Alberto Martini

Alberto Martini  1876 -  1954) - pintor, grabador, ilustrador y diseñador gráfico italiano.  Considerado uno de los precursores del surrealismo.

Nació en Oderzo, Veneto formación inicial en dibujo y pintura de su padre, que era retratista y profesor de dibujo en el Istituto Technico de Treviso.

Gran parte de su carrera la pasó ilustrando obras literarias famosas. En 1895 comenzó la primera serie de ilustraciones para  Morgante
Maggiore de Luigi Pulciy para La Secchia rapita de Alessandro Tassoni.. Durante este tiempo tuvo su primera exposición, que fue una serie de catorce pinturas de la antología La corte dei miracoli en la Vienal de Venecia en 1897. En 1898 se mudó a  Mónaco y trabajó como ilustrador para las revistas   Dekorative Kunst  y "Jugend". En 1901 ilustró una edición de La Divina Comedia . A partir de julio de 1905, produjo 132 ilustraciones en tinta, que fueron descritas como "macabras", para las historias de Edgar Allan Poe e "inauguró un período de gran intensidad creativa dentro de los gráficos de inspiración literaria ".  Su trabajo fue claramente influenciado por artistas como Durero, Graf, Bruegel, Cranach, Altdorfer y Sattler.

En 1907, tuvo su primera exposición individual en Londres y conoció al editor  William Heinemann quien luego usó algunas de las ilustraciones de Martini.  Tras la muerte de su padre en 1910  regresó a Italia  y se mudó con su madre a una casa de campo cerca de Treviso. Allí continuó ilustrando grandes obras literarias. De 1915 a 1920 dedicó tiempo a la pintura, en su mayoría pasteles. 

Al estallar la Primera Guerra Mundial diseñó una serie de postales de propaganda "aterradoras" llamadas Danza Macabra Europea , para distribuir a los aliados contra el  imperio Austrohúngaro. 

Continuó teniendo muchas exhibiciones en Londres, Liverpool, Bolonia, Milán y en la Bienal de Venecia. En 1923, escribió Vita d'artista . Tenía ideas innovadoras sobre teatro y escenografía que ilustró y publicó en el libro Il Tetiteatro en 1923. Al año siguiente conoció y se casó con la artista Maria Petringa y ella se convirtió en una fuente de inspiración para muchas de sus obras.

Se sintió decepcionado y resentido con los críticos italianos que, a finales de los años veinte, parecían ignorar su trabajo, por lo que se mudó a París en 1928. De 1929 a 1934 produjo una gran cantidad de pinturas, que llamó "pinturas con los colores de cielo". Aunque su esposa permaneció en Italia,  se veían periódicamente y él regresó a Italia en 1934. Alrededor de 1940 publicó un diario satírico, Perseo , con dibujos y dibujos animados. En 1946 recibió el diploma de honor del Museo de Bellas Artes de  Nancy. Hizo una serie de litografías para la Vida de la Virgen y otros poemas de  Rainer María Rilke que terminó en 1952.  Alberto Martini continuó pintando "con un considerable efecto expresivo" hasta el final. Murió en Milán el 8 de noviembre de 1954.

Antonio Berni

Nació en Rosario, Santa Fe, Argentina en 1905. Era el menor de tres hermanos, hijos de inmigrantes italianos. Su padre, un sastre de un pueblo cerca de la frontera con Suiza, murió cuando el futuro pintor tenía solo 14 años, y la familia tuvo que mudarse a una pequeña granja propiedad de sus abuelos por parte de su madre. Comenzó a estudiar dibujo en la Academia de Arte del Centro Catalá y trabajó en talleres vitraux, donde aprendió a hacer vitrales. Realizó su exposición de debut de sus dibujos en una agencia de lotería, y poco después, en 1920, mostró sus pinturas bastante impresionistas en una exposición que fue un gran éxito comercial.

Antonio Berni tuvo su primera exposición cuando era adolescente y recibió una beca para estudiar pintura en Europa en el año 1925. Luego de visitar Madrid se instaló en París, donde estudió con los pintores André Lhote y Othon Friesz. Recibió una segunda beca en el año 1927 que le permitió entrar en contacto con los pintores surrealistas. En su estadía en Francia, exploró el surrealismo, la política revolucionaria y las escrituras psicoanalíticas de Sigmund Freud. Comenzó a producir pinturas y collages que reflejaban la influencia del surrealismo y de Giorgio de Chirico en particular.

Berni regresó a Argentina en el año 1930. En 1933, estableció un grupo izquierdista llamado Nuevo Realismo y comenzó a preferir el realismo social. Ese mismo año colaboró en un mural con el pintor mexicano visitante David Alfaro Siqueiros. Sin embargo, a diferencia de los muralistas de México, Berni tuvo pocas oportunidades de pintar murales, por lo que usó enormes lienzos del tamaño de un mural.

