Jaime Colson nació en la ciudad de Puerto Plata, República
Dominicana, en 1901 y murió en Santo Domingo en 1975. Realizó
estudios de pintura en la Academia de San Fernando en Madrid. Estudió
también en Barcelona donde profundizó el dibujo con
los maestros catalanes de principios de siglo. Vivió en París
en la década del 1920 donde su pintura tomó un giro
marcadamente humanista. Bajo la influencia de Picasso, Braque y Leger,
realizó obras cubistas con fondos arquitectónicos con
apego a lo geométrico. Colson viajó a México,
donde vivió de 1934 a 1938. Fue profesor en la Escuela de Arte
para los Trabajadores e incursionó en estudios de murales con
énfasis en los temas sociales tan en boga en un México
convulso. Trabajó y trabó amistad con Siqueiros, Orozco
y Diego Rivera. Realizó varias exposiciones, introduciendo
una versión libre del cubismo neohumanista, con éxito.
En 1938 viajó a La Habana, donde realizó varias exposiciones,
tanto colectivas como individuales. Fue profesor de Mario Carreno
y otros reputados pintores de aquel país. En las obras que
realizó durante esa época puede percibirse una notable
simbiosis entre la arquitectura, el neoclasicismo y la metafísica.
En ese mismo año regresó a París donde realiz6
excelentes obras de franca tendencia neohumanista. Esta etapa coincide
con su regreso a Santo Domingo en 1950, donde fue nombrado Director
General de Bellas Artes, puesto que ocupó hasta 1951, sin adaptarse
a las funciones administrativas.
De vuelta a su patria, Colson se dedicó a difundir sus conocimientos
y técnicas, consiguiendo transmitir a sus alumnos su estilo
personal, depurado y seguro. Abatido por males físicos y perdidas
afectivas, se refugió provisionalmente en la provincia, trabajando
mucho. Viajó luego a Haití y Caracas. Retornó
definitivamente a Santo Domingo y murió después de una
larga y penosa enfermedad.
Entre los principales galardones otorgados en reconocimiento a su
obra y su talento se destacan: el premio de Honor del Concurso de
estampas de América (México, 1936), Primer Premio en
la VI Bienal Nacional de Artes Plásticas y el Primer Premio
de Dibujo en la VII.
Jaime Colson, artista apasionado y rebelde cuya vida fue un trayecto
continuo de país en país, experimento muchas corrientes
artísticas, principalmente el cubismo, el surrealismo, el neo-clasicismo,
y el periodo místico de influencia religiosa, a los cuales
integró una fuerte influencia criolla. Su trabajo pictórico,
calificado de figurativo y de inspiraci6n neo-humanista, rinde homenaje
al cuerpo humano en todas sus formas. EI entorno criollo es particularmente
importante en la obra de Colson quien supo transmitir la emoción
y la belleza de su genio. Pintor de formación europea y de
sensibilidad americana, es uno de los principales artistas del Caribe.
Benjamín
Palencia nace en 1894 en un pequeño pueblo de la provincia
de Albacete, Barrax. Su deseo de aprender pintura lo llevan, en 1909,
con tan sólo quince años de edad, a Madrid, pero se
mantiene al margen de la formación académica y oficial.
Nunca quiso estudiar
en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, principal foco de aprendizaje
para numerosos artistas durante aquellos años, ya que la formación
académica y tradicional que allí se impartía
nada tenía que ver con su manera de entender el arte.
Asistió
con asiduidad al Museo del Prado para contemplar las obras
de los grandes maestros de la pintura española del siglo de
oro: El Greco, Velázquez, Zurbarán,
Goya, etc.
Tiene una visión
personal y una forma de hacer particular. Se preocupa por lo formal
y por explorar nuevos caminos pictóricos para conseguir un
lenguaje propio. Desde que empieza a pintar, su arte es el reflejo
de la vanguardia. Su evolución le permitió reflejar
diversas tendencias, como el impresionismo, el cubismo,
lo abstracto y el surrealismo.
