James Gleeson

Nació en Sidney en  1915. Perdió a su padre cuando tenía solo cuatro años y fue criado por su madre. Uno de los artistas más importantes de Australia. Pintor surrealista, aclamado por la crítica. Además de pintor fue crítico de arte y poeta. Influenciado por los grandes surrealistas europeos, como Dalí y Magritte, además de las teorías de Freud y Jung.  Siempre decía que había nacido surrealista. Criado al lado del mar pasaba los días contemplándolo e imaginandose historias de un mundo lleno de criaturas fantásticas

 A los once años, su tía Doris McPherson le enseñó a utilizar la pintura al óleo. Estudió en  la Escuela de Arte, East Sydney Technical College y en 1939 expuso su primera obra- Se entusiasmó cuando leyó la primera filosofía sobre el surrealismo, aunque no vio la primera obra de Dalí hasta 1939. El surrealismo parecía el lenguaje apropiado para un período histórico tan oscuro como aquel, la subida del fascismo, la guerra civil española y la segunda guerra mundial. 

Viajó a Europa desde 1947 hasta 1949 y los clásicos le influenciaron. En sus obras exploró sobre la mitología y la religión, pero manteniendose siempre en el surrealismo.  Durante las décadas de 1960 y 1970 ejerció como crítico de arte e historiador. Tambien escribió poesía y trabajó en varias fundaciones de arte. Durante 27 años pintó solamente los fines de semana pero en 1983 decidió dedicarse solo a la pintura.

Quizas Gleeson nunca recibió el reconocimiento que se merecía- En 2004-5 se celebró una gran retrospectiva en Melbourne y Camberra y en  The Art Gallery de Nueva Gales del Sur.

Aunque Gleeson, a menudo, se expresaba con gran pesimismo acerca de la naturaleza humana, era un persona muy agradable, quizás el artista australiano más cultivado. En 2006, el y su compañero Frank O´keefe, que murió en  2007, dejaron un legado de unos 16 millones, a una fundación para adquirir obras de arte. Gleeson murió en 2008

Ay-O

Takao Iijima Nació en 1931 en la prefectura de Ibaraki, situada en la costa del Pacífico en la isla de Honshu. Su pseudónimo artístico es Ay-O. Artista japonés asociado con Fluxus desde sus comienzos en la década de 1960

Quizás la mejor referencia para entender sus comienzos es su libro autobiográfico "Ay-O, Over the Rainbow. Acabó sus estudios en 1945, en la universidad de Tokio. Un año despues presentó sus obras en u na pequeña exposición en la galería Takemiya en Tokio.  Estando todavía en Japón hizo principalmente obra gráfica y consiguió fama, desarrollando una estilo muy personal 

 Ay-O estaba fascinado por los colores del arco iris. Lo que deseaba era combinar el arte moderno con la forma tradicional de ver la naturaleza en Japón. A menudo combinaba temas de la tradición ukiyo-e para transformalo en su propio lenguaje de composiciones cubistas

En 1958 se fue a Nueva York y  fue miembro fundador del movimiento fluxus. El artista lituano George Maciunas y su colega Yoko Ono, que más tarde se convertiría en la esposa de John Lennon, lo presentaron en 1961 a un grupo de artistas y en 1963 -Ay-O comenzó a tomar parte en las reuniones y eventos del grupo fluxus. Su primera presentación, en 1964, la tituló  "rainbow happening" y tuvo lugar en el  Carnegie Hall en Nueva York. Más adelante conoció a otros artistas internacionales como el poeta Emmett Williams, el compositor Dick Higgins y el artista de videos Nara June Paik. Con ellos amplió sus actividades a Europa. En 1966 publicó su "rainbow manifesto". En 1966 representó a Japón en la bienal de Venecia y a continuación viajó por Europa y la India.  En 1968 y 1969 dio clases en la universidad de Kentucky. En Japón se le conoce como el  "Rainbow Man" por el uso de los colores del arco iris en su estado más puro.  Hizo su famoso ·arco iris táctil" en la Feria Mundial de Osaka en 1970. En 1971 hizo su debut Demokato y adaptó 10 pinturas naif americanas para crear una versión del arco iris al que tituló Nashville Skyline. Su obra se encuentra en famosas galerías y museos

Akseli Gallen-Kallela

Akseli Gallen-Kallela (1865-1931)

 Considerado como uno de los artistas más emblemáticos del genio finlandés, en la encrucijada de los siglos XIX a XX,Akseli Gallen-Kallela nunca ha sido el objeto de una exposición monográfica en Francia. Sus vínculos con París son sin embargo muy estrechos. Fue alumno de la Academia Julian, en la década de 1880, triunfó en la Exposición Universal de 1900, con los frescos del pabellón finlandés, sobre temas procedentes de la epopeya del Kalevala, expuso de nuevo en París en 1908, antes de embarcar rumbo a África, de donde trajo de vuelta una deslumbrante serie de pinturas y acuarelas.

