Nacido el 12 de septiembre de 1898 en Kaunas, Rusia, (ahora Lituania) Muere el 14 de Marzo de 1969, en Nueva York
Pintor y artista gráfico que realiza una combinación de realismo y abstracción mezclado con causas sociales y políticas
Shahn emigró con su familia a la ciudad de Nueva York en 1906. En 1913–17 trabajó como aprendiz de litógrafo y asistía a clases nocturnas. Más tarde fue a la universidad de Nueva York, City College of New York, y a la academia de diseño. Durante sus viajes a Europa en 1925 y 1927 vió las obras de los pintores clásicos.
En 1931–32 Shahn comenzó su producción mas extensa, una serie de pinturas sobre el juicio de los anarquistas Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti. Shahn expresó su simpatía por los acusados con gran poder emocional y critica satírica, y dichas series le proporcionaron fama. Exploró otro juicio famoso, el del lider sindicalista Tom Mooney, en una obra de 1932–33. En 1933 Shahn se inscribió para realizar unos trabajos publicos para la Ciudad de Nueva York y ejecutó una serie de obras en la epoca de la prohibición. Desde 1935 a 1938 trabajó para la Farm Security Administration como artista y fotografo.
Shahn y su mujer, Bernarda Brysen, ejecutaron una serie de paneles para la entrada de la oficina de correos del Bronx en New York en 1938–39, un proyecto que tomó la forma del panorma geografico de la vida americana. El año 1939 fue particularmente fructífero para Shahn, porque creó tres de sus mejores y mas conocidos cuadros: Seurat’s Lunch, Handball, and Vacant Lot. Shahn tambien realizó muchos trabajos gráficos, en los cuales desarrolló un uso especial y distintivo de la línea. A principio de mediados de los 50, su trabajo se hizo mas reflexivo y menos preocupado por la crítica social.
Ben Shahn." Encyclopædia Britannica. 2009. Encyclopædia Britannica Online. 20 Nov. 2009 .
Dora Maar es uno de esos casos en que el nombre de una artista se conoce mucho más por sus relaciones personales que por su propia obra. En el caso de Dora Maar, su figura se relaciona automáticamente con Picasso, de la que fue una de sus amantes más fervientes y su musa durante algunos años. Pero en realidad Dora Maar fue también una artista, en este caso una fotógrafa de renombre que llegó a ser una de las referencias del grupo surrealista y que por tanto merece un hueco en la memoria de la Historia del arte.
Dora Maar se llamaba en realidad Henriette Theodora Markovitch y era hija de un arquitecto yugoslavo y de su esposa francesa. Nació en París, aunque su infancia la pasaría en Argentina donde a su padre le habían hecho algunos encargos y donde aprendió a hablar el español. De regreso a París a los veinte años iniciaría su formación artística en la Academia Julian, aunque en realidad su suerte fue topar con dos grandes fotógrafos que la iniciarían en el mundo de la fotografía: uno Henry Cartier Bresson, que la convenció de que cambiara su nombre por otro más corto y más sonoro, de donde nació Dora Maar, y el otro G. Brasaï, que la convirtió en su protegida y le enseñó muchos recursos y trucos fotográficos. A partir de entonces Dora Maar se convierte en una fotógrafa incansable que son su Rollei en la mano realiza todo tipo de fotos, desde desnudos sensuales a retratos, o colaboraciones junto con Brasaï en revistas de moda y en publicidad.
Por entonces Dora Maar era una joven de una belleza elegante y exótica que cautivaba por igual con su mirada melancólica, que por su estilo exquisito, del que sobresalían sus manos de una perfección legendaria, acentuada por sus uñas afiladas y pintadas siempre de un rojo intenso. A ello añadía en aquellos primeros años un entusiasmo juvenil y una gran vitalidad. Todo ello acabó por rendir a sus pies al poeta G. Bataille con el que iniciaría una breve relación sentimental. Bataille además, la introdujo en el entorno político de la época, convirtiéndose en una activista de izquierdas, que a su vez la relacionó con otros grupos de intelectuales. Fue así como conoció a Buñuel y más adelante a A. Breton que la introduciría en el grupo surrealista.
En esa misma época se produciría también el encuentro que cambiaría su vida. Fue en enero de 1936 cuando se hallaba en el Café Deux Magots de París enfrente de una mesa en la que se encontraba Picasso junto a P. Eluard y Sabartés. Dora Maar empezó a juguetear con un navaja que salteaba entre sus dedos enguantados, produciéndose incluso pequeñas heridas que iban salpicando de sangre sus preciosas manos enguantadas. El juego incitó a Picasso que de inmediato se acercó a su mesa iniciando así lo que sería una relación apasionada, y que a la larga resultaría especialmente autodestructiva para Dora Maar. Durante los primeros tiempos Picasso la convirtió en su musa y de su pincel salieron cuadros tan magníficos como su Mujer llorando y preciosos retratos. También ella se vio entonces favorecida, porque su creatividad alcanzaría su mejor momento y su relación con los surrealistas le permitiría innovar y experimentar en el campo de la fotografía. Realiza así obras tan conocidas como el Retrato de Ubú, que terminaría convirtiéndose en un icono fotográfico del movimiento surrealista.
