Roberto Domingo Fallola

(París, 1883-Madrid, 1956). Pintor español costumbrista, que se especializó en temas taurinos, que le dieron gran fama y prestigio. Colaboró como dibujante en publicaciones de la época. Comenzó su formación artística en París junto a su padre, el pintor Francisco Domingo Marqués. 

Allí conoció la obra de los impresionistas franceses. En 1906 se instaló en Madrid, donde asistió a la Academia de Bellas Artes de San Fernando como discípulo de Antonio Muñoz Degrain. Se presentó a exposiciones nacionales y extranjeras; en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1908 fue galardonado con tercera medalla y en las de 1910 y 1915, obtuvo segunda y primera medalla por los lienzos titulados Suerte de varas y El coleo, respectivamente. Expuso sus obras en el Pabellón de Bellas Artes de Roma en 1911 y de forma continuada en galerías españolas y londinenses, como Baillie y Tooth, entre otras. Su obra se caracteriza por el tratamiento espontáneo de la mancha para captar la realidad que entronca con la tradición de Goya, Lucas y Alenza.

MUSEO DEL PRADO

Paul Ackerman

Paul Ackerman  (1908-1981) fue un artista prolífico nacido en Rumanía que forjó una exitosa carrera como modernista francés a mediados del siglo XX. Nació en Jassy, ​​Rumania, en una familia judía acomodada que buscó refugio en Francia cuatro años después. Los Ackerman se establecieron en París, donde el joven  fue inicialmente alentado por su padre, empresario, en su amor por el arte. 

Desde muy joven dibujó y pintó y visitaba regularmente el Louvre. Sin embargo, una vez que terminó su educación secundaria, se esperaba que Paul siguiera una carrera práctica, y para complacer a su padre, se matriculó en la facultad de derecho. No obstante, continuó su interés por las artes, participando en cursos impartidos por Fernand Leger en la rue Notre-Dame-des-Champs. Leger fue enormemente alentador, y Ackerman, envalentonado por la confianza que Leger le infundió, estaba convencido de no abandonar sus inclinaciones artísticas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ackerman sobrevivió a un campo de prisioneros y conoció a su  esposa en St. Tropez. Después de que Hitler invadiera la llamada Zona Libre, la pareja se escondió en el pueblo de Chindrieux, cerca de Aix-en-Bains, donde permanecieron en la casa de un amigo hasta que Francia fue liberada. A lo largo de la guerra, Ackerman hizo arte continuamente, pintando y dibujando en periódicos cuando no podía permitirse ningún material. En el momento de la liberación, Ackerman conoció al pintor Pierre Bonnard, cuyo trabajo evocador y toque poético tuvo un impacto duradero en él.

A su regreso a París en 1944, Ackerman cayó  bajo el dominio del cubismo a través de su amistad con el artista Jacques Villon, que lo ocupó durante una década. Las pinturas de Ackerman muestran una conciencia de los experimentos de color de los Delaunay y demuestran la capacidad del artista para integrar la figura y el paisaje, lo que le sirvió durante toda su carrera, incluso a medida que su estilo cambiaba y evolucionaba.

John F. Peto

El pintor de bodegones John Frederick Peto nació en 1854 en Filadelfia. En 1878 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde expuso entre 1879 y 1888. Allí conoció y se hizo amigo de William Michael Harnett, cuyo cuadro "trompe l'oeil " ejerció una influencia decisiva en su carrera. Peto abrió un estudio en 1880 y se ganó la vida pintando cuadros de estantes para  hombres de negocios y profesionales  poco sofisticados de Filadelfia.  Peto pintaba en semi-reclusión y oscuridad. Murió en Island Heights en 1907.

Fue casi completamente olvidado hasta 1949, cuando Alfred Frankenstein publicó un artículo en el que identificaba diecinueve pinturas de importantes colecciones privadas y museos que habían sido atribuidas a Harnett pero que realmente habían sido pintadas por Peto. 
 
 Con el advenimiento de un mayor interés e investigación sobre la pintura de bodegones estadounidense, Peto surgió gradualmente como una personalidad artística distinta cuyo trabajo podría diferenciarse del de Harnett por su pincel más suelto, tonalidad cálida y aura de melancolía sutil creada por su tendencia a representar objetos deteriorados por el tiempo. Pintó una gran variedad de temas de naturaleza muerta, que incluían estantes para cartas con material impreso, estantes de libros, mesas y puertas con instrumentos musicales colgantes.

