Chiho Aoshima

Chiho Aoshima (青岛千穂 ? , nació en 1974, Tokio , Japón ) es una artista japonesa pop y miembro del movimiento Takashi Murakami . Aoshima se graduó en el Departamento de Economía de la Universidad Hosei , Tokio. Realizó un curso en Art Pace, San Antonio, Texas en 2006. Esta joven artista gráfica comenzó en la fábrica de Murakami sin formación artística formal. La obra de Aoshima a menudo implica escenas surrealistas y oníricas, a menudo incluyendo fantasmas, demonios, la naturaleza y mujeres jóvenes.


La obra de Aoshima son imagenes a gran escala hechas en fuertes impresiones y tambien en materiales como la piel y superficies de plástico para darle a sus imágenes diferentes texturas. Aoshima ahora vive y trabaja en Tokio.



Aoshima también ha realizado un escultura y una animación, y ha realizado recientemente su imagen más grande aún que mide 32,5 metros de longitud y 4,8 metros de altura. Además, Aoshima tiene su trabajo en las paredes de la New York City Transit . Las imágenes de la estación de tren son parte de su serie de la Ciudad de resplandor.


También está mostrando su trabajo en una exposición en la estación de metro Gloucester Road en Londres y en la la estación de metro 14-Union Square, . AoshimaAoshima dice: "Mi trabajo son como hebras de mis pensamientos que han volado por todo el universo antes de volver a materializarse."


Las obras de Aoshima se consideran superflat, el movimiento artístico posmoderno que fue fundado por Takashi Murakami.

George Owen Wynne Apperley

(Ventnor, Isla de Wight, Inglaterra, 1884 - Tánger, 1960)George mostró desde muy pronto su inclinación por la pintura, la mitología griega y los estudios sobre las civilizaciones antiguas; estos primeros conocimientos marcaron su pintura posterior, de reminiscencias clásicas al margen del correr de los tiempos.


Viajó a Italia por vez primera en 1904, acontecimiento que como era de esperar marcó profundamente su desarrollo posterior. Ese mismo año fue admitida una de sus acuarelas para la exposición anual de la Royal Academy, y un año después volvió a Italia; también tuvo lugar su primera exhibición individual en la Baillie Gallery, todo un éxito en la prensa inglesa.


Fueron numerosas las exposiciones individuales en la Baillie Gallery, la Leicester Gallery y en Londres, en 1912, en la Walker’s Art Gallery, mientras se sucedían los viajes por Europa y, en especial, por Italia. En 1914 recaló en España. Durante este primer viaje pintó, fundamentalmente, acuarelas, como el Puente de Alcántara o Mañana en Granada. A partir del definitivo establecimiento en Granada, en 1916, y situado su estudio en la Placeta de San Nicolás, George se dedicó a pintar paisajes de los alrededores, retratos de mujeres españolas con trajes típicos
de la zona y gitanos del Albaicín. En España se casó en segundas nupcias con Enriqueta Contreras, con quien tuvo otros dos hijos, George y Riki.


Su primera exposición española tuvo lugar en Madrid, en noviembre de 1918, inaugurada por los reyes de España. A ella le siguieron exposiciones en Londres, en el Royal Institute of Painters in Watercolours y en la Royal Academy, de gran éxito en los medios de comunicación, eventos que alternaba con continuos desplazamientos a Italia y a Marruecos. De hecho, a partir de 1932 estableció su residencia en Tánger, donde siguió pintando sus conocidas composiciones pobladas por desnudos femeninos en distintas posturas, de regusto académico. En 1936 fue nombrado Comendador de la Mehdavia, por los “servicios a la causa” republicana; y en 1945 recibió la Encomienda de Alfonso X el Sabio, un honor nunca recibido en vida por un artista británico. Finalmente, en 1951, fue distinguido como miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Málaga.

