jueves, 22 de marzo de 2018
Tino Aime
"Pinto mi vida diaria y mis orígenes. Pinto naturalezas silenciosas, flores exhaustas y objetos olvidados. Me encanta grabar, esculpir, acariciar las piedras, sentir los aromas de la madera. La materia me atrae, pero también me gustaría saber cómo pintar el aire".
Tino Aime nació en Cuneo en 1931. Hijo de pastores de Roaschia, se mudó a Turín en 1941. Después de asistir a la Academia Libre de Turín, con Idro Colombi, comenzó a exhibir como escultor, y luego se dedicó a la pintura y a la obra gráfica. Es conocido internacionalmente con más de 200 exposiciones individuales en Italia y en el extranjero. Amigo de escritores y poetas, comenzó a exponer en 1963 y recibió premios en Italia, Francia, Rumania y los Estados Unidos. En Provenza grabó y pintó el mundo de Federico Mistral: las obras se exhibieron en una exposición itinerante en los museos de Gap, Marsella, Digne, Draguignan, Aix en Provence y Niza. Murió en 2017
miércoles, 21 de marzo de 2018
Vittorio Matteo Corcos
Vittorio Matteo Corcos (4 de octubre de 1859 - 8 de noviembre de 1933) fue un pintor italiano, conocido por sus retratos. Muchos de sus trabajos de género representan a hombres y mujeres jóvenes y elegantemente vestidos en momentos de reposo y recreación.
Nació de padres judíos, Isacco e Giuditta Baquis, en Livorno. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Florencia con Enrico Pollastrini. Entre 1878 y 1879 trabajó bajo Domenico Morelli en Nápoles.
Luego viajó a París, donde conoció a Léon Bonnat y firmó un contrato con Goupil & Cie. Pudo complementar sus ingresos como pintor de retratos con ilustraciones para revistas.Frecuentaba los círculos de Giuseppe De Nittis. Entre 1881 y 1886, exhibió con frecuencia en el Salón.
Regresó a Italia en 1886, supuestamente para unirse al ejército, y se estableció en Florencia.Se convirtió al catolicismo y se casó con una viuda, Emma Ciabatti. En Florencia, se hizo amigo de los círculos intelectuales e hizo retratos de Silvestro Lega, Giosue Carducci y Pietro Mascagni.
lunes, 19 de marzo de 2018
Nikolay Bogdanov-Belsky
Bogdanov-Belsky nació en el pueblo de Shitiki en Smolensk Governorate en 1868. Estudió arte en la escuela de bellas artes Semyon Rachinsky, pintura de iconos en la Troitse-Sergiyeva Lavra en 1883, pintura moderna en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1884 a 1889, y en la Academia Imperial de Artes en San Petersburgo de 1894 a 1895. Trabajó y estudió en estudios privados en París a fines de la década de 1890.
Bogdanov-Belsky estuvo activo en San Petersburgo. Después de 1921, trabajó exclusivamente en Riga , Letonia . Se convirtió en miembro de varias sociedades prominentes al incluida Peredvizhniki (pintores itinerantes) desde 1895 y la Sociedad Arkhip Kuindzhi desde 1909 (de la cual fue miembro fundador y presidente entre 1913 y 1918).
Bogdanov-Belsky pintó principalmente cuadros de género, especialmente de la educación de niños campesinos, retratos y estudios de paisajes impresionistas. Se convirtió en pedagogo y académico en 1903. Fue miembro activo de la Academia de las Artes en 1914. Desde 1921, vivió en Riga . Bogdanov-Belsky murió en 1945 en Berlín.
Fue miembro de la Fraternitas Arctica en Riga.
VLADIMIR BARANOV-ROSSINÉ
Kherson (Ucrania) 1888 - París 1944
Vladimir Baranov-Rossiné nació en Kherson, Ucrania, en 1888. Su nombre judío era Shulim Wolf Labe Baranov, y su apodo era Daniel Rossine. Pasó su vida y su carrera entre Rusia y París.