Ivonne Sánchez Barea

Nacionalizada Española, Nace en1955 en Nueva York USA – Se educa en Colombia donde vive hasta 1975, 

Pintora, escultora y poeta. Estudia en Colombia, Francia y España.

Artista multidisciplinar y versátil, cuenta con múltiples exposiciones en ámbitos Internacionales.

LEE GATCH

LEE GATCH (1902–1968)


Nacido cerca de Baltimore, Lee Gatch comenzó su formación artística  en el Instituto de Arte de Maryland, donde estudió con Leon Kroll y John Sloan; Se graduó con una beca para la American School en Fontainebleau, Francia. Insatisfecho con las clases allí, en 1924 Gatch se mudó a París, donde estudió en la Academia Moderna con Moise Kisling y André Lhote, un académico cubista. En Francia, vio las pinturas de Andre Derain, Edouard Vuillard y Pierre Bonnard, y admiraba su uso del color para crear una sensación de espacio. Al regresar a los Estados Unidos en 1925, Gatch tuvo su primera exposición  en 1932 en Nueva York. Pasó el verano de 1935 en Yaddo, una colonia de artistas en Saratoga Springs, Nueva York, con la pintora Elsie Driggs, con quien luego se casó. 

La pareja se mudó a Lambertville, Nueva Jersey, donde vivió el resto de su vida en una granja aislada. El paisaje del oeste de Nueva Jersey proporcionó su fuente de temas durante la mayor parte de su vida adulta; Gatch interpretó estos temas de varias maneras, concentrándose en aspectos formales y a veces expresivos. Al igual que sus contemporáneos, Avery, Dove y Knaths, Gatch se esforzó a lo largo de su carrera para mantener un estilo individual basado en la tradición representacional estadounidense, al tiempo que iba más allá de las apariencias para encontrar significado a través del diseño y el color.

A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, el trabajo de Gatch se exhibió ampliamente, incluida la representación en las Bienales de Venecia de 1950 y 1956. Sus pinturas fueron populares, y el artista recibió muchos premios de los museos estadounidenses. En 1965 recibió una beca de la Academia Americana de Artes y Letras y fue incluido en la Academia al año siguiente. Continuó trabajando constantemente hasta su muerte en 1968.

Jean Puy

Jean Puy ( 1876–1960) Artista fauvista francés. Estudió arquitectura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon y pintura con Jean Paul Laurens en la Academia Julian. Despues fue a la Academia Carriere donde conoció a Henri Matisse, André Derain  y otros artistas. Expuso en el Salón de los independientes  y en el salon de otoño de 1905.

Su paleta es de color intenso basada en su interpretación emocional del mundo no basada en la realidad.

Sus pinturas se encuentran en colecciones permanentes como el Art Institute de Chicago, Hermitage Museum de St. Petersburg, Musée d'Orsay en Paris, y en Courtauld Institute of Art en Londres, entre otros

Jules Migonney

                     

Nació en Bourg-en-Bresse en 1876, se suicidó  en París en 1929.  "sacrifiqué todo por el arte, él me mata", dejó escrito.
Estudió en la Escuela Nacional  de Bellas Artes de Lyon y fue alumno de Jean-Baptiste Poncet y de Leon Bonnat en París. Ganó el premio Abd-el-Tif en 1909. Trabajó varios años en Argelia.

Sus pinturas se exhiben en museos de Argel y en el Centro Pompidou.

Luis Centurión

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Luis Centurión, nacido en Concepción del Uruguay en 1922 y muerto en 1985.

El autodidactismo de Centurión, al revés de lo que sucede muchas veces –cuando el artista recorre a través de su propia obra una suerte de historia implícita de la pintura, desde los clásicos hasta el presente (el presente de la acción de pintar)–, lo coloca en el lugar de la contemporaneidad, gracias a su gran sabiduría pictórica. El trabajo de Centurión puede pensarse en sintonía con ciertas corrientes modernas de la figuración, una vez superada la falsa dicotomía entre figurativos y abstractos.
Centurión comenzó a exponer su obra –individual y colectivamente– a mediados de la década del cuarenta. Fue invitado a la cuarta Bienal de San Pablo y a la primera Bienal de México. En 1960 viajó a Europa y se radicó en París hasta 1966. Poseen obra suya el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y coleccionistas de Argentina, América latina, EE.UU. y Europa.

