Willie Bester es considerado como uno de los artistas más importantes de la resistencia de Sudáfrica contra las injusticias del apartheid y después del Apartheid. En sus comentarios socio-politicos sobre los cambios y actitudes raciales en Sudáfrica, y los procesos de la Verdad y Reconciliación, dice que han sido ineficaces. En particular, siempre ha abordado THE GROUP AREAS ACT (la ley que las personas separadas por el color en áreas designadas), y el carácter militarizado y violento de la vida se derivan de Sudáfrica del apartheid.
Su extraordinaria labor se ha centrado en las complejas realidades de la vida en el apartheid y post-apartheid de Sudáfrica, como en la transformación de los seres humanos en engranajes deshumanizados sirviendo los intereses de un aparato estatal desarrollado para aprovecharse de la fuerza de trabajo de la gente. Bester utiliza ambigüedades conceptuales y visuales para comunicar la convicción pesimista de que la gente es menos libre de lo que cree y tiene poco control de sus vidas, repitiendo continuamente su resistencia . La escultura monumental "Guardia de Seguridad" simboliza la falta de libertad que hay en Sudáfrica actualmente. Esto es sintomático de una sociedad que aún está marcada por las desigualdades económicas y de otro tipo a pesar del triunfo de la democracia en 1994. "Guardia de Seguridad" es un recordatorio, no sólo que los legados de la época del apartheid que aun siguen acechando a hoy, sino que es posible que sobrevivan en el futuro, salvo que las realidades apremiantes de la pobreza y la exclusión sean abordadas por el gobierno.
A menos que una verdadera transformación se lleve a cabo y se preste atención a las lecciones de la Verdad y Reconciliación, Bester continuará sus comentarios implacables.
Ousmane Sow (n. 10 de octubre de 1935) es un escultor senegalés.
Ousmane Sow nació en Dakar en 1935. Su padre, de Dakar, era treinta años mayor que su madre, que era de Saint-Louis. Se crió en Reubeuss, una de las zonas más animadas de Dakar, donde recibió una educación muy estricta y su padre le dio responsabilidades a una edad muy temprana. De su padre heredó la disciplina, el sentido del deber, el desdén por los honores y un espíritu libre. Cuando su padre murió, a pesar de su gran apego a su madre, decidió irse a París sin un céntimo en el bolsillo. Fue detenido por la policía y descubrió el lado más suave de una Francia que aún era un lugar acogedor. While working at various odd jobs, and having given up his courses at the Ecole des Beaux Arts, he obtained a diploma in physiotherapy. Mientras trabajaba en distintos oficios, obtuvo un diploma en fisioterapia, despues de haber abandonado la facultad de Bellas Artes. Although he had been sculpting since childhood, it was not till he was fifty that Ousmane Sow made sculpture his full-time profession. A pesar de que había hecho escultura desde la infancia, Ousmane Sow no hizo de la escultura una profesión hasta que cumplió 50 años. Sin embargo, su experiencia previa como fisioterapeuta puede verse en el sentido magnífico de la anatomía de manifiesta en su trabajos. Por la noche, en todos esos años, transformaba su sala de consulta y sus apartamentos en sucesivos estudios de escultura. He would then destroy or leave behind the works he created. A continuación, los destruía o los abandonaba. Hasta el momento de su primera exposición, que fue organizado por el Centro Cultural Francés en Dakar en 1987, no se sabía nada de su trabajo, aparte de un extracto de una película animada, que retrata pequeñas esculturas. Sólo seis años después de esta primera exposición, en Dakar, expuso su trabajo en la Dokumenta de Kassel, Alemania. En 1995, el Nouba sentado y el Nouba de pie cerraron la exposición organizada en Venecia en el Palazzo Grassi para el Centenario de la Bienal. En 1984, inspirado por las fotografías de Leni Riefenstahl de los Noubas del sur de Sudán, comenzó a trabajar en los luchadores de este grupo étnico y produjo su primera serie de esculturas, La Nouba. En 1988, creó los masai, en 1991, los zulúes, y en 1993 los peul. En 1991 se compró la tierra sobre la que construir su casa, diseñada por él. Las paredes y las baldosas están completamente cubiertas con sus propias esculturas y la casa simboliza la Esfinge, los presagios de su futura serie de esculturas titulada Los egipcios.
En el patio de esta casa, que produjo la Batalla de Little Big Horn, una serie de treinta y cinco piezas. Las piezas exhibidas por primera vez en Dakar en enero de 1999 sirvieron como un anticipo a la exposición de París sobre el Pont des Arts, que ofreció toda su serie de esculturas y atrajo a más de tres millones de visitantes. En 2001, encargó al Courbertin Susse y fundiciones para producir tres bronces de sus originales: la bailarina con pelo corto (serie Nouba), el Comité Permanente Wrestler (serie Nouba) y de la Madre y el Niño (serie Masai). Las tres piezas fueron expuestas en la primavera de 2001 en el Museo Dapper de París. Desde entonces, «El» Thrower (serie universal) y "Sitting Bull en la oración» (Little Big Horn serie) se han producido. En el mismo año, realizó un encargo del Comité Olímpico Internacional, «El corredor en la línea de salida".