Entre 1902 y 1903, estudió en Odessa. Luego, desde 1903 en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo. Después de sus estudios, participó en las primeras exposiciones de vanguardia organizadas en Moscú y San Petersburgo. Entre los expositores se encontraban Mikhail Larionov, Natalia Goncharova, Alexandra Exter y los hermanos Burliuk. En 1908 participó en un importante espectáculo en Kiev que hizo hincapié en la síntesis entre pintura, escultura, poesía y música. La idea de una síntesis de las artes, un legado del simbolismo ruso, seguiría siendo un elemento clave de la vida Baranov-Rossiné. En el mismo año exhibió con Zveno, una organización militar y política búlgara, fundada en 1927 por oficiales del ejército búlgaro, que tuvo lugar en Kiev, organizada por los hermanos Burliuk (David y Vladimir).
En 1910 Baranov-Rossiné se mudó a París. Allí organizó una exposición en el Salón de Independientes. Se hizo amigo íntimo de Hans Arp, Robert y Sonia Delaunay. Sus pinturas de esa época fueron reconocidas principalmente por el uso ecléctico del color. Demostraron una asimilación con el cubismo, el futurismo y el orfismo, y expuso regularmente en el Salon des Indépendants. Al mismo tiempo, experimentó con la escultura, ejecutando dos grandes esculturas de ensamblaje, construidas con fragmentos de metal pintado, madera y objetos encontrados. Una de estas esculturas, expuesta en el Salon des Indépendants de 1914, causó tal controversia, que más tarde la ahogó en el Sena. El único crítico que entendió su lenguaje expresivo radical y profético fue Guillaume Apollinaire.
Al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Baranov-Rossiné se mudó a Noruega, donde permaneció hasta 1917, seguido de su traslado a Rusia. Entre 1917 y 1925, su producción fue prolifera. Organizó exposiciones con las personalidades más importantes de su época, como Marc Chagall, Nathan Altman, Yurii Annenkov y otros portadores y propagadores de la vanguardia soviética.
Comenzó a enseñar arte en San Petersburgo y, al mismo tiempo, inventó un "color clavier" y presentó conciertos "optophonic" en los teatros de Moscú, en los que, mientras se tocaban las teclas del piano, la música se "traducía". "por discos de colores proyectados en una pantalla.
En 1925, Baranov-Rossiné continuó pintando de manera más surrealista, además de producir algunas esculturas y experimentar con materiales, colores y sonidos. Exponía regularmente en los Salones parisinos.
Sus obras se pueden encontrar en muchas colecciones públicas, incluidas las del Museo Ruso de San Petersburgo, la Galería Tretiakov en Moscú, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1943 fue arrestado en Francia por la Gestapo y deportado. Murió en el campo de concentración de Auschwitz.
jueves, 15 de marzo de 2018
Ernesto de la Cárcova
Nació en Buenos Aires, en 1866. Inició en 1882 su formación artística con el pintor piamontés Francesco Romero en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes. Entre 1885 y 1893, continuó sus estudios en Italia, primero en Turín y luego en Roma, donde comenzó a pintar la obra
Sin pan y sin trabajo, expuesta a su regreso a Buenos Aires en el Segundo Salón del Ateneo, de 1894. Adquirida por el Museo Nacional de Bellas Artes en 1900, la pintura se exhibió en múltiples oportunidades y ha sido reapropiada en las últimas décadas como imagen emblemática de luchas sociales. Además de su labor como pintor, De la Cárcova se destacó como medallista.
Dedicó buena parte de su vida a una intensa tarea institucional y educativa. Fue docente y primer director de la Academia Nacional de Bellas Artes (1905-1908), director del Patronato de Becados Argentinos en Europa (1909-1916) y director-fundador de la Escuela Superior de Bellas Artes (1921-1927). Se desempeñó como inspector nacional de la enseñanza del dibujo, jurado en concursos de adjudicación de cargos docentes y proyectos de monumentos, y profesor universitario de dibujo para ingenieros y arquitectos. Además, fue uno de los tempranos miembros del Partido Socialista y Legislador por la Ciudad de Buenos Aires en la Comisión de Obras Públicas.
Ernesto de la Cárcova falleció en Buenos Aires el 28 de diciembre de 1927, a los 61 años. La comunidad artística le dedicó grandes homenajes, testimonios del inmenso afecto que recibió de colegas y estudiantes a lo largo de su carrera.
