Nicolas Eekman

Nicolas Mathieu Eekman o Nikolaas Mathijs Eekman (Bruselas, 9 de agosto de 1889 - París, 13 de noviembre de 1973), fue un pintor figurativo nacido en Bélgica de padres neerlandés,​ conocido también en Francia y en los Países Bajos como Nico Eekman o Nik Eekman, y también con el seudónimo de "Ekma".

Fue también dibujante, grabador, acuarelista 

e ilustrador.
Entre los libros ilustrados figuran "Los destinos" de Alfred de Vigny (1933), "Cuentos de un bebedor de cerveza" de Charles Deulin (1945), "Tyl Ulenspiegel" de Charles de Coster (1946), "L'Ane culotte" de Henri Bosco (1950).

Tres grandes períodos caracterizan su obra: expresionista, entre 1914 y el fin de la década de 1920, luego flamenco-realista hasta principios de 1950, y, por último, fantástico.

Nicolás Eekman nació en Bruselas, en la misma casa donde Victor Hugo comenzó a escribir “Los Miserables”, durante su exilio.

A los 18 años dio su primera conferencia en Bruselas, dedicada a "Van Gogh, el desconocido", que en 1907 era todavía un pintor casi ignorado por el público en general. En 1912, visita la primera exposición de Van Gogh en Colonia, una experiencia que sería decisiva.

Después de obtener su diploma de arquitecto en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, fue invitado por su amigo pastor Bart De Ligt a permanecer durante la Primera Guerra Mundial en el presbiterio del templo de la iglesia reformista de Nuenen, en los Países Bajos. Treinta años antes, había vivido allí la familia Van Gogh, y allí había pintado Vincent "Los comedores de patatas".

Las exposiciones de Eekman se sucederían en el país hasta el final de la guerra, y son numerosas las adquisiciones por parte de los principales museos y coleccionistas de los Países Bajos, sobre todo por Helene Kröller-Müller.

Eekman se trasladó a París en 1921 y continuó exponiendo en Francia y en el extranjero. Frecuentó la compañía de los artistas neerlandeses que vivían en París, como Fred Klein, Piet Mondrian, César Domela, Georges Vantongerlooy Frans Masereel. Entabló una amistad con la galerista Jeanne Bucher, que expondría obras suyas junto a otras de Mondrian en 1928: fue la única vez que Mondrian exhibiría sus pinturas en París. Estos dos hombres que la visión del arte separa, Mondrian, promotor del arte abstracto, y Eekman, figurativo convencido, permanecerían unidos por una sólida amistad durante toda la vida.

En la década de 1930, Eekman participó periódicamente en exposiciones colectivas, sobre todo en los Estados Unidos, mientras que sus exposiciones personales se organizaban por toda Europa.

Durante el período de entreguerras, Eekman formó parte de la vida artística de París, en el barrio de Montparnasse, donde frecuentaba la compañía de Jean Lurçat, Louis Marcoussis, André Lhote, Max Jacob, Moïse Kisling, Marc Chagall, Picasso, Dalí, Armand Nakache, Paul Signac, Jacques Lipchitz, Fernand Léger, Edouard Goerg, Geiger, Max Ernst, etc.

En la Exposición Internacional de París de 1937, Eekman obtuvo la medalla de oro por su pintura "La pelote bleue" ("La pelota azul"), adquirida por el estado para el Museo de Jeu de Paume.

Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, fue buscado por los nazis, y encontró refugio en San Juan de Luz, en el suroeste de Francia, donde firmaría su obra provisoriamente con el seudónimo "Ekma".

En 1944, el Palacio de Bellas Artes de Bruselas organizó una exposición muy importante de Eekman, y a ella asistió la Reina Elisabeth de Bélgica.

En los años 1950 y 1960, las exposiciones continuaron a un ritmo constante en Francia, Bélgica, los Países Bajos y Suiza. En la Exposición Internacional de Deauvillede 1956, Eekman recibió el Premio del desnudo.