Manuel Abelenda Zapata

Nació en a Coruña en 1889. Tras abandonar sus estudios, comenzó a trabajar en una imprenta como aprendiz de fotograbado. Comenzó a pintar como autodidacta y posteriormente ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de A Coruña, en la que obtuvo grandes calificaciones y premios.

 En 1908, recibió subvenciones del Ayuntamiento y la Diputación Provincial de A Coruña para ampliar sus estudios en Madrid, donde ingresó en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado y en la Academia del Círculo de Bellas Artes. Durante 1913 y 1914 estudió en Roma gracias a una subvención de la Academia de Bellas Artes de A Coruña y, tras la celebración de numerosas exposiciones por toda España, la Diputación de A Coruña le concedió una beca para estudiar durante tres meses en Italia, Suiza y Francia.

En 1943 fue premiado con la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes. Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes Nuestra Señora del Rosario, de la Real Academia Gallega, representante en Galicia de la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid y socio de honor de la Casa de Galicia de Barcelona y Bilbao. Falleció en 1957

NORBERTO OLMEDO

Seria, profunda, razonada y emocionante, en su deliberada sobriedad, la pintura de este irreductible vanguardista, excelente conocedor del oficio, que goza investigando materiales, combinándolos.

Se formó en la Escuela de Artes Aplicadas Massana de Barcelona, en la que se tituló en 1986, para especializarse después en vidriera y serigrafía, y en técnicas murales en la Escola Llotça de la ciudad condal.

Comenzó a exponer, individual y colectivamente, en Barcelona, en 1986, y lo ha hecho después en casi todas las ciudades catalanas y gallegas, así como en Ibiza, Lorient, Francia, Portugal, y reiteradamente en México.

Fue becado por la Diputación de Pontevedra tres años consecutivos, a partir de 1985; recibió ayuda económica de la Xunta de Galicia en 1992 y fue seleccionado para las becas Banesto, en Madrid. Está representado en las colecciones institucionales de la Xunta de Galicia, de Castilla-León y en otras destacadas de Galicia.

En la obra de Olmedo se impone la geometría. Desde ella razona para sus composiciones, en las que el cromatismo es contrastante, con el negro como color principal. Sus polígonos, curvas, espirales, se inscriben en fondos muy trabajados, arenosos. A veces se insinúa un paisaje ideal, indeterminable, o bien sugiere el "collage", siempre desde el informalismo razonado. Sus morfologías resultan sugerentes, ricas, con elementos que recuerdan el vitral o el grabado. Se basa en una composición muy equilibrada, de manera que el resultado es sereno y dinámico a un tiempo, con primor en la mancha como despreocupada y, sin embargo, tan medida, tan trabajada. Polígonos que semejan poliedros danzan en espacios geométricos distorsionados. También es puramente abstractivo, informalista, para que la obra sea libre expresión cromática con veladuras, churretones, líneas temblorosas, cual víscera en estudio micropatológico.

afundación

Néstor Martín-Fernández de la Torre

Néstor Martín Fernández de la Torre, nació en Las Palmas de Gran Canaria el 26 de febrero 1887, ciudad donde moriría el día 6 del mismo mes en el año 1938.

  En 1899, recibirá clases del pintor catalán Eliseo Meifrén que le orientará en sus primeros pasos en el arte. Viaja a Madrid a los 15 años para continuar estudios, siendo allí discípulo de Rafael Hidalgo de Caviedes, para seguir luego camino a Barcelona, París, Bruselas, Gante, Brujas y Londres, ciudad donde toma contacto con el prerrafaelismo.
En Barcelona expone en 1908, en el Círculo Ecuestre, destacando los retratos de Dama austriaca y el de su hermano, influenciado por los grandes retratistas ingleses. En 1909 presenta, en el salón Parés de la ciudad condal, cuatro plafones decorativos destinados al salón de Fiestas de El Tibidabo, inspirados en los poemas verdaguerianos L'Atlántida y Canigó.  En 1910 representa a España en la Exposition Universelle et Internationale, de Bruselas.
De nuevo en Londres, realiza grabados al aguafuerte, recibiendo el primer premio de la Escuela Municipal de esta ciudad en 1911, y prepara obras para ser exhibidas en dicha capital, en París y en Madrid. Los aguafuertes representan a menudo cuerpos retorcidos cubiertos de calados mantones, etc. En 1915 tiene lugar en Madrid el estreno de "El Amor Brujo" de Falla, con los decorados creados por el artista canario.
En 1920 traslada su estudio de Barcelona a Madrid, donde tendrá contacto con algunos miembros de la Residencia de Estudiantes; viajará por África y por toda España recogiendo estudios sobre tipos y costumbres; en 1929 un nuevo traslado le lleva a París, donde permanece hasta 1933, regresando definitivamente a Gran Canaria al año siguiente.

