FELIX GONZALEZ TORRES

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Felix González-Torres nació en 1957 en Cuba y falleció en 1996, víctima del SIDA. La mayor parte de su vida y obra transcurrió en la ciudad de Nueva York, como la de muchos cubanos exiliados. Conservo una obra de él que se titula -o más bien no se titula- Untitled (aparition), de 1991, y es uno de los múltiples juegos del cubano en los que criticaba el discurso de la obra de arte como objeto único, la museografía y el distanciamiento con el espectador. Colocaba en la galería pilas de impresiones en serie, con la intención de que la gente llevara consigo una -o varias- de ellas a casa, generando un proceso de "adueñamiento" colectivo de la obra. Estas impresiones contenían desde una foto de nubes -como en el caso de Untitled (Aparition) - hasta fotografías y reseñas de gente asesinada por arma de fuego durante una semana en E.U. (Death by gun, 1990) o imágenes de la atrofiación de los cuerpos en las víticmas del SIDA (El joven amante, 1990).

Esto demuestra la motivación en el trabajo de González-Torres: 'dar', en sus palabras, 'información y significado nuevamente a la gente'. En cuestión están nociones de cambio y renovación, la idea de que los significados no son estáticos sino que cambian de acuerdo a quién somos y dónde estamos en determinado momento…la absurdidad de las certezas".


En esta misma tónica también se inscriben las pilas o áreas llenas de pequeños dulces, velas, galletas o caramelos (Untitled -Placebo- de 1993 ó Untitled -Fortune cookie corner- de 1990) con la misma intención de que el público vaya tomando uno de ellos, a la par de que por su color, contenido o decoración generaban críticas e ironías respecto a la política estadounidense. Pero Ureña aclara: "su significado se transforma cuando abandonan los museos y galerías y pasan a formar parte del público. El artista esta interesado en lo pasajero". Ubica también otras obras de González Torres como en el caso de sus cordones llenos de ampolletas o de luces:

Cada cordón de luces puede tomar diferentes formas dependiendo de la configuración de la galería o los deseos del propietario del trabajo. Esta democratización es un ejemplo más del intento del artista por eliminar las asociaciones de áura y selección asociadas con el arte privilegiado. Con sus trabajos de luces González-Torres trata de provocar algunas de las cualidades espirituales y sensaciones transitorias de la luz. Los cordones de luces evocan los mismos sentimientos que en sus fotografías, letreros, y plataformas de teatros, todos son como la utilería de una obra de estreno".

Sin embargo, una de las obras que más me han conmovido de González-Torres es Untitled de 1991, surgida según indica la anécdota, después de que falleciera la páreja de Félix (quien era abiertamente homosexual). Es la fotografía de una cama recién abandonada, que amplió para colocarla en diversos espectaculares publicitarios de la ciudad, sin algun letrero o alguna indicación.

Félix González-Torres asegura que ya no hay espacio privado, convenio colectivo y decisiones propias. Por el hecho de concentrarse en las implicaciones públicas que tienen las acciones del individuo, González-Torres complica las distinciones convencionales entre estas dos regiones. El artista cambia el énfasis de la fotografía, de contenido a contexto. A través de su reiteración, lo que pasa a ser distintivo no es la imagen, sino que sus alrededores. La ausencia persigue el trabajo de González-Torres en muchas formas. No hay idioma, sí mbolo o etiqueta. Una cama vacía nos invita a todos a co-habitar sin importar quienes somos -homosexual o heterosexual, hombre o mujer, blanco o negro. Se ha establecido un terreno neutral. Al mismo tiempo este tipo de arte nos recuerda que ninguna obra de arte, ninguna imagen, significa lo mismo para todos. Durante el período de nacimiento y muerte, la cama es el lugar donde podemos descansar. Y en la ciudad de Nueva York, con su enorme población de gente sin casa, la imagen de la cama nos recuerda de algo que se ha perdido. Lo que importa es la idea de transición, del museo a la calle, de lo personal (la pérdida de un ser querido) a lo político (la pérdida de privacidad) de lo privado a lo público, y otra vez. En cuestión están nociones de cambio y renovación, la idea de que los significados no son estáticos sino que cambian de acuerdo a quienes somos y donde estamos en cierto determinado momento. El cree que el espectador debiera de contribuir con cincuenta por ciento del trabajo. El trabajo de González-Torres insinúa que la individualidad sólo importa cuando se reúne con otras, intercambiando individualidad por identidad colectiva".

Jean-Baptiste Armand Guillaumin

Armand Guillaumin (16 de febrero de 1841 – 26 de junio de 1927), fue un pintor y litógrafo francés de estilo impresionista.