En 1961, el profesor H. Griffon le encargó un mural grande sobre el tema de las plantas medicinales en el mundo. Este trabajo fue realizado para la farmacia del Aeropuerto de París-Orly.

Poco después de una gran retrospectiva en la galería Reflets de Bruselas, Nicolás Eekman falleció en París el 13 de noviembre de 1973, y fue enterrado en el cementerio de Ivry, cerca de París.

Con el impulso de su hija Luce, fue creada en 1989 la asociación "Le Sillon Nicolas Eekman" , que está dedicada a perpetuar la memoria y la obra del pintor a través de la elaboración de un catálogo y de la organización de exposiciones en Francia, Bélgica y los Países Bajos.

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Ernest Van den Driessche

 (1894-1985) fue un pintor belga nacido en Eine, cerca de Oudenaarde.
La obra de Ernest van den Driessche se enmarca dentro de la figuración naïve de los pintores belgas, aunque su técnica es claramente heredera de los pintores flamencos costumbristas que influyeron en su formación. Su obra se expuso en numerosas ocasiones en Bruselas, Hasselt, Luik, Bratislava (1966, 1969), Zagreb (1970). Fue un pintor muy querido en su entorno geográfico, Assenede, Gante, Lokeren, Oudenaarde, Wagerem, Verviers, París, y su obra se encuentra presente en numerosos museos belgas.

La riqueza de dibujos y pinturas de Ernest Van den Driessche suelen estar relacionada con una interpretación onírica de la realidad. Su pintura se caracteriza por una interacción entre la realidad y la imaginación, dando como resultado una gran riqueza de elementos que aparece muy pormenorizada e individualizada durante la madurez.
 
Entre sus temáticas habituales destacan la familia, las fiestas populares, las leyendas y lo sacro, sobresaliendo en esta sección las historias bíblicas y religiosas. Todo ello da lugar a una unidad narrativa que no está exenta de una interpretación personal de la realidad que es poco común en la pintura del período en su entorno geográfico. Muestra de ello es el hecho de que en su pintura de emadurez rara vez faltan las personas, siendo estas de una gran importancia para conformar un paisaje urbano o rural.
Van den Driessche pintó de manera instintiva y su obra es un fiel reflejo de la tradición popular del mundo rural belga.

Wikipedia

Paul Delvaux

Antheit, 1897-Furnes, 1994
Paul Delvaux fue uno de los principales representantes del surrealismo en Bélgica. Procedente de una familia de abogados, tuvo que convencer a su padre para que le permitiese acceder a la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruselas. Allí, y tras un breve periodo dedicado a la arquitectura, se decidió a estudiar pintura decorativa, graduándose en 1924. 

En sus primeras obras estuvo presente la influencia de expresionistas flamencos, como Constant Permeke y Gustave de Smet, que constituían la vanguardia belga del momento. El contacto con el expresionismo haría que desde entonces en Delvaux primase un interés por la representación del ser humano, en su caso centrado especialmente en la figura de la mujer, algo que se mantendría como una constante a lo largo de su obra.

Cuando, a mediados de la década de 1930, Delvaux descubrió el surrealismo a través de la obra de René Magritte y la pintura metafísica de Giorgio de Chirico, sintió la «libertad de transgredir la lógica racionalista» a la que hasta entonces se había sentido ligado. A pesar de no haber sido un miembro ortodoxo del grupo, participó en la Exposition Internationale du Surréalisme organizada por André Breton y Paul Éluard en París en 1938 y en las muestras que siguieron en Amsterdam y México.
La obra de Delvaux destaca por su unidad estilística. El realismo verista de sus obras nos remonta a un mundo onírico, con seres tan aislados y ensimismados, que parecen sonámbulos. Son figuras cuyos ojos no comunican nada, que parecen mirarse a sí mismas y que se sitúan generalmente en escenarios nocturnos. Tanto su obra pictórica tardía, como los grabados que realizó al final de su vida, continuaron en la misma línea con la que había comenzado su trabajo en los años treinta. Tras numerosas exposiciones y reconocimientos en su país natal y en el extranjero, en 1982 se abrió al público el Musée Paul Delvaux en Saint-Idesbald.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Georges Croegaert

1848 - 1923

Georges Croegaert nació en Bélgica en 1848 y pasó su infancia allí hasta 1880 cuando se trasladó a París. Su fama se debe a sus pinturas de cardenales, meticulosas y muy detalladas, un género que se hizo famoso a finales del siglo diecinueve. Tambien son conocidos sus cuadros anti clericales, especialmente de católicos. 