Murió en Buenos Aires el 13 de octubre de  1981

Las características que hacen a Antonio Berni uno de los mejores pintores a nivel mundial es:

• Le dio importancia a los problemas sociales que había en Argentina.
• Sus obras tienen un sentido crítico contra la sociedad, ideológico y político.
• Trabajó también con temas populares del pueblo.
• Mostraba características típicas de la sociedad argentina.
• Demostraba cómo la niñez era explotada en América Latina.
• Muchos de sus trabajos fueron realizados en collage.
• Sus obras también expresaron la pobreza de los pueblos.

Antoni Guansé Brea

Nació en Tortosa, Tarragona, en 1926
Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona, formación que completó en París. Sus primeras obras, las expuso en Barcelona en 1952, obra que fue influenciada por la de Nonell la de, en la que se inspiraba.

Viajó a París en 1953 gracias a una beca del Gobierno francés, y allí se inspira en la obra de Van Gogh y Picasso, hasta que  consigue su propio estilo

A partir de este momento, su pintura, en la que la figura humana es la protagonista, se volvió más simple, plasmando únicamente lo que cree esencial, hombres y mujeres serían el eje de toda su obra más madura. Desde su llegada y hasta su muerte, formó parte del grupo de artistas españoles e hispanos, que buscaban adentrarse en los movimientos artísticos de vanguardia que bullían en la capital francesa, que era en ese momento, el epicentro de la cultura para todo el mundo.Las características esenciales de su obra, son el vigor en sus líneas, la fuerza en el color, la perfecta estructuración en los planos de su pintura, todo ello con una nota irónica en sus composiciones.
 Escribió y pintó algunos poemas, hizo incursiones en la expresividad del arte africano, en la pintura mística  de Zurbarán, y pintó paisajes de los campos de Cerdeña y de Ibiza.

 En 1962, le fue otorgado el Premio de la Crítica de París.
Murió en París, en 2008

Roberto Domingo Fallola

(París, 1883-Madrid, 1956). Pintor español costumbrista, que se especializó en temas taurinos, que le dieron gran fama y prestigio. Colaboró como dibujante en publicaciones de la época. Comenzó su formación artística en París junto a su padre, el pintor Francisco Domingo Marqués. 

Allí conoció la obra de los impresionistas franceses. En 1906 se instaló en Madrid, donde asistió a la Academia de Bellas Artes de San Fernando como discípulo de Antonio Muñoz Degrain. Se presentó a exposiciones nacionales y extranjeras; en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1908 fue galardonado con tercera medalla y en las de 1910 y 1915, obtuvo segunda y primera medalla por los lienzos titulados Suerte de varas y El coleo, respectivamente. Expuso sus obras en el Pabellón de Bellas Artes de Roma en 1911 y de forma continuada en galerías españolas y londinenses, como Baillie y Tooth, entre otras. Su obra se caracteriza por el tratamiento espontáneo de la mancha para captar la realidad que entronca con la tradición de Goya, Lucas y Alenza.

MUSEO DEL PRADO

Paul Ackerman

Paul Ackerman  (1908-1981) fue un artista prolífico nacido en Rumanía que forjó una exitosa carrera como modernista francés a mediados del siglo XX. Nació en Jassy, ​​Rumania, en una familia judía acomodada que buscó refugio en Francia cuatro años después. Los Ackerman se establecieron en París, donde el joven  fue inicialmente alentado por su padre, empresario, en su amor por el arte. 

Desde muy joven dibujó y pintó y visitaba regularmente el Louvre. Sin embargo, una vez que terminó su educación secundaria, se esperaba que Paul siguiera una carrera práctica, y para complacer a su padre, se matriculó en la facultad de derecho. No obstante, continuó su interés por las artes, participando en cursos impartidos por Fernand Leger en la rue Notre-Dame-des-Champs. Leger fue enormemente alentador, y Ackerman, envalentonado por la confianza que Leger le infundió, estaba convencido de no abandonar sus inclinaciones artísticas.

Durante la Segunda Guerra Mundial, Ackerman sobrevivió a un campo de prisioneros y conoció a su  esposa en St. Tropez. Después de que Hitler invadiera la llamada Zona Libre, la pareja se escondió en el pueblo de Chindrieux, cerca de Aix-en-Bains, donde permanecieron en la casa de un amigo hasta que Francia fue liberada. A lo largo de la guerra, Ackerman hizo arte continuamente, pintando y dibujando en periódicos cuando no podía permitirse ningún material. En el momento de la liberación, Ackerman conoció al pintor Pierre Bonnard, cuyo trabajo evocador y toque poético tuvo un impacto duradero en él.

