Carlos Bunga (Oporto, 1976) inicia su carrera vinculado a la pintura, aunque pronto expande sus intereses hacia experimentaciones con la tridimensionalidad que le permiten explorar las interrelaciones entre los cuerpos y los espacios. Buena parte de su obra impugna la concepción de la arquitectura como lenguaje del poder, cuestionando inercias arraigadas como orden, solidez o eternidad. Bunga prescinde voluntariamente de la grandilocuencia de los materiales tradicionales y apuesta, en cambio, por la precariedad de unas estructuras compuestas tan solo por planchas de cartón y cinta adhesiva.
Sus instalaciones —que con frecuencia se antojan maquetas fuera de escala— apelan a la multiplicidad de posibilidades de una arquitectura en plena potencia. Suelos, techos, paredes y pilares provisionales introducen la temporalidad en las formas constructivas, pues en el montaje de la instalación ya viene implícito su propio desmontaje. La documentación gráfica del proceso resulta la única “ruina”, el único recuerdo, de una arquitectura que alguna vez existió. Modos de hacer, y de deshacer, que subrayan tanto la mutabilidad constante del proceso artístico como el carácter performativo de su interacción social.
Como construcciones efímeras, sujetas a la circunstancialidad de tiempo y de lugar, las intervenciones de Carlos Bunga tienen, además, la capacidad de deconstruir los espacios en los que se insertan coyunturalmente para resignificarlos. Así ocurrió, por ejemplo, con los compartimentos que adosó en el Palacio de Congresos Kursaal de San Sebastián para Manifesta 5 (2004), con la instalación en el patio central de la Pinacoteca do Estado de Sao Paulo (2012), con las naves que dispuso en La Capella del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA, 2015), o con el laberinto que articuló en el Museum of Contemporary Art Detroit (MOCAD, 2018). Edificio dentro del edificio, continente a la vez que contenido, Bunga redimensiona la experiencia de un espectador que no solo contempla la obra, sino que, al hacerlo, también se integra con ella y la transforma.
Este proyecto para el Palacio de Cristal es una continuación de dichas investigaciones previas con las que incorpora nuevas capas de lectura a una ubicación ya de por sí connotada. Los ciclos de la naturaleza que circundan el Palacio, así como el contexto en el que fue originariamente construido el edificio constituyen algunas de las claves para su nueva instalación, que engarza la dialéctica entre el adentro y el afuera de los discursos.
La obra de Carlos Bunga ha sido expuesta en museos y centros de arte internacionales tan relevantes como el Museu de Serralves en Oporto (2012), el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC-UNAM de México D.F. (2013), la Whitechapel Gallery de Londres (2020) o la Secession de Viena (2021), entre otros. Este proyecto para el Museo Reina Sofía constituye su mayor intervención en Madrid hasta la fecha.
Pintor danés, parte de una familia de pintores, esposo de Anna Kirstine Ancher. Estudió en la Academia Kongelige, Copenhague (1871-75), donde sus maestros fueron Wilhelm Marstrand y Frederik Vermehren. Uno de sus compañeros de estudios fue Karl Madsen quien lo invitó a viajar a Skagen, un pequeño pueblo de pescadores en el extremo norte de Jutlandia, donde confluyen el Mar Báltico y el Mar del Norte. Desde mediados de la década de 1870, él y Madsen se convirtieron en miembros clave de un grupo de artistas que se reunían allí cada verano, conocidos como los Pintores de Skagen.
Después de que Ancher visitara Skagen por primera vez en 1874, se instaló allí y se unió a la creciente sociedad de artistas. La colonia de pintores se reunía periódicamente en el Hotel Brøndums de Skagen para intercambiar ideas. En 1880, Ancher se casó con su colega pintora y nativa de Skagen, Anna Brøndum. En los primeros años de su matrimonio, la pareja tenía una casa y un estudio en la "Casa del Jardín", que ahora se encuentra en el jardín del Museo Skagens. Después del nacimiento de su hija Helga, en 1883 la familia se trasladó a Markve en Skagen.