En 1925 participa
en la Exposición de Artistas Ibéricos en el Palacio
del Retiro de Madrid. Los bodegones y las naturalezas muertas que
Palencia realiza durante estos años muestran reminiscencias
cubistas y una tendencia hacia la geometrización.
Al año
siguiente, se traslada a París donde conoce a Picasso
y Gargallo. Su estancia parisina le introduce en la técnica
del collage, que aplicó más tarde a sus lienzos incorporando
nuevos elementos matéricos como la arena y las cenizas. La
esquematización de sus paisajes, temática preferida
en su producción, absorbe rasgos cubistas y al final, se inclinan
hacia la abstracción.
Es a partir de
su estancia en París cuando su obra adquiere un tono surrealista,
mostrando progresivamente una mayor libertad expresiva, que corresponde
a su periodo de madurez. Abandona paulatinamente los bodegones y retoma
el paisaje castellano realizando una magnífica síntesis
entre tradición y vanguardia. Representa el paisaje con una
estética próxima al surrealismo, a lo que se unirá
una novedad, el empleo de materiales extraídos del propio paisaje,
algo inusual hasta el momento.
Esto lo llevará
a sus máximas consecuencias en la Escuela de Vallecas,
fundada junto con escultor Alberto Sánchez en 1927.
Estilísticamente se sitúan entre el postcubismo
y el surrealismo naciente. Algunos ejemplos de su incursión
surrealista son Composición prehistórica (1930),
Paisaje verde (1931) o Formas prehistóricas (1933).
Durante la Guerra
Civil, Palencia permanece en Madrid. Supone un periodo de crisis,
como para otros artistas de espíritu renovador. En 1939 y 1940
su pintura da un giro bastante radical, abandona sus producciones
cubistas y casi abstractas, e incluso los aspectos de carácter
surrealista, en busca de un arte de fuerte impacto colorista, ligado
a la pintura fauve. Las formas adquieren un mayor volumen,
aumenta su preocupación por los aspectos lumínicos y
por la intensidad del colorido, con una evidente violencia en su aplicación.
El paisaje y la naturaleza protagonizan sus imágenes.
En Bodegón
y paisaje (1943) o en Cesta en el campo (1943), vemos como
el paisaje es el motivo predominante. Aunque las figuras del bodegón
ocupan el primer término, el paisaje se extiende detrás,
con un fuerte cromatismo.
Centrando su trabajo
en la pintura de paisaje, intenta reiniciar una segunda Escuela
de Vallecas junto a Álvar Delgado, Carlos Pascual de Lara,
Gregorio del Olmo, Enrique Núñez Casteló y Francisco
San José. Sus cuadros y dibujos recogerán imágenes
del campo castellano y de las figuras que en él se pueden
encontrar, campesinos y animales, toros, caballos, cabras, etc. Su
pintura pasa a convertirse en testimonio de lo rudo, de lo tosco y
de lo rural, de lo sobrio castellano y de lo español.
Ref- 
Oswaldo Goeldi (Rio de Janeiro, 1895 - 1961). Escritor, diseñador, ilustrador, profesor. Hijo del científico suizo Augusto Emilio Goeldi. Con sólo 1 año de edad, se trasladó con su familia a Belém, Pará, donde vivió hasta 1905, cuando se trasladó a Berna, Suiza. A los 20 años ingresó para hacer la carrera de ingeniería en la Escuela Politécnica de Zurich, pero no la concluyó.
En 1917, se matricula en la Escuela de Artes y Oficios en Ginebra, pero deja el curso por juzgarlo demasiado
académico. A continuación lo sustituye por clases en el estudio de los artistas Serge Pahnke y Henri van Muyden.
En el mismo año, se celebró la primera exposición individual en la
Galería de Berna Wyss, cuando conoce la obra de Alfred Kubin, su gran influencia artística durante varios
años. En 1919, se estableció en Río de Janeiro y empezó a trabajar como ilustrador en revistas. Dos años más tarde realizó su primera exposición individual en Brasil, en el vestíbulo de la Escuela de Artes y Oficios.