Es también en esos años cuando marcha Barcelona e inicia allí una serie de fotografías donde capta con indudable talento la realidad costumbrista y el día a día de un país en vísperas de la guerra.
Pero todo cambiaría a los pocos años. Primero fue la II Guerra Mundial y el miedo a los nazis, que perseguían colaboradores de la izquierda como lo había sido ella. Luego fueron sus desavenencias con Picasso. El pintor había empezado su relación con Dora al poco de abandonar a su mujer Olga Kokhlova y de haber tenido un hijo con Marie Thérèse Walter, que entre tanto y a pesar de su relación con Dora Maar no había dejado de seguir siendo su amante. Pero el golpe definitivo a la relación llegaría con la aparición en la vida de Picasso de François Gilot, cuarenta años más joven que el pintor, pero que se impone sobre todas sus amantes anteriores. Dora Maar, acuciada por los celos y el alejamiento definitivo de Picasso cae en una profunda depresión que la arrastrará al abismo de la locura. El mismo Picasso la ingresa en el sanatorio psiquiátrico de Sainte Anne, donde curiosamente sería atendida por Jacques Lacan por entonces todavía un joven psicoanalista.
Con el tiempo Dora Maar irá recuperándose poco a poco, pero ya nunca más sería la misma, ni como mujer, ni mucho menos como artista. Sí que volverá a la pintura que prácticamente había dejado olvidada desde sus años de estudio, y a una religiosidad y un misticismo profundo que resultarían de sus pocos consuelos. Pero mientras la figura de Picasso se iba haciendo gigante con los años, la de ella se olvidaba por completo como artista y de ella sólo iba quedando el recuerdo de haber sido una más de las numerosas amantes del pintor. Lo cual constituye un caso más que significativo, porque resulta uno de los casos más ilustrativos de hasta dónde puede llegar la anulación de la personalidad y la autonomía artística de una mujer al sucumbir al poder artístico y personal de un hombre. Aunque en este caso se tratara ni más ni menos que de Picasso.
Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus (en inglés) o Retrato de una obsesión (en castellano) es el título de una película de ficción producida en 2006 en la que el personaje de Diane Arbus es el protagonista. Fue dirigida por Steven Shainberg y protagonizada por Nicole Kidman y Robert Downey Jr. y la trama, que es ficticia, se centra en un periodo de la vida de la artista extraído del libro Diane Arbus: A Biography as a source de Patricia Bosworth.
Diane Arbus (Nueva York, 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense.
Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continua trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges. En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.
Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue Pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.
(Kapuvár, 1923) Pintora húngara, nacionalizada francesa. Tras aproximarse al surrealismo, evolucionó hacia la abstracción. Ha realizado las series Eclatements (1955-1958) y de los Déroulements (desde 1973). En Hommes (1966-1972) reapareció la forma antropomorfa.
Hannah Höch (1 de Noviembre 1889, 31 de mayo 1978) Artista Dadá alemana más conocida por sus trabajos en el periodo Weimar, cuando fue una de las que empezó con el foto montaje.
sites.google.com/site/lamujerenelarte/hannah-hch
Nací en Gotha, Alemania, en 1899, en el seno de una familia burguesa, estudié artes decorativas en Berlín con Emil Orlik. En 1915 conocí a Raoul Hausmann, del que me enamoré inicié una relación intensa y difícil hasta que se rompió en 1922. En 1916 realicé mi primer collage abstracto y una pintura al óleo abstracta. En 1917 se creó el grupo Dadá berlinés al que pertenecíamos Hausmann, Huelsenbeck, Baader, Gras, Heartfield y yo.
"Todos estábamos oprimidos en un corsé a causa de la guerra, todos. Los obreros con su movimiento espartaquista, los filántropos con su movimiento antiguerra, los innovadores en religión se sentían budistas y las sufragistas hacían valer los derechos de la mujer, le expliqué a Suzanne Pagé en 1976. El Dadá berlinés fue el más politizado de todos y pese a mi actitud modesta y tímida, participé en la Antisinfonía de Golyscheff de 1919 y expuse en la famosa Primera Feria Internacional Dadá" en la galería del Dr. Burchard de Berlín, en 1920, en la que un maniquí vestido de soldado colgaba del techo.
En mis fotomontajes abunda la imagen de la mujer moderna, extraída de revistas contemporáneas, aunque su significado nunca es propagandístico. Otros collages presentan las típicas acumulaciones de imágenes inconexas: Cortado con el cuchillo de cocina dadá (1919-1920) es una suerte de recapitulación del movimiento Dadá en Berlín. Completan mis obras collages realizados con puntillas y patrones de costura, que reciclaba de su trabajo en la editorial Ullstein, donde se encargaba de diseñar tejidos y bordados.