A su regreso a París en 1944, Ackerman cayó  bajo el dominio del cubismo a través de su amistad con el artista Jacques Villon, que lo ocupó durante una década. Las pinturas de Ackerman muestran una conciencia de los experimentos de color de los Delaunay y demuestran la capacidad del artista para integrar la figura y el paisaje, lo que le sirvió durante toda su carrera, incluso a medida que su estilo cambiaba y evolucionaba.

John F. Peto

El pintor de bodegones John Frederick Peto nació en 1854 en Filadelfia. En 1878 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, donde expuso entre 1879 y 1888. Allí conoció y se hizo amigo de William Michael Harnett, cuyo cuadro "trompe l'oeil " ejerció una influencia decisiva en su carrera. Peto abrió un estudio en 1880 y se ganó la vida pintando cuadros de estantes para  hombres de negocios y profesionales  poco sofisticados de Filadelfia.  Peto pintaba en semi-reclusión y oscuridad. Murió en Island Heights en 1907.

Fue casi completamente olvidado hasta 1949, cuando Alfred Frankenstein publicó un artículo en el que identificaba diecinueve pinturas de importantes colecciones privadas y museos que habían sido atribuidas a Harnett pero que realmente habían sido pintadas por Peto. 
 
 Con el advenimiento de un mayor interés e investigación sobre la pintura de bodegones estadounidense, Peto surgió gradualmente como una personalidad artística distinta cuyo trabajo podría diferenciarse del de Harnett por su pincel más suelto, tonalidad cálida y aura de melancolía sutil creada por su tendencia a representar objetos deteriorados por el tiempo. Pintó una gran variedad de temas de naturaleza muerta, que incluían estantes para cartas con material impreso, estantes de libros, mesas y puertas con instrumentos musicales colgantes.

Ivonne Sánchez Barea

Nacionalizada Española, Nace en1955 en Nueva York USA – Se educa en Colombia donde vive hasta 1975, 

Pintora, escultora y poeta. Estudia en Colombia, Francia y España.

Artista multidisciplinar y versátil, cuenta con múltiples exposiciones en ámbitos Internacionales.

LEE GATCH

LEE GATCH (1902–1968)


Nacido cerca de Baltimore, Lee Gatch comenzó su formación artística  en el Instituto de Arte de Maryland, donde estudió con Leon Kroll y John Sloan; Se graduó con una beca para la American School en Fontainebleau, Francia. Insatisfecho con las clases allí, en 1924 Gatch se mudó a París, donde estudió en la Academia Moderna con Moise Kisling y André Lhote, un académico cubista. En Francia, vio las pinturas de Andre Derain, Edouard Vuillard y Pierre Bonnard, y admiraba su uso del color para crear una sensación de espacio. Al regresar a los Estados Unidos en 1925, Gatch tuvo su primera exposición  en 1932 en Nueva York. Pasó el verano de 1935 en Yaddo, una colonia de artistas en Saratoga Springs, Nueva York, con la pintora Elsie Driggs, con quien luego se casó. 

La pareja se mudó a Lambertville, Nueva Jersey, donde vivió el resto de su vida en una granja aislada. El paisaje del oeste de Nueva Jersey proporcionó su fuente de temas durante la mayor parte de su vida adulta; Gatch interpretó estos temas de varias maneras, concentrándose en aspectos formales y a veces expresivos. Al igual que sus contemporáneos, Avery, Dove y Knaths, Gatch se esforzó a lo largo de su carrera para mantener un estilo individual basado en la tradición representacional estadounidense, al tiempo que iba más allá de las apariencias para encontrar significado a través del diseño y el color.

A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, el trabajo de Gatch se exhibió ampliamente, incluida la representación en las Bienales de Venecia de 1950 y 1956. Sus pinturas fueron populares, y el artista recibió muchos premios de los museos estadounidenses. En 1965 recibió una beca de la Academia Americana de Artes y Letras y fue incluido en la Academia al año siguiente. Continuó trabajando constantemente hasta su muerte en 1968.

Jean Puy

Jean Puy ( 1876–1960) Artista fauvista francés. Estudió arquitectura en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon y pintura con Jean Paul Laurens en la Academia Julian. Despues fue a la Academia Carriere donde conoció a Henri Matisse, André Derain  y otros artistas. Expuso en el Salón de los independientes  y en el salon de otoño de 1905.

Su paleta es de color intenso basada en su interpretación emocional del mundo no basada en la realidad.

