August Macke

Meschede, 1887-Perthes-les-Hurlus, 1914

August Macke, uno de los principales componentes del grupo expresionista alemánDer blaue Reiter (El jinete azul), vivió un período especialmente innovador dentro del arte de su país en el que, mientras se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, iban difundiéndose los sucesivos movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa. Como un verdadero contemporáneo de su tiempo, Macke supo integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de la vanguardia

Vivió. la mayor parte de su vida creativa en Bonn, salvo algunas estancias en el lago Thun, en Suiza, y varios viajes a París, Italia, Holanda y Túnez. En París, adonde viajó por primera vez en 1907, conoció la obra de los impresionistas, y poco después, en Berlín, estuvo unos meses en el estudio de Lovis Corinth. Su estilo artístico se inició dentro del impresionismo y el postimpresionismo francés y atravesó más tarde una fase fauve. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoció aKandinsky y durante un tiempo compartió la estética no-objetiva y las preocupaciones místicas y simbólicas de Der blaue Reiter

El. encuentro en París con Robert Delaunay, en 1912, fue para Macke una auténtica revelación. El cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como orfismo, se impuso en su pintura a partir de entonces. Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una personal interpretación de las Ventanas de Delaunay combinadas con la simultaneidad de imágenes del futurismo italiano. El ambiente exótico de Túnez, adonde viajó en 1914 junto a Paul Klee y Louis Moillet, fue determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida, etapa en la que realizó una serie de obras consideradas como obras maestras del color

Su. carrera se vio truncada por su prematura muerte en el frente de la I Guerra Mundial, en septiembre de 1914

Museo Thyssen-Bornemisza

Sámal Joensen-Mikines

Sámal Joensen-Mikines (Mykines, 23 de febrero de 1906 — Copenhague, 21 de septiembre de 1979) fue el primer artista profesional de las Islas Feroe y uno de los más importantes. Frecuentemente es reconocido como el "padre de la pintura feroesa".

Nació como Samuel Elias Frederik Joensen en Mykines, una isla de difícil acceso localizada en el extremo occidental de las Islas Feroe. Añadió a su apellido el nombre de su tierra natal (una reforma ortográfica posterior cambiaría la forma Mikines por la actual Mykines), mientras que Sámal es la forma feroesa de Samuel. Mikines, como sería conocido, mostró siempre un fuerte apego a la naturaleza de su isla y a sus coterráneos.

Entre 1928 y 1932 Mikines estudió en la Escuela de Pintura de la Real Academia de Arte de Dinamarca, en Copenhague. Tras terminar sus estudios, regresó a las Islas Feroe, y después alternaría su residencia en Tórshavn, Mykines y Copenhague. Visitaba su isla natal todos los veranos. Fue en las Feroe donde encontró la mayor parte de la inspiración para sus obras, con excepción de algunos paisajes daneses pintados en la década de 1960.

Su obra muestra un inconfundible tono expresionista nórdico. Entre 1933 y 1940 el sufrimiento humano se convirtió en un tema fundamental. Mikines enfrentó la muerte de una manera muy dolorosa: su padre y tres de sus hermanos fallecieron de tuberculosis, además de que varios jóvenes de la isla —amigos, compañeros y parientes del artista— murieron en naufragios en el mar o debido a otras desgracias. Mikines se dedica a obras monumentales de tono ascético y colores oscuros que representan a dolientes en torno al lecho de muerte o al ataúd de un ser querido, o después del funeral. En esta época también realizó una serie de retratos de gente nativa de Mykines, obras que se cuentan entre su más importante y original legado.

De Edvard Munch pudo decir:

Todo el arte, literatura y música, se tiene que producir con la propia sangre del corazón. El arte es esta sangre."

Un largo viaje en 1937 fue de gran significado en su posterior desarrollo artístico. Este viaje lo llevó a Bergen, Oslo,Estocolmo, Copenhague, La Haya, Ámsterdam y París.

El 1 de agosto de 1940, Mikines se afilió al DNSAP, el principal partido nazi de Dinamarca.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el arte de Mikines se dirigió principalmente a un lenguaje colorista, en detrimento de los contenidos expresionistas. De esta época data una serie de paisajes de las Islas Feroe, especialmente de Mykines.