Era  uno de los pocos artistas a los que se permitía entrar en los cuartos privados de los cardenales, donde los pintó trabajando o descansando. Tambien pintó a mujeres muy elegantes. 

Expuso en el Salón de París desde  1882 hasta 1914 y en Viena en 1888 con críticas muy loables. Sus pinturas fueron muy populares en Europa y en Estados Unidos

Jan Cobbaert

Jan Cobbaert (Heverlee, 24 de junio de 1909 – 3 de octubre de 1995) fue un pintor, escultor, dibujante y ceramista belga, que practicó diversas artesanías (hierro forjado, grabado en madera y placa de vidrio).
 
Nació en Heverlee el 24 de junio, en 1909. Hijo de familia rica, vivió en Korbeek-Lo,¹​ cerca de Lovaina. Una vez a la semana, siguió las clases de cerámica en el taller de Jacques Charlier (1899 - 1964) e ingresa en la Academia de Bellas Artes. Después de su educación secundaria se da cuenta de que quiere seguir con el arte. Cobbaert inicia estudios de historia del arte durante sus primeros años en la de la Universidad Católica de Lovaina. 
 
 Luego estudió en el Instituto Superior de Arqueología e Historia del Arte en Bruselas. Después de estos estudios, trabaja como cadete en el negocio de zapatos de su padre. Entre tanto, pintó sus primeras obras y, alternando con sus clases en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas. En Bruselas, entró en contacto con el expresionismo flamenco y descubre los grandes expresionistas de la segunda Escuela Latemse, como Gust De Smet (1877 - 1943) y Constant Permeke (1886 a 1952).
 
En 1937 recibió el primer Premio Internacional de Roma; a causa de ello, su obra se presenta en el ayuntamiento de Lovaina, en lo que sería su primera exposición. En 1939 recibió una subvención estatal, para viajar a Italia, Alemania y Francia y estudiar el arte antiguo. Su carrera consigue dar un nuevo giro, pero a causa de la guerra en Italia, regresó a Bélgica.
 
Desde octubre de 1944 fue profesor en la Academia de Lovaina. Mientras tanto, conoce a José Beeckman, con quien se casaría más tarde. Tuvieron dos hijos y la familia se estableció en Kessel-Lo. Es en el mundo confiado de la familia donde encuentra su principal fuente de inspiración. La pérdida de su esposa y de su hijo Marc en 1958 paralizó su actividad unos años, hasta que conoce a Vika Lambert, con quien se casaría poco después.
 
Su obra incluye varios componentes de movimientos artísticos como la referida segunda Escuela Latemse, pero su trabajo está determinado por profundas raíces en la artesanía y por los acontecimientos de su vida. La muerte de su hijo juega un papel importante. Así, parece sumergirse en el mundo de los sueños de los niños buscando mantener la unión con su hijo. Alrededor de 1950 entró en contacto con el movimiento Cobra, en el que sin embargo no está oficialmente incluido.
Además de en su país, tiene obra en Noruega, Luxemburgo, Dinamarca y Alemania.

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Albert André

 

Lyon, 1869-Laudun, 1954

Albert André nace en Lyon, donde su padre tiene una fábrica de sombreros de seda. Se educa en el Lycée de Lyon y pasa las vacaciones en Laudun (Gard). Hacia 1885 se orienta hacia el dibujo y colabora en algunos proyectos para las sederías. Pero ante su falta de entusiasmo por esta actividad, su familia accede a enviarle a París, para que se dedique en serio a la pintura. 

