Néstor Martín-Fernández de la Torre

Néstor Martín Fernández de la Torre, nació en Las Palmas de Gran Canaria el 26 de febrero 1887, ciudad donde moriría el día 6 del mismo mes en el año 1938.

  En 1899, recibirá clases del pintor catalán Eliseo Meifrén que le orientará en sus primeros pasos en el arte. Viaja a Madrid a los 15 años para continuar estudios, siendo allí discípulo de Rafael Hidalgo de Caviedes, para seguir luego camino a Barcelona, París, Bruselas, Gante, Brujas y Londres, ciudad donde toma contacto con el prerrafaelismo.
En Barcelona expone en 1908, en el Círculo Ecuestre, destacando los retratos de Dama austriaca y el de su hermano, influenciado por los grandes retratistas ingleses. En 1909 presenta, en el salón Parés de la ciudad condal, cuatro plafones decorativos destinados al salón de Fiestas de El Tibidabo, inspirados en los poemas verdaguerianos L'Atlántida y Canigó.  En 1910 representa a España en la Exposition Universelle et Internationale, de Bruselas.
De nuevo en Londres, realiza grabados al aguafuerte, recibiendo el primer premio de la Escuela Municipal de esta ciudad en 1911, y prepara obras para ser exhibidas en dicha capital, en París y en Madrid. Los aguafuertes representan a menudo cuerpos retorcidos cubiertos de calados mantones, etc. En 1915 tiene lugar en Madrid el estreno de "El Amor Brujo" de Falla, con los decorados creados por el artista canario.
En 1920 traslada su estudio de Barcelona a Madrid, donde tendrá contacto con algunos miembros de la Residencia de Estudiantes; viajará por África y por toda España recogiendo estudios sobre tipos y costumbres; en 1929 un nuevo traslado le lleva a París, donde permanece hasta 1933, regresando definitivamente a Gran Canaria al año siguiente.

Gran colorista y decorador, es pintor principalmente de composiciones y retratos con fondos de gran fantasía, en los que intervienen telas y arquitecturas acabadísimas. Sus últimos años están llenos de plena dedicación a Canarias, creando los murales para el Casino de Tenerife o la decoración del Teatro Pérez Galdós de Las Palmas, donde hoy existe el Museo Néstor, inaugurado en 1956.

Eduardo Chicharro y Agüera

(Madrid, 1873-1949). Pintor español que cultivó el paisaje, el retrato y los temas de género. Su obra se caracteriza por un gran sentido decorativo, un suntuoso colorido, un minucioso dibujo y una evolución desde un costumbrismo casi escenográfico hasta un espléndido simbolismo. Director de la Academia de España en Roma, fundador de la Asociación de Pintores y Escultores, miembro de la Real e Insigne Academia de San Lucas de esa ciudad, profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, inspector general de Escuelas de Artes y Oficios y director general de Bellas Artes. Se formó en la Escuela de San Fernando, donde fue alumno de Carlos de Haes, Alejo Vera, Luis de Madrazo, Jaime Morera y José Moreno Carbonero, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla. Amplió sus estudios como pensionado en Roma y viajó a Francia y Holanda. Remitió sus obras a numerosas exposiciones nacionales y extranjeras, obtuvo segunda y primera medalla en la Nacional de 1899 y 1904 por los lienzos titulados Las uveras y Armida, respectivamente, así como medalla de honor en la edición de 1922. Fue galardonado con el primer premio en las Exposiciones Internacionales de Lieja, Múnich y Barcelona de 1908.

Museo del Prado

SILVIA RIVAS

Nació el 23/04/1957. Artista plástica. Profesora Nacional de Dibujo y Escultura de la Escuela

Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Asistió a los talleres de Kenneth Kemble y Víctor Grippo (PK). Expone en forma individual desde 1988 y participa de muestras colectivas en el país y en el exterior. En 1998 exhibió su obra en el MNBA y, en 2000, presentó su trabajo Notas sobre el tiempo en el CC Recoleta. Luego, expuso Todo lo de afuera (2004) en el MAMBA. Recibió la beca Guggenheim (2001) y también fue becada por el Wexner Center for the Arts de Ohio (EE.UU.).

 Expone esa video-instalación en Espacio Fundación Telefónica (2005). En 2003 participó en la Bienal de La Habana y, en 2001 y 2005, en la Bienal del Mercosur. Fue galardonada con el Tercer Premio del Salón Nacional Nuevos Medios e Instalaciones (2003), con el Segundo Premio del Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones (2006) y con el Premio Faena por el Proyecto Colectivo Argentina es afuera (2006).

