita! Su importancia es precisamente que puede, de forma indirecta, crear una atmósfera que permita comprender qué quiere decir la justicia. Ocurre también con la verdadera educación, la más eficaz es siempre indirecta, como la literatura". Y yo añadiría, como cualquier arte que alcance lo mejor de sí. Y sí el arte es una buena manera de educar, cómo no lo vamos a utilizar para influir en la sociedad.

La pregunta en estos momentos quizá sea: ¿Cómo podemos utilizar el terror para crear ideas? De lo que se trata no es ni de utilizar su valor disuasorio contra la violencia (mostrando que si practicamos el terror sufriremos tales consecuencias) ni mucho menos ensalzarlo (sea en su vertiente patológica de culto a la violencia o sea en su carácter de ataque preventivo para escapar a la posible violencia del otro).

Después de más de diez años trabajando en una serie de cuadros en torno a las guerras de los Balcanes, me he hecho esta pregunta muchas veces, con algunas respuestas parciales:

- Que es obsceno representar los actos de violencia o a los violentos porque los únicos humanos dignos en esa situación son las víctimas.

- Que hay que buscar la especificidad. Sólo desde el análisis de los casos concretos podemos obtener conclusiones universales. Por eso llevo todo ese tiempo trabajando sobre unas víctimas y no otras, a pesar de que la novedad de sus sufrimientos pasó ya hace tiempo.

- Que no sirve de nada quedarse en lo general, aquello con lo que todo el mundo puede estar de acuerdo (la guerra es mala) o en tomas de postura maniqueístas. Contra ese poder disolvente de lo general, manejo una tesis: hay una violencia que surge de la creencia en el mito de las identidades. Se produce cuando ante su carencia el hombre no acepta su estado y busca recrear la identidad perdida. Busca en lo más falso de sí, sacando todo lo que ha sido grabado en su conciencia desde el inicio de los tiempos por la fuerza de la autoridad. Quisiera que mi trabajo fuese una apuesta fuerte en contra de la identidad, no importa como quiera que sea que alguien pretenda imaginarse esa identidad.

Simeón Saiz Ruiz