Nacido cerca de Baltimore, Lee Gatch comenzó su formación artística en el Instituto de Arte de Maryland, donde estudió con Leon Kroll y John Sloan; Se graduó con una beca para la American School en Fontainebleau, Francia. Insatisfecho con las clases allí, en 1924 Gatch se mudó a París, donde estudió en la Academia Moderna con Moise Kisling y André Lhote, un académico cubista. En Francia, vio las pinturas de Andre Derain, Edouard Vuillard y Pierre Bonnard, y admiraba su uso del color para crear una sensación de espacio. Al regresar a los Estados Unidos en 1925, Gatch tuvo su primera exposición en 1932 en Nueva York. Pasó el verano de 1935 en Yaddo, una colonia de artistas en Saratoga Springs, Nueva York, con la pintora Elsie Driggs, con quien luego se casó.
La pareja se mudó a Lambertville, Nueva Jersey, donde vivió el resto de su vida en una granja aislada. El paisaje del oeste de Nueva Jersey proporcionó su fuente de temas durante la mayor parte de su vida adulta; Gatch interpretó estos temas de varias maneras, concentrándose en aspectos formales y a veces expresivos. Al igual que sus contemporáneos, Avery, Dove y Knaths, Gatch se esforzó a lo largo de su carrera para mantener un estilo individual basado en la tradición representacional estadounidense, al tiempo que iba más allá de las apariencias para encontrar significado a través del diseño y el color.
A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, el trabajo de Gatch se exhibió ampliamente, incluida la representación en las Bienales de Venecia de 1950 y 1956. Sus pinturas fueron populares, y el artista recibió muchos premios de los museos estadounidenses. En 1965 recibió una beca de la Academia Americana de Artes y Letras y fue incluido en la Academia al año siguiente. Continuó trabajando constantemente hasta su muerte en 1968.
Jean Puy ( 1876–1960) Artista fauvista francés. Estudió arquitectura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon y pintura con Jean Paul Laurens en la Academia Julian. Despues fue a la Academia Carriere donde conoció a Henri Matisse, André Derain y otros artistas. Expuso en el Salón de los independientes y en el salon de otoño de 1905.
Su paleta es de color intenso basada en su interpretación emocional del mundo no basada en la realidad.
Sus pinturas se encuentran en colecciones permanentes como el Art Institute de Chicago, Hermitage Museum de St. Petersburg, Musée d'Orsay en Paris, y en Courtauld Institute of Art en Londres, entre otros
Nació en Bourg-en-Bresse en 1876, se suicidó en París en 1929."sacrifiqué todo por el arte, él me mata", dejó escrito. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon y fue alumno de Jean-Baptiste Poncet y de Leon Bonnat en París. Ganó el premio Abd-el-Tif en 1909. Trabajó varios años en Argelia.
Sus pinturas se exhiben en museos de Argel y en el Centro Pompidou.
Luis Centurión, nacido en Concepción del Uruguay en 1922 y muerto en 1985.
El autodidactismo de Centurión, al revés de lo que sucede muchas veces –cuando el artista recorre a través de su propia obra una suerte de historia implícita de la pintura, desde los clásicos hasta el presente (el presente de la acción de pintar)–, lo coloca en el lugar de la contemporaneidad, gracias a su gran sabiduría pictórica. El trabajo de Centurión puede pensarse en sintonía con ciertas corrientes modernas de la figuración, una vez superada la falsa dicotomía entre figurativos y abstractos. Centurión comenzó a exponer su obra –individual y colectivamente– a mediados de la década del cuarenta. Fue invitado a la cuarta Bienal de San Pablo y a la primera Bienal de México. En 1960 viajó a Europa y se radicó en París hasta 1966. Poseen obra suya el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y coleccionistas de Argentina, América latina, EE.UU. y Europa.
Nacióen a Coruña en 1889. Tras abandonar sus estudios, comenzó a trabajar en una imprenta como
aprendiz de fotograbado. Comenzó a pintar como autodidacta y
posteriormente ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de A Coruña, en
la que obtuvo grandes calificaciones y premios.