Nació como Jean-Baptiste Armand Guillaumin en París (Francia), y trabajó en la mercería de su tío al mismo tiempo que recibía clases de dibujo. También trabajó para un ferrocarril del gobierno francés antes de estudiar en la Academia Suiza en 1861. Allí conoció a Paul Cézanne y Camille Pissarro con quienes mantuvo una larga amistad. Aunque nunca alcanzó la altura de estos dos, su influencia en la obra de ellos fue significativa. Cézanne intentó su primer grabado basándose en pinturas de Guillaumin de barcazas en el río Sena. Guillaumin expuso en el Salon des Refusés en 1863 y más tarde se hizo amigo de Vincent van Gogh cuyo hermano, Theo vendió algunas de sus obras.



Conocido por sus colores intensos, los principales museos del mundo muestran obras de Guillaumin. Se le conoce sobre todo por sus paisajes de París, el departamento de Creuse, y la región alrededor de Les Adrets-de-l'Estérel cerca de la costa mediterránea en la región francesa de Provenza-Alpes-Costa Azul.

Falleció en 1927 en Orly, Val-de-Marne justo al sur de París.

Walter Greaves

Walter Greaves was born in London. In 1863 started tution under Whistler. In 1911 an exhibition of his work was held at the Goupil Gallery, in 1922 Grovesnor Gallery. Tate Gallery holds examples of his work. Parkin Gallery held two exhibitions of his work in 1980 and 1984.

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Cy Twombly

Entre los artistas americanos que alcanzaron la fama a finales de la década de 1950, cuando la fuerza del Expresionismo Abstracto estaba decayendo, Cy Twombly (Lexington, Virginia 1928) fue el que se mantuvo más próximo a la creencia en la primacía del gesto de la generación anterior, cultivando una grafía inimitable que acabó por ser la esencia de su pintura junto al uso de la palabra evocadora de figuras y hechos míticos como elemento compositivo e incorporando gradualmente el color.

Criado en Lexington, santuario de la Guerra Civil Americana y sede del Instituto Militar de Virginia, Twombly ha mostrado siempre un gran interés por la temática y codificación militar y náutica. Insaciable viajero y conocedor del Mediterráneo, su fascinación por el mundo clásico le llevó a establecerse en Italia en 1957, país en el que reside la mayor parte del tiempo.


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James Rosenquist

James Rosenquist (nacido el 29 de noviembre de 1933 en Grand Forks, Dakota del Norte) es un artista estadounidense del Pop Art.


Estando en el primer ciclo de secundaria, Rosenquist obtuvo una beca limitada para estudiar en la Escuela de Arte de Minneápolis. Posteriormente estudió pintura en la Universidad de Minnesota desde 1952 hasta 1954. En 1955 se trasladó a Nueva York con una beca para estudiar en la Liga de Estudiantes de Arte, donde estuvo hasta 1959. En ese centro recibió clases de Robert Indiana y Jack Youngerman. Allí conoció, además, a George Grosz.

Abrió el taller en el mismo barrio que Indiana y Kelly. Desde 1957 hasta 1960, se ganó la vida como diseñador, escaparatista y pintor de grandes carteles publicitarios con colores fluorescentes. Este era el entrenamiento perfecto, según se vio después, para un artista que luego estallaría en la escena pop art. Rosenquist hábilmente aplicó técnica de pintura de signos a las pinturas a gran escala que empezó a crear en 1960. Como otros artistas pop, Rosenquist adaptó el lenguaje visual de la publicidad y la cultura pop (a menudo graciosa, vulgar y extravagante) al contexto de las Bellas Artes. En 1963 le encargaron un mural para el pabellón del Estado de Nueva York. Rosenquist consiguió la fama internacional en 1965, con su mural de tamaño gigante F-111 de 3 x 26 metros. Se expuso en museos de todo el mundo. Esta obra, F-111 se menciona en un capítulo de Polaroids from the Dead de Douglas Coupland.

Su especialidad es coger imágenes fragmentarias, extrañamente desproporcionadas y combinarlas, superponerlas, y yuxtaponiéndolas en lienzos para crear historias visuales. Esto puede dejar sin aliento al espectador, haciendo que consideren incluso los objetos más familiares (un remolque, o una caja de detergente, etcétera) de las maneras más abstractas y provocativas. Escoge objetos simples que se identifican con facilidad y que no portan ningún significado simbólico. Y los trata en grandes formatos (cuadros, environments) con un lenguaje propio de la publicidad. A veces una figuración realista, amplificada como en los grandes carteles publicitarios, acaba siendo, si se mira muy de cerca, una forma abstracta. Eso hace Rosenquist: tomas fragmentos de la realidad y representarlos a gran tamaño

Participó en documenta IV y VI de Kassel (años 1968 y 1977). Experimentó con técnicas de cine (1969) así como con trabajos en video (1970). Durante los años setenta fue activista en oposición a la guerra de Vietnam. También se ha distinguido por la lucha en defensa de los derechos del artista en la sociedad democrática. Reside en Aripeka, Florida, desde 1983.