De las Islas Feroe llegó a decir:

Aquí en las islas, los colores se rompen de una manera extraña por la humedad del aire, a menudo en una impresión visual difusa, que yo he experimentado, cuando mar y cielo se funden en tonos rosas y grises con brillos nacarados y cascadas de luz, y a veces en un tremendo drama atmosférico, son lanzados repentinamente e iluminan el mar, los acantilados, los verdes prados y las negras casas de la aldea. En ambos casos es al mismo tiempo una luz fuerte y suave. Es fascinante."

A mediados de la década de 1950 regresa a los temas de sufrimiento que abordaba en su juventud y produce una serie de obras importantes que representan una síntesis del expresionismo de los años 30 y el colorismo de la posguerra.

El Museo de Arte de las Islas Feroe, en Tórshavn, alberga una colección representativa de la obra de Mikines. El Departamento de Correos de las Islas Feroe ha emitido sellos postales con varias de sus obras.

Sámal Joensen-Mikines estuvo casado entre 1944 y 1952 con la artista gráfica feroesa Elinborg Lützen. Se casó de nuevo en 1954, en esta ocasión con la enfermera danesa Karen Nielsen.

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Niels Bjerre

 

Niels Bjerre

(1864-1942)

 
De todos los pintores daneses que buscaron motivos en regiones apartadas e inexploradas, fue Niels Bjerre quien alcanzó las zonas más alejadas del medio capitalino, con sus pinturas de pescadores del occidente de Jutlandia. A diferencia de Skagen, no había sido de las favoritas de los copenhaguenses. Bjerre era hijo de un propietario del lugar, en donde dominaba el estricto y casi fanático movimiento religioso de la Misión Interior (Indre Mission). Aunque él mismo no era seguidor de esa línea, se ocupó en plasmar en sus telas escenas de las profundamente creyentes y devotas familias de pescadores. Con pocas excepciones sus cuadros son una prolongación de la tradición del realismo social. Con los años, la pintura paisajista desplazó casi totalmente la pintura figurativa.
Bjerre se formó en la Academia de Arte de Copenhague de 1881 a 1888, pero nunca se adaptó a la capital. Así, también en este periodo encontró sus motivos pictóricos en la tierra natal. En realidad, Bjerre estaba profundamente comprometido en la ruptura literaria moderna y en su época de estudiante siguió la enseñanza del critico literario Georg Brandes en la Universidad de Copenhague. Después de dejar la Academia, ingresó en la Escuela Libre de Estudios para Artistas, en la escuela de Krøyer, donde tuvo a Laurits Tuxen como maestro. A excepción de una pintura de paisaje que se exhibió en la exposición de la Academia de Arte en 1887, todas sus obras fueron rechazadas por el comité de censura. Siguiendo la invitación de Harald Slott-Møller, se incorporó a la Exposición Libre (Den Frie Udstilling) en 1892, un año después de su fundación.

Aurora Boreal

Louis Valtat

Louis Valtat (Dieppe,  1869 - Paris,  1952) 

Nació en Normandía y se crió cerca de Versalles.   Decidio hacer una carrera artística y se matriculó en la Escuela de Bellas Artes en París. Continuó sus estudios en la Academia Juaian con Jules Dupré, que era un paisajista del grupo de Barbizon

Fue amigo de Albert Andre, Maurice Denis, Pierre Bonnard y de Edouar Vuillard, todos miembros del movimiento Nabis, influenciado por los métodos de Paul Gauguin- utilización de formas simples y colores puros. Valtat no se convirtió en Nabi, pero aprendió mucho y más tarde utilizó  ese estilo.

Valtar expuso e incluso trabajó con el escultor Aristide Maillol y con Toulouse- Lautrec trabajó en la decoración del teatro de paris L´Ouevre en  1894.  Se vio obligado a trasladarse a la costa mediterranea debido a problemas de salud en otoño e invierno. Alli visitaba a Paul Signac y a Pierre Auguste Renoir

En su obra emplea fuertes influencias impresionistas aunque se le conoce como miembro de los fauvistas

AURORA VALERO CUENCA

Alboraya (Valencia), 5.VI.1940 - . Pintora y profesora.

Inició su formación artística en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valencia en 1952; posteriormente cursó estudios superiores en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

En 1961 obtuvo el título de Profesora de Dibujo y en 1969 el de Catedrática de Expresión Plástica de Escuelas de Magisterio. Su trabajo pedagógico se ha desarrollado en todos estos años y hasta su jubilación, en las ciudades de Córdoba, Tarragona y Valencia respectivamente.