En 1908, recibió
subvenciones del Ayuntamiento y la Diputación Provincial de A Coruña
para ampliar sus estudios en Madrid, donde ingresó en la Escuela
Especial de Pintura, Escultura y Grabado y en la Academia del Círculo de
Bellas Artes. Durante 1913 y 1914 estudió en Roma gracias a una
subvención de la Academia de Bellas Artes de A Coruña y, tras la
celebración de numerosas exposiciones por toda España, la Diputación de A
Coruña le concedió una beca para estudiar durante tres meses en Italia,
Suiza y Francia.
En 1943 fue premiado con la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de
Bellas Artes. Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes Nuestra
Señora del Rosario, de la Real Academia Gallega, representante en
Galicia de la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid y socio de
honor de la Casa de Galicia de Barcelona y Bilbao. Falleció en 1957
Seria, profunda, razonada y emocionante, en su deliberada sobriedad, la
pintura de este irreductible vanguardista, excelente conocedor del
oficio, que goza investigando materiales, combinándolos.
Se formó en
la Escuela de Artes Aplicadas Massana de Barcelona, en la que se tituló
en 1986, para especializarse después en vidriera y serigrafía, y en
técnicas murales en la Escola Llotça de la ciudad condal.
Comenzó a
exponer, individual y colectivamente, en Barcelona, en 1986, y lo ha
hecho después en casi todas las ciudades catalanas y gallegas, así como
en Ibiza, Lorient, Francia, Portugal, y reiteradamente en México.
Fue
becado por la Diputación de Pontevedra tres años consecutivos, a partir
de 1985; recibió ayuda económica de la Xunta de Galicia en 1992 y fue
seleccionado para las becas Banesto, en Madrid. Está representado en las
colecciones institucionales de la Xunta de Galicia, de Castilla-León y
en otras destacadas de Galicia. En la obra de Olmedo se impone la
geometría. Desde ella razona para sus composiciones, en las que el
cromatismo es contrastante, con el negro como color principal. Sus
polígonos, curvas, espirales, se inscriben en fondos muy trabajados,
arenosos. A veces se insinúa un paisaje ideal, indeterminable, o bien
sugiere el "collage", siempre desde el informalismo razonado. Sus
morfologías resultan sugerentes, ricas, con elementos que recuerdan el
vitral o el grabado. Se basa en una composición muy equilibrada, de
manera que el resultado es sereno y dinámico a un tiempo, con primor en
la mancha como despreocupada y, sin embargo, tan medida, tan trabajada.
Polígonos que semejan poliedros danzan en espacios geométricos
distorsionados. También es puramente abstractivo, informalista, para que
la obra sea libre expresión cromática con veladuras, churretones,
líneas temblorosas, cual víscera en estudio micropatológico.
Néstor Martín Fernández de la
Torre, nació en Las Palmas de
Gran Canaria el 26 de febrero
1887, ciudad donde moriría el
día 6 del mismo mes en el año
1938.
En 1899,
recibirá clases del pintor
catalán Eliseo Meifrén que le orientará en
sus primeros pasos en el
arte. Viaja a Madrid a los 15
años para continuar estudios,
siendo allí discípulo de
Rafael Hidalgo de Caviedes,
para seguir luego camino a
Barcelona, París, Bruselas,
Gante, Brujas y Londres,
ciudad donde toma contacto
con el prerrafaelismo.
En Barcelona expone en 1908,
en el Círculo Ecuestre,
destacando los retratos de
Dama austriaca y el de su
hermano, influenciado por los
grandes retratistas ingleses.
En 1909 presenta, en el salón
Parés de la ciudad condal,
cuatro plafones decorativos
destinados al salón de
Fiestas de El Tibidabo,
inspirados en los poemas
verdaguerianos L'Atlántida y
Canigó. En 1910 representa a España en la
Exposition Universelle et
Internationale, de Bruselas.
De nuevo en Londres, realiza
grabados al aguafuerte,
recibiendo el primer premio
de la Escuela Municipal de
esta ciudad en 1911, y
prepara obras para ser
exhibidas en dicha capital,
en París y en Madrid. Los
aguafuertes representan a
menudo cuerpos retorcidos
cubiertos de calados
mantones, etc. En 1915 tiene
lugar en Madrid el estreno de
"El Amor Brujo" de Falla, con
los decorados creados por el
artista canario.