Desde 1983 incluye elementos mecánicos en sus obras, a modo de crítica contra la devoción a la tecnología. Además de pintar, ha producido una amplia serie de grabados, dibujos y collages. Una de sus láminas, Time Dust (1992), se cree que es la más grande del mundo, y mide aproximadamente 2 x 11 metros.

Rosenquist ha recibido numerosos honores, incluyendo una selección como «Art In America Young Talent USA» en 1963, nombramiento por un plazo de seis años para la junta del Consejo Nacional de las Artes en 1978, y recibiendo el Premio Golden Plate en 1988. En 2002, la Fundación Cristóbal Gabarrón le confirió su premio anual internacional de las artes, en reconocimiento a sus grandes contribuciones a la cultura universal.

Desde sus primeras retrospectivas en 1972 organizadas por el Museo Whitney de Arte Estadounidense, Nueva York, y el Museo Wallraf-Richartz, Colonia, ha sido objeto de varias exposiciones de galerías y museos, tanto en los Estados Unidos como en el extranjero. Sigue produciendo encargos de gran tamaño, incluyendo la reciente suite en tres partes The Swimmer en el Econo-mist (1997–1998) para el Deutsche Guggenheim, Berlín, Alemania, y un cuadro planeado para el techo del Palacio de Chaillot en París, Francia. Su obra ha influido en generaciones más jóvenes de artistas.

BRICE MARDEN

Pintor estadounidense. Se forma en la Boston University School of Fine and Applied Arts y en la Yale University School of Art and Architecture de New Haven. En 1963 se establece en Nueva York, caracterizándose sus obras por explotar, en la medida de lo posible, el espacio con un fuerte componente subjetivo; asociado con el minimalismo, sus colores, unidos a una textura aterciopelada, desarrollan lo que Gauguin llamaba “sonido sordo” (tonos quebrados y extravagantes que producen diferentes acordes cromáticos). Sus cuadros son trabajos que van en contra del dominio de las técnicas gestuales propias del expresionismo abstracto de segunda generación, enfatizando sus obras los límites estructurales y espaciales del rectángulo. Combinando la calidad pictórica del expresionismo con la intelectualidad del minimalismo, crea un equilibrio entre la intensidad emocional y la simplicidad formal, observable en Pintura marroquí (1974) y Anunciación (1978).

AGNES MARTIN

Agnes Martin (22 de marzo de 1912 - 6 de diciembre de 2004), pintora minimalista norteamericana.

Agnes nació en Macklin (Saskatchewan), Canadá en 1912, su familia eran inmigrantes escoceses. Pero Creció en Vancouver, donde se trasladó a Estados Unidos en 1931, adquiriendo la ciudadanía en 1950.

Nunca se casó, ni tuvo hijos.-

Estudió arte y esporádicamente dio clases en New México, New York y Oregon durante varios años.

En 1957 decidió, gracias a una interesante propuesta laboral por parte de Betty Parsons, dueño de varias galerías de arte, mudarse a New York, pero desilusionada con la forma de vida de la ciudad, retornó a New Mexico en 1967 y se estableció en una humilde morada al pie de la montaña La Sangre de Cristo en Taos, donde llevó una vida tranquila.

A pesar de estar en la mira de varios artistas y productores de arte, siempre se mantuvo distanciada de la vida pública, y en ocasiones hasta de la sociedad. Por ello, en 1997 la revista Saturday Night la llamó “La artista realizada más desconocida de Canadá”. A su muerte, a los 92 años de edad, confesó no haber leído un periódico desde hacia 50 años, ya que consideraba que esto le nublaba la mente.

El arte abstracto de Agnes se exhibe, hoy en día, en las principales galerías de arte de New York, así como en El Museo de Arte Americano de Whitney, en la afamada galería de arte Tate Gallery en el centro de Londres, y en los centros de exposición de arte contemporáneo más importantes del mundo .-

Agnes creó su propio estilo de trabajo, y mayormente usó el acrílico. En la década del 50 su trabajo evolucionó desde el expresionismo abstracto a un estilo más personal y característico.

La mayor parte de sus telas están divididas en celdillas cuadriculadas y, aunque las formas sean minimalistas, refleja aspectos personales y espirituales. Y aunque sus cuadros cuadriculados reflejan ideas taoístas. Martin prefería ser considerada una expresionista abstracta, debido a la dimensión espiritual de su trabajo. Es por eso que Agnes siempre se mantuvo lejos del intelectualismo, destacando solo la personalidad y el espiritualismo de la obra.-

En varias entrevistas, al final de su vida, Agnes explica que el objetivo principal de la simplicidad de su arte se debe a que solo quiere evocar reacciones emocionales en sus obras.- Desde que se instaló en New México solo usó el negro, blanco y el marrón. Y en ocasiones introdujo tonos pastel y grises lavados que usaba para efectuar distintos esfumados y efectos de luz.