Museo Nacional de Bellas Artes
miércoles, 14 de marzo de 2018
Simon Kozhin
Nació en 1979 en Moscú. Estudiante del Liceo de Arte Académico de Moscú adscrito a la Academia Rusa de las Artes, Moscú. En el curso de los estudios, solía practicar pintura al aire libre junto con sus compañeros de clase del Liceo viajando por toda Rusia. Despues estudió en la Academia de Pintura, Escultura y Arquitectura de Ilya Glazunov, Moscú.
En 2000 visitó Alushta, donde pintó vistas de Crimea.
Su primer viaje al norte de Rusia, el área de Vologda: Vologda, Veliky Ustyug, los monasterios Ferapontov y Kirillo-Belozersky y Pinega llegaron más tarde ese año. En julio visitó Gran Bretaña. Pintó en Haddenham, Inglaterra. Durante
ese viaje, visitó museos de Londres y Oxford, pintó al aire libre algunas vistas. Más tarde ese año tuvo su primera exposición individual en Haddenham.
Después de un nuevo viaje a Gran Bretaña el artista, encantado por la maestría de acuarelistas británicos, pinta una serie de acuarelas.
Pinta paisajes, retratos y bodegones. También posee un excelente conocimiento del óleo, la témpera y la acuarela. Pinta paisajes mientras viaja por el mundo, por lo que hay una serie de obras de Inglaterra, Irlanda, Malta , Turquía, Suiza y otros. También pintó una serie de obras dedicadas a la guerra de Rusia con Napoleón en 1812.
lunes, 12 de marzo de 2018
Chris Mars
El artista Chris Mars nació en Minneapolis, Minnesota, en 1961, donde todavía vive y trabaja hoy en día. Sus obras se encuentran en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Instituto de Artes de Minneapolis, el Museo de Arte Erie (PA), The Tweed (Duluth, MN), el Museo de Bellas Artes The Longview (TX) y el Centro de Historia de Minnesota. Ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo The Mesa (AZ), en el Museo de Arte Visionario Americano (Baltimore), el Museo de Arte Laguna (CA), el Museo de Arte Steensland (Northfield, MN), el Museo de Arte Fredrick Weisman (Minneapolis, MN) y Art Center South Florida, entre otros. Sus próximas exposiciones incluyen Billy Shire Fine Arts (LA, CA) y The Phipps Center for the Arts (Hudson, WI). Su primera monografía, TOLERANCE, fue publicada a finales de 2008 por Billy Shire Fine Art Press. Además de su pintura, Mars se esfuerza en cine y animación. Un músico consumado, Mars también lanzó cuatro álbumes solistas (en Polygram y Bar None) después de su mandato como baterista en The Replacements, una banda que ayudó a fundar en 1979 con Bob Stinson, Tommy Stinson y Paul Westerberg.
miércoles, 7 de marzo de 2018
Gabriel Neale
Gabriel Neale es un artista británico nacido en 1978. Y este es todo el detalle biográfico que puedo encontrar. Pero puedes ver su trabajo, que ha evolucionado dramáticamente durante los últimos siete años más o menos. Comenzó como una obra gráfica que ilustra las sombrías interpretaciones de la existencia cotidiana en la Inglaterra moderna, con figuras estilizadas que hacen eco del trabajo de Egon Schiele. Desde entonces, ha transformado su obra
en un espectáculo de hiper-horror del cuerpo humano en el que el sexo, el nacimiento y la muerte se equiparan como un desfile grotesco de transformación corporal. Su trabajo no es para los aprensivos. Su obra tiene un cierto grado de diversión que atrae al espectador incluso cuando el tema repele.
martes, 6 de marzo de 2018
he Jiaying
Nacido en 1957 en Tianjin, es originario de Renqiu, provincia de Hebei. Es miembro de la Conferencia Consultiva Política del Pueblo Chino, vicepresidente de la Asociación de Artistas Chinos y rector del Instituto de Pintura de Tianjin. Ha cosechado un gran número de premios y su nombre es muy cotizado en las subastas internacionales.
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Su interés en la pintura comenzó desde muy joven. En 1974, trabajó en el Creative Workship of Tianjin Cultural Bureau como artista y aprovechó la oportunidad para estudiar. Fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Tianjin en 1977. Después de su graduación en 1980, se quedó como profesor allí hasta ahora.