En 1920 traslada su estudio
de Barcelona a Madrid, donde
tendrá contacto con algunos
miembros de la Residencia de
Estudiantes; viajará por
África y por toda España
recogiendo estudios sobre
tipos y costumbres; en 1929
un nuevo traslado le lleva a
París, donde permanece hasta
1933, regresando
definitivamente a Gran
Canaria al año siguiente.
Gran colorista y decorador,
es pintor principalmente de
composiciones y retratos con
fondos de gran fantasía, en
los que intervienen telas y
arquitecturas acabadísimas.
Sus últimos años están llenos
de plena dedicación a
Canarias, creando los murales
para el Casino de Tenerife o
la decoración del Teatro
Pérez Galdós de Las Palmas,
donde hoy existe el Museo
Néstor, inaugurado en 1956.
(Madrid, 1873-1949). Pintor español que cultivó el paisaje, el retrato y los temas de género. Su obra se caracteriza por un gran sentido decorativo, un suntuoso colorido, un minucioso dibujo y una evolución desde un costumbrismo casi escenográfico hasta un espléndido simbolismo. Director de la Academia de España en Roma, fundador de la Asociación de Pintores y Escultores, miembro de la Real e Insigne Academia de San Lucas de esa ciudad, profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, inspector general de Escuelas de Artes y Oficios y director general de Bellas Artes. Se formó en la Escuela de San Fernando, donde fue alumno de Carlos de Haes, Alejo Vera, Luis de Madrazo, Jaime Morera y José Moreno Carbonero, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla. Amplió sus estudios como pensionado en Roma y viajó a Francia y Holanda. Remitió sus obras a numerosas exposiciones nacionales y extranjeras, obtuvo segunda y primera medalla en la Nacional de 1899 y 1904 por los lienzos titulados Las uveras y Armida, respectivamente, así como medalla de honor en la edición de 1922. Fue galardonado con el primer premio en las Exposiciones Internacionales de Lieja, Múnich y Barcelona de 1908. Museo del Prado
Nació el 23/04/1957. Artista plástica. Profesora Nacional de Dibujo y
Escultura de la Escuela
Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón.
Asistió a los talleres de Kenneth Kemble y Víctor Grippo (PK).
Expone en forma individual desde 1988 y participa de muestras
colectivas en el país y en el exterior. En 1998 exhibió su obra en el
MNBA y, en 2000, presentó su trabajo Notas sobre el tiempo en el CC Recoleta. Luego, expuso Todo lo de afuera
(2004) en el MAMBA. Recibió la beca Guggenheim (2001) y también fue
becada por el Wexner Center for the Arts de Ohio (EE.UU.).
Expone esa
video-instalación en Espacio Fundación Telefónica (2005). En 2003
participó en la Bienal de La Habana y, en 2001 y 2005, en la Bienal del
Mercosur. Fue galardonada con el Tercer Premio del Salón Nacional Nuevos
Medios e Instalaciones (2003), con el Segundo Premio del Salón Nacional
de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones (2006) y con el
Premio Faena por el Proyecto Colectivo Argentina es afuera (2006).
A Cañiza, Pontevedra, 08/03/1957 Inconfundible la obra de este pintor, hiperrealista y sin embargo con frecuencia onírico. Hijo de un marino, vive su infancia en la villa natal, en un ámbito casi campesino. A los 8 años su familia se traslada a Vigo y se instala en la calle Real, de peculiar arquitectura decimonónica, entre la Colegiata neoclásica y el barrio marinero del Berbés. Diego queda huérfano de padre un año más tarde, y ya se interesa por el dibujo y la pintura.
