Alfonso de Olivares y Bruguera

Estudia Derecho en Madrid y realiza después el ingreso en la carrera diplomática. Al mismo tiempo asiste al taller del pintor López Mezquita. En 1923 se instala en París como diplomático. A partir de entonces entra en contacto con los artistas españoles de la vanguardia parisina, colecciona sus obras y sirve de apoyo para los artistas más jóvenes. Su dedicación a la pintura se produce bajo la influencia del cubismo, que le permite liberarse de las restricciones académicas y dejar fluir la imaginación, fuera de las ligaduras impuestas por el realismo. Su asimilación del cubismo será muy personal, y a ella se suma la incidencia del surrealismo a partir de 1928, con sus exploraciones en el automatismo, y con ecos de Miró y Max Ernst. 

Hasta 1936, fecha de su muerte en accidente de caza, Olivares vive entre París y Madrid. Fue uno de los organizadores de la Exposición de Artistas Ibéricos de 1925, pero al verse forzado a administrar bienes familiares, va reduciendo su  dedicación a la pintura, de manera que su etapa productiva es muy reducida y como consecuencia, su obra es escasa y poco conocida. Si bien ha sido incluido en exposiciones de la Escuela de París, su obra pudo verse en España sólo en contadas ocasiones. En 1974, la galería Multitud de Madrid le dedicó un espacio importante en la muestra “Orígenes de la vanguardia española: 1920–1936” y en 1976 tuvo lugar una exposición antológica sobre su obra en las salas de la Dirección General de Bellas Artes. VT & CB                

Ayuntamiento de Valladolid

CALDER-PICASSO

Alexander Calder y Pablo Picasso —dos de las figuras más influyentes en el arte del siglo XX— desarrollaron formas totalmente nuevas de percibir los grandes temas. El diálogo entre ambos artistas ofrece infinidad de posibilidades y una conexión clave entre ellos puede encontrarse específicamente en la exploración del vacío, o ausencia de espacio, que ambos artistas abordaron en sus obras, partiendo de la figura y llegando hasta la abstracción.

Tanto Picasso como Calder nacieron a finales del siglo XIX y sus respectivos padres eran artistas de formación clásica. Ambos dejaron sus países de origen y se marcharon a trabajar a Francia, donde se reinventaron constantemente, destruyendo sus propios precedentes y los de otros artistas, y renovando el arte de su tiempo, así como nuestra manera de percibirlo. Si bien hay ciertos paralelismos y sinergias en el trabajo de estos dos iconos de la modernidad, nunca llegaron a compartir sus ideas artísticas, más allá de un interés compartido en entretenimientos populares como el circo.

 

 Sus encuentros personales fueron también escasos. Se conocieron en 1931, cuando Calder presentó su primera exposición de esculturas no objetivas en la Galerie Percier de París; Picasso llegó antes de la inauguración para presentarse a Calder y dedicar algún tiempo a contemplar sus nuevas y radicales obras. Sus caminos se cruzaron de nuevo en julio de 1937, en el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París, donde la Mercury Fountain de Calder se instaló frente al Guernica de Picasso.

 

Calder fue el único artista no español incluido en este pabellón, gracias a su amistad con el arquitecto del mismo, Josep Lluís Sert. Tanto Pablo Picasso como Alexander Calder se convirtieron en celebridades y referentes de su generación: el Museum of Modern Art de Nueva York ofreció una retrospectiva de Picasso en 1940, y una de Calder en 1943. Sus obras también fueron expuestas en la Bienal de São Paulo en 1953, y ambos artistas realizaron obras por encargo de la UNESCO en 1958.

En 1931, cuando se conocieron, Picasso ya era una superestrella pero cuentan que se plantó muy temprano en una exposición de Calder, impresionado por sus radicales y etéreas esculturas de alambre.

El escultor avanzó un poco más en su atrevimiento. El cruce de caminos esencial entre ambos se fraguó en 1937. El pabellón de la República española en la Exposición Universal de París se convierte en un grito de auxilio durante la Guerra Civil. Y El Guernica de Picasso en su símbolo.