En 1923 conoce a Ricardo Bampi, que lo inicia en el grabado. En 1930, lanzó un álbum de 10 grabados con una introducción de Manuel Bandeira, hace dibujos y grabados de libros y publicaciones periódicas, como Cobra Norato, Raul Bopp (1898 - 1984), publicado en 1937, con sus primeros grabados en color. En 1941, trabajó en la ilustración de las Obras Completas de Dostoyevski, publicadas por la Editora José Olympio. En 1952, comienza una carrera como profesor convirtiendose en 1955 en profesor de la Escuela Nacional de Bellas
Artes - Enba, en Río de Janeiro, donde abrió un taller de xilografía. En 1995, el Centro Cultural Banco do Brasil realizó una exposición conmemorativa del centenario de su nacimiento, en Río de Janeiro.
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, más conocido como Di Cavalcanti (Río de Janeiro, 6 de septiembre de 1897 - Río de Janeiro, 26 de octubre de 1976) fue un pintor, ilustrador y caricaturista brasilero.
Se estrenó como dibujante en el Salón de los Humoristas, en 1916. Después de mudarse para São Paulo en 1917, convivió con Mário y Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral, Anita Malfatti y Brecheret. Frecuentó también el atelier del pintor y profesor impresionista alemán George Elpons.
La Semana de Arte Moderno, también conocida como Semana de 22, que se organizó en el Teatro Municipal de São Paulo
en 1922 fue idea suya. Era una época de muchas novedades, como el
automóvil, la fotografía y el cine mudo. En esos años la vida de la
gente cambiaba muy rápidamente, pero la poesía y la pintura continuaban a
respetar las antiguas reglas, en su mayoría francesas. Además de
exponer sus telas, Di Cavalcanti también diseñó el programa y las
invitaciones para la muestra. Enseguida, en 1923, con Sergio Milliet, viajó a Europa para estudiar.
Allí conoció y convivió con los grandes de la pintura, como Picasso, Braque, Matisse y Léger. Di Cavalcanti también recibió influencias de Paul Gauguin, de Delacroix y de los muralistas mexicanos. El contacto que tuvo con el cubismo de Picasso, el expresionismo
y otras corrientes artísticas de vanguardia, contribuyeron a aumentar
su disposición a quebrar paradígmas e innovar en su arte, sin perder de
vista una estética que abordaba la sensualidad tropical.
Di Cavalcanti fue también un intelectual bien informado respecto a
las vanguardias artísticas de su tiempo. En 1921, fue invitado a
ilustrar el libro "Balada do Cárcere de Reading", de Oscar Wilde, uno de los más renombrados escritores de esa época. En este mismo año se casa con Maria, su prima en segundo grado.
A su regreso a Brasil, retomó la pintura de temas populares de su país, como favelas,
obreros, soldados, marineros y fiestas populares. Son de esa época
también sus bellos retratos de mulatas. En esta fase consagró a la
modelo y actriz Marina Montini.
En el 1929, regresando al Brasil, ingresa en el Partido Comunista y continua haciendo ilustraciones. Durante la Revolución Constitucionalista de 1932, Di Cavalcanti cae preso por primera vez. Después de ser liberado se casa con Noêmia Mourão, su segunda esposa.
Di Cavalcanti era un artista con muchas habilidades. Además de
cuadros e ilustraciones para revistas, también diseñó joyas, tapices y
paneles.
Cândido Portinari (1903-1962)
Nacido en el seno de una familia de inmigrantes italianos, Cândido
Portinari es el gran cronista de la realidad en las explotaciones
cafeteras, donde los pies deformes de los labradores, “semejantes a
mapas, son siempre capaces de contar historias".
Tenía 16 años cuando marchó a Río de Janeiro para estudiar en la
Escuela Nacional de Bellas Artes, dejando atrás a once hermanos que aún
no eran capaces de comprender el grandísimo talento de quien llegaría a
ser uno de los más grande pintores de la historia de Brasil.
