Ignacio Díaz Olano

Ignacio Díaz Olano (Vitoria, 1 de febrero de 1860 - 7 de marzo de 1937) fue un pintor español.

Cursó estudios en Barcelona, siendo becado por el Ayuntamiento vitoriano, de 1876 a 1880. Regresó a su ciudad natal, donde colaboró por algún tiempo en el semanario "El danzarín"; firmaba sus dibujos con el pseudónimo "Galop". Después, en 1890 se trasladó a París, ciudad en la que permaneció hasta 1894, cursando estudios de dibujo anatómico. También realizó en París trabajos de escenografía para el Teatro de la Ópera. En 1894 se marchó a Roma, siendo becado por el vitoriano Felipe Arrieta. En 1896 fijó su residencia definitiva en Vitoria. Participó en múltiples Exposiciones Nacionales entre 1892 y 1917, logrando Medalla de Bronce en la de 1895 y Medallas de Plata en las de 1899 y 1901. Ejerció la docencia en la Escuela de Artes y Oficios vitoriana y fue catedrático de dibujo en el Instituto de Vitoria. Su obra es, principalmente, costumbrista y está impregnada por una gran naturalidad. También fue un gran retratista, habiendo cultivado igualmente el bodegón y el paisaje. En 1963 la Diputación Foral de Álava expuso una muestra antológica de su obra en su honor, exhibiendo 158 obras. El crítico Mario Ángel Marrodán afirma: "El lirismo ardiente y pujante de su pintura, es el resultado de la fusión o confrontación del hombre con su época, del pintor y su ambiente, o bien de la realidad artística entre rústica y agreste a la que ha arrancado los nuevos frutos de la obra de arte". Su obra se halla representada en el Museo de Bellas Artes de Vitoria, en el Provincial de Álava y en el Bellas Artes de Asturias.

(Información obtenida de Wikipedia)

Iliá Repin

Iliá Yefímovich Repin, (ruso: Илья Ефимович Репин; Chuguev, Imperio ruso, 24 de juliojul./ 5 de agosto de 1844greg. - Kuokkala, Finlandia, 29 de septiembre de 1930) fue un destacado pintor y escultor ruso del movimiento artístico Peredvizhniki. Sus obras, enmarcadas en el realismo, contienen a menudo una gran profundidad psicológica y exhiben las tensiones del orden social existente.

A finales de los años 20 comenzaron a publicarse en la URSS detallados trabajos sobre su obra y alrededor de diez años después fue puesto como ejemplo para ser imitado por los artistas del realismo socialista.

Repin nació en la ciudad de Chuguev, en la gubernia de Járkov, en el centro de la región histórica de Ucrania Sloboda.

Su padre Yefim era un militar y colono que se dedicaba al cultivo de la tierra, pero estando permanentemente obligado al deber militar. Repin comienza a tener contacto con la pintura como aprendiz a la edad de trece años en el taller de un artista local dedicado a los iconos llamado Iván Bunakov. Igualmente comienza a estudiar la técnica del retrato. En 1866 se trasladó a San Petersburgo e ingresó en la Academia Imperial de las Artes.


Con su primera obra maestra, La resurrección de la hija de Jairo, ganó la medalla de oro de un concurso de la Academia, y con ello una beca para estudiar en Francia y en Italia. Así es como Repin vivió en París, donde recibió la influencia de la pintura impresionista, que tuvo importantes consecuencias sobre su forma de usar la luz y el color. Sin embargo, su estilo continuó siendo más afín al de los maestros de la vieja escuela, especialmente Rembrandt, y nunca llegó a convertirse en un impresionista. A lo largo de su carrera retrató a la gente común, tanto ucraniana como rusa, aunque en sus últimos años también representó en sus obras a miembros de la elite del Imperio Ruso, la intelligentsia, la aristocracia y al propio Emperador Nicolás II.


En 1878 Repin se unió a la Sociedad de Exposiciones Artísticas Itinerantes, generalmente conocida como Los Itinerantes (Peredvizhniki), que en la época en la que Repin llegó a la capital rusa se rebelaron contra el formalismo de la Academia. La fama de Repin se extendió a raíz de su pintura Los sirgadores del Volga, una obra que denuncia de un modo impactante el duro sino de estas personas. Desde 1882 vivió en San Petersburgo, realizando frecuentes visitas a su tierra natal ucraniana y ocasionalmente viajes al extranjero.