Calder-Picasso en el Museo Picasso de Málaga hasta febrero de 2020

MANUEL ANGELES ORTIZ

Manuel Ángeles Ortiz (Jaén, 1895 - París, 1984) es una de las figuras clave en el proceso de renovación artística en España a lo largo de los años veinte y hasta la Guerra Civil. Constituye una referencia tanto para los artistas que viajan a París como para los que trabajan en la península, fundamentalmente por sus colaboraciones con la revista Litoral. El comisario de la exposición, Eugenio Carmona, define esta producción heterogénea en propuestas y lenguajes bajo la expresión de Arte Nuevo, basado en "la vinculación de la práctica artística española con el Movimiento Moderno internacional".

Por medio de un centenar de obras, esta exposición retrospectiva aborda la producción de Ángeles Ortiz más allá de los años treinta. De este modo, se presentan sus distintas tendencias artísticas a lo largo de las diferentes etapas: su larga residencia en París (1922-1932), su exilio en Buenos Aires (1939-1948), sus esporádicos viajes a Granada y su definitiva instalación en la capital gala en 1948.

Desde su primera estancia parisina, la huella de Pablo Picasso en su trabajo es profunda. Su pintura evidencia la misma alternancia de lenguajes (Cubismo tardío, dibujo de línea y volúmenes rotundos y monumentales de inspiración clásica, etc.), síntoma de las diferentes aproximaciones a una vuelta al orden promulgada por distintas voces, desde Cahiers d´Art a Jean Cocteau o Amédée Ozenfant. Por otro lado, y como apunta Carmona, la amistad y el vínculo profesional con el compositor Manuel de Falla inciden en su obra en dos sentidos: la valoración estética de la música y el fortalecimiento de "la relación entre la tradición figurativa popular y el arte moderno".

Considerado como un artista de difícil clasificación estilística, su obra presenta −desde su independencia− una fuerte voluntad experimental y un rechazo completo de la pintura abstracta. De ahí que del surrealismo le atraiga "su lirismo enigmático, no sus aberraciones morbosas de sujeción psicótica", como él mismo señala. Lo mismo ocurre en Buenos Aires, su serie de maderas no son objetos encontrados, sino piezas trabajadas siguiendo sus propias intuiciones. Todo ello enlaza con la tradición de la poética de lo primigenio, desarrollada por artistas como Benjamín Palencia, Ángel Ferrant, o Alberto Sánchez, pero también por Paul Klee, Jean Arp y Constantin Brancusi.

La persistencia del paisaje y la figura humana a partir de los años cincuenta, convive con giros que le llevan al análisis compositivo (La casa de los Dávila, 1957; Cabeza geométrica, 1960; Homenaje al Greco, 1975; Albaicín, 1982). De esta manera, crea unas obras en las que combina lirismo y construcción y que, sin menospreciar el papel de la pintura, podrían situarle en los límites del Informalismo.

Museo Reina Sofía

Alberto Martini

Alberto Martini  1876 -  1954) - pintor, grabador, ilustrador y diseñador gráfico italiano.  Considerado uno de los precursores del surrealismo.

Nació en Oderzo, Veneto formación inicial en dibujo y pintura de su padre, que era retratista y profesor de dibujo en el Istituto Technico de Treviso.

Gran parte de su carrera la pasó ilustrando obras literarias famosas. En 1895 comenzó la primera serie de ilustraciones para  Morgante
Maggiore de Luigi Pulciy para La Secchia rapita de Alessandro Tassoni.. Durante este tiempo tuvo su primera exposición, que fue una serie de catorce pinturas de la antología La corte dei miracoli en la Vienal de Venecia en 1897. En 1898 se mudó a  Mónaco y trabajó como ilustrador para las revistas   Dekorative Kunst  y "Jugend". En 1901 ilustró una edición de La Divina Comedia . A partir de julio de 1905, produjo 132 ilustraciones en tinta, que fueron descritas como "macabras", para las historias de Edgar Allan Poe e "inauguró un período de gran intensidad creativa dentro de los gráficos de inspiración literaria ".  Su trabajo fue claramente influenciado por artistas como Durero, Graf, Bruegel, Cranach, Altdorfer y Sattler.