Su madre alienta esta vocación y lo lleva a Madrid para que conozca el Museo del Prado nuevamente, puesto que ya lo había visitado cuando vivía su progenitor. El niño devora libros de medicina, especialmente de anatomía. Y trabaja con pasteles, deseando dominar la técnica, que llega a ser en él pasión casi enfermiza. Su primera exposición la realiza en Vigo, en 1975, con éxito sorprendente. Salta a Cataluña y allí se confirma su acogida. Repite incansablemente exposiciones en toda España, hasta el punto de que no debe quedar ciudad o villa importante donde no haya mostrado su obra. Viaja por Europa y pasa larguísimas jornadas en los museos. Llega a conocer a fondo a Velázquez, Zurbarán, Goya. Su obra es seleccionada para la muestra colectiva denominada «Maestros del realismo español de la vanguardia». Expone en el extranjero, sorprendiendo siempre la peculiar actitud plástica que adopta, con verismo impresionante en sus representaciones, en las que, sin embargo, hay una fantasía evidente y un inquietante misterio implícito. De Suiza a Portugal su obra gana prestigio.
La elogia el gran crítico, prematuramente muerto, Santiago Amón. La adquieren museos de España y del extranjero. En cierto modo, es único, irrepetible, su peculiar modo de utilizar el pastel mezclado con el óleo en barra. Giráldez es un realista diferente. Cuando representa un objeto, cualquier cachivache doméstico -un vaso, un huevo- su representación, como acontecía con Zurbarán, lo separa del mundo común para mayusculizarlo y ser únicamente él, El Huevo, El Vaso, el Excelentísimo Señor Huevo humilde y magnificado. Sus cuadros religiosos representan un mundo diferente, táctil, obsesionante. Su gallos muertos parecen vivir en una imaginaria taxidermia. La deliberada desproporción entre los objetos representados nos conduce a un surrealismo también peculiar. Desde la máxima exactitud referencial, la pintura de Diego de Giráldez es inquietante, capaz de conmover al espíritu menos sensible. afundación
En su breve carrera artística de siete años, interrumpida por su prematura muerte en 1962, Yves Klein creó un conjunto de obras heterogéneo y complejo desde el punto de vista crítico que anticipó gran parte del arte de las décadas posteriores, desde el Arte Conceptual al arte de la performance. Aunque Klein comenzó a crear lienzos monocromos a mediados de los cincuenta, abandonó la especificidad de lo pictórico para concebir el arte como algo independiente de cualquier medio o técnica particulares.
Klein, artista posmoderno que se adelantó a su tiempo, proyectó el arte en lo invisible, compuso la Sinfonía Monótona Silencio (Symphonie Monoton Silence), imaginó una "arquitectura del aire", presentó sus actividades en público, se pasó a la fotografía, y encargó "una documentación" destinada a registrar sus obras más efímeras. Su programa dejaba en un segundo plano la técnica particular del artista y se centraba más en la capacidad de este para fomentar un mito generador de obras de todo tipo: "Un pintor ha de pintar una sola obra maestra: su propia persona, constantemente, y convertirse en una especie de pila atómica, una especie de generador de radiación constante que impregna la atmósfera con toda su presencia pictórica, que se fija en el espacio tras su paso"
Preocupado por romper con toda forma de expresionismo, Klein "rechazó el pincel" prácticamente desde los inicios de su carrera porque era un instrumento que él consideraba "excesivamente psicológico" y empleaba rodillos, que eran "más anónimos" y le permitían "generar una ‘distancia' entre [él mismo] y [sus] lienzos"[2]. Entre 1958 y 1960 perfeccionó una técnica que le permitió ahondar en esta idea: utilizaba modelos desnudos a modo de "pinceles vivos" (pinceaux vivants) que creaban marcas y huellas bajo su dirección. Las Antropometrías (Anthropométries), como las bautizó el crítico Pierre Restany, amigo de Klein, mantenían la separación insistente de Klein entre la obra y su propio cuerpo y también le permitían revivir el desnudo sin recurrir a los medios tradicionales de representación. Klein presentó una demostración de la técnica en la Galerie Internationale d'Art Contemporain de París el 9 de marzo de 1960, a la que asistieron unos cien invitados.
Mientras los músicos interpretaban la Sinfonía Monótona Silencio, el artista vestido de esmoquin dirigía las acciones de tres modelos desnudas que esparcían la pintura sobre sus torsos y muslos y presionaban o arrastraban sus cuerpos sobre hojas de papel blanco. Además de un "monocromo corpóreo", las pinturas resultantes incluían huellas estáticas simples y rastros dinámicos de los cuerpos en movimiento.