Michael Ancher influenciado por las reglas estrictas de la Real Academia de Bellas Artes le era dificial adaptarse a la pintura moderna escandinava, la "Escuela de Skagen" pero su matrimonio con Anna Ancher le aportó el concepto naturalista de la realidad sin adornos y colores. Mediante la combinación de la composición pictórica de su juventud con las enseñanzas del naturalismo, Michael Ancher creó lo que se llama arte figurativo moderno monumental.
Se nota un cambio en su uso del color en las obras producidas después de una influyente visita a Viena en 1882; quedó profundamente impresionado por los viejos maestros holandeses del Kunsthistorisches Museum, especialmente los Vermeers. Su efecto en su pintura se puede ver en La niña enferma (1883), un tema que repitió tres veces (Museo Skagens, Skagen).
Logró su gran avance artístico con la pintura Vil han klare pynten; Statens Museum for Kunst, Copenhague). En él, varios pescadores se paran en la orilla, evidentemente observando la llegada de un bote. La composición, manejada con firmeza, se enfoca en el grupo de hombres (el bote mismo es invisible); cada figura es un retrato individual que captura una respuesta al momento.
(1861 - 1933) Nacido el 14 de febrero de 1861, Peter Vilhelm Ilsted fue uno de los pintores daneses nacidos en unos pocos años que alcanzarían renombre internacional, entre ellos Carl Vilhelm Holsøe (1863-1935), Paul Fischer (1860-1934) , Vilhelm Hammershøi (1864-1916) y Peder Mørk Mønsted (1859-1941).
En sus primeros trabajos, Ilsted fue un pintor de género y retratos, sin embargo, como su hermana se había casado con Vilhelm Hammershøi, estuvo bajo la influencia tanto de su cuñado como de su amigo cercano Carl Holsøe. Como resultado de esto, él también sería ampliamente conocido por sus escenas de interior. Usando el interior de su casa y miembros de su familia como modelos, los temas de Ilsted serían escenas ambientadas en la cocina preparando la comida, o en un comedor o salón con o sin figuras, pero siempre con énfasis en la luz y su interacción con las superficies. .
Como tantos de sus contemporáneos daneses, Ilsted viajó mucho, a Italia, Grecia, Oriente Medio, España y Francia en 1886, regresó a Italia y Francia en 1891 y a Italia nuevamente en 1894 y 1905, y a Inglaterra en 1913. Ilsted fue ampliamente conocido en toda Europa, expuso en el Salón de París en 1889, recibiendo una mención de honor y nuevamente en 1890 siendo galardonado con una medalla, y también en 1900; expuso en Copenhague 1891-99, Budapest 1906-7, Munich 1909 y 1913, Berlín 1910-11, Malmo 1914 y Estocolmo 1924. Más lejos, Ilsted expuso en Chicago en 1893. Un artista muy respetado en Escandinavia, Ilsted fue reconocido como un artista de talla y popularidad internacional.
Sus obras se pueden encontrar en museos en: Aalborg; Århus; Copenhague; Krefeld; París, Museo de Orsay y Randers.
Nació en una familia de terratenientes venida a menos. Despues de realizar varios trabajos para ayudar a la familia despues de la muerte de su padre, en 1880 comenzó a asistir a clase en la Escuela de Pintura y Arquitectura de Moscú bajo la dirección de Vladimir Makovsky. También recibió clases privadas de Nikolai Avenirovich Martynov
Montó un estudio en una pequeña calle en 1890 y tres años más tarde tuvo una gran exposición.
En 1897 expuso con los Peredvizhniki en su vigésimo quinta exposición y su pintura. Fue la segunda mujer aceptada como integrante del Peredvizhniki (“Los Itinerantes”); la primera fue Emily Shanks. Sin embargo, más tarde renunció debido a desacuerdos con su programa.
Se casó con Nikolai Fyodorovich Rzhevsky, quien enseñaba en una escuela privada para niñas y era miembro de la "Sociedad Técnica Imperial Rusa".