Naturalismo, neo-romanticismo, simbolismo y expresionismo se combinan en la obra de Gallen-Kallella, en la que también tienen cabida las artes decorativas. La exposición muestra esta brillante carrera, reuniendo obras procedentes de prestigiosas instituciones finlandesas o de colecciones privadas, que constituyen los manifiestos de un arte durante demasiado tiempo reducido a la expresión de un sentimiento nacional.

 

Clara Gangutia Elícegui

Nace en San Sebastián en 1952. A los 16 años, ingresa en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, con Antonio López como profesor y Juan Manuel Contreras y Roberto González como compañeros de estudio. En 1974, recibe una pensión de estudios para la Academia Española de Roma, y gana el primer premio en el certamen "Pinturas guipuzcoanas" de San Sebastián. En los años siguientes, será también becada por la Fundación Juan March y el Ministerio de Cultura. En 1981, obtiene la segunda medalla en el concurso de pintura de la Cámara de Comercio de Madrid. Aunque se instala definitivamente en Madrid, la pintora donostiarra seguirá toda la vida recreando los paisajes de su ciudad natal. En 1973, se casa con el pintor Jesús Ibáñez.

Expone por primera vez de forma individual en la Galería Egam de Madrid. Posteriormente, su obrá se exhibirá en la feria de arte contemporáneo Aretder´81 (Bilbao), Galería Leandro Navarro de Madrid (donde expone en diversas ocasiones, la última de ellas en 2010, y con la que participa en ARCO 88), Museo Sant Telmo de San Sebastián ,que organiza una retrospectiva de la artista en 1985, Appiani Arte Trentadue en Milán, Galería Dieciséis de San Sebastián, Museo Zuloaga de Zumaya, Galería Ederti de Bilbao, Museo Gustavo de Maeztu en Estella (Navarra) y Galería Ekain de San Sebastián. El Centro Cultural Conde Duque de Madrid organizó una retrospectiva de su obra en el año 2000. Junto a otros artistas, ha participado asimismo en exposiciones colectivas internacionales, como Beijing International Art Bienale (China), la muestra "Real Current Spanish Art" organizada por Nagasaki Prefectural Art Museum (Japón) o el Museum Frankenhausen de Alemania.

La obra de Clara Gangutia puede encontrarse en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Cámara de Comercio e Industria de Madrid, la Colección Unión Española de Explosivos, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo d´Arte dello Splendore de Giulianova (Italia), Museo de Vitoria, Museo Postal y Telegráfico, Colección Ibercaja, Diputación Foral de Guipúzcoa, Colección Saldañuela de la Caja de Ahorros de Burgos, Colección Municipal de Madrid, Collezione Coniugi Teresita e Alfredo Paglione, Colección Euskaltel, Colección Fundación Kutxa y Colección Sociedad de Ciencias Aranzadi.

Fuente, Galería de Arte Leandro Navarro

Alfonso Galván

Madrid, 1945 
 Su primera exposición individual la realiza en Madrid en 1973.
Entre las exposiciones más importantes cabe destacar la individual del año 1987 en el Museo Español de Arte Contemporáneo en Madrid ( M.E.A.C.) que recogía una amplia muestra de la obra realizada desde los 70 y posteriormente en el Espacio Caja Burgos y la Sala Luzán de Zaragoza.Ha ganado los siguientes premios: mención I Concurso Adaja de la Caja de Ávila (1974), 1º Premio en el II Concurso Adaja (1975), Beca March (1975), Becas del Ministerio de Cultura (1982 y 1983), 1º Premio en la I Bienal de Albacete (1986)

Hay obra suya en colecciones públicas y privadas, como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Caja General de Ahorros y Monte de Piedad de Ávila, Ayuntamiento de Albacete, Exeter College de Oxford, Comunidad Autónoma de Madrid, Biblioteca Nacional, Fundación General Mediterránea, Colección Arte y Naturaleza, etc
 Artista de difícil clasificación, su trabajo conjuga un extraño realismo, cargado de imágenes simbólicas, con una obra que va de la ironía a la abstracción.
Sobre el significado de su obra se ha dicho: “la pintura de Alfonso Galván contiene extrañas presencias, irrupciones, sorpresas, que introducen un caos sutil y discreto en entornos ordenados. La sorpresa, la insinuación de “otra cosa” ausente, recorren unas obras imbuidas por un peculiar simbolismo personal”.

