Olga Nicolaevna Sacharoff nació en Tbilisi, Georgia, en 1889 y murió en Barcelona en 1967.
Despues de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de Tbilisi, se trasladó a Munich y allí se puso en contacto con los expresionistas alemanes. Alli conoció a su futuro marido, el fotografo y pintor Otto Lloyd. Se trasladaron a París en 1911 y allí se unieron al círculo de artistas dirigidos por Marie Vassiliett. Con el estallido de la primera guerra mundial viajaron a España en 1915. Primero vivieron en Mallorca y en 1916 se establecieron en Barcelona
Entre 1954 y 1959 realiza sus estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, después de haber estado dibujando modelos de esculturas clásicas y copiando viejos maestros en el Museo de Reproducciones Artísticas junto a María Moreno . Durante los años de estudio conoce a su marido, el escultor Francisco López iniciando una fructífera relación personal y artística de recíproca influencia. De 1960 a 1964 reside en Italia, regresando a Madrid en 1966, exponiendo individualmente por primera vez. En 1970 presenta su obra en Alemania iniciando su andadura internacional, lo que hace que su obra esté dispersas en diferentes colecciones europeas. Su obra se ciñe al realismo desde las cualidades extremas de la luz, siendo así, que lo representado, su entorno próximo, adquiera cualidades de atemporalidad.
Es una artista nacida en la ciudad de Córdoba (Argentina) en el año 1975. Luego de unos años se traslada a vivir a Capital Federal donde realiza sus estudios primarios y a su vez se forma como pintora en el Instituto de Artes Aplicadas del Profesor Eduardo Vieira. El arte que podremos apreciar en sus cuadros se denomina Realismo Mágico Latino Americano.
1911-2013 Ángeles Santos Torroella (Portbou, 1911) , la Angelita de Ramón Gómez de la Serna, Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca y Jorge Guillén, en realidad no era de Portbou, ni de Valladolid, ni de Madrid, ni Barcelona, ni Sevilla, ni de Huesca, y ni tan solo del Sitges que tanto amaba y donde será enterrada junto al que fue su marido, Emili Grau Sala. Ángeles Santos fue ciudadana del mundo, pero no de esa esfera que da vueltas, coqueteando con la luna sin parar, desde hace miles de millones de años, si no de un mundo cúbico, un poco abrupto, lleno de claroscuros, alentado por madres ciegas i angelitas sonámbulas -no angelitos- que encienden constantemente las estrellas, porque si estuvieran solas pronto se apagarían y la oscuridad volvería a reinar para siempre.
A los 17 años se consagró como pintora precoz en un Valladolid efervescente y moderno, donde vivía entonces con su familia. La ciudad del Pisuerga estaba imbuida de Generación del 27, con Jorge Guillén, los hermanos Cossío o un joven Francisco Pino que se enamoró de ella; todo parecía serle favorable. Al cabo de poco, Angelita Santos arrasó en el Madrid del Café de Pombo, la Residencia de Estudiantes y el Lyceum Club. El Salón de Otoño se rindió a sus pies por dos años consecutivos, en 1929, cuando presentó Un Mundo, y al año siguiente, cuando tuvo una sala especial, a la altura de los consagrados como Gutiérrez Solana. Pero su afán desenfrenado por pintar y sus ansias de libertad se truncaron de golpe y su rebeldía absoluta y tenaz le pasó factura en un entorno poco preparado para tales andanzas. Fue recluida y apartada de su mundo y, en parte, también del de los demás. Entonces Ángeles Santos, en pleno éxito y auge creativo, dejó de pintar y tardaría años en volver a hacerlo.