Poco antes del asesinato del Emperador Alejandro II en 1881, empezó a pintar una serie de cuadros relacionados con el movimiento revolucionario ruso: Negativa a confesarse, Arresto de un propagandista, El encuentro de los revolucionarios y No lo esperaban, siendo ésta última su obra maestra sobre este tema. En ella se representa la sorpresa de los miembros de una familia ante la llegada al hogar de un exiliado político.


Su obra Procesión de Pascua en la provincia de Kursk es con frecuencia considerada un arquetipo del estilo nacional ruso, mostrando diversas clases sociales y las tensiones entre ellas, dentro del contexto de la práctica de una tradición religiosa y unidas en un avance lento pero continuo.

En 1885 Repin terminó una de sus pinturas de mayor intensidad psicológica: Iván el Terrible y su hijo. Este óleo muestra a un horrorizado Iván que abraza a su hijo agonizante, a quien acaba de golpear y herir mortalmente en un acceso de furia. La mirada de espanto de Iván se halla en profundo contraste con la expresión de serenidad de su hijo.


Una de las pinturas más complejas de Repin, Los cosacos Zaporogos le escriben una carta al Sultán de Turquía, ocupó al artista durante muchos años, y es en gran medida fruto de una concienzuda investigación llevada a cabo conjuntamente con el historiador Dmytro Yavornitski, que incluyó numerosos viajes a la región de los cosacos zaporogos



Repin concibió esta obra como un estudio en clave de humor, pero también pensaba que recogía los ideales de la libertad, la igualdad y la fraternidad; en pocas palabras, el republicanismo de los cosacos ucranianos. Comenzó este cuadro en 1880 y no lo completó hasta 1891. Irónicamente fue adquirido de forma inmediata por el Emperador, quien pagó por él treinta y cinco mil rublos (una cantidad desorbitada en aquella época). Otra versión de este cuadro, realizada entre los años 1889 y 1896, se conserva en el Museo de Bellas Artes de Járkov. Además Repin pintó dos esbozos al óleo para este cuadro: uno de ellos, se encuentra en la Galería Tretiakov y el otro está en el museo nacional de arte de Bielorrusia, en Minsk.

En su madurez Repin retrató a muchos de sus más ilustres compatriotas, incluyendo al novelista León Tolstói, el científico Dimitri Mendeléyev, el jurista y político Konstantín Pobedonóstsev, el filántropo y mecenas Pável Tretiakov, los compositores Modest Músorgski, Aleksandr Borodín, Aleksandr Glazunov, Mijaíl Glinka y Antón Rubinstein y el poeta y pintor ucraniano Tarás Shevchenko.

En 1900 se le encargó por parte del gobierno de Rusia su mayor obra: un óleo de 400 por 877 centímetros que representase una sesión solemne del Consejo de Estado del Imperio ruso.


El propio Repin diseñó su casa, situada a unos cuarenta kilómetros al Noroeste de San Petersburgo, en el istmo de Karelia. La finca Los Penates debe su nombre a los ídolos romanos protectores de la familia y del hogar. Tras la Revolución de Octubre (1917) la zona en la que se encontraba Los Penates fue incorporada a Finlandia. Diversas instituciones soviéticas le invitaron a regresar a su tierra natal, pero él rechazó los ofrecimientos argumentando que era demasiado anciano para hacer tal viaje. Durante esta época Repin dedicó mucho tiempo a pintar temas religiosos, aunque el tratamiento que hizo de los mismos no fue habitualmente tradicional sino innovador.


Con la excepción del retrato del primer ministro del gobierno provisional, Aleksandr Kérenski, Repin no pintó nada relevante acerca de las revoluciones de 1917 o del gobierno soviético que las siguió. Su último cuadro, un festivo y exuberante óleo llamado Gopak, trata sobre un tema cosaco ucraniano.

Falleció en 1930, en Los Penates (Kuokkala, Finlandia - actualmente Repino, provincia de Leningrado-). Sus restos están enterrados en el jardín de la casa.


La Academia Imperial de las Artes de San Petersburgo, en la que Repin estudió, cambió de nombre tras la Revolución de 1917 y en 1947 fue trasladada a Moscú. Desde entonces el edificio ha albergado el Instituto académico de San Petersburgo de pintura, escultura y arquitectura Iliá Repin.