Fuentes: Denys Riout, "Yves Klein", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao y TF Editores, Madrid, 2009. Nancy Spector, "Yves Klein", en Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.
Graduado de pintura en la Escuela San Alejandro en 1942, realiza su primera muestra personal en el Lyceum de La Habana en septiembre de 1943. En 1946 viaja por Estados Unidos y toma un curso en el Art Students League de Nueva York.
En 1949 viaja a Europa, recorre museos y asiste a la Grande Chaumiére de París. Se produce entonces su primera ruptura, con óleos de 1950 y 1951, en los que una estilización geometrizante de filiación cubista lo aproxima a la abstracción. Después, la influencia de Miró y Klee, principalmente, domina su breve pero intensa experiencia abstracta (1951-1954), cuyos resultados expone en muestras personales en España y Francia. El rechazo de los mecanismos del mercado de arte, que conoció en su exitosa exposición parisina en la galería La Roue en enero de 1954, provoca un vuelco súbito en su pintura. En España realiza una serie de dibujos realistas al carbón con personajes de pueblo, que continúa ese mismo año en Cuba y culmina en el óleo Los carboneros del Mégano.
De nuevo viaja por Europa y visita por primera vez México y América Central. El arte popular influye en la configuración de su nuevo estilo, en el que se integran elementos de la ornamentación arquitectónica colonial y hallazgos de la pintura moderna: Matisse, Léger y el Picasso cubista. Al triunfo de la Revolución, Servando incorpora a su pintura los temas emanados de la historia reciente de Cuba, pero su estilo se adecua plenamente a la nueva realidad en 1961. Afinales de ese año expone en el Palacio de Bellas Artes de La Habana obras del primer momento de su gran ciclo de pintura épica, que culmina con la serie “héroes, jinetes y parejas” mostrada en la Galería de La Habana en 1964. En 1965 viaja de nuevo a Europa e inicia un período expresionista que hacia 1970 cede el paso a un gran ciclo de pintura erótica. Recibe numerosas distinciones, entre las que sobresale la Primera Mención en el VIII Premio Internacional de Dibujo Joan Miró, Barcelona, España, en 1969. Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba
Valencia, 1935
Artista polifacético, Agustí Penadés encuentra en la escultura y la
pintura las dos vías de transformación de la materia, que se ve
afrontada a las necesidades básicas y vivenciales del universo creativo
del artista. Incorporándola, arrastrándola, manipulándola a través del
propio gesto y del espacio que él mismo ocupa, le confiere forma en
todos los sentidos posibles y da como resultado una topografía
informalista y conceptual de los pasajes de su mente.
Una obra pura y visceral que recupera el sentido universal del contacto
entre el ser humano y la tierra más primaria, donde la pintura, el
hierro, el carbón y la madera, entre otros, son los aliados lingüísticos
del gran mensaje cognitivo del artista hacia el mundo.
Blechen dejó un trabajo en un banco para convertirse en artista en 1820, ingresando a la Academia en Berlín para estudiar paisaje.A fines de 1828 partió para Italia, donde pasó nueve meses con la comunidad de artistas alemanes en Roma y pintó bocetos al óleo de paisajes vívidos y libres.
En el verano de 1829, Blechen viajó a Nápoles, donde trabajó asiduamente hasta septiembre, cuando se agotó su dinero, lo que lo obligó a regresar a casa.De vuelta en Berlín, enseñó en la Academia y continuó pintando, pero su obra no se vendía.En los últimos años, sin embargo, fue reconocido como uno de los principales artistas alemanes de su generación.
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De nuevo en Londres, realiza
grabados al aguafuerte,
recibiendo el primer premio
de la Escuela Municipal de
esta ciudad en 1911, y
prepara obras para ser
exhibidas en dicha capital,
en París y en Madrid. Los
aguafuertes representan a
menudo cuerpos retorcidos
cubiertos de calados
mantones, etc. En 1915 tiene
lugar en Madrid el estreno de
"El Amor Brujo" de Falla, con
los decorados creados por el
artista canario.