Fue cuando conoció, en Olot o Barcelona, a un joven artista, culto y apuesto, amigo como ella de García Lorca, llamado Emili Grau Sala. Él pintaba la luz, el bienestar y la buena vida, ella había pintado la oscuridad y el desaliento, y se enamoraron. Y Angelita volvió a pintar, esta vez mirando a su prometido. La boda se celebró en 1936, pero la Guerra Civil rompió cualquier esperanza de futuro. Grau Sala, republicano empedernido, se exilió en París, y Ángeles se fue junto a sus padres y sola dio a luz a su único hijo. No volvió a unirse con su marido hasta entrados los años sesenta, en el momento en que ella volvía a renacer como una artista conectada al surrealismo y la vanguardia a partir de su obra primeriza. Y convivieron dos Ángeles Santos, la de los paisajes risueños modernos con la de las almas atormentadas del pasado. Justo gracias a esas obras de antaño conquistó el mundo contemporáneo; entró por la puerta grande en el Reina Sofía; el Museo Patio Herreriano le dedicó una retrospectiva en Valladolid; se le otorgó la Medalla Nacional de Bellas Artes y obtuvo la Creu de Sant Jordi en 2005. Siempre redescubierta porque a menudo era olvidada, ahora Ángeles Santos vuelve a ser noticia.
Alumna, musa, compañera modelo y amante de Rodin desde que le conociese y posase para él cuando apenas había cumplido 19 años, el tiempo ha ido colocando las piezas en su sitio y hoy sabemos que la dimensión artística y creativa de Camille no tenía mucho que envidiar al genio avasallador de su maestro.
Hoy sabemos que colaboró de manera muy directa en algunas de las obras maestras del escultor y que éste, vencido por celos profesionales y por el temor a que su discípula le hiciese sombra en el mundo del arte, nunca la ayudó.
Decidida, valiente y directa, Camille Claudel se enfrentó a su familia y a su época para dedicarse con pasión a la escultura y para unirse al hombre del que se había enamorado. Lo pagó caro.
Tras apasionarse por su alumna, Rodin la asedió. En un primer momento ella esconde sus sentimientos y establece una calibrada distancia que pronto rompería; se entrega. Vendrían después años de encuentros y desencuentros. El escultor nunca abandonó a la costurera Rosa Beruet de la que fue amante hasta su muerte. Con Camille fue distinto. Tras pasiones y arrebatos, muchos intentos de convivencia, un embarazo y un aborto, la relación entre ambos quedaría definitivamente rota en 1898, catorce años después de haberse conocido.
A Camille las fotos nos la acercan como una mujer no especialmente bella. Sin embargo, quienes en su tiempo la conocieron hablan con admiración de su enorme atractivo. “Tenía luz”, diría de ella su hermano el poeta. Una luz que la vida iría apagando hasta oscurecerse por completo en el manicomio en el que, por razones poco precisas, fue internada cuando acababa de cumplir 49 años.
Por orden directa de la familia Claudel, en la mañana del 10 de marzo de 1913 unos enfermeros irrumpieron en su taller para recluirla en el centro psiquiátrico del que, pese a sus desagarradas quejas -se conservan muchos escritos y cartas de la escultora exigiendo que la liberaran-, nunca volvería a salir.
Muy afectado por la que considera situación de indigencia de Camille, en 1913, Paul Claudel escribe: “En cuanto a mi pobre hermana, no tendré más remedio que ir a París para internarla… Cuando volví, hace cuatro años, deliraba por completo, y lo que más me impresionó fue que le había cambiado la voz. Actualmente ya no sale y vive, con los cerrojos echados en puertas y ventanas, en un piso de una suciedad espantosa”.
Finalmente, en marzo de 1913, Camille Claudel es ingresada en contra de su voluntad en un centro de Ville-Evrard, al este de París. Pero el asedio del ejército alemán obliga a trasladar a todos los internos al manicomio de Montdevergues, al lado de Aviñón, en donde la escultora ingresa el 7 de septiembre de 1914 aquejada, según textualmente reza su diagnóstico médico, “de delirio sistemático de persecución basado principalmente en interpretaciones e imaginaciones falsas”.