Sus pinturas se encuentran en colecciones permanentes como el Art Institute de Chicago, Hermitage Museum de St. Petersburg, Musée d'Orsay en Paris, y en Courtauld Institute of Art en Londres, entre otros

Jules Migonney

                     

Nació en Bourg-en-Bresse en 1876, se suicidó  en París en 1929.  "sacrifiqué todo por el arte, él me mata", dejó escrito.
Estudió en la Escuela Nacional  de Bellas Artes de Lyon y fue alumno de Jean-Baptiste Poncet y de Leon Bonnat en París. Ganó el premio Abd-el-Tif en 1909. Trabajó varios años en Argelia.

Sus pinturas se exhiben en museos de Argel y en el Centro Pompidou.

Luis Centurión

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Luis Centurión, nacido en Concepción del Uruguay en 1922 y muerto en 1985.

El autodidactismo de Centurión, al revés de lo que sucede muchas veces –cuando el artista recorre a través de su propia obra una suerte de historia implícita de la pintura, desde los clásicos hasta el presente (el presente de la acción de pintar)–, lo coloca en el lugar de la contemporaneidad, gracias a su gran sabiduría pictórica. El trabajo de Centurión puede pensarse en sintonía con ciertas corrientes modernas de la figuración, una vez superada la falsa dicotomía entre figurativos y abstractos.
Centurión comenzó a exponer su obra –individual y colectivamente– a mediados de la década del cuarenta. Fue invitado a la cuarta Bienal de San Pablo y a la primera Bienal de México. En 1960 viajó a Europa y se radicó en París hasta 1966. Poseen obra suya el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y coleccionistas de Argentina, América latina, EE.UU. y Europa.

Manuel Abelenda Zapata

Nació en a Coruña en 1889. Tras abandonar sus estudios, comenzó a trabajar en una imprenta como aprendiz de fotograbado. Comenzó a pintar como autodidacta y posteriormente ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de A Coruña, en la que obtuvo grandes calificaciones y premios.

 En 1908, recibió subvenciones del Ayuntamiento y la Diputación Provincial de A Coruña para ampliar sus estudios en Madrid, donde ingresó en la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado y en la Academia del Círculo de Bellas Artes. Durante 1913 y 1914 estudió en Roma gracias a una subvención de la Academia de Bellas Artes de A Coruña y, tras la celebración de numerosas exposiciones por toda España, la Diputación de A Coruña le concedió una beca para estudiar durante tres meses en Italia, Suiza y Francia.

En 1943 fue premiado con la Tercera Medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes. Fue miembro de la Real Academia de Bellas Artes Nuestra Señora del Rosario, de la Real Academia Gallega, representante en Galicia de la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid y socio de honor de la Casa de Galicia de Barcelona y Bilbao. Falleció en 1957

NORBERTO OLMEDO

Seria, profunda, razonada y emocionante, en su deliberada sobriedad, la pintura de este irreductible vanguardista, excelente conocedor del oficio, que goza investigando materiales, combinándolos.

Se formó en la Escuela de Artes Aplicadas Massana de Barcelona, en la que se tituló en 1986, para especializarse después en vidriera y serigrafía, y en técnicas murales en la Escola Llotça de la ciudad condal.

Comenzó a exponer, individual y colectivamente, en Barcelona, en 1986, y lo ha hecho después en casi todas las ciudades catalanas y gallegas, así como en Ibiza, Lorient, Francia, Portugal, y reiteradamente en México.

Fue becado por la Diputación de Pontevedra tres años consecutivos, a partir de 1985; recibió ayuda económica de la Xunta de Galicia en 1992 y fue seleccionado para las becas Banesto, en Madrid. Está representado en las colecciones institucionales de la Xunta de Galicia, de Castilla-León y en otras destacadas de Galicia.

En la obra de Olmedo se impone la geometría. Desde ella razona para sus composiciones, en las que el cromatismo es contrastante, con el negro como color principal. Sus polígonos, curvas, espirales, se inscriben en fondos muy trabajados, arenosos. A veces se insinúa un paisaje ideal, indeterminable, o bien sugiere el "collage", siempre desde el informalismo razonado. Sus morfologías resultan sugerentes, ricas, con elementos que recuerdan el vitral o el grabado. Se basa en una composición muy equilibrada, de manera que el resultado es sereno y dinámico a un tiempo, con primor en la mancha como despreocupada y, sin embargo, tan medida, tan trabajada. Polígonos que semejan poliedros danzan en espacios geométricos distorsionados. También es puramente abstractivo, informalista, para que la obra sea libre expresión cromática con veladuras, churretones, líneas temblorosas, cual víscera en estudio micropatológico.

afundación