En los primeros años de la República, la postura tradicionalista de Apperley le lleva a diversos enfrentamientos, que culminan con la colocación de una bomba en su casa. Este hecho hace que se traslade, en 1933, a Tánger, donde fija definitivamente su residencia, permaneciendo allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral. Murió en Tánger en 1960.

MANUEL MOLDES

Manuel Rodríguez Moldes, nado en Pontevedra en 1949, coñecido como Manuel Moldes, é un pintor galego.

Empezou a debuxar de moi novo. En 1968 trasládase a Madrid, para cursar a carreira de arquitectura técnica, que abandonou dous anos despois. Asistiu, tamén, ás clases de forxa na Escola de Artes e Oficios. Estudia Belas Artes na Facultade de Cuenca. Desde 1995 é Profesor de Debuxo na Facultade de Belas Artes de Pontevedra. No 2005 é nomeado Académico de Número da Real Academia Galega de Belas Artes.

Realizou a súa primeira exposición individual en 1970, en Pontevedra, e participou nas colectivas da Praza da Princesa en Vigo, onde conseguiu unha bolsa de estudos. Seguiu co seu traballo con exposicións en diversas cidades de España. En 1980 vincúlase ao movemento renovador do Grupo Atlántica. Participou en bienais provinciais; na de Pontevedra en 1990, conseguiu o máximo galardón.

A súa obra figura en museos provinciais de Galicia, en institucións e colecciónes particulares de España e do estranxeiro. Moldes é un neorrealista de raíz impresionista, cun debuxo rigoroso, en apariencia esquemático, aínda que en realidade moi barroco. Nas súas escenas existe un afán anunciador, case panfletario e acostuma traballar en grandes tamaños.

Wikipedia en galego.

Ernest Biéler

Ernest Biéler -1863 Rolle, Suiza- 1948 Lausanne -fue un pintor suizo.

Despues de completar su educación en Lausanne, estudió en la Academia Julian en Paris. En 1900, recibio la medalla de plata en la Exposición Universal de Paris. Fundó con Raphaël Ritz, Edouard Vallet y otros la Escuela de Savièse.

References

1. ^ Les peintres de l'École de Savièse

Tomás Campuzano y Aguirre

Santander,1857 - Madrid,1934

Comenzó estudios de Derecho en Madrid en el año 1875 obteniendo el título de Licenciado con veintidós años de edad. Mientras tanto frecuentaba la Escuela especial de Pintura, Escultura y Grabado llegando a exponer su primera obra en el Círculo de Bellas Artes en 1880 un año mas tarde presenta otra obra en la exposición nacional de Bellas Artes. La temática de ambas obras va a ser aquella que le dará mas adelante nombre y prestigio, La Marina.

Hombre de su tiempo, refleja con sus marinas la incesante actividad de los puertos cantábricos favorecida por el progreso y la industrialización del norte del país.

En 1884 viaja por Asturias plasmando numerosos paisajes y escenas de la región y en 1886 es miembro de la comisión española en el canal de Panamá realizando diversas ilustraciones sobre esta obra. Muy vinculado la vida social madrileña es nombrado en 1893 Administrador de la Calcografía Nacional y será mas adelante, profesor y director de la Escuela Nacional de Artes Gráficas.

Shen Han-Wu

Nantung, China, 1950

Artista chino establecido, Shen Han Wu utiliza el oleo para trabajar dentro de su particular estilo realista. Describe la vida en el campo en China de manera honrada y franca, utilizando una pincelada muy clara y colores tenues y sobrepuestos. La sinceridad simple de los campesinos y una fuerte nostalgia por la paz y la sencillez de la vida en el campo subyacen en la obra de Wu.

Shen Han Wu se graduo en el Instituto de Bellas Artes de Hubei, con honores en pintura al oleo.