DIEGO DE GIRALDEZ

A Cañiza, Pontevedra, 08/03/1957
Inconfundible la obra de este pintor, hiperrealista y sin embargo con frecuencia onírico. Hijo de un marino, vive su infancia en la villa natal, en un ámbito casi campesino. A los 8 años su familia se traslada a Vigo y se instala en la calle Real, de peculiar arquitectura decimonónica, entre la Colegiata neoclásica y el barrio marinero del Berbés. Diego queda huérfano de padre un año más tarde, y ya se interesa por el dibujo y la pintura. 

Su madre alienta esta vocación y lo lleva a Madrid para que conozca el Museo del Prado nuevamente, puesto que ya lo había visitado cuando vivía su progenitor. El niño devora libros de medicina, especialmente de anatomía. Y trabaja con pasteles, deseando dominar la técnica, que llega a ser en él pasión casi enfermiza. Su primera exposición la realiza en Vigo, en 1975, con éxito sorprendente. Salta a Cataluña y allí se confirma su acogida. Repite incansablemente exposiciones en toda España, hasta el punto de que no debe quedar ciudad o villa importante donde no haya mostrado su obra. Viaja por Europa y pasa larguísimas jornadas en los museos. Llega a conocer a fondo a Velázquez, Zurbarán, Goya. Su obra es seleccionada para la muestra colectiva denominada «Maestros del realismo español de la vanguardia». Expone en el extranjero, sorprendiendo siempre la peculiar actitud plástica que adopta, con verismo impresionante en sus representaciones, en las que, sin embargo, hay una fantasía evidente y un inquietante misterio implícito. De Suiza a Portugal su obra gana prestigio.

La elogia el gran crítico, prematuramente muerto, Santiago Amón. La adquieren museos de España y del extranjero. En cierto modo, es único, irrepetible, su peculiar modo de utilizar el pastel mezclado con el óleo en barra. Giráldez es un realista diferente. Cuando representa un objeto, cualquier cachivache doméstico -un vaso, un huevo- su representación, como acontecía con Zurbarán, lo separa del mundo común para mayusculizarlo y ser únicamente él, El Huevo, El Vaso, el Excelentísimo Señor Huevo humilde y magnificado. Sus cuadros religiosos representan un mundo diferente, táctil, obsesionante. Su gallos muertos parecen vivir en una imaginaria taxidermia. La deliberada desproporción entre los objetos representados nos conduce a un surrealismo también peculiar. Desde la máxima exactitud referencial, la pintura de Diego de Giráldez es inquietante, capaz de conmover al espíritu menos sensible.

afundación

Yves Klein

Francia, 1928–1962

En su breve carrera artística de siete años, interrumpida por su prematura muerte en 1962, Yves Klein creó un conjunto de obras heterogéneo y complejo desde el punto de vista crítico que anticipó gran parte del arte de las décadas posteriores, desde el Arte Conceptual al arte de la performance. Aunque Klein comenzó a crear lienzos monocromos a mediados de los cincuenta, abandonó la especificidad de lo pictórico para concebir el arte como algo independiente de cualquier medio o técnica particulares.

 Klein, artista posmoderno que se adelantó a su tiempo, proyectó el arte en lo invisible, compuso la Sinfonía Monótona Silencio (Symphonie Monoton Silence), imaginó una "arquitectura del aire", presentó sus actividades en público, se pasó a la fotografía, y encargó "una documentación" destinada a registrar sus obras más efímeras. Su programa dejaba en un segundo plano la técnica particular del artista y se centraba más en la capacidad de este para fomentar un mito generador de obras de todo tipo: "Un pintor ha de pintar una sola obra maestra: su propia persona, constantemente, y convertirse en una especie de pila atómica, una especie de generador de radiación constante que impregna la atmósfera con toda su presencia pictórica, que se fija en el espacio tras su paso"

Preocupado por romper con toda forma de expresionismo, Klein "rechazó el pincel" prácticamente desde los inicios de su carrera porque era un instrumento que él consideraba "excesivamente psicológico" y empleaba rodillos, que eran "más anónimos" y le permitían "generar una ‘distancia' entre [él mismo] y [sus] lienzos"[2]. Entre 1958 y 1960 perfeccionó una técnica que le permitió ahondar en esta idea: utilizaba modelos desnudos a modo de "pinceles vivos" (pinceaux vivants) que creaban marcas y huellas bajo su dirección. Las Antropometrías (Anthropométries), como las bautizó el crítico Pierre Restany, amigo de Klein, mantenían la separación insistente de Klein entre la obra y su propio cuerpo y también le permitían revivir el desnudo sin recurrir a los medios tradicionales de representación. Klein presentó una demostración de la técnica en la Galerie Internationale d'Art Contemporain de París el 9 de marzo de 1960, a la que asistieron unos cien invitados.