En su etapa de formación, los trabajos de Aurora Valero fueron reconocidos positivamente por los especialistas, desde el primer momento, como lo demuestra el hecho de haber ganado por concurso sendas pensiones otorgadas por El Paular, la Universidad Internacional Menéndez y Pelayo y la Diputación Provincial de Valencia. E igualmente fue becada por el Ministerio de Educación entre 1956 y 1962.

En 1959 participó en Segovia en la muestra Pensionados del Paular; desde entonces, las pinturas de Aurora Valero han estado presentes en numerosos salones oficiales y exposiciones colectivas entre los que cabe mencionar: Arte Actual (Valencia, 1963);Pintores Mediterráneos (Nueva York, 1967); La mujer en la cultura actual (Toledo, 1976); Cien años de pintura valenciana (Valencia, 1976); Arco (Madrid, 1986 y 1987);Pintores hispanoamericanos, portugueses y españoles (Itinerante por Chile, Argentina y Uruguay, 1986); Un siglo de pintura valenciana: 1880-1980 (Valencia y Madrid, 1994); V Feria Internacional de Arte (Salamanca, 2001); Witness and Reponse(Washington, 2002); Kunst (Maguncia, 2003).

En noviembre de 2007 se inauguró en Valencia una muestra retrospectiva de su producción plástica, en la que están representadas once series que abarcan cincuenta años dedicados a la pintura.

La poesía, el arte griego, la filosofía zen y las circunstancias sociales y medio-ambientales de su entorno, son factores que han influido en el quehacer artístico de Aurora Valero en su larga trayectoria.

La obra de Aurora Valero forma parte de las colecciones de diferentes museos e instituciones, públicas y privadas,  tanto nacionales como internacionales, entre las que cabe destacar: Museo de Arte Moderno de Barcelona, Museo de Bellas Artes San Pio V de Valencia, Museo Popular de Arte Moderno de Villafamés, The San Francisco Museum of Contemporany Hispanic Art, Colección The Library of Congress of Washington, Dept. of Interior Design Shoae College de Seúl, Museo de la Solidaridad Salvador Allende de Chile.

En 2005 fue distinguida con el nombramiento de Académica Correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, como reconocimiento a sus méritos.

En marzo de 2009 le fue concedido el Premio Isabel de Villena, como reconocimiento a su compromiso humano y  trayectoria artística.

Evaristo Valle

(Gijón, 1873 - 1951) Pintor español. Durante su juventud desempeñó varios oficios en una refinería de petróleo y en talleres litográficos de Gijón y París, donde residió de forma intermitente varios años y publicó sus primeros dibujos y caricaturas en revistas. En la capital francesa fue estimulado por el dibujante Daniel Urrabieta y entró en contacto con los ambientes postimpresionistas y simbolistas; se interesó por la pintura de Gauguin y por el dibujo Toulouse-Lautrec. De regreso a su tierra natal (1900), cultivó preferentemente la litografía, pero a partir de 1903 se dedicó exclusivamente a la pintura.

Entre 1902 y 1905 se estableció de nuevo en París, ciudad en la que residió por última vez en entre 1908 y 1911. Fueron años de tanteo y experimentación entre el simbolismo inicial, un fauvismo epigonal y el deje caricaturesco que no iba a abandonar ya en toda su carrera creativa. En 1911 regresó a Gijón, aquejado de una agorafobia grave que lo mantuvo casi inactivo durante cuatro años. A partir de 1915 retomó con cierta cautela la actividad artística y se dedicó especialmente a la pintura costumbrista, tanto rural como urbana. En los años siguientes fue afinando un estilo pictórico caracterizado por unos efectos lumínicos a medio camino entre lo experimentado por algunos impresionistas y el sistema cromático fauvista.

Con todo ello, aplicado a su mundo costumbrista, consiguió en su momento efectos verdaderamente sorprendentes, y adquirió un creciente prestigio artístico tanto en su país como en el extranjero. Sus series costumbristas vinieron a ser complementadas a partir de 1927 (año de su viaje a Estados Unidos y Cuba) con cuadros de escenas populares caribeñas de encendido colorido, similares, al menos en lo superficial, a los célebres cuadros isleños de Gauguin.