Pál Fried

(16 de junio de 1893, Hungría - 6 de marzo de 1976, Nueva York) fue un artista húngaro. Sus óleos fueron por lo general de bailarinas, desnudos y retratos, y sus temas eran casi siempre mujeres, aunque también pintó París , paisajes marinos, vaqueros y los paisajes del Oeste americano. Firmó sus pinturas, a la manera europea, con su apellido por primera vez como "Fried Pal".

Fried emigró a los Estados Unidos en 1946 después de la Segunda Guerra Mundial , y se convirtió en un ciudadano de los EE.UU. en 1953. Vivió en Los Angeles y Nueva York .

Jacques Villeglé

Jacques Mahé de la Villeglé, Jacques Villeglé, nace en Quimper en 1926. Es alumno de la sección escultura de la Escuela de Bellas Artes de Rennes donde conoce a Raymond Hains de quien va a seguir los pasos. Entre 1947 y 1949, estudia arquitectura en Nantes y se instala después en París. Empieza recolectando objetos en las playas, especialmente en la de Saint-Malo (alambres, restos del muro del Atlántico…) objetos con los cuales concibe esculturas, pero a partir de 1949, recoge carteles lacerados, se llama a si mismo “cartelista” y proclama “la guerrilla de los signos”.


A principios de los años cincuenta el joven artista frecuenta a los letristas disidentes (Bull Dog Brau, Guy Debord y Gil Wolman). En 1954 Villeglé conoce al poeta letrista François Dufrêne. En 1958 redacta una clarificación acerca de los carteles lacerados titulada “Realidades colectivas”, prefiguración del manifiesto del Nuevo Realismo. En 1960, tras una participación a la primera Bienal de París, Jacques Villeglé adhiere al grupo de los Nuevos Realistas, siendo uno de los miembros fundadores, junto con Martial Raysse, Yves Klein, Arman, Tinguely, Hains, Dufrêne, Spoerri…).
Este movimiento decreta “nuevos acercamientos perceptivos de lo real” y se afinca, por lo que se refiere a Villeglé, en un arte que quiere ser desprovisto de técnica y cercano a lo que se encuentra en la calle. Arranca los carteles desgarrados por el tiempo y por manos anónimas, dejando aparecer la parte que constituye en ellas una obra de arte natural. De este modo los hace cambiar de estatuto. Continua en esta vía, a partir de 1969, con los criptogramas sociopolíticos, graffitis de muros con los cuales constituye textos y un alfabeto.

Junto con su amigo Raymond Hains, con quien realiza la película “Penélope”, Villeglé se apropia los desgarramientos abstractos y líricos de la ciudad, instila en sus obras una dosis de contestación política, y se apropia disfrazándola la política y la prensa.

Su primera exposición personal tiene lugar en 1959. A partir de esta fecha, la obra de Villeglé se expone en más de un centenar de exposiciones personales (en Europa y en Estados Unidos) y en numerosas exposiciones colectivas (Salón de los Jóvenes en París, Salón Comparación, Salón Nika…). Importantes museos nacionales adquieren obras suyas pero, a pesar del aspecto innovador de su visión, Jacques Villeglé tendrá que esperar hasta 1970 para vivir de su arte y sólo conseguirá un reconocimiento público al final de los años setenta. Tendrá que esperar el año 1998 para que el Museo Nacional de Arte Moderno adquiera uno de sus carteles lacerados.

El artista vive y trabaja entre París y Saint-Malo.

mchampetier

Omar Galliani

Nacido en 1954 en Montecchio Emilia, donde vive y trabaja, Omar Galliani estudió en la Academia de Bellas Artes de Boloña y enseña pintura en la Academia de Bellas Artes de Carrara. En los inicios de los años ochenta ha sido un exponente relevante del grupo de los Anacronistas y del Mágico Primario.

Omar Galliani es desde hace muchísimos años una figura central del panorama artístico italiano no sólo por haber sido entre los primeros a adherir en los años ’80 a la “nueva figuración”, sino por haber desarrollado en el transcurso del tiempo una técnica de trabajo “única” en su género que lo ha llevado a exponer en muchos países del mundo.

Revisitando la historia del arte Omar Galliani fue siempre llevado instintivamente a privilegiar el dibujo y la composición respecto de la fuerza del color que en sus obras fue y se mantiene siempre como un transfondo. La supremacía del dibujo es para él, respecto del uso del color –que permanece como un medio– una especie de trámite a ser utilizado como “medium expresivo”, sometido a la forma compositiva y al placer de la contemplación.