Mientras los músicos interpretaban la Sinfonía Monótona Silencio, el artista vestido de esmoquin dirigía las acciones de tres modelos desnudas que esparcían la pintura sobre sus torsos y muslos y presionaban o arrastraban sus cuerpos sobre hojas de papel blanco. Además de un "monocromo corpóreo", las pinturas resultantes incluían huellas estáticas simples y rastros dinámicos de los cuerpos en movimiento.

Fuentes:
Denys Riout, "Yves Klein", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao y TF Editores, Madrid, 2009.
Nancy Spector, "Yves Klein", en Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.

SERVANDO CABRERA MORENO

SERVANDO CABRERA MORENO (La Habana, 1923-1981)

Graduado de pintura en la Escuela San Alejandro en 1942, realiza su primera muestra personal en el Lyceum de La Habana en septiembre de 1943. En 1946 viaja por Estados Unidos y toma un curso en el Art Students League de Nueva York.

En 1949 viaja a Europa, recorre museos y asiste a la Grande Chaumiére de París. Se produce entonces su primera ruptura, con óleos de 1950 y 1951, en los que una estilización geometrizante de filiación cubista lo aproxima a la abstracción. Después, la influencia de Miró y Klee, principalmente, domina su breve pero intensa experiencia abstracta (1951-1954), cuyos resultados expone en muestras personales en España y Francia. El rechazo de los mecanismos del mercado de arte, que conoció en su exitosa exposición parisina en la galería La Roue en enero de 1954, provoca un vuelco súbito en su pintura. En España realiza una serie de dibujos realistas al carbón con personajes de pueblo, que continúa ese mismo año en Cuba y culmina en el óleo Los carboneros del Mégano.

De nuevo viaja por Europa y visita por primera vez México y América Central. El arte popular influye en la configuración de su nuevo estilo, en el que se integran elementos de la ornamentación arquitectónica colonial y hallazgos de la pintura moderna: Matisse, Léger y el Picasso cubista. Al triunfo de la Revolución, Servando incorpora a su pintura los temas emanados de la historia reciente de Cuba, pero su estilo se adecua plenamente a la nueva realidad en 1961. Afinales de ese año expone en el Palacio de Bellas Artes de La Habana obras del primer momento de su gran ciclo de pintura épica, que culmina con la serie “héroes, jinetes y parejas” mostrada en la Galería de La Habana en 1964. En 1965 viaja de nuevo a Europa e inicia un período expresionista que hacia 1970 cede el paso a un gran ciclo de pintura erótica. Recibe numerosas distinciones, entre las que sobresale la Primera Mención en el VIII Premio Internacional de Dibujo Joan Miró, Barcelona, España, en 1969.

Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba

Agustí Penadés

Valencia, 1935
Artista polifacético, Agustí Penadés encuentra en la escultura y la pintura las dos vías de transformación de la materia, que se ve afrontada a las necesidades básicas y vivenciales del universo creativo del artista. Incorporándola, arrastrándola, manipulándola a través del propio gesto y del espacio que él mismo ocupa, le confiere forma en todos los sentidos posibles y da como resultado una topografía informalista y conceptual de los pasajes de su mente. Una obra pura y visceral que recupera el sentido universal del contacto entre el ser humano y la tierra más primaria, donde la pintura, el hierro, el carbón y la madera, entre otros, son los aliados lingüísticos del gran mensaje cognitivo del artista hacia el mundo.

Carl Blechen

Cottbus, 1798 – Berlín 1840

Blechen dejó un trabajo en un banco para convertirse en artista en 1820, ingresando a la Academia en Berlín para estudiar paisaje. A fines de 1828 partió para Italia, donde pasó nueve meses con la comunidad de artistas alemanes en Roma y pintó bocetos al óleo de paisajes vívidos y libres.

En el verano de 1829, Blechen viajó a Nápoles, donde trabajó asiduamente hasta septiembre, cuando se agotó su dinero, lo que lo obligó a regresar a casa. De vuelta en Berlín, enseñó en la Academia y continuó pintando, pero su obra no se vendía. En los últimos años, sin embargo,  fue reconocido como uno de los principales artistas alemanes de su generación.