 

Llega a la capital probablemente en 1889 y se matricula en la Académie Julian, en la que traba amistad, entre otros, con Paul Ranson (miembro del grupo de los Nabis) y con Valtat. En 1894 participa por primera vez en el Salon des Indépendants. Renoir se fija en él y lo recomienda a Durand-Ruel, que será su futuro marchante. Así comienza una verdadera carrera. Colabora con Toulouse-Lautrec en la realización de los decorados de Chariot de terre cuite (obra vanguardista que se representa en el Théâtre de L'Ouvre). Con Maurice Denis, Bonnard y Vuillard (todos ellos miembros del grupo de los Nabis), expone en la sala de Bing, el gran marchante de arte japonés e inventor del estilo Art Nouveau. 

 

Tras su consagración, en 1904, gracias a su primera exposición individual en la galería Durand-Ruel, se suceden las exposiciones y los encargos. Figura, junto a Monet, Cézanne, Renoir y Pissarro en la exposición titulada Natures Mortes (Durand Ruel, 1908); le encargan un gran panel decorativo para el pabellón francés de la Exposición Universal de Turín; lo eligen para celebrar L'Interprétation du midi en el salón de La Libre Esthétique de Bruselas (1913) y alcanza un gran éxito en Estados Unidos con su primera exposición individual en Nueva York (Durand Ruel, 1912). 

 

Luego vendrían la guerra y por fin la desmovilización en 1917; después se traslada a Endoume, cerca de Marsella, donde el artista, que ha recuperado la alegría de pintar, firma algunos de sus lienzos más hermosos (El día del armisticio, Paseo por Endoume, Terraza a orillas del mar).

Biógrafo y retratista de Renoir anciano, al que pinta en escenas de conmovedora autenticidad, lo será también de Monet.
Rodeado de amigos entre los que cabe citar a Julie Manet, Pierre Renoir, Marquet y Paul Signac, su vida transcurre entre París, sus actividades como pintor y como secretario del Salon d'Automne, y sus prolongadas estancias en Laudun (donde es conservador del Musée de Bagnols-sur-Sèze), donde se refugia durante la Segunda Guerra Mundial.
Poco a poco, su paleta, tan viva en los primeros tiempos, se va templando. Pero Albert André permanece fiel a sí mismo, a su sentido de la intimidad, a los interiores acogedores, a los objetos familiares, flores, jarrones, muebles, espejos, ventanas abiertas a Laudun...

Pol Bury

Pol Bury nació en  La Louvière, Belgica, en 1922. Despues de asistir a la Academia de Bellas Artes se unió a un grupo de poetas surrealistas entre los que se incluía Achille Chavée. En las primeras obras artística de Bury se veía la influencia de René Magritte e Yves Tanguy, y los cuadros que produjo a finales de la década de  1930 y la primera parte de la del 40 se incluyeron en la Exposición Internacional del Surrealismo que se ofreció en Bruselas-

Bury empezó a incluir motores eléctricos en muchas de sus esculturas en 1957. Los motores ocultos activan las obras, lo que provoca que los elementos giren, se inclinen o giren. Alrededor de 1964, el artista comienza a crear sus Cinetizaciones: fotografías e impresiones que representan monumentos bien conocidos, pero con la estructura arquitectónica fundamentalmente alterada. 

En una Cinetización con la Torre Eiffel, la estructura de hierro parece tambalearse como si estuviera al borde del colapso. Las esculturas y Cinetizaciones de Bury demuestran momentos de contingencia física que desconocen la atracción de la gravedad. En una entrevista de 1969, el artista explicó: "Estoy buscando el punto que existe entre el movimiento y el no movimiento.