Entre esos muros pasará el resto de su existencia. Treinta años en los que no dejó de reclamar su derecho a ser libre. “Hace años que soporto este atroz martirio”, escribía la artista hacia 1920. “No hace falta que describa mi sufrimiento… Respecto a mi familia no hay nada que hacer; bajo la influencia de unas malas personas, mi madre, mi hermano y mi hermana sólo atienden a las calumnias de que me han cubierto… ¡Me reprochan (oh, crimen espantoso) haber vivido completamente sola, pasar la vida con unos gatos, tener manía persecutoria! Sobre la base de estas acusaciones me encarcelaron como a una criminal, privada de libertad, privada de alimentos, de calefacción y de las más elementales comodidades… Tienen mucho interés en que yo no salga nunca de esta prisión”.
Nunca salió. A lo largo de esos treinta años largos de estancia en aquel manicomio, Camille Claudel se negó a dibujar o esculpir. Poco a poco se sumió en un doloroso silencio. Le dio la espalda a la vida con la esperanza, cada vez más debilitada, de recuperar la libertad.
El 19 de octubre de 1943, a los 78 años de edad, alejada de su obra y de su mundo, falleció en Montdevergues.
Paul Claudel que, en relación con su hermana siempre se meció entre la incomprensión y el remordimiento, expresó entonces: “Proscrita, a partir de ahora, de la plaza pública y del aire libre, la escultura, como el resto de las artes, se retira a esa habitación solitaria en la que el poeta cuida de sus sueños prohibidos. Camille Claudel es la primera obrera de esta escultura interior”.
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Tras la ruptura entre Camille Claudel y Rodin, este último intentó ayudarle por mediación de otra persona y obtuvo del director de Bellas Artes un encargo del Estado. La edad madura fue encargada en 1895, expuesta en 1899, pero el bronce no fue nunca encargado y Camille Claudel jamás lo entregó. Fue, el Capitán Tissier, quien al final, encargó el primer bronce, en 1902.
El grupo evoca la indecisión de Rodin, entre su ex-amante, que saldría vencedora, y Camille que, para retenerle, se inclina hacia delante. Más allá de su historia personal, Camille realiza una obra simbólica que conlleva una meditación sobre las relaciones humanas. Ella misma se protagoniza en los rasgos de un personaje que llama la Implorante, marcando de este modo lo trágico ligado a su destino.
Alcanzada su madurez, el hombre está vertiginosamente atraído por la edad, mientras tiende una inútil mano hacia la juventud. Las figuras desnudas están envueltas en drapeados que acentúan la rapidez de la marcha. Las grandes oblicuas convergen en perspectiva. Así hablaba de ella Paul Claudel: "Mi hermana Camille, Implorante, humillada a rodillas, esta soberbia, esta orgullosa, y saben lo que se desprende de ella, en este mismo momento, delante de su mirada, es su alma". musee-orsay
Artista americano, hijo de polacos. Estudió en La Sorbona en París y el la Académie de la Grande Chaumiere. En Nueva York en la Art Students League y en la National Academy of Design En París conoció a los grandes maestros del siglo XX, como Braque, Rouat, Picasso y Matisse. Schwartz, además de pintor tocaba el cello y el piano. . Entre el círculo de artistas con el que se rodeaba estaba Duchamp y Roberto Matta, de quien podemos ver mucha influencia en su obra
Loïs Mailou Jones siempre sintió admiración por el arte y la cultura africana. Observó, experimentó y contribuyó a los ciclos de la historia del arte.
Nació en 1905. en Boston- Estudió en el Museo de Bellas Artes de Boston. Al principio trabajó como diseñadora de telas. Pasado un tiempo decidió trasladarse al sur para dar clases. Empezó en North Carolina, antes de irse a la universidad de Howard
En 1937 tuvo la oportunidad de pasar un año estudiando en Paris, hecho que no solo influenció mucho en su obra, sino que le mostró un mundo en el que el color de la piel tenía mucha menos importancia que en su país. Volvió a París todos los años hasta que estalló la Segunda Guerra Mundial
En los Estados Unidos, su obra empezaba a ser conocida, pero encontraba mucha discriminación, por ejemplo, no pudo entrar en un concurso en la Galería Corcoran, en 1941, por su raza. Continuó con sus clases en Howard y en 1973 fue, al fin aceptada. Ese año se convirtió en la primera artista afroamericana en exponer en el Museo de Bellas Artes de Boston.