En 1997 Agnes recibió el premio Leon Dorado en la academia de arte de Venecia.-


En los últimos 50 años, el arte de Agnes creció en popularidad y al final de su vida fue reconocida como una de las artistas más distinguidas de Norteamérica, ganando en 1998 la Medalla Nacional de Arte de la Agrupación de Artistas de los Estados Unidos.

Agnes murió a los 92 años de edad, en “Plaza de Retiro”, un lugar para artistas retirados en Taos, donde vivía desde 1991.-

CARL ANDRE

Carl Andre (16 de septiembre de 1935- ), escultor estadounidense, figura prominente dentro del movimiento conocido como minimalismo.

Andre nació en Quincy, Massachusetts, y entre 1951 y 1953 estudió en la Academia Phillips de Andover, Massachusetts, dirigida por Maud y Patrick Morgan. En 1957 se trasladó a vivir a Nueva York, donde conoció a Frank Stella con el que compartió estudio en 1959. Trabajó durante cuatro años para la compañía Pennsylvania Railway, antes de alcanzar la fama internacional como minimalista a finales de la década de 1960.

Las primeras obras de Andre, como La última escalera (1959, Tate Gallery, Londres), mostraban una fuerte influencia de las esculturas de Constantin Brancusi. Sin embargo, después de dejar su trabajo en los ferrocarriles, en 1964, empezó a hacer esculturas minimalistas. Trabajó con objetos idénticos producidos en serie con los que componía la obra según un sistema de módulos matemáticos, reflejando la repetición de unidades, como vagones y coches cama en un ferrocarril. En 1972 la Tate Gallery adquirió la obra Equivalente VIII (1966, más tarde destruida y rehecha en 1969), que consiste en una serie de 120 ladrillos dispuestos en un rectángulo sobre el suelo del museo y que habrían de provocar, cuatro años más tarde, una encendida polémica en la prensa. Andre trabajó con una gran diversidad de materiales, incluidas las placas de metal y de madera.

Además de haber producido una importante obra escultórica, Andre también escribió poemas que consistían en diseños formados con palabras, que no respondían a un orden gramatical sino a un orden visual.

Oskar Kokoschka

(1 de marzo de 1886 - 22 de febrero de 1980) fue un artista y poeta austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes expresionistas.

La carrera de Kokoschka fue marcada en principio por intensos retratos de celebridades vienesas. Sirvió en un regimiento de caballeria austríaca durante la Primera Guerra Mundial y fue herido. En el hospital, los doctores decidieron declararlo mentalmente inestable, así como herido físicamente. A pesar de esto, continuó desarrollando su carrera como artista, viajando a través de Europa y pintando los paisajes que encontraba.

Mantuvo una relación sentimental apasionada, y a menudo turbulenta, con Alma Mahler, poco después de la muerte de su hija pequeña con Walter Gropius.

Tras varios años juntos, Mahler lo rechazó, dando como motivo el temor que se sentía por la intensa pasión de su relación con Kokoschka

Él continuó amándola durante toda su vida, y una de sus grandes obras, La novia del viento, es un homenaje a ella.


Clasificado como degenerado por los Nazis, Kokoschka huyó de Austria para refugiarse en el Reino Unido en 1938 y permaneció allí durante la guerra. Viajó brevemente a los Estados Unidos en 1947 antes de establecerse en Suiza, donde murió.

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JULIO GONZALEZ

Juli González i Pellicer (Barcelona, 1876 - París, 1942); escultor español.

Fue uno de los artistas modernos más importantes de la primera mitad del siglo XX. Nacido en Barcelona, una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. Es uno de los grandes escultores europeos del siglo XX. Dedicó su trabajo, sobre todo, a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.

Su obra se encuentra en diferentes museos, como el Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París o el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno de Valencia), que ha dedicado un espacio específico al escultor catalán a partir de la donación de sus obras efectuada por su hija (Centro Julio González).

DAVID SMITH

Nació el 9 de marzo de 1906 en Decatur, Illinois. Estudió en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York.

En 1933 hizo su primero escultura en hierro al fijarse en unas fotografías de Pablo Picasso y Julio González.

En la Segunda Guerra Mundial trabajó en una fábrica de locomotoras donde comenzó el interés por la maquinaria y las construcciones.

Fue un crítico radical de la violencia y de las avaricias humanas como demuestran muchas de sus obras.

Destacan sus trabajos denominados Cubi que consisten en grandes bloques de metal sobre altos pedestales.

Murió el 24 de mayo de 1965 a la edad de 59 años, en un accidente de carretera cerca de Bennington, Vermont.