Información- Galería Espiral

Enric Galwey i Garcia

 

(Barcelona 1864-1931). Pintor español. Inició su formación en la Escuela de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona. Posteriormente fue discípulo de Joaquín Vayreda en Olot, quien lo animó a viajar a París. En Francia se especializó en el paisaje, siguiendo inicialmente las directrices de la escuela de Barbizon, adscribiéndose después al impresionismo. Se dio a conocer en 1885 en la Exposición del Centro de Acuarelistas de Barcelona, y a partir de entonces alternó los certámenes en su ciudad natal con las Exposiciones Nacionales celebradas en Madrid, donde obtuvo segunda medalla en 1897 porPreludio de la noche y en 1906 por Las avanzadas y primera medalla en la edición de 1915 por su obraAnochecer en el pinar. En la Exposición de 1922 ocupó una sala de honor con cincuenta y ocho óleos.

Museo del Prado

NILES SPENCER

NILES SPENCER (1893–1952)
 Pintor asociado con los "Precisionists" y conocido por la simplicidad de sus imágenes arquitectónicas. Nació en 1893 en Pawtucket, Rhode Island Estados Unidos. Su familia tenía una próspera fabrica textil, y su primera relación con la industria le proporcionaría la temática que le fascinó a lo largo de su carrera. Desde 1913 hasta 1915, estudió en  la Escuela de Dibujo en Rhode Island. En 1916 se estableció en Nueva York donde se matriculó en la Arts Students League y estudió con George Bellows y Robert Henri en una escuela de arte privada en el Bronx. Dividió su tiempo entre Nueva York y Ogunquit, Maine, donde pasaba  los veranos con otros artistas americanos, que se reunían alrededor de Hamilton Easter Field, pintor, crítico y fundador de la revista The Arts. Durante la década de 1920 viajó a Europa, donde quedó entusiasmado con el cubismo y los pintores del renacimiento italiano.

Los planos de color y las formas en los primeros trabajos de Spencer son reminiscencias de Cézanne, cuyas composiciones parecen haber afectado a los paisajes y al estilo más abstracto que caracterizaría su obra más madura.

En esa época expuso frecuentemente, vivía en Provincetown y hacía paisajes y bodegones llenos de luz. En estas obras y en las posteriores de las escenas del Nueva York industrial, el artista emplea una ventana a través de la cual se pueden ver objetos de la casa del artista.  Cuando se muda a Nueva York, su obra se enfoca a la arquitectura y maquinaria industrial. 

Ya en las décadas de 1930 y 1940 se acerca más a los pintores del Precisionist como Charles Sheeler y Charles Demuth. De 1940 a 1950 su estilo  se vuelve más abstracto, creando composiciones complejas

ANTONIO QUIRÓS

 1918-1984
 Nació en Ucieda (Santander), hacia 1918. Pero cabe sospechar que fue antes, aunque él lo desmentía. Coetáneos suyos le adelantan hasta tres años. Fue, sí, en el mes de agosto, en la casa de los Quirós. Emparentado con la pintora María Blanchard, de la que recibe claras influencias, en sus primeras composiciones artísticas, con los Gutiérrez Cucto, fundadores de periódicos y gente de letras, con Concha Espina y los De la Serna, su primer profesor fue Camoyano, a quien apreciaba más allá de lo usual entre alumno y maestro.

 Pronto se deja atrapar por la magia del surrealismo y pinta con colores enterizos y grandes espacios vacíos y fantasmales. La guerra civil supone para él una prueba y un drama del que no gusta hablar. Se conservan dibujos suyos de esta etapa, bayoneta al hombro, duros y graves, de milicianos en el frente asediados por el frío invierno y la tragedia, tratados con dureza de xilografía que anuncia las esquematizaciones que en el futuro le darán fama. El exilio le lleva a París, como a tantos artistas republicanos, siendo luego herido en el cerco de Berlín, donde permanece postrado un largo espacio de tiempo, víctima de las heridas de guerra recibidas.

Su mester de soldado, obligado por las circunstancias y el compromiso ético, quería olvidarlo, para hablar de París, de sus estudios en la Academie de la Grand Chaumiere y en la Academie Julien. Influido por su tía, María Blanchard, lo cual se nota en los cuadros del 39 al 45, aproximadamente, goza de la amistad y magisterio de Fernand Léger y de André Lhote, contando con condiscípulos de la significación de Staël, Herauld, Goerg y Wools. Tras la liberación de París, y vuelta la normalidad, Quirós brilla con luz propia en los movimientos artísticos parisienses más ligados con el existencialismo.

 Cuando comenzaba a ganar la aceptación de París, no tanto como él decía, ni tan poco como aquí se piensa, Quirós. vuelve a España hacia 1952, y se instala en Madrid. Dos modos trae bajo el brazo, ambos muy suyos: la figuración esquemática y la abstración orgánica, nombres ambos que registro como suyos. Quirós se gana pronto un nombre en Madrid, donde su quehacer, por demás original, contrasta con el de cualquier otro. Quirós puede gustar o no gustar, pero lo que no cabe duda es que es un pintor personalísimo. Tanto en la concepción de sus figuras, delgadas, esqueléticas y fantasmales, como en la viveza vibrante y joyesca de sus actuaciones, especie de seres en descomposición o piezas orgánicas fructuantes, algo que se está haciendo o deshaciendo. Y si original en extremo era su mundo de formas, no menos puede decirse de la originalidad técnica de sus pinturas. Colores planos, a veces, que dejan rezumar los subyacentes. Y otras, esa especie de rascaduras o flotamientos que recubre un toque cerámico, como de vitral. Otra originalidad, generalmente afectada, de Quirós, es la calidad de sus retratos, verdaderas incursiones en el ánima del retratado. Y es que antes que retratos, éstos aspiraban a ser, y lo eran, grandes abstraciones, trozos de cuadros, condensaciones de su mejor arte.

Información --El País

Françoise de Felice

Francoise de Felice nació en París en 1952. Pasó los primeros  20 años de su vida en su ciudad natal. Su abuela, que frecuentaba un taller de publicidad en la época del Chat Noir, fue la  que la introdujo en el  mundo del arte. Paralelamente asistía a la Sorbona como alumna libre.   En 1982 abandona Francia y se instala en Sicilia y fue allí donde encontró su propio estilo, su propia personalidad. El esplendor del barroco siciliano y la luz de la isla esfumaron sus líneas convirtiendolas en casi líquidas creando un mundo introspectivo, casi un autoanálisis

Despues de muchas idas y vueltas, entre el Mediterráneo y Francia, finalmente se estableció en Gran Bretaña, desde donde organiza exposiciones internacionales, tanto en Europa como en otras partes del mundo

Françoise Collandre

Nació en París en  1939, se graduó de la Escuela Nacional de Artes y Oficios de París- Expuso por primera vez en París, ciudad en la que vive y trabaja, en 1981.  

Juega con colores frescos y brillantes para dar a su obra una dimensión original. Sus pinturas, siempre mostradas en un ambiente íntimo, discreto, lleno de poesía pero con carácter. Esta pintora imagina un mundo de historias, en las que intenta recomponer un universo lleno de felicidad y armonía, una poeta de la pintura

Sarah Purser

Nació en Dun Laoghaire en 1848. Hija de Benjamin Purser y Ann Mallet. LLegaron a Dungarvan  en la década  de  1840.  A los 13 años la enviaron a una escuela en Suiza, donde estuvo dos años.  Abandonó Dungarvan en 1873 para ganarse la vida como pintora en Dublin.  Alli se matriculó en la   Metropolitan School of Art y despues fue  a la   Academie Julian en Paris y tambien a Italia. 

Trabajó sobre todo como retratista y como diseñadora de vidrieras. Algunas de sus vidrieras fueron encargadas para Nueva York, incluyendo una para Christ Church.  La mayoría de sus exposiciones fueron en Dublin y Londres. Fue la primera mujer miembro de la Academia Royal Hibernian. Murió  en 1943