Acerca de su trabajo, Wu dice: ?Si lo inusual y lo excepcional causan sorpresa e incluso shock, yo prefiero lo cotidiano. Cuando pienso en el campo, los pueblos de montaña, los rios y el humo de las chimeneas, pienso en esas personas sencillas y amables. Ellos empiezan su trabajo al amanecer, y al anochecer vuelven a casa a descansar. Trabajan muy duro y viven codo a codo con la Naturaleza; son gente sencilla pero en sus ojos puedes encontrar algo que te conmueve?.



PicassoMio

ling jian

Nació en 1963 en la provincia de Shandong, China.
"Ling Jian estudió pintura en la Academia Central de Bellas Artes en Beijing, pasando poco después a Alemania, donde todavía vive y trabaja. Ha realizado numerosas exposiciones en Alemania y en toda Europa (FIAC, Art Amsterdam RAI). Su trabajo fue incluido en la exposición colectiva, Esencia de mujer que viajó a Beijing, Shanghai y Hong Kong.


"Después de haber conseguido fama con su serie titulada 'hermana comunista", Ling Jian ha explorado la evolución de la identidad cultural de China como se simboliza en muchas de sus imágenes fantásticas. La mujer, representada en un estilo altamente provocativo y sensual, está en desacuerdo con la realidad conservadora y racional de la verdadera mujer soldado comunista.


En la creación de este hipotético, y muy claramente contradictorio conjunto de imágenes, Ling Jian señala las amplias cuestiones del pueblo chino, y en particular el papel de la mujer en esta sociedad cambiante. "

oneinchpunch

Jean-Gabriel Domergue

Jean-Gabriel Domergue (1889-1962)

Nació en Bordeaux, Francia. Domergue es un artista de características singulares que hacen de su pintura reconocible a primera vista. En ella aporta un estilo que lo situa entre los más preciados del siglo XX. De maestría evidente desde pequeño, a los 18 años recibe sus primeros galardones.


Al comienzo pintor de paisajes y luego seducido por la pintura de Giovanni Boldini, Domergue desarrolla una carrera donde prima el retrato y semi desnudo femenino que lo haría famoso.

De trazo neoimpresionista, los rostros en las féminas de Domergue expresan temperamento alegre, coquetería explícita y los cuerpos gozan de apariencia elegante, suave, delgada y vestidos con atuendos que muestran una transparencia prístina.



Esto último una característica inigualable en el estilo de Domergue.
Resulta difícil determinar el estilo de este artista ya que merece una clasificación propia: "manierismo modernista francés".

pintoresfamosos

Michel Larionov

MUSICA- LA FLAUTA MAGICA (obertura) MOZART



Mijaíl Lariónov (llamado también Mikhail Fyodorovich Larionov) fue un pintor ruso de corte vanguardista. Nace en Tiráspol (Rusia, región de Moldavia) el 3 de junio de 1881 y muere el 10 de mayo de 1964.



En Moldavia transcurre su juventud en casa de sus abuelos donde se impregna para siempre de la belleza natural de los paisajes que le rodean, belleza que tendrá un papel significativo en su arte. Estudia en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (1898-1910). Él y Natalya Goncharova, se hacen amigos de Konstantín Korovin cuando éste toma el cargo de profesor en esta escuela en 1902. La enseñanza de Korovin cobra inmediatamente una importancia capital para el joven pintor. En 1903, Lariónov se relaciona con Sergéi Diágilev, cuando una importante exposición del trabajo de Charles Rennie Mac Kintosh ; nace entonces una amistad muy fuerte y relaciones profesionales muy estrechas entre los dos hombres.

Lariónov produce entre 1914 y 1929 dibujos de vestuarios, decorados para las producciones teatrales de Sergéi Diágilev. Goncharova y Lariónov trabajan juntos, se inspiran mutuamente, siguiendo a la vez caminos artísticos independientes. Ya en 1908, Lariónov organiza un gran número de exposiciones, a las cuales participa ella. Está presente en la Exposición Internacional de Viena en 1907, en la Der Blue Reiter (Múnich, 1912). Inspirado por el Futurismo.