En 1907, tuvo su primera exposición individual en Londres y conoció al editor  William Heinemann quien luego usó algunas de las ilustraciones de Martini.  Tras la muerte de su padre en 1910  regresó a Italia  y se mudó con su madre a una casa de campo cerca de Treviso. Allí continuó ilustrando grandes obras literarias. De 1915 a 1920 dedicó tiempo a la pintura, en su mayoría pasteles. 

Al estallar la Primera Guerra Mundial diseñó una serie de postales de propaganda "aterradoras" llamadas Danza Macabra Europea , para distribuir a los aliados contra el  imperio Austrohúngaro. 

Continuó teniendo muchas exhibiciones en Londres, Liverpool, Bolonia, Milán y en la Bienal de Venecia. En 1923, escribió Vita d'artista . Tenía ideas innovadoras sobre teatro y escenografía que ilustró y publicó en el libro Il Tetiteatro en 1923. Al año siguiente conoció y se casó con la artista Maria Petringa y ella se convirtió en una fuente de inspiración para muchas de sus obras.

Se sintió decepcionado y resentido con los críticos italianos que, a finales de los años veinte, parecían ignorar su trabajo, por lo que se mudó a París en 1928. De 1929 a 1934 produjo una gran cantidad de pinturas, que llamó "pinturas con los colores de cielo". Aunque su esposa permaneció en Italia,  se veían periódicamente y él regresó a Italia en 1934. Alrededor de 1940 publicó un diario satírico, Perseo , con dibujos y dibujos animados. En 1946 recibió el diploma de honor del Museo de Bellas Artes de  Nancy. Hizo una serie de litografías para la Vida de la Virgen y otros poemas de  Rainer María Rilke que terminó en 1952.  Alberto Martini continuó pintando "con un considerable efecto expresivo" hasta el final. Murió en Milán el 8 de noviembre de 1954.

Antonio Berni

Nació en Rosario, Santa Fe, Argentina en 1905. Era el menor de tres hermanos, hijos de inmigrantes italianos. Su padre, un sastre de un pueblo cerca de la frontera con Suiza, murió cuando el futuro pintor tenía solo 14 años, y la familia tuvo que mudarse a una pequeña granja propiedad de sus abuelos por parte de su madre. Comenzó a estudiar dibujo en la Academia de Arte del Centro Catalá y trabajó en talleres vitraux, donde aprendió a hacer vitrales. Realizó su exposición de debut de sus dibujos en una agencia de lotería, y poco después, en 1920, mostró sus pinturas bastante impresionistas en una exposición que fue un gran éxito comercial.

Antonio Berni tuvo su primera exposición cuando era adolescente y recibió una beca para estudiar pintura en Europa en el año 1925. Luego de visitar Madrid se instaló en París, donde estudió con los pintores André Lhote y Othon Friesz. Recibió una segunda beca en el año 1927 que le permitió entrar en contacto con los pintores surrealistas. En su estadía en Francia, exploró el surrealismo, la política revolucionaria y las escrituras psicoanalíticas de Sigmund Freud. Comenzó a producir pinturas y collages que reflejaban la influencia del surrealismo y de Giorgio de Chirico en particular.

Berni regresó a Argentina en el año 1930. En 1933, estableció un grupo izquierdista llamado Nuevo Realismo y comenzó a preferir el realismo social. Ese mismo año colaboró en un mural con el pintor mexicano visitante David Alfaro Siqueiros. Sin embargo, a diferencia de los muralistas de México, Berni tuvo pocas oportunidades de pintar murales, por lo que usó enormes lienzos del tamaño de un mural.

Murió en Buenos Aires el 13 de octubre de  1981

Las características que hacen a Antonio Berni uno de los mejores pintores a nivel mundial es:

• Le dio importancia a los problemas sociales que había en Argentina.
• Sus obras tienen un sentido crítico contra la sociedad, ideológico y político.
• Trabajó también con temas populares del pueblo.
• Mostraba características típicas de la sociedad argentina.
• Demostraba cómo la niñez era explotada en América Latina.
• Muchos de sus trabajos fueron realizados en collage.
• Sus obras también expresaron la pobreza de los pueblos.

Antoni Guansé Brea

Nació en Tortosa, Tarragona, en 1926
Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, formación que completó en París. Sus primeras obras, las expuso en Barcelona en 1952, obra que fue influenciada por la de Nonell la de, en la que se inspiraba.