Ramon Zuriarrain

Pintor guipuzcoano, nacido en San Sebastián el 26 de octubre de 1948.

En 1966 comienza su formación en el Círculo de Bellas Artes de Madrid; dos años más tarde marcha a París. De vuelta en Donostia en 1970, expone con Marta Cárdenas, Vicente Ameztoy y Carlos Sanz. Al año siguiente toma parte en la exhibición “Arte Español Contemporáneo” en París. Presenta su primera muestra individual en la galería donostiarra El Pez en 1973, obteniendo el mismo año uno de los galardones en el VI Gran Premio de Pintura Vasca. En la década de los 70 expone en las capitales vascas, tomando parte asimismo en semanas culturales de lugares como Tolosa, Barakaldo o Barcelona (Art Basc76). La de los 80 en que se presenta en Valencia, Cuenca, Zaragoza y Madrid (“Artistas Vascos entre el realismo y la figuración” 1982) -en la de las muestras en Europa (Wiesbaden, Bruselas, París, Helsinki,…)- en Bilbao participa en “La Trama del Arte Vasco”. Tras una estancia en Finlandia, en 1990 expone en Madrid, en Galería 16 de Donostia y en 1991 en Arteleku, donde dirigirá un taller de pintura. En los años 80 asimismo desarrolla la acuarela, una de las modalidades que le son características. Como grabador, ha estampado aguafuertes con el grupo Quince de Madrid. En 1994 presenta en San Telmo sus pinturas y dibujos de los últimos años, evolución que se aleja de la figuración evolucionando hacia una pintura de puros valores cromáticos. Poseen obra suya -entre otras colecciones públicas y privadas- el Museo de Bellas Artes de Álava, Museo de Bellas Artes de Bilbao y Museo de San Telmo de Donostia.

 

Stephen Robert Koekkoek

1887, 1934´- Pintor de origen holandés nacido en inglaterra

Su padre  el paisajista Hermanus Koekkoek se había mudado a Londres para establecer una galería de arte. A menudo viajaba con él a los Países Bajos, donde trabajaba con otros miembros de la familia; especialmente su tío, Jan Koekkoek, quien influyó fuertemente en su estilo. También pasó un corto tiempo en Canadá.

En 1909, después de la muerte de su padre, se mudó a América del Sur y se fue a Bolivia, donde intentó brevemente convertirse en empresario minero.  Continuó a Valparaíso donde enseñó inglés. Finalmente, se instaló en Mendoza, Argentina, donde se casó con la hermana del pintor Roberto Azzoni. El matrimonio no duró mucho y se mudó a Buenos Aires, donde compartió un departamento con un aspirante a poeta llamado Jorge Uribe Escobar  y se ganó la reputación de excentrico.

Siempre llevaba un chaleco y un sombrero Stetson, generalmente fumaba puros y era  conocido como un gran bebedor. Cuando su amigo Uribe se suicidó, se deprimió y se convirtió en un adicto a la morfina.  Después de 1926, a menudo fue hospitalizado en instituciones psiquiátricas.  Mientras estuvo allí, obtuvo permiso para seguir pintando y muchos de sus trabajos fueron comprados por sus médicos. 

Sus obras fueron muy populares en Chile y Argentina, especialmente en Buenos Aires, donde expuso con frecuencia.  Su popularidad continúa hoy. 

Władysław Ślewiński

Władysław Ślewiński (Białynin, Mazovia, 1 de junio de 1856-París, 27 de marzo de 1918

Władysław Ślewiński fue un artista destacado del movimiento  Joven Polonia y uno de los primeros artistas polacos que viajaron a París, algo inusual ya que la mayoría de los artistas polacos de esa época  iban  a Munich. Se  convirtió en uno de los estudiantes de Gauguin y desarrolló su propio lenguaje artístico a partir del arte francés de las últimas décadas del siglo XIX:  síntesis de Paul Gauguin y el círculo del grupo de Pont Aven.

En Francia estudió en  la Académie Julian y Académie Colarossi en París; allí entró en contacto con P. Gauguin, cuyo trabajo tuvo una gran influencia en la configuración del estilo Ślewiński; siguió a Gauguin hasta Bretaña, donde estuvo asociado con la escuela de Pont-Aven.  Entre 1905-1910 se quedó en Polonia como profesor en la Escuela de Bellas Artes de Varsovia y luego regresó a Bretaña.