Las obras de Galliani son un elogio a los tres reinos: mineral (el grafito), vegetal (el álamo), animal (la anatomía humana). La lenta sedimentación del grafito crea las imágenes, estados del ser que deben su propia identidad al espesarse los signos sobre las nervaduras de la madera o en la porosidad del papel. De modo particular, la madera de álamo es un material vivo, se dilata o contrae según el clima, las estaciones, sometiéndose a un lento pero gradual amarilleo que año tras año destaca el paso del tiempo.

La base deviene por lo tanto ella misma parte de la creación, de un devenir demiúrgico incansable que prosigue allí donde se ha interrumpido la intervención del artista, por supuesto resolutiva, pero nunca absoluta. Viceversa, el grafito, considerado por el artista como una “geología profunda”, genera las profundidades siderales de las imágenes, rostros y cuerpos que son como planetas, constelaciones capaces de absorber y destilar el fulgor tenebroso de la mina. Probablemente no bastaría un único gran observatorio para observar todas estas anatomías que sólo a lo lejos pueden identificarse en una mujer – alma auroral, “biología originaria a la cual pertenecemos”.

Los Diseños siameses son símbolos del infinito, las Nuevas anatomías son símbolos biológicos que esperan convertirse en obra (no de signo anatómico, sino de antomía del mismo dibujo), mientras que los Nuevos Santos son símbolo del erotismo, suspendidos entre la percepción de los sentidos y las visiones interiores (a través de las cuales descarriamos el abismo, oscuridad de la existencia que no es más que un indefenso recomenzar).

Pero si las Santas de los textos canónicos eran demasiado castas y ascéticas para suscitar el deseo de la lujuria, las (Ma)donnas de Galliani son más sensuales que espirituales. En modo diverso a las Beatas hieráticas, capaces de infundir la paz de los sentidos, los Nuevos Santos son modelos cuyo glamour induce en la tentación. Fascinación, sensualidad y seducción promueven en el expectador la convicción de poder yacer con ellos en un abrazo cualquier cosa menos virtuoso.

Alejándose de la castidad de la fe, las diosas-mujeres se acercan en forma más verosímil a las diosas pecaminosas de la mitología, siempre en el centro de amores irrefrenables y turbulentos. Así, las figuras de Galliani son una fusión de mito y religión, el nimbo (a guisa de corona de espinas) las consagra y contemporáneamente las fustiga (permaneciendo ensangrentadas).

La pasión religiosa, entendida como aflicción tormentosa, cede a la pasión amorosa, carnal y cotidiana. En la práctica hemos pasado del éxtasis al trance sexual, tensión erótica con olor a pecado y no ya a santidad.

Fuente: /centro cultural borges

Nick Walker

Nick Walker es uno de los pioneros del graffiti de Gran Bretaña. El trabajo de Nick, como muchos de sus compañeros, sobre todo Banksy, se ha alejado de graffiti convencional al arte de plantilla.

Nick emplea en sus obras una gran cantidad de humor irónico, el tratamiento de figuras icónicas con una irreverencia refrescante. La Mona Lisa, en particular, la presenta en un ser transformado en Marge Simpson que divierte al espectador.

Aunque el descaro de sus imágenes está empezando a ser una característica habitual del trabajo de Nick por lo que podría se podría pensar que se está convirtiendo en una especie de irreverente, pero no tiene nada que ver con su arte en absoluto. Así que nos quedamos con eso y simplemente decimos que Nick Walker es el Paul Gauguin de arte de la calle y dejesmolo ahí.

urban angel

Alejandro Xul Solar

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (nombre artístico: Xul Solar), (San Fernando, Buenos Aires, 14 de diciembre de 1887 - Tigre, Buenos Aires, 9 de abril de 1963). Pintor argentino autodidacta.


Su padre, de origen alemán, fue Emilio Schulz Riga, nacido en Riga, Letonia, y su madre Agustina Solari, nacida en la ciudad de Zoagli, Génova, Italia. Cursó sus estudios primarios y secundarios en distintos colegios (franco-italiano, e inglés), finalmente egresa del Colegio Nacional Sección Norte, ubicado en Juncal y Libertador, Capital Federal. Desde su juventud se interesa por la literatura, la música y la pintura.