Durante la Primera guerra mundial se trasladó a Tarusa, donde vivió pintando hasta el final de su vida-
En las primeras décadas del siglo XX existía un argumento entre pintores, de excluir a la mujer en todo lo relacionado con el arte en general pero principalmente lo tocante con el arte moderno, por lo tanto, en artículos y trabajos sobre arte, no se mencionaba a la mujer, actitud que se relacionaba con algunas explicaciones y especificaciones de los principios y orígenes en la abstracción en la pintura.
Perle Fine
Las artistas que pintaban abstracto se encontraban con el problema de trabajar en un lenguaje que rechazaba lo femenino, lo cual las llevaba a grandes problemas para crear su arte, poderse desenvolver a su agrado y en muchos casos optaban por una retirada a las artes aplicadas, lo que ocasiona que su aportación fuese minusvalorada.
Natalia Goncharova
“Es tan bueno que nunca sabrías que lo ha pintado una mujer” o "que bueno, esta nujer parece que tiene mano de hombre"- son expresiones que todavía podemos oir hoy
’Lucy’ Mary Abbott
Como muchas otras cosas, el arte ha sido cosa de hombres para la historia oficial. Como muestra de ello, suele ubicarse el inicio de la abstracción moderna a principios de la segunda década del siglo XX, ligada a nombres masculinos como Kandinsky, Mondrian o Malévich. Cuando lo cierto es que 50 años antes Georgiana Houghton, británica nacida en Las Palmas de Gran Canaria, ya realizaba sus chocantes dibujos compuestos por trazos de colores a lápiz y acuarela. Quizá porque era la única coartada posible entonces para una forma de expresión tan radical, ella aseguraba haberlos realizado durante un trance místico, guiada por los espíritus del Más Allá con los que solía contactar.
Lo mismo ocurriò con la sueca Hilma Af Klint, autora a principios del XX de unos dibujos y pinturas de abstracción geométrica avant la lettre a las que ella vinculaba con un discurso esotérico y teosófico.
Isabel McLaughlin, pintora ( Oshawa, Ontario, 10 de octubre de 1903; Toronto, 26 de noviembre de 2002). Importante artista modernista Canadiense preocupada por el diseño, el color brillante y el estudio del espacio tangible.
Estudió en el Ontario College of Art y en París en 1929 y Viena en 1930, y dos veces con Hans Hofmann en el período 1947-52. Su desarrollo se caracterizó por una constante renovación de sí misma y por la conciencia de sus propias raíces.
En 1939, McLaughlin fue elegida presidenta del Grupo Canadiense de Pintores, la primera mujer en encabezar una importante sociedad de arte canadiense. Fue galardonada con la Orden de Ontario en 1993.
Después de su muerte, sus archivos fueron donados a la Universidad de Queen´s
Alrededor de 1900, un grupo de artistas realistas se diferenció y desafió a los impresionistas y académicos estadounidenses. El miembro más capacitado de este grupo fue Robert Henri, que había estudiado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania con Thomas Anshutz. Después de pasar los años de 1888 a 1891 trabajando en la Académie Julian de París, Henri enseñó en la Escuela de Diseño para Mujeres en Filadelfia y dio clases privadas de arte en esa ciudad y sus alrededores y, durante sus visitas de regreso a Francia, en París y sus alrededores. A partir de 1892, Henri también se convirtió en mentor de cuatro ilustradores de Filadelfia : William James Glackens, George Luks, Everett Shinn y John Sloan, quienes trabajaron juntos en varios periódicos locales y se reunían para estudiar, compartir estudios y viajar. Entre fines de 1896 y 1904, todos se mudaron a Nueva York, donde el propio Henri se instaló en 1900.