A finales de los años sesenta, Bury empezó a trabajar con acero inoxidable y acero Cor-Ten, latón pulido y cobre. En 1969 había creado su primera fuente pública, en el Museo de Arte de la Universidad de Iowa. Semejante en muchos aspectos a sus esculturas cinéticas, las numerosas fuentes que Bury diseñó a lo largo de su vida implican arreglos de cilindros y esferas que se mueven lenta e irregularmente. En estas obras, abrazó los reflejos y efectos de luz producidos por la interacción del metal y el agua al aire libre-

 A finales de los años cincuenta y principios de los 60, Bury expuso su obra junto a la de otros artistas ZERO en Vision in Motion-Motion  en Hessenhuis, Amberes (1959); Bewogen Beweging (Movimiento Movimiento, 1961), que viajó desde el Museo Stedelijk de Amsterdam al Moderna Museet, Estocolmo, y el Museo de Louisiana, Humlebk, Dinamarca; tuloonstelling nul (Nul 62) y nul negentienhonderd vijf en zestig (Nul 65), ambos en el Museo Stedelijk de Amsterdam (1962 y 1965, respectivamente); y Documenta 3 (1964) en Kassel, Alemania. Las retrospectivas con la obra del artista han sido organizadas por el Museo de Arte de la Universidad de California, Berkeley, en colaboración con el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (1970); Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México (1977-78); Museo de arte moderno de la Ciudad de París (1982); y el Museo Josef Albers en Bottrop, Alemania (1990). Bury murió el 27 de septiembre de 2005, en París.
 Guggenheim Museum

Jan van Beers

(Lierre, Bélgica, 1852-1927). Pintor belga. Hijo del poeta del mismo nombre. Se formó en la Academia de Amberes y empezó pintando cuadros de historia, con un tratamiento tan realista que parecía insuflar vida y espíritu a unos personajes muertos siglos atrás, como es el caso de su conocido Carlos V de niño (1879, Koninkijk ­Museum voor Schone Kunste, Amberes).

 Sin embargo, la temática de sus obras se volvió más coetánea cuando se trasladó a París, ciudad en la que logró el éxito entre el público más exigente, que gustaba de la minuciosidad característica de sus retratos. De esta época son sus elegantes figuras femeninas pintadas a la manera de Alfred Stevens y en las que Beers demostraba su destreza para reflejar con toda exactitud las telas y otros complementos; como ejemplo cabe citar el famoso Retrato de Sarah Bernhardt. 

De hecho, la obra de Beers levantó mucha polémica entre un sector de la crítica que le acusó de utilizar positivos fotográficos como base para pintar sus obras. Progresivamente su estilo fue perdiendo el interés del público, obligándole a cambiar, una vez más, al final de su carrera, dedicándose en esta última etapa al paisaje y a reflejar sencillas escenas cotidianas, género este último que ya había practicado con anterioridad, como demuestra la pintura que conserva el Museo del Prado, donada por el propio artista en 1880.

Museo del Prado

Alfons Walde

 Alfons Walde (1891 - 1958), nació en Oberndorf. En 1892 la familia se trasladó a
 Kitzbuehel porque nombraron a su padre
Franz Walde director de una escuela.

Walde estudió arquitectura en la escuela técnica de Viena.  Al mismo tiempo continuó su formación como pintor. Se movió en los círculos artísticos de  Gustav Klimt y Egon Schiele.

 Utilizaba mucho las montañas que rodeaban  Kitzbuehel como motivo de sus cuadros.

Despues de la Primera Guerra Mundial se dedicó completamente a la pintura y aunque durante un tiempo su obra tuvo influencias de Klimt y Schiele, pronto volvió a su estilo característico- escenas de la montaña, particularmente de invierno. Fue el primer artista en presentar con éxito escenas de esquí como tema. Estas escenas deportivas, junto  con sus paisajes invernales y sus imágenes agrícolas, presentadas con fuerte empaste, complementaban sus otros trabajos artisticos como arquitecto y artista gráfico

Los toques  impresionistas  evocados en  las pinturas de Walde le dieron un lugar en la historia del arte internacional. Esto se reflejó en las muchas exposiciones de su obra y concursos de arquitectura, y los premios que recibió. Alfons Wade murió el 11 de diciembre de 1958 en Kitzbuehel.
Después de la década de 1930 hasta su muerte en 1958 Alfons Walde trabajó principalmente en proyectos arquitectónicos.