Simultáneamente, desarrolló el motivo de la máscara y el carnaval, ámbito en el que consiguió algunas de sus mejores series pictóricas. Las escenas carnavalescas de Evaristo Valle se asocian de manera inmediata con las de su contemporáneo José Gutiérrez Solana (más ligeras, festivas y oníricas), aunque en ocasiones parezcan inspiradas en algunos de los Caprichos de Goya.

El conjunto de su obra, dedicada en su mayor parte a la representación de temas populares asturianos y paisajes de su tierra, puede en general enmarcarse dentro de un expresionismo figurativo de línea regionalista. Además de sus Carnavaladas y cuadros de tema caribeño, debe destacarse su atención a mineros, pescadores, marinos y a las clases trabajadoras tradicionales, tipos que responden a una intención no sólo estética, sino también testimonial.

Sus dibujos y caricaturas fueron publicados en Le Rire, El Independiente y El Comercio, de Gijón, y en La Esfera; ilustró además varios libros. Evaristo Valle cultivó también la literatura, siendo destacable, junto a su autobiografía, su novelaOves e Isabel (1919). En 1983 tuvo lugar en Somio (Gijón) la inauguración de la Fundación Museo Evaristo Valle, promovida por María Rodríguez del Valle, sobrina del pintor, donde se conserva una gran parte de la obra del artista.

Información- Biografías y vidas

Ramon VILANOVA FORCADA

RAMON VILANOVA Nace en Caldes de Montbui (Barcelona), el año 1947. De formación autodidacta, aunque recibe la influencia del pintor y escultor Sebastià Badia. Su primera individual tiene lugar en la Galeria Watts-Art de Castellar del Vallès (Barcelona) en 1979, si bien con anterioridad había expuesto de forma colectiva en Caldes Montbuí (1976). Desde entonces, expone su obra regularmente en: Sala Sant Jordi (Granollers, Barcelona), Galeria Watts-Art (Castellar del Vallès), Sala Lectura (Reus), Galeria Intel.lecte (Sabadell, Barcelona), Galeria Aida (Terrassa, Barcelona), Galeria Lleonart (Barcelona), Sala Vayreda (Olot, Girona), Sala Rafael (Valladolid), Galería Kreisler (Madrid), Galeria Pedreguet-Art (Amer-Girona), Galería Sokoa (Madrid), Sala de Arte Rusiñol, Galeria Pedreguet-Art (Pineda de Mar-Barcelona), Galeria Agora-3 (Sitges-Barcelona) y Galeria Anquin's (Reus, Tarragona). Su obra ha sido exhibida en diversos museos entre los que cabe destacar: Museo Thermalia/Manolo Hugué (Caldes de Montbui), Palau Meca (Barcelona), Museu d'Història (Girona), Casa Museu Prat de la Riba (Castellterçol), Musée de Chartres (Francia), Fundació Francesc Galí (Palamós), Museu de Vilafranca del Penedés, Museo de Fraga (Huesca), Museum of Taunestain (Alemania), Musée d'Antibes (Francia), Fundació Sant Miquel de Cuixà (Francia), Museo de Tossa de Mar (Girona), Botanic Museum of Chicago (EEUU), Museu de Granollers.

A nivel internacional cabe destacar sus exposiciones en Francia (Grenoble y Lyon) y en Estados Unidos (Chicago, Laguna Beach, Naples, New Cork City, Park City, La Jolla, Washington DC) . También ha realizado exposiciones en Birmingham (Reino Unido), Bologna (Italia), Gent (Bélgica), Goteborg (Suecia), Londres (Reino Unido) y Andorra. Obtiene numerosos premios de certámenes de pintura.

Información- Artelista

Friedrich Vordemberge-Gildewart

Friedrich Vordemberge-Gildewart

Osnabrück, 1899-Ulm, 1962

El artista alemán Friedrich Vordemberge-Gildewart estudió en la Kunstgewerbeschule de Hannover diseño y arquitectura. Sus primeras obras pictóricas destacaban por su geometría y por su tendencia a la no figuración, que sería una constante que le acompañaría a lo largo de toda su carrera artística. Su obra se expuso por primera vez durante 1924 en la Kestner-Gesellschaft de Hannover, donde llamó la atención de la crítica. Ese mismo año comenzó sus trabajos tipográficos y abrió taller en el edificio de la Kestner-Gesellschaft. Conoció a Kurt Schwitters y, a través de él, a Hans Arp y Theo van Doesburg, que le facilitó su entrada en el grupo neoplasticista holandés De Stijl en 1925. Desde entonces Vordemberge-Gildewart redujo los colores de su paleta y publicó algunas de sus obras en la revista que había dado nombre al grupo. En 1927 fundó con Schwitters, Carl Buchheister, Rudolf Jahns y César Domela el grupo Die Abstrakten Hannover y también colaboró con Ring Neue Werbegestalter que reunía, por iniciativa de Schwitters, a diseñadores y artistas dedicados a la publicidad. Posteriormente, en 1932, se uniría al grupo Abstraction- Création