Daniel Richter nació en 1962 en Eutin (Alemania).Hoy en día, vive y trabaja en Berlín. A finales de la década de 1990 se hizo famoso por sus cuadros figurativos de gran tamaño. Su obra, de una estética psicodelica, pintada a menudo con colores fluorescentes, tienen una luminosidad que a veces parece electrica. Se basa en composiciones históricas, integrando elementos contemporaneos, que a menudo saca de revistas o periodicos, todo ello lo combina con danzas grotescas, super heroes de comics, zombies y policias
Estudió en Hochschule der Bildenden Künste, en Hamburgo. Ha expuesto en todo el mundo y ha hecho diseños para el decorado de la opera de Salzburgo
de la rama holandesa del grupo COBRA. En. 1956, su obra tomó un camino completamente diferente. Abandonó la pintura y se lanzó a la arquitectura, planeando una ciudad que llamó BABILONIA, expresando sus ideas para una sociedad progresiva en maquetas, dibujos, peliculas y manifiestos. Gracias a adquisiciones en la década de 1970 el Gemeetemuseum Den Haag tiene ahora la mayor colección de la obra relacionada con el proyecto Babilonia.
La década de 1950 fue la de mas cambios sociales. Se estaba introduciendo el proceso de automatización y el nivel de vida estaba creciendo. El crecimiento de las carreteras y tráfico aereo estaban facilitando a la gente viajar cada vez más rápido. El balance entre el trabajo y el esparcimiento ofrecía a la gente más desarrollo. Así nació el utópico proyecto NEW BABYLON, una ciudad en el mundo ideal del futuro en la que los rápidos cambios pueden vivirse en vertical. Una ciudad diseñada de forma flexible con los edificios formando una red de estructuras apoyadas sobre pilares que se extienden por Europa. Los diseños se basan en la idea de una sociedad alternativa, totalmente automatizada, una ciudad en la cual el ser humano no necesita trabajar. La gente es libre para dedicarse al desarrollo de ideas creativas. Los residentes en NUEVA BABILONIA serán "HOMO LUDENS" con absoluta libertad para decidir cambios en lo que le rodea.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una muestra del trabajo realizado durante más de 20 años por el artista Constant Anton Nieuwenhuys.
Conocido como uno de los artistas que mas ha contribuido al desarrollo y pedagogia del arte conceptual. Nació en Conrad, Montana.
Despues de estudiar en la universidad de Montana, en 1963, consiguió una beca para estudiar un año en la Brooklyn Museum Art School en Nueva York. Vivió alli durante tres años y despues de conseguir un trabajo en la librería del Museo de Arte Moderno, se trasladó a Manhattan. Asistió a todos los eventos artísticos y le impresionaron artistas como James Rosenquist y Claes Oldenberb- La influencia de Rosenquist se puede observar en la obra grafica de Askevoldy. En 1966 se matriculó en el Kansas City Art Institute para completar sus estudios, esta vez con una beca de escultura. Se trasladó a Halifax en 1968 para dar clases en Nova Scotia College of Art and Design. Durante la década de 1970, le acompañaron en sus proyectos de enseñanza, artistas como Sol Lewitt, Vito Acconci, John Baldessari, Dan Graham y Lawrence Weiner, centrandose en su forma no ortodoxa de acercarse al arte-
Su obra, a menudo se muestra en video. Ha exhibido en La galería Kuhlenschmidt en Los Angeles, en el MOCA, Documenta Kassel, Galería Nacional de Canadá, Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles, Museo Hammer, etc