Con 18 años vendió su primer cuadro y poco después obtuvo la medalla
de bronce del Salón de Bellas Artes, la primera de una larga serie con
cuya dotación pudo viajar a Europa, donde conoció la efervescencia
plástica de principios de los años 30, y donde se casó con María
Victoria Martinelli. Ese viaje marcó el rumbo de una carrera artística
que, de regreso en Brasil, lo convirtió en todo un referente del Arte
iberoamericano.
Su pintura llega a ser descarnada en la denuncia de la injusticia
social, aunque siempre resulta cálida y vibrante gracias al lirismo que
destilan sus composiciones y a la riqueza de su colorido. Portinari
capta la vida y sus angustias a través de tipos humanos a los que suele
retratar en movimiento.
Gracias a ello destacó pronto en el panorama internacional,
convirtiéndose en el primer pintor suramericano que expuso en el MoMA de
Nueva York (1940). La Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos
también le encargó un mural, aunque lo que realmente lo hizo
mundialmente conocido son los dos frescos pintados en la sede
neoyorquina de las Naciones Unidas, titulados ‘Guerra’ y ‘Paz’.
Militante del Partido Comunista del Brasil, Cândido Portinari tuvo
que exiliarse durante un año en Uruguay, y tuvo serias dificultades para
que algunas de sus obras más importantes fueran aceptadas por los
estratos más conservadores de su país. Eso es lo que ocurrió con el
mural dedicado a San Francisco en la iglesia de Pampulha, diseñada por
el arquitecto Oscar Niemeyer. Su estética fue considerada demasiado
profana y las autoridades eclesiásticas se negaron a consagrar el templo
durante dos décadas.
Cândido Portinari murió con 59 años, intoxicado por el plomo de las
pinturas con las que trabajaba. Sus obras se encuentran en lo
principales museos del mundo, habiendo recibido reconocimientos tan
importantes como la Legión de Honor en Francia o el Premio Guggenheim en
los Estados Unidos. Ningún otro artista brasileño había sido objeto
antes de una admiración tan generalizada en el extranjero.
Ref- Arte Selección
Alberto da Veiga Guignard (Nova Friburgo RJ 1896 - Belo Horizonte MG 1962)
Se traslada con su familia a Europa en 1907, entre 1915 y 1923
asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Munich y estudió con
Adolf y Hermann Groeber Hengeler. Mejora estudios en Florencia y participa en el Salon d'Automne de París.
En 1929 regresó a Río de Janeiro, se integra en la escena cultural y conoce a
Ismael Nery, Candido Portinari, Di Cavalcanti y Oswaldo Goeldi. Participa y es destacado por Mário de Andrade como una de las revelaciones del Salón de la Revolución de la serie de 1931.
De 1931 a 1943 comprometido con la enseñanza de dibujo y grabado en la Fundación Osório, en Río de Janeiro. En 1943, ayudará a los estudiantes en su estudio - cómo la Guignard Group-. Se celebra en el Consejo Académico de la Escuela Nacional de Bellas
Artes, la primera y única exposición del grupo, cerrada por alumnos conservadores y reabierta en la Asociación Brasileña de Prensa.
Por invitación del alcalde Juscelino Kubitschek, en 1944 se trasladó a
Belo Horizonte y comienza a enseñar y dirigir el curso de dibujo libre y
pintura en la Escuela de Bellas Artes, por donde pasan Amilcar de
Castro, Farnese de Andrade y Lygia Clark, entre otros
.Desde 1962, en su honor, la escuela se llama Escola Guignard. Su producción incluye paisajes, retratos, pinturas de género y temas religiosos. En 1996, se realizaron exposiciones conmemorativas en Río de Janeiro, Sao Paulo y Belo Horizonte en el centenario de su nacimiento.
Ben Nicholson (10 de abril de 1894 - 6 de febrero de 1982). Pintor y escultor inglés nacido en Denham, Buckinghamshire. Su padre, sir William Nicholson, fue un famoso retratista, cartelista y escenógrafo.
Ben Nicholson estudió en la Escuela Gresham y más tarde estudió pintura en Inglaterra, Francia e Italia. Realizó su primera exposición individual en Londres en el año 1922.
