Herman Alfred Leonard Wahlberg (13 de febrero de 1834 - 4 de octubre de 1906) fue un pintor paisajista sueco de Estocolmo.Después de recibir educación preparatoria en la Real Academia Sueca de las Artes, Wahlberg se mudó a Düsseldorf en 1857 para prepararse; desde entonces estuvo asociado con la escuela de pintura de Düsseldorf.Regresó a Estocolmo en 1862 se hizo muy famoso y expuso en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Fue hija del dueño de una siderurgia. En 1872 contrajo matrimonio con el auditor O. R. Thorell. Estudió en la Konstfack(Colegio
Universitario de Artes, Oficios y Diseño) en Estocolmo entre los años
1876 y 1879, donde era la única estudiante casada. Tras esto fue
aprendiz de Bertha Wegmann. Después viajó a París, donde se preparó con Léon Bonnat y Jean-Léon Gérôme. Thorell pintó principalmente retratos.
"Estudio solo lo que me gusta; ocupo mi mente solo con ideas que me interesan. Pueden o no resultar útiles, ya sea para mí o para otros. El tiempo provocará o no las circunstancias que me conducirána cualquier empleo rentable. En cualquier caso, habría tenido la ventaja inestimable de no estar en desacuerdo conmigo mismo y de obedecer las indicaciones de mi propia mente y carácter ".
El trabajo de Carl Fredrik Hill ha ejercido un impacto crucial en el arte moderno del siglo XX. Nacido hijo de un profesor de matemáticas, Hill creció en la estrechez de la ciudad universitaria de Lund en el sur de Suecia y tuvo que comenzar su carrera como pintor contra la resistencia de su padre. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo, fue a Francia, donde se convirtió en uno de los pintores paisajistas suecos más originales de su tiempo. Tanto la Escuela de Barbizon como la de Corot tuvieron una influencia decisiva en él. Sus esfuerzos no fueron coronados con éxito oficial, sus obras fueron rechazadas cuando las presentó en los Salones de París. Cuando tuvo un ataque psicótico severo a finales de 1877 fue hospitalizado y a los 28 años su carrera como pintor paisajista llegó a su fin
Durante su largo período de confinamiento, hasta su muerte a los 62 años, dibujó obsesivamente, creando un mundo paralelo habitado por imágenes extraídas de la naturaleza, la memoria, la historia del arte y su fantasía imaginativa. Por momentos apocalípticos y líricamente poéticos, los trabajos representan una extraordinariamente y amplia gama de estilos, técnicas e imágenes que Hill exploró durante este tiempo. Ejecutados de forma variada con tiza, crayón y bolígrafo, abarcan desde escenas violentamente expresionistas del campo escandinavo y desnudos cargados de erotismo, hasta interiores extraordinariamente complejos y dibujados con precisión de fantásticos templos y palacios, hasta inquietantes retratos de familiares y amigos.
Einar Jolin (7 de agosto de 1890 - 29 de agosto de 1976) fue un pintor sueco conocido por su estilo expresivo decorativo y un poco ingenuo. Después de estudiar en Konstfack, Estocolmo en 1906 y en la Konstnärsförbundet målarskola (la Asociación de Artistas de la Escuela de Arte), Jolin y su amigo Isaac Grünewald fueron a París para realizar más estudios en la academia de Henri Matisse de 1908 a 1914. " Pintó retratos, bodegones y paisajes urbanos, siempre acentuando lo que llamó "lo bello" en sus motivos.Trabajó principalmente en óleos y acuarelas, usando pinceladas delicadas y colores claros.Sus obras más notables son sus pinturas de Estocolmo durante las décadas de 1910 y 20 en su estilo ingenuo característico.
Jolin hizo numerosos viajes, recogiendo impresiones e inspiración para sus pinturas.
Viajó a África, India y las Antillas, pero prefería los países
alrededor del Mar Mediterráneo, especialmente a la isla de Capri, donde
también exhibió sus obras.