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La obra pictórica de Jiaying es un puente entre las técnicas más contemporáneas y el respeto que el artista le tiene a las estéticas más tradicionales, revolucionando el arte actual sin renunciar a los orígenes o a la historia milenaria del pueblo chino.
Genuino representante del creciente movimiento contemporáneo chino en las artes plásticas, está muy interesado en la revalorización de la pintura tradicional y en la enseñanza de la misma a las nuevas generaciones.
viernes, 2 de marzo de 2018
Andrey Remnev
Fuertemente inspiradas en los movimientos artísticos rusos de los siglos XV, XVII y XVIII, así como en la pintura de íconos medievales, las pinturas de Andrey Remnev son interpretaciones ostentosas y extrañamente hipnóticas.
Nació y creció en Yachroma, cerca de Moscú, en 1962. Siempre se ha sentido atraído por la naturaleza, las personas, las ciudades y los paisajes. A pesar de hacer referencia a la pintura medieval, las obras de Andrey tienen un toque sutil y contemporáneo a través de los elementos más surrealistas que incluye. Muchas de sus pinturas se centran en las mujeres, elegantemente vestidas, pero con miradas sabias que añaden misterio y poder a sus figuras delicadamente pintadas.
Andrey lleva sus influencias aún más al emular viejas recetas renacentistas usando sus propios colores hechos a mano con pigmentos naturales mezclados con yema de huevo. El resultado da una riqueza y una profundidad embriagadora a sus obras.
jueves, 1 de marzo de 2018
Alan Davie
James Alan Davie, artista, nacido el 28 de septiembre de 1920; murió el 5 de abril de 2014
Nacido en Grangemouth, Escocia, hijo de un pintor y grabador, Davie empezó a dibujar y pintar desde una edad temprana así que a los 17 años ingresó en el Edinburgh College de Arte y en 1941 acabó sus estudios premiado con una beca de viaje. Igualmente talentoso en música, tocó el piano a un alto nivel, y después de ver al jazzista estadounidense Coleman Hawkins empezó a tocar el saxofón en una tienda de discos de Edimburgo.
Davie utilizó la beca que le habían otorgado antes de la guerra, y la pareja se embarcó en un viaje por aquella Europa devastada por la guerra, llegando a Venecia a tiempo para la Bienal de 1948, la primera desde la guerra. Había exposiciones de
Picasso y Paul Klee y por primera vez vio el trabajo de Pollock, Rothko y de Kooning y empezó a pintar de nuevo, trabajando en grandes rollos de papel en el piso de habitaciones de hoteles baratos.
Conoció casualmente a la coleccionista Peggy Guggenheim, quien compró dos de sus pinturas y lanzó su carrera profesional.
Por recomendación de Guggenheim, Davie fue contratado por la principal galería londinense, Gimpel Fils. Pero no vendió ni una sola pintura durante sus primeros siete años en la galería.
Cuando Alan Davie visitó Nueva York por primera vez en 1956, los principales artistas de la ciudad (Pollock, Rothko y otros) se reunieron con él. En su primera exposición en Nueva York , toda su pintura se vendía, principalmente a las principales instituciones. Pero al volver a Gran Bretaña con una beca de la Universidad de Leeds, Davie volvió a enfrentarse a la incomprensión.
Inicialmente, Davie se ganaba la vida diseñando joyas y tocando el saxofón. También dio clases, primero a niños durante un tiempo en Edimburgo, luego en la Escuela Central de Arte en Londres en la década de 1950.
En la década de 1970 a menudo presentaba conciertos para acompañar sus exposiciones. En 1979 viajó a Australia y expuso en Sydney.
Durante la década de 1990 fue objeto de muchas retrospectivas,
entre ellas una exposición en 2000 en la Galería Nacional de Arte
Moderno de Escocia y una muestra realizada el año siguiente en el Museo
Cobra de Arte Moderno en los Países Bajos. Más recientemente, en 2003-2004, el Tate St. Ives, Cornwall, organizó una retrospectiva de su trabajo. El artista murió el 5 de abril de 2014.
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