Su obra evolucionó desde el impresionismo y a través del cubismo
hasta alcanzar una fase en la que, influido por el pintor neoplasticista
Piet Mondrian, llevó a cabo una serie de bajorrelieves de formas
geométricas elementales pintados de blanco o en tonos grises, como por
ejemplo Relieve blanco (1935, Tate Gallery, Londres) y Relieve pintado (1939, Museo de Arte Moderno, Nueva York).
Trabajó también, dentro de su peculiar estilo, con cuadros de delicado colorido y total abstracción, como en noviembre de 1956 (1956, Art Institute, Chicago).
Utrecht, 1883-Davos, 1931
Theo van Doesburg, cuyo nombre de nacimiento era Emil Marie Küpper,
fue una de las figuras fundamentales en el desarrollo del neoplasticismo
holandés tanto en pintura como en arquitectura
De. formación autodidacta, en sus primeros años de dedicación a la
pintura realizó obras ligadas al naturalismo y al impresionismo, y a
partir de 1914 le influyó la obra de Wassily Kandinsky.
Durante esta época, Van Doesburg entró en contacto con diversas
personas ligadas a la teosofía, como su primera esposa y el pintor Janus
de Winter, que influyeron en su modo de ver la vida y el arte y que
dejarían más tarde una fuerte huella en el neoplasticismo. En 1915
conoció a Piet Mondrian, y un poco más tarde a Bart van der Leck y al arquitecto J. J. P. Oud. Junto a ellos y otros artistas fundó la revista De Stijl.
Van Doesburg ocupó el puesto de editor de la revista y publicó
numerosos artículos bajo los pseudónimos de J. K. Bonset y Aldo Camini.
En torno a 1916 también comenzó a colaborar en diferentes proyectos
arquitectónicos con Oud, en un principio diseñando vidrieras, lo que
hizo que las formas de sus composiciones se simplificasen y tendiesen a
lo geométrico y matemático. Aunque su estilo evolucionó siguiendo las
teorías neoplasticistas, que defendían el uso de la línea recta y de los
colores primarios, en 1925 Van Doesburg introdujo la diagonal en sus
composiciones, lo que desencadenó la ruptura definitiva con Mondrian
Durante. los primeros años de la década de 1920 se relacionó con
miembros del movimiento dadá, como Tristan Tzara, Hans Arp o Kurt Schwitters, y entre 1922-1923 publicó la revista Mécano.
También dio un curso sobre De Stijl en 1922 a alumnos de la Bauhaus. Su
interés por la arquitectura fue creciendo con los años y colaboró en
numerosos proyectos, como los realizados entre 1920 y 1924 junto a los
arquitectos Cornelis van Esteren y Gerrit Rietveld por encargo de Léonce
Rosenberg. Desde 1925 proyectó la construcción de su casa-estudio en
Meudon, que no pudo ver finalizada por su inesperada muerte, acaecida en
1931 a causa de un infarto
.
Museo Thyssen-Bornemisza
Lo que exigimos del arte es UNIDAD, exigencia que nunca se verá satisfecha mientras los artistas utilicen medios individualistas. La unidad solo puede obtenerse disciplinando los medios, pues es la disciplina la que produce medios mas generalizados. La objetivacion de los medios conducirá a una expresión plástica elemental y monumental.
Ya en 1916, nuestra primera y más importante exigencia consistía en:
La separación de los diversos ámbitos de la expresión plástica.
Hasta el momento, los medios de expresi´n plástica han sido tan confusos que daban a entender que eran inseparables. Este carácter vago de los medios constituye una reliquia del barroco en el que las distintas artes se destruyeron entre si (entrando en conflicto o chocando con campos afines de la actividad artística) en lugar de apoyarse unas a otras mediante unas relaciones claras y reciprocas.
Una nueva expresión plásatica emanará de los medios elementales. En ella, las diversas artes se hallarán relacionadas hasta el punto de servir de base a la mayor capacidad de expresión (elemental) posible
Theo van Doesburg