Gran colorista y decorador, es pintor principalmente de composiciones y retratos con fondos de gran fantasía, en los que intervienen telas y arquitecturas acabadísimas. Sus últimos años están llenos de plena dedicación a Canarias, creando los murales para el Casino de Tenerife o la decoración del Teatro Pérez Galdós de Las Palmas, donde hoy existe el Museo Néstor, inaugurado en 1956.

Eduardo Chicharro y Agüera

(Madrid, 1873-1949). Pintor español que cultivó el paisaje, el retrato y los temas de género. Su obra se caracteriza por un gran sentido decorativo, un suntuoso colorido, un minucioso dibujo y una evolución desde un costumbrismo casi escenográfico hasta un espléndido simbolismo. Director de la Academia de España en Roma, fundador de la Asociación de Pintores y Escultores, miembro de la Real e Insigne Academia de San Lucas de esa ciudad, profesor y director de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, inspector general de Escuelas de Artes y Oficios y director general de Bellas Artes. Se formó en la Escuela de San Fernando, donde fue alumno de Carlos de Haes, Alejo Vera, Luis de Madrazo, Jaime Morera y José Moreno Carbonero, frecuentando el estudio de Joaquín Sorolla. Amplió sus estudios como pensionado en Roma y viajó a Francia y Holanda. Remitió sus obras a numerosas exposiciones nacionales y extranjeras, obtuvo segunda y primera medalla en la Nacional de 1899 y 1904 por los lienzos titulados Las uveras y Armida, respectivamente, así como medalla de honor en la edición de 1922. Fue galardonado con el primer premio en las Exposiciones Internacionales de Lieja, Múnich y Barcelona de 1908.

Museo del Prado

SILVIA RIVAS

Nació el 23/04/1957. Artista plástica. Profesora Nacional de Dibujo y Escultura de la Escuela

Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Asistió a los talleres de Kenneth Kemble y Víctor Grippo (PK). Expone en forma individual desde 1988 y participa de muestras colectivas en el país y en el exterior. En 1998 exhibió su obra en el MNBA y, en 2000, presentó su trabajo Notas sobre el tiempo en el CC Recoleta. Luego, expuso Todo lo de afuera (2004) en el MAMBA. Recibió la beca Guggenheim (2001) y también fue becada por el Wexner Center for the Arts de Ohio (EE.UU.).

 Expone esa video-instalación en Espacio Fundación Telefónica (2005). En 2003 participó en la Bienal de La Habana y, en 2001 y 2005, en la Bienal del Mercosur. Fue galardonada con el Tercer Premio del Salón Nacional Nuevos Medios e Instalaciones (2003), con el Segundo Premio del Salón Nacional de Artes Visuales, Nuevos Soportes e Instalaciones (2006) y con el Premio Faena por el Proyecto Colectivo Argentina es afuera (2006).

DIEGO DE GIRALDEZ

A Cañiza, Pontevedra, 08/03/1957
Inconfundible la obra de este pintor, hiperrealista y sin embargo con frecuencia onírico. Hijo de un marino, vive su infancia en la villa natal, en un ámbito casi campesino. A los 8 años su familia se traslada a Vigo y se instala en la calle Real, de peculiar arquitectura decimonónica, entre la Colegiata neoclásica y el barrio marinero del Berbés. Diego queda huérfano de padre un año más tarde, y ya se interesa por el dibujo y la pintura. 

Su madre alienta esta vocación y lo lleva a Madrid para que conozca el Museo del Prado nuevamente, puesto que ya lo había visitado cuando vivía su progenitor. El niño devora libros de medicina, especialmente de anatomía. Y trabaja con pasteles, deseando dominar la técnica, que llega a ser en él pasión casi enfermiza. Su primera exposición la realiza en Vigo, en 1975, con éxito sorprendente. Salta a Cataluña y allí se confirma su acogida. Repite incansablemente exposiciones en toda España, hasta el punto de que no debe quedar ciudad o villa importante donde no haya mostrado su obra. Viaja por Europa y pasa larguísimas jornadas en los museos. Llega a conocer a fondo a Velázquez, Zurbarán, Goya. Su obra es seleccionada para la muestra colectiva denominada «Maestros del realismo español de la vanguardia». Expone en el extranjero, sorprendiendo siempre la peculiar actitud plástica que adopta, con verismo impresionante en sus representaciones, en las que, sin embargo, hay una fantasía evidente y un inquietante misterio implícito. De Suiza a Portugal su obra gana prestigio.