En 1913, Lariónov y Goncharova crean lo que puede considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva, el Rayonismo. Lariónov elabora su manifiesto que se publicará en 1914. Lariónov está llamado a la guerra pero él considerará siempre que ésta le hizo perder parte de su creatividad y perturbó para siempre su vida artística. Sin embargo seguirá ofreciendo su contribución a la pintura, a las artes gráficas y al mundo del teatro. Publicará sus propios escritos, ilustrará todavía numerosas obras. Mijaíl Lariónov muere en Francia (París) en 1964, solo dos años tras la desaparición de Goncharova.

En 1911 aparece el rayonismo (del francés rayonner, irradiar), que tuvo como figura principal a Mijaíl Lariónov, donde se mezclaban propuestas cubistas y futuristas, sin anécdota, en pos de una independencia de los valores plásticos "en sí mismos".

(Información obtenida de Wikipedia)

Carlo Carra

Italia. (1881-1966)

Figura destacada tanto de la pintura futurista como de la metafísica. Al principio intentó infundir una sensación de movimiento futurista a la estructura geométrica y a la paleta neutra del cubismo.

En sus obras creó una atmósfera de misterio y aprehensión mediante el uso de una perspectiva renacentista exagerada y de una luz amenazadora. Desde 1921 se dedicó a pintar paisajes con un estilo cada vez más naturalista.

Paul Serusier

El talismán

Paul Sérusier (París; 9 de noviembre de 1864 - Morlaix; 7 de octubre de 1927); pintor francés perteneciente al post-impresionismo, asociado al movimiento de los Nabis.



Para entender a Paul Sérusier es necesario echar un vistazo a la llamada Escuela de Pont-Aven. Pont-Aven es un lugar al sur de Francia al que se traslada Gauguin en un momento de su vida, buscando algo nuevo en su carrera. Tras trabajar en la capital francesa, decide trasladarse allí para encontrarse con un ambiente más primigenio, con una cultura rural. Junto a Émile Bernard y Sérusier formará la llamada Escuela de Pont-Aven (1886-1891).

El Talismán es su obra más importante. El verano de 1888 Paul Sérusier coincide con Paul Gauguin en Pont-Aven (Bretaña francesa) y allí pinta esta obra influenciado por el consejo de Gauguin: «Si vés amarillo elige el amarillo más estridente que tengas en la paleta y aplicalo al cuadro».


Esta obra pintada en la tapa de una caja de cerillas causó gran expectación a su vuelta a París (de ahí su nombre El Talismán porque la enseñaban como si tuviesen un tesoro) y alrededor de tal concepto apareció el grupo de los Nabis. Las características básicas de este grupo son: el espíritu de síntesis, la ornamentalidad y sobre todo la aplicación de colores intensos que no se corresponden con la realidad.



Este cuadro tiene detrás un significado y una anécdota muy curiosos. Paul Sérusier tenía muchas dudas con respecto a la pintura; no sabía que hacer, cómo avanzar y enfocar su obra. Gauguin le da una caja de cerillas y le dice que pinte algo en ella. Serusier pintará en esta caja de cerilla esta obra denominada El talismán.

El grupo acabará llamando a la caja de cerillas La caja mágica. Gauguin le aconseja en este momento a Serusier que pinte lo que él quiera, sin necesidad de ser algo que se refiera a la realidad, pintándola tal y como él la ve. «Arte es lo que tú vés, la emoción que te produce», esto es lo que le dice Gauguin a Serusier. Algo que cala entre los artistas del grupo que en ese momento están todavía comenzando a fraguar el camino que van a seguir en su producción. De ahí que esta caja de cerillas se convierta en la clave del grupo Nabi, en su caja mágica. La obra es además una obra con cierta tendencia a la abstracción. Representa un paisaje, con árboles, una casa y agua donde se refleja todo.