Durante el verano de 2002, a petición de «Médicos del Mundo», creó una escultura de Victor Hugo para el « Rejection of poverty and exclusion day ». . Esta escultura fue encargada por la ciudad de Besançon, ciudad natal de Victor Hugo. Fue erigida el 17 de octubre de 2003, en la Place des Droits de l'Homme para marcar el rechazo a la pobreza y a la exclusión en presencia de Médicos del Mundo. Durante 2003, el Museo Whitney de Nueva York también presentó parte de la serie Little Big Horn, como parte de una exposición titulada "El efecto americano". Ousmane Sow siempre ha esculpido sin modelo. Él crea su propio medio. En una forma de alquimia sutil, pone un número de ingredientes a macerar durante años. Para él, este método de trabajo, en sí mismo, le da casi tanto placer como la creación de la escultura en sí. Aplica este material en un marco de metal, paja, yute, permitiendo que la naturaleza y el medio trabajen a voluntad propia abriendo la puerta a lo imprevisto. Este enfoque es herencia artística, pero también de África. Hoy, su vida y su obra están profundamente ancladas en su país. No puede imaginarse realizando escultura en otro lugar que no sea Senegal. A pesar de que vivió durante más de veinte años en Francia, nada ni nadie podía inducirlo a dejar su tierra nativa de África ».
Artista surafricano. En 1976 se doctora en Política y Estudios Aricanos por la Universidad de Witwatersrand, Johannesburgo. Entre ese año y 1978, estudia arte en la Johannesburg Art Foundation, especializándose en la modalidad de grabado. Entre 1981 y 1982 realiza un curso de mimo y teatro en L'École Jacques LeCoq de París. De talante esencialmente polifacético, a principios de los setenta se involucra activamente en el cine y el teatro, compaginando labores de guionista, actor, director y diseñador. En 1989 realiza a partir de sus dibujos el filme de animación Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris, premiado en el Weekly Mail Film Festival de Johannesburgo y exhibido después en el Institute of Contemporary Art. ICA de Londres. A esta película le siguen otras como Monument (1990), Mine (1991), Sobriety, Obesity and Growing Old (1991), Felix in Exile (1994), History of the Main Complaint (1996), WEIGHING and WANTING (1998) o Stereoscope( 1999). En 1992 colabora con la Handspring Puppet Company en la puesta en escena de Woyzeck on the Highveld, la obra inacabada de Georg Büchner, basada en una combinación de marionetas, animación y performances en vivo. El éxito cosechado por el montaje prolonga la colaboración entre el artista y la compañía y realizan conjuntamente Faustus in Africa! (1995), Ubu and the Truth Commission (1997), así como la ópera multimedia Il Ritorno d'Ulisse (1998). Sus dibujos, elaborados casi siempre al carboncillo, poseen un trazo vigoroso y una sensibilidad expresionista. Entre sus individuales puede mencionarse la que en 1998 tuvo lugar en el San Diego Museum of Art y en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas, así como en 1999 las del Museu d'Arte Contemporani de Barcelona. MACBA y la de la Serpentine Gallery de Londres. Ha participado en la 45ª Biennale di Venezia (1993); en la primera Bienal de Johannesburgo (1995), en la Biennale of Sydney (1996) y en la Documenta de Kassel (1997 y 2002). En 1999 fue galardonado con el Carnegie Prize.
“I am a white African living in a moment when people armed with razor blades can crash into the world’s most powerful buildings, a time when 15-million people in South Africa have AIDS, a time when the United States can declare war on Iraq for no reason other than fulfilling its own desire, a time when the pollution from the United States cause floods in Europe and droughts in Australia. I am living in a time where Contradiction, Truth, Desire, Passion and Anarchist are nothing more than the names of perfumes. I live in an age of digital reproduction where truth no longer exists in an image, where every image can be altered and changed and anybody can be erased from or inserted into history.” Kendell Geers
Kendell Geers Año de nacimiento 1968
Artista, hace instalaciones, películas y es músico. En 1993, En la Bienal de Venecia, Kendell Geers cambió su fecha de nacimiento a mayo de 1968. Ese mismo año, en Venecia, Geers alcanzó notoriedad internacional cuando orinó en la fuente de Marcel Duchamp. Ha realizado exposiciones desde 1993 y ha participado en Documenta, the Carnegie International, Havana Biennia, Istanbul Biennial, Kwang Ju Biennial, Taipei Biennial, Lyon Biennial y realizo exposiciones individuales en CCA Cincinnati, Stedelijk Museum voor Actuele Kunst Gent, Baltic Centre de arte contemporaneo, Aspen Art Museum y CAC en Lyon.
Artista holandesa de origen surafricano. Estudia la carrera de Artes Visuales en la Universidad de Capetown, Suráfrica (1972-1975). En 1976 se traslada a Holanda donde asiste al Ateliers 63 en Harlem (1978 y 1978), y cursa estudios de sicología en la Universidad de Ámsterdam (1979-1980). Su obra se enmarca en el neo-expresionismo conceptual de la década de los setenta. Entre lo más conocido de su producción están sus acuarelas y dibujos, realizados a partir de fotografías de prensa o tomadas por ella misma y en los que reproduce algunos de los rasgos de la imagen impresa, como su carácter plano y desenfocado. Entre 1976 y 1983 realiza sobre todo grandes collages a los que incorpora textos, recortes y algunos objetos. Una de sus obras más representativas de este periodo es Don´t talk to strangers (1977). A fines de los ochenta y principios de los noventa acomete una serie sobre el tema de la maternidad en la que el tema es tratado con más extrañeza que romanticismo. La temática religiosa aparece en su obra a principios de los ochenta, y en 1988 lleva a cabo la importante serie "Defining the negative", en la que cuestiona las representaciones tradicionales del desnudo femenino con cierta dosis de humor. Ha escrito sobre artistas como Jenny Holzer, Emil Nolde, Barbara Kruger, Edvard Munch, Barbara Bloom o Francis Bacon. Su obra ha viajado por instituciones de Europa y Estados Unidos y pudo verse en la 46 edición de la Bienal de Venecia (1995). Entre sus individuales más destacadas pueden mencionarse la de la Tate Gallery de Londres (1996), así como las del Centre Georges Pompidou, París, y la del Institute of Contemporary Art, Boston, celebradas ambas en el 2001.