Estudió violín y piano, a los 22 años comineza a escribir poesías. Estudió dos años de Arquitectra en la Universidad de Buenos Aires. Ahorró dinero para realizar un viaje a Europa que según sus cálculos, no sería mas de "un mes" de estadia. Finalmente parte el 5 de abril de 1912 rumbo a Londres, ese fue el inicio de una larga permanencia europea, que se prolongó 12 años. Durante su estadía en París adopta en 1916 su nombre artístico de Xul Solar por el cual es conocido posteriormente. A su regreso a la Argentina forma parte de la revista Martín Fierro (1924-1927). Fue amigo de Jorge Luis Borges y Leopoldo Marechal, entre otros. Su casa, ubicada en Laprida 1212, en el Barrio Norte de Buenos Aires, se transformó tras su muerte en el museo donde se exhiben partes de sus obras.


Xul Solar fue un personaje excéntrico, versado en religiones, en astrología, ciencias ocultas, idiomas y mitologías. Su amigo Jorge Luis Borges contribuyó a que se lo conociera, exaltando su figura singular, antes que su obra. Leopoldo Marechal crea para él al personaje Schultze en su gran novela Adán Buenosayres.

Sus amigos martinfierristas hacen saber que Xul era inventor de una panlengua, que de algún modo reflejaba todas las lenguas de la Tierra, y del neocriollo. También había inventado un pan-ajedrez, en el que las casillas convencionales eran más y se relacionaban con las constelaciones y los signos zodiacales. Según Borges, Xul había creado varias cosmogonías en una sola tarde

La pintura de Xul Solar es fantástica, antes que surrealista, como a veces se la definió. El poeta Fernando Demaría, en un ensayo entitulado “Xul Solar y Paul Klee” publicado en 1971 en la revista argentina de cultura Lyra, escribió: «No es fácil para el espíritu humano elevarse de la astrología a la astronomía, pero haríamos un error si olvidáramos que un auténtico astrólogo como Xul Solar está cerca de la fuente de las estrellas.

El primitivismo de Xul Solar es anterior a la aparición de los dioses...» Xul Solar era un profundo conocedor de la astrología. Al menos a partir de 1939 comenzó a diseñar cartas astrológicas. Cuerpos, máscaras, astros, cúpulas, ojos, banderas, escaleras, edificios, figuras precolombinas, signos de todas las religiones, flotan en el espacio, sin apoyatura. Recuerdan al arte primitivo rupestre. Y sugieren la realidad como una serie de visiones sin tiempo ni espacio. Son obras cromáticamente intensas aunque generalmente de formato pequeño.

August Macke

August Macke (3 de febrero de 1887 – 26 de septiembre de 1914) fue uno de los principales miembros del grupo expresionista alemán Der Blaue Reiter (El Jinete Azul). Vivió durante un período especialmente innovador del arte alemán, con el desarrollo del Expresionismo y la llegada de los sucesivos movimientos de vanguardia que estaban apareciendo en el resto de Europa. Como auténtico artista de su época, Macke supo como integrar en su pintura aquellos elementos que más le interesaban de las vanguardias.

Nació en Meschede, Alemania. Su padre, August Friedrich Hermann Macke (1845-1904) era contratista inmobiliario, y su madre, Maria Florentine, née Adolph, (1848-1922), provenía de una familia granjera de la región de Sauerland. La familia vivió en la Brüsseler Straße hasta que August tuvo 13 años. Después de eso, vivió la mayor parte de su vida creativa en Bonn con la excepción de unos pocos períodos que pasó en el Lago de Thun (Suiza) y algunos viajes a París, Italia, Holanda y Túnez.

En París, donde llegó por primera vez en 1907, Macke toma contacto con el trabajo de los impresionistas. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoce a Kandinsky y durante una época compartió la estética no-objetiva y los intereses simbólicos y místicos de Der Blaue Reiter.

El encuentro de Macke con Robert Delaunay en París en 1912, supuso una revelación para él. El Cubismo cromático de Delaunay, llamado Orfismo por Guillaume Apollinaire, influyó definitivamente en el arte de Macke a partir de ese momento. Sus Escaparates de Tiendas pueden ser considerados una interpretación personal de las Ventanas de Delaunay, combinadas con las imágens futuristas que vio en Italia.

El ambiente exótico de Túnez, que Macke visitó con Paul Klee y Louis Moilliet en 1914, fue fundamental en la aproximación a la luz de su etapa final, en la que creó una serie de trabajos que se consideran actualmente obras maestras. La carrera de Macke fue interrumpida bruscamente por su temprana muerte en septiembre de 1914, en el frente de la I Guerra Mundial.