Emprendí un largo viaje a pie a Roma para liberarme de mi relación con Raoul Hausmann. Tras el viaje pintó Roma (1925), que representa a la actriz Asta Nielsen rechazando a Mussolini, que simbolizaba el patriarcado.
Fruto de la amistad con Schwitters fue la construcción de otra gruta para la segunda Merzbau en 1925, año en el que visité a los Van Doesburg en Belle-Île, en la Bretaña. Fue entonces cuando empecé a exponer individualmente y, en los años treinta, realicé algunos fotomontajes de una modernidad sorprendente, no sólo por mi forma sino por el contenido, como Domadora (1930), una bella mujer con los brazos masculinos. La androginia y la confusión de sexos están presentes en varias de mis obras. En 1976 se celebró una gran retrospectiva de mi obra en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, dos años antes de mi muerte en Berlín.
Nace en 1881 cerca de Tula en el seno de la alta burguesía rural rusa. En 1892 se traslada a Moscú donde se inscribe en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura abandonando los estudios universitarios que previamente había comenzado. Se dedica en principio a la escultura hasta que el pintor Michail Larionov la orienta hacia la pintura, al observar su predisposición al color.
Sus primeras obras tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas de la vida campesina.
Formó parte, al lado de Larionov, de diferentes grupos dentro de la vanguardia rusa y definen juntos un nuevo estilo pictórico: el Rayonismo. La creatividad de la pintora no se limita a un solo movimiento sino que recoge aspectos de los diversos lenguajes vanguardistas.
Esta libertad de estilo impresionó profundamente a Guillaume Apollinaire y sobre todo a Sergei Diaghilev que le pidió que trabajara para él en los decorados y el vestuario de algunos de sus ballets rusos. En los años veinte Natalia reside en París donde conoce a Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Leger y Cocteau entre otros y se acerca también a los ambientes dadaístas a través de Tristán Tzara. En la década siguiente la crítica comienza a desinteresarse por su trabajo agravando la crisis de la artista que se había iniciado tras la muerte de Diaghilev en 1929.
En 1955 se casa con Larionov, su compañero de toda la vida y morirá en octubre de 1962.
Bibliografía y selección de sitios web Nathalie Gontcharova, Michel Larinov, París, Centre Georges Pompidou, 1995
Shirley Jaffe, pintora y escultora abstracta, nacida en New Jersey, USA, en 1923 y educada en Cooper Union en New York. En 1949 se trasladó a Paris y llevó a cabo sus inicios de carrera como pintora en Francia, aunque volvía regularmente a los Estados Unidos para realizar exposiciones a principios de los 90 en la Galería Holly Solomon y en otras en Nueva York. En Paris expuso en la Galería Fournier y más tarde empezó a exponer en la galería Nathalie Obadia.
Shirley Jaffe empezó como expresionista abstracta pero aproximadamente en 1968 su estilo se volvió mas plano, superficies monotonas y trazos de un solo color, que utilizó desde entonces. En 1968 un año grande en Berlin puede que haya reunido su pensamiento con la abstracción Europea de Arp,Tauber-Arp, Kandinski y Herbin.
En el 2000 el gobierno municipal de Perpignan encargó a Jaffe que diseñase la vidrieras para la iglesia. La instalación completa de las vidrieras coincidió con la exposición retrospectiva de Jaffe en el museo de Arte Moderno en Céret.
References
Border Crossing: Shirley Jaffe-painting and stained glass, Deborah Rosenthal, Modern Painters, Spring 2000.
louise Caroline Bourgeois (París, 25 de diciembre de 1911) es una conocida escultora y artista francesa.
Louise Bourgeois trabajó con Fernand Léger antes de instalarse de Nueva York. Allí se casó con el historiador de arte estadounidense Robert Goldwater en 1938.
Los padres de Louise Bourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar a sus padres con los dibujos de los tapices y completándolos. Tras haber obtenido el bachillerato en 1932, estudió matemáticas superiores en la Sorbona y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.
Bourgeois se apartó de las matemáticas, en su opinión demasiado teóricas. Empezó estudios de arte en París, primero en la escuela de Bellas Artes y luego en muchas academias así como en la Escuela del Louvre. Tuvo por esa razón de profesores a artistas como Paul Colin, Cassandre o el mismo Fernand Léger. En 1937 conoció a Robert Goldwater, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones, impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales.
Plenamente consciente de esta dimensión de su obra, está sin embargo muy alejada de las representaciones literales que caracterizaban en especial al surrealismo en su relación con el inconsciente, y en ese sentido abrió una vía muy vanguardista del arte contemporáneo. Sus esculturas monumentales de arañas, construcciones oníricas, son uno de los ejemplos más conocidos.
En el 2003 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.
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