Realizó varias exposiciones en Liljevalchs Konsthall en Estocolmo y en
1os Estados Unidos
Su origen gallego es casual, ya que su padre era un carabinero mallorquín, casado con una gaditana, que estaba destinado en Vigo. Debido a la profesión de su padre, se trasladó en 1901 al pueblo catalán de San Feliú de Guixols. En 1913 su familia se fue a vivir a Huelva, donde asistió a clases de pintura del Maestro Antonio de la Torre y realizó sus primeras exposiciones.
Hasta el 1916 siguió cambiando de residencia a causa del trabajo paterno, pero este año fue clave para Frau, ya que se trasladó a Madrid para iniciar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando bajo la tutela de Antonio Muñoz Degraín.
En 1918 fue elegido para formar parte de los pensionados de "El Paular", lo que le permitió contactar con artistas como Pérez Rubio, Gregorio Prieto, Joaquín Valverde o María Luísa Pérez Ferrero.
En 1924 obtuvo la medalla de tercera clase en la Nacional de Bellas
Artes, exposición a la que acudió en varias ocasiones. Este
reconocimiento a su trabajo, se completó al año siguiente con el ingreso
en la Sociedad de Artistas Ibéricos, lo que le permitió entrar en
contacto con otros artistas importantes como Benjamín Palencia, Bores,
Cossío o Dalí, e introducirse en el arte de vanguardia, incorporando
las últimas tendencias europeas a su pintura. En 1929 se casó con su
alumna Margarita González Giraud.
Su prestigio siguió subiendo y en 1932 le otorgaron la medalla de
segunda clase del Nacional de Bellas Artes. Entre los años 1933-1935 se
trasladó a la ciudad Norteamericana de Pittsburg al ser invitado por el
Carragie Institut a exponer sus obras.
En 1943 consiguió la primera medalla del Nacional de Bellas Artes en la especialidad de paisaje gracias a la obra Naturaleza, premio que compartió con Benjamín Palencia, que acudió al certamen con la obra titulada Toledo.
Ambas, fueron cedidas al Estado y levantaron polémica, ya que los
críticos las calificaron como de "un osado estilo y mal gusto",
calificando la obra de Frau como un "deslavazado mazacote de colores".
Emigró a América en 1947, concretamente a Buenos Aires, Montevideo y
México, donde establece relación con los grandes muralistas mexicanos
Sequeiros, Orozco, Ribera y Tamallo, y con exiliados republicanos,
especialmente con Arturo Souto.
A partir de 1961 realizó una serie de viajes anuales a España con
escapadas a París, estableciéndose finalmente en el año 1966, en
Olmeda de las Fuentes (Guadalajara), donde residió hasta su muerte en
1976.
Su pintura de raíz figurativa, se centra en un paisajismo con cierto
regusto fantástico y un cromatismo fauvista que poco a poco se fue
sintetizando, eliminando el protagonismo de la figura humana, lo que le
convertió en uno de los paisajistas más originales e importantes de la
pintura española contemporánea.
“Tenía 13 años y sufría porque no sabía que hacer en la vida. Nada me había revelado aún la profundidad de mi sensibilidad ... Decidí someterme a una experiencia extraña: sufrir la sensación absorbente de la muerte. Pensé que una emoción fuerte, que se acercaba violentamente al peligro, que descifrara mi personalidad. Y mira lo que hice. Nuestra casa estaba cerca de la estación Barra Funda. Un día salí de casa, até mis trenzas de niña con fuerza, me tumbé debajo de los travesaños de la vía y esperé a que el tren pasara sobre mí. Fue una cosa horrible e indescriptible. El ruido ensordecedor, el aire cambiante, la temperatura asfixiante me dieron una impresión de delirio y locura. Y vi colores, colores y colores que rayan el espacio, colores que me gustaría arreglar para siempre en la retina embrujada. Fue la revelación: decidí dedicarme a la pintura ".
Anita Catarina Malfattiga -Sao Paulo 1889-1964 -Pintora brasileña considerada la introductora de las vanguardias en Brasil.