La elogia el gran crítico, prematuramente muerto, Santiago Amón. La adquieren museos de España y del extranjero. En cierto modo, es único, irrepetible, su peculiar modo de utilizar el pastel mezclado con el óleo en barra. Giráldez es un realista diferente. Cuando representa un objeto, cualquier cachivache doméstico -un vaso, un huevo- su representación, como acontecía con Zurbarán, lo separa del mundo común para mayusculizarlo y ser únicamente él, El Huevo, El Vaso, el Excelentísimo Señor Huevo humilde y magnificado. Sus cuadros religiosos representan un mundo diferente, táctil, obsesionante. Su gallos muertos parecen vivir en una imaginaria taxidermia. La deliberada desproporción entre los objetos representados nos conduce a un surrealismo también peculiar. Desde la máxima exactitud referencial, la pintura de Diego de Giráldez es inquietante, capaz de conmover al espíritu menos sensible.

afundación

Yves Klein

Francia, 1928–1962

En su breve carrera artística de siete años, interrumpida por su prematura muerte en 1962, Yves Klein creó un conjunto de obras heterogéneo y complejo desde el punto de vista crítico que anticipó gran parte del arte de las décadas posteriores, desde el Arte Conceptual al arte de la performance. Aunque Klein comenzó a crear lienzos monocromos a mediados de los cincuenta, abandonó la especificidad de lo pictórico para concebir el arte como algo independiente de cualquier medio o técnica particulares.

 Klein, artista posmoderno que se adelantó a su tiempo, proyectó el arte en lo invisible, compuso la Sinfonía Monótona Silencio (Symphonie Monoton Silence), imaginó una "arquitectura del aire", presentó sus actividades en público, se pasó a la fotografía, y encargó "una documentación" destinada a registrar sus obras más efímeras. Su programa dejaba en un segundo plano la técnica particular del artista y se centraba más en la capacidad de este para fomentar un mito generador de obras de todo tipo: "Un pintor ha de pintar una sola obra maestra: su propia persona, constantemente, y convertirse en una especie de pila atómica, una especie de generador de radiación constante que impregna la atmósfera con toda su presencia pictórica, que se fija en el espacio tras su paso"

Preocupado por romper con toda forma de expresionismo, Klein "rechazó el pincel" prácticamente desde los inicios de su carrera porque era un instrumento que él consideraba "excesivamente psicológico" y empleaba rodillos, que eran "más anónimos" y le permitían "generar una ‘distancia' entre [él mismo] y [sus] lienzos"[2]. Entre 1958 y 1960 perfeccionó una técnica que le permitió ahondar en esta idea: utilizaba modelos desnudos a modo de "pinceles vivos" (pinceaux vivants) que creaban marcas y huellas bajo su dirección. Las Antropometrías (Anthropométries), como las bautizó el crítico Pierre Restany, amigo de Klein, mantenían la separación insistente de Klein entre la obra y su propio cuerpo y también le permitían revivir el desnudo sin recurrir a los medios tradicionales de representación. Klein presentó una demostración de la técnica en la Galerie Internationale d'Art Contemporain de París el 9 de marzo de 1960, a la que asistieron unos cien invitados.

Mientras los músicos interpretaban la Sinfonía Monótona Silencio, el artista vestido de esmoquin dirigía las acciones de tres modelos desnudas que esparcían la pintura sobre sus torsos y muslos y presionaban o arrastraban sus cuerpos sobre hojas de papel blanco. Además de un "monocromo corpóreo", las pinturas resultantes incluían huellas estáticas simples y rastros dinámicos de los cuerpos en movimiento.

Fuentes:
Denys Riout, "Yves Klein", en Colección del Museo Guggenheim Bilbao, Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao y TF Editores, Madrid, 2009.
Nancy Spector, "Yves Klein", en Spector (ed.), Guggenheim Museum Collection: A to Z, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, 2009.