Viajó a París en 1953 gracias a una beca del Gobierno francés, y allí se inspira en la obra de Van Gogh y Picasso, hasta que  consigue su propio estilo

A partir de este momento, su pintura, en la que la figura humana es la protagonista, se volvió más simple, plasmando únicamente lo que cree esencial, hombres y mujeres serían el eje de toda su obra más madura. Desde su llegada y hasta su muerte, formó parte del grupo de artistas españoles e hispanos, que buscaban adentrarse en los movimientos artísticos de vanguardia que bullían en la capital francesa, que era en ese momento, el epicentro de la cultura para todo el mundo.Las características esenciales de su obra, son el vigor en sus líneas, la fuerza en el color, la perfecta estructuración en los planos de su pintura, todo ello con una nota irónica en sus composiciones.
 Escribió y pintó algunos poemas, hizo incursiones en la expresividad del arte africano, en la pintura mística  de Zurbarán, y pintó paisajes de los campos de Cerdeña y de Ibiza.

 En 1962, le fue otorgado el Premio de la Crítica de París.
Murió en París, en 2008

Roberto Domingo Fallola

(París, 1883-Madrid, 1956). Pintor español costumbrista, que se especializó en temas taurinos, que le dieron gran fama y prestigio. Colaboró como dibujante en publicaciones de la época. Comenzó su formación artística en París junto a su padre, el pintor Francisco Domingo Marqués. 

Allí conoció la obra de los impresionistas franceses. En 1906 se instaló en Madrid, donde asistió a la Academia de Bellas Artes de San Fernando como discípulo de Antonio Muñoz Degrain. Se presentó a exposiciones nacionales y extranjeras; en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1908 fue galardonado con tercera medalla y en las de 1910 y 1915, obtuvo segunda y primera medalla por los lienzos titulados Suerte de varas y El coleo, respectivamente. Expuso sus obras en el Pabellón de Bellas Artes de Roma en 1911 y de forma continuada en galerías españolas y londinenses, como Baillie y Tooth, entre otras. Su obra se caracteriza por el tratamiento espontáneo de la mancha para captar la realidad que entronca con la tradición de Goya, Lucas y Alenza.

MUSEO DEL PRADO

Paul Ackerman

Paul Ackerman  (1908-1981) fue un artista prolífico nacido en Rumanía que forjó una exitosa carrera como modernista francés a mediados del siglo XX. Nació en Jassy, ​​Rumania, en una familia judía acomodada que buscó refugio en Francia cuatro años después. Los Ackerman se establecieron en París, donde el joven  fue inicialmente alentado por su padre, empresario, en su amor por el arte. 

Desde muy joven dibujó y pintó y visitaba regularmente el Louvre. Sin embargo, una vez que terminó su educación secundaria, se esperaba que Paul siguiera una carrera práctica, y para complacer a su padre, se matriculó en la facultad de derecho. No obstante, continuó su interés por las artes, participando en cursos impartidos por Fernand Leger en la rue Notre-Dame-des-Champs. Leger fue enormemente alentador, y Ackerman, envalentonado por la confianza que Leger le infundió, estaba convencido de no abandonar sus inclinaciones artísticas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ackerman sobrevivió a un campo de prisioneros y conoció a su  esposa en St. Tropez. Después de que Hitler invadiera la llamada Zona Libre, la pareja se escondió en el pueblo de Chindrieux, cerca de Aix-en-Bains, donde permanecieron en la casa de un amigo hasta que Francia fue liberada. A lo largo de la guerra, Ackerman hizo arte continuamente, pintando y dibujando en periódicos cuando no podía permitirse ningún material. En el momento de la liberación, Ackerman conoció al pintor Pierre Bonnard, cuyo trabajo evocador y toque poético tuvo un impacto duradero en él.

A su regreso a París en 1944, Ackerman cayó  bajo el dominio del cubismo a través de su amistad con el artista Jacques Villon, que lo ocupó durante una década. Las pinturas de Ackerman muestran una conciencia de los experimentos de color de los Delaunay y demuestran la capacidad del artista para integrar la figura y el paisaje, lo que le sirvió durante toda su carrera, incluso a medida que su estilo cambiaba y evolucionaba.