Pintó paisajes (principalmente marinos), bodegones y retratos.
Sus trabajos más notables incluyen: Blushes (1897 - Museo Nacional, Cracovia), Huérfanos de Poronin (alrededor de 1906 - Museo Nacional, Varsovia), Autorretrato con un sombrero bretón (alrededor de 1912).

Stanisław Wyspiański

Nació el 15 de enero de 1869 en Cracovia. Su padre, Franciszek, era un escultor  respetado, pero luchaba con los problemas financieros constantes y el alcoholismo. Su madre murió cuando su hijo tenía siete años. 

Después de graduarse de la escuela secundaria, comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Cracovia bajo la dirección de Matejko , rector y amigo de la familia. Como  estudiante distinguido fue contratado por Matejko para trabajar en la policromía de la Iglesia de Santa María.

En los años 1891-1894 viajó  por Europa, parando en París, donde asistió a la  Academie Colarossi. En Francia, se familiarizó con los logros de los clásicos franceses (visitas frecuentes al Louvre) y las tendencias actuales (impresionismo, naturalismo, simbolismo). En ese momento también comenzó sus primeros ensayos dramáticos (bocetos de "Legenda" y "Warszawianka"). Pasó más de tres años en París, y finalmente regresó a Cracovia en septiembre de 1894.

Después de regresar al país tuvo dificultades financieras enormes, pero también logró sus primeros éxitos. Se le encomendó la tarea de crear una policromía y una serie de vitrales para la iglesia de San Francis en  Cracovia.

Durante el trabajo del policromado, conoció a su futura esposa, Teofilę Pytko, una sencilla chica de pueblo que trabajaba allí como ayudante de albañiles. La familia de Wyspianski  no estaba de acuerdo con  el matrimonio  y rompió relaciones con la joven pareja.

Wyspiański constantemente  estaba sin blanca, ni siquiera tenía dinero para comprar  lápices y papel. Su pasión por los pasteles, aparte de las razones artísticas los realizaba porque era más barato comprar colores pastel que óleo.  Los burgueses de Cracovia: abogados, médicos, dentistas, especialmente sus esposas e hijas  comenzaron a encargarle retratos.

Wyspiański debutó como dramaturgo en 1898 con la puesta en escena de "Warszawianka". Animado por el éxito, publicó otro: "Legend I", "Curse", "Lelewel", "Meleager".
Sin embargo, fue la puesta en escena de "Wesele" en 1901 lo que le trajo un verdadero éxito. El artista se inspiró en el auténtico evento: la boda de Lucjan Rydel con Jadwiga Mikołajczykówna en la aldea de Bronowice, cerca de Cracovia, en la que Wyspiański fue testigo e invitado.

El estreno de "Wesele" tuvo lugar el 16 de marzo de 1901. Wyspiański  la dirigió, diseñó  y  el decorado del escenario.
Creó policromos, vidrieras, publicó otros dramas, incluyendo "Meleagro", "Liberación", "Akrópolis", "Leyenda II", "Noche de noviembre", "Retorno de Odiseo", "Skalka". Al mismo tiempo hizo retratos de chicas rurales e ilustraciones de la "Ilíada".
En 1898 se le diagnosticó sífilis.
Poco antes de su muerte se mudó con su familia a la aldea de Węgrzyce, cerca de Cracovia. 
Murió el 28 de noviembre de 1907 en  Cracovia. 

annis Tsarouchis

Yannis Tsarouchis (1910-1989) -Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Atenas  donde tuvo como profesor a Konstantinos Parthenis, quien le instruyó en el arte de vanguardia europeo y le alejó del academicismo reinante en el arte griego del momento.

Reconocido como  diseñador de vestuario y decorados.  Tsarouchis colaboró ​​en producciones teatrales con Maria Callas, Katina Paxinou, Christina Tsingou y muchas otras. En 1940, luchó en el frente albanés; durante la ocupación nazi, trabajó como conservador y decorador para mantenerse. Despues se fue a  París. 

En 1977, organizó The Trojan Women de Eurípides en un estacionamiento en el centro de Atenas, traduciendo la obra al griego moderno, supervisando la producción y diseñando todos los sets para un proyecto que personificaba su inversión en la ciudad de Atenas y su realidad. - de la vida. En 1981, Tsarouchis construyó su casa y estudio en Marousi, un suburbio del norte de Atenas, el hogar de la fundación que lleva su nombre. Documenta 14 ha iniciado las reparaciones básicas de la casa, en previsión de su renovación tan necesaria en el futuro. Los planos para la restauración completa del edificio por parte de la compañía de diseño de la empresa Tsarouchis se exhiben en la casa como parte de la documenta 14.