La. llegada al poder de los nazis marcó su vida y su carrera artística. Tras vivir en Berlín durante 1936 y 1937 y pasar por Suiza, Vordemberge-Gildewart se estableció en los Países Bajos, país del que se haría ciudadano tras el fin de la Segunda Guerra Mundial. Durante ese tiempo, se vio forzado a pintar en secreto unas obras que destacan por su equilibrio y su luminosidad y que Hans Arp, vio como el contrapunto al caos que reinó durante todo ese periodo, en la primera monografía del artista publicada en 1949.

En 1953 fue premiado por la Bienal de São Paulo y un año más tarde aceptó el puesto de profesor en la Hochschule für Gestaltung de Ulm, en Alemania, donde trabajó el resto de su vida

Museo Thyssen-Bornemisza

Victor Vasarely

El Arte Óptico, una de las tendencias abstractas de posguerra que se desarrolló principalmente en Europa, tenía una orientación científica, objetiva e interactiva. Los artistas ópticos creaban obras no figurativas con líneas, formas y colores para producir ilusiones de movimiento, espacio y luz. Esos trabajos, en su mayoría geométricos, se centraban en la percepción del observador y en las transformaciones ópticas en lugar de en un objeto concreto.

Nacido en Hungría, Victor Vasarely (1908-97) llegó a ser uno de los líderes del Arte Óptico en Europa. Abandonó los estudios de medicina a los veinte años para dedicarse al arte. Se trasladó a París, donde tuvo bastante éxito como diseñador gráfico en publicidad antes de entregarse a la pintura. A principios de la década de 1950, sus pinturas abstractas estaban llenas de grandes formas geométricas, para las que se inspiraba en baldosas, formas naturales y elementos paisajísticos; pero hacia mediados de esa década abandonó lo natural en favor de la abstracción pura, tomando como fuentes la geometría, las relaciones cromáticas, los sistemas matemáticos y la psicología de la Gestalt, la escuela de psicología que sentó los cimientos del estudio moderno de la percepción. Vasarely también es conocido por promover las ideas del Arte Cinético, que buscaba crear la sensación de movimiento a través de ilusiones ópticas en una superficie plana. Sus pinturas ofrecen juegos ópticos, y algunos son tan extremos que llegar a marear o incomodar al espectador.

Vasarely trabajó en Lacerta entre 1955 y 1979, un período en el que su estilo y sus intereses evolucionaron. Sin embargo, las cualidades ópticas de esa obra se asemejan a las de la época que comenzó en 1968: la disposición de los elementos compositivos creaba la ilusión de que las formas sobresalían del plano pictórico y parecían volúmenes tridimensionales.

Romà Vallès

Romà Vallès i Simplicio (Barcelona, 1923)

Profesor de Instituto y profesor de la escola Massana, en el año 1959 fue integrante del grupo de artistas que crearon el Museo de arte contemporáneo de Barcelona y la  legendaria Galería René Métras (1962-1984); También ha sido uno de los organizadores de la escuela de arte de moda. Roman Valles es uno de los referentes de la actual expresión pictórica  abstracta informalista dentro del territorio catalán y Baleares. Volcado en la búsqueda constante de la forma y su contenido intelectual. 

Charline von Heyl

Nació en Alemania en 1960. Estudió en la Academia de Arte de Susseldorf con Jörg Immendorf y Fritz Schwegler. 

Charline von Heyl ha descrito su impulso hacia la abstracción como el deseo de inventar algo que todavía no se ha visto; la negativa a confiar en el mundo visual existente,  sorprender no sólo al espectador pero sobre  a todo a sí misma.  Vive y trabaja en Nueva York y Marta,  Tejas, con su marido, tambien pintor,  Christopher Wool