Hija de padre italiano y madre americana, desde la niñez, alentada por su madre, profesora de arte, mostró gran interés por la pintura. Debido a una atrofia en su brazo derecho, se vio obligada a pintar con el izquierdo.
Financiada por sus padres viajó a Berlín y allí estudió con importantes artistas del expresionismo alemán.
Despues de regresar a Brasil, viajó a Nueva York para estudiar con Homer Boss, cuya obra había conocido en una exposición en Colonia. Las enseñanzas de Boss tuvieron un gran impacto en la obra posterior de
Malfatti, sobre todo en lo relativo al estudio de la anatomía.
Durante su estancia en Nueva York pintó los cuadros considerados como los más interesantes de su producción. En su segunda exposición, en Sao Paulo, en 1917, aunque cuidó mucho la selección de sus obras, fue duramente criticada por sus innovaciones, consideradas contrarias a la tradición brasileña.
En 1922, Malfatti tomó parte en la Semana de Arte Moderno de Sao Paulo junto a Tarsila do Amaral,Mario de Andrade, Oswald de Andrade y Menotti del Picchia.
En 1923 recibió una beca del Estado de Sao Paulo y viajó a París y a partir de entonces abandonó el expresionismo y comenzó una carrera artística más convencional.
En 1928 regresó a São
Paulo, y participó en las actividades del grupo modernista. En la década
siguiente, debido a sus dificultades económicas, se centró cada vez más
en la enseñanza de la pintura y el dibujo, y como creadora se
especializó sobre todo en el retrato.
1939- Pintora, escultora, educadora, escritora y artista experimental americana. Estudió en la universidad de California, en los Angeles, donde practicamente ha desarrollado toda su carrera profesional. Quizás la artista feminista más famosa y junto a Miriam Schapiro fundó en 1971 el programa de arte feminista en el Instituto de las Artes de California. Es conocida, sobre todo, por su escultura "The Dinner Party", una obra que celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia, considerada como la primera obra de arte épica feminista y que ha sido vista por multitud de personas en distintos lugares, dentro y fuera de los Estados Unidos.
Más adelante, la maternidad fue otro de los temas que con más frecuencia abordó. The Birth Project (1980-1985) ensalza el papel femenino de la maternidad negado en la creación del mundo según la narración del Génesis, desde el punto de vista de Chicago. Se compone de un centenar de paneles que exploran la construcción del concepto de lo masculino y cómo los roles de poder han afectado al comportamiento de los hombres.
Ese trabajo empezó a cobrar forma después del fallecimiento de su hermano y de su madre, por lo que podría interpretarse como un homenaje, un recuerdo a la figura materna y a la importancia simbólica y real de la maternidad en las sociedades más apegadas a las tradiciones.
Richard Diebenkorn, uno de los pintores americanos más destacados. Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.
Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.
En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas en su pintura.
Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.
Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.
En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.
Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.
La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.
1916-1991).
ELMER BISCHOFF conocido como fundador de la figuración del
Área de la Bahía de San Francisco, junto con sus amigos y colegas Richard
Diebenkorn y David Park.
Despues de graduarse en la universidad de California, Berkeley, comenzó a dar clases en Sacramento. La Segunda Guerra Mundial cambió su vida. En 1941 fue teniente coronel en los servicios de inteligencia de las Fuerzas Aéreas del ejército americano, estacionado cerca de Oxford , y regresó a los Estados Unidos en noviembre de 1945.
Habiendo experimentado previamente con el surrealismo y la abstracción a
lo largo de la década de 1940, comenzó a trabajar
figurativamente en 1952.
La fuerte influencia de Toulouse-Lautrec y Bonnard en Bischoff es
evidente sin embargo, a mediados de la década de 1950, su pincelada y paleta se volvieron más firmes, mientras que
su tema sugiere un estudio minucioso de Edward Hopper y Edvard Munch.
Como desarrollo final, a finales de la década de 1960 Bischoff cayó
bajo el hechizo de Richard Wagner, cuyas óperas escuchaba casi a diario.
Su fascinación con Wagner, y con el misticismo y la mitología alemanas,
explica las cualidades cerebrales a gran escala y recientemente
notables en su trabajo de esta época. En 1972, después de 20 años de trabajo figurativo, volvió a la abstracción.Para Bischoff, el cambio a la abstracción fue liberador, pero es su
trabajo figurativo la base de su reputación y todavía se considera el
punto culminante de su logro artístico.
Umberto Primo Conti, el pintor, compositor y escritor italiano se interesó desde niño por la pintura, y su autorretrato, que hizo a la edad de once años, tuvo una respuesta notable entre los críticos. En 1913 compuso la obra musical Romanza para violín y piano y tuvo un primer encuentro con los futuristas florentinos, por los cuales tenía interés y que creció cuando conoció a Giacomo Balla en Roma y Filippo Tommaso Marinetti en 1917.
En Nápoles, decidió unirse al Movimiento Futurista. Al futurismo dio una contribución fundamental con las pinturas y dibujos ejecutados entre 1917 y 1919, año en que su estilo evolucionó hacia una visión metafísica. De 1935 a 1939 colaboró con el Maggio Musicale Fiorentino con decorados, bocetos y disfraces; En 1941 se convirtió en profesor de pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia. De 1947 a 1957 fue presidente de la Sociedad de Bellas Artes. Entre 1948 y 1963 pasó por una profunda vocación mística y se convirtió en parte de la Orden Franciscana. En 1983 publicó su autobiografía. En 1980, donó su villa en Fiesole donde había elegido crear su propia colección de vanguardias históricas y que todavía existe como el Museo Primo Conti, con su colección de pinturas y su archivo
Juan Vidales Pousa, nacido en La Bañeza (León) el 27 de diciembre de
1965. Estudia Pedagogía, Psicología y Artes Aplicadas en Santiago de
Compostela. Participa en diversos talleres literarios en la Facultad de
Filología de la Universidad de Santiago de Compostela. Entra en contacto
con el grupo poético Serán Vencello y colabora en la revista Ólisbos.
En su andadura por Santiago conoce a Uxío Novoneyra, Manuel Lourenzo y
Miguel Anxo Fernán-Vello entre otros importantes escritores. Se dedica,
desde los dieciocho años, exclusivamente a la pintura y la poesía. Vive
en Baiona, aunque Vigo es prácticamente su ciudad natal.
Nada partido por dos es la segunda antología poética que publica y que
viene precedida por Morir en tu calma (2013), con la que se reveló como
poeta
Nace el 12 de julio de 1942 en Asturias. Su infancia transcurre entre
Asturias y Madrid, desarrollándose en un ambiente familiar artístico
que es determinante en su vocación pictórica. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, licenciándose en 1969.
En
paralelo a su actividad pictórica, crea en 1970 el Estudio de Artes
Plásticas Teresa Muñiz, que sigue funcionando en la actualidad, y donde
desarrolla un trabajo didáctico. En 1976 realiza la escenografía infantil de la Ópera El Bosque de Sama, en el Real Coliseum Carlos III de El Escorial.
Interesada
en las técnicas gráficas, realiza estudios de xilografía y calcografía
en Urbino (Italia) y técnicas experimentales gráficas en Venecia. A partir de entonces, desarrolla su trayectoria pictórica dentro del expresionismo abstracto.
Viaja a Alemania y Estados Unidos.
Participa
en numerosas muestras colectivas e individuales. Obras en colecciones
de la Biblioteca Nacional. Instituto Nacional de Grabado de Urbino
Italia. Fundación Municipal de Cultura Valladolid. Caja Segovia
Cajastur.
En 1987 trabaja como colaboradora en la Escuela de Diseño de Moda de la Universidad Politécnica de Madrid.
En
1999 es invitada por la Universidad de las Américas de Puebla (Méjico)
para realizar el taller de pintura “Técnicas del Agua”.
Actualmente, abandonando la gestualidad de etapas anteriores, su obra pictórica es más estructurada e intensa.