French Sloan
Henri y sus antiguos socios de Filadelfia formaron la primera generación de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. Una segunda generación estuvo formada por los estudiantes de Henri en Nueva York, de los cuales George Bellows fue el más devoto. El término Ashcan School fue sugerido por un dibujo de Bellows titulado Disappointments of the Ash Can , que apareció en el Philadelphia Record en abril de 1915; fue invocado por el dibujante Art Young en una crítica despectiva que apareció en el New York Sun en abril de 1916. Aunque los artistas de Ashcan no eran una "escuela" organizada y defendían estilos y temas algo variados, todos eran realistas urbanos que apoyaban el credo de Henri: "el arte por el bien de la vida", en lugar del "arte por el arte". También presentaron sus obras en varias exposiciones importantes de principios del siglo XX en Nueva York, incluida una exposición colectiva en el National Arts Club en 1904; la muestra histórica de The Eight en Macbeth Galleries en febrero de 1908, que incluyó a los cinco pintores principales de Ashcan School junto con Ernest Lawson, Maurice Prendergast y Arthur B. Davies
Robert Henri
Tanto en sus pinturas como en sus ilustraciones, grabados y litografías , Henri y sus compañeros artistas de Ashcan se concentraron en retratar la vitalidad de Nueva York y registrar su lado sórdido, manteniendo un ojo atento a los acontecimientos actuales y la retórica social y política de su época. Estilísticamente, dependían de la paleta oscura y la pincelada gestual de Diego Velázquez , Frans Hals , Francisco de Goya , Honoré Daumier y realistas recientes como Wilhelm Leibl, Édouard Manet y Edgar Degas .. Preferían formas amplias y caligráficas, que podían reproducir "sobre la marcha" o de memoria, y así incorporar habilidades que la mayoría de ellos habían cultivado como ilustradores de periódicos. Aunque los artistas de Ashcan abogaban por la inmersión en la actualidad moderna, no eran ni críticos sociales ni reformadores y no pintaban propaganda radical. Si bien se identificaron con la vitalidad de las clases bajas y resolvieron registrar los aspectos funestos de la existencia urbana, ellos mismos llevaban vidas agradables de clase media, disfrutaban de los restaurantes y bares de Nueva York, su teatro y vodevil, y sus populares centros turísticos cercanos como Coney Island. Debido a que evitaron los disturbios civiles, las tensiones de clase y la arena de las calles, sus obras nunca son tan directas o inquietantes como las de sus contrapartes europeas o las imágenes reformistas de fotógrafos estadounidenses como Jacob Riis.
George Wesley Bellows
Los artistas de Ashcan documentaron selectivamente una época inquietante y de transición en la cultura estadounidense que estuvo marcada por la confianza y la duda, la emoción y la inquietud. Ignorando o registrando solo las nuevas y duras realidades, como los problemas de la inmigración y la pobreza urbana, arrojaron una luz positiva sobre su época. Junto con los impresionistas estadounidenses, los artistas de Ashcan definieron la vanguardia en los Estados Unidos hasta que el Armory Show de 1913 presentó al público estadounidense las obras de los verdaderos modernistas Henri Matisse , Pablo Picasso , Marcel Duchamp ., y otros. Henri y la mayoría de sus colegas de Ashcan continuaron pintando, incluso en la década de 1940, en el caso de Sloan y Shinn. Aunque su creatividad decayó y su carácter pionero se desvaneció, infundieron algunos de sus últimos lienzos con su vigor anterior.
El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. ... Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.
Liubov Popova
El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.
Tatlin
Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.
Alexander Rodchenko
Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…
Sándor Bortnyik representó un importante papel en el desarrollo de la vanguardia húngara. Desde 1913 estudió en Budapest y se sintió atraído por el estilo pictórico de los fauves hasta que, en 1915, conoció a Lajos Kassák, editor de MA, que le introdujo en el grupo de colaboradores de la revista.
En 1919, tras el derrocamiento del breve régimen comunista de Béla Kun y la invasión de las tropas rumanas, Bortnyik y otros artistas ligados a MA se vieron obligados a abandonar Budapest. Se instaló en Viena, y posteriormente vivió en Weimar entre 1922 y 1924. Sus estrechos contactos con la Bauhaus y con los movimientos constructivistas del momento dieron lugar a unas obras no figurativas con una fuerte preponderancia de lo arquitectónico. A pesar de ello, Bortnyik se negó a ser identificado con la Bauhaus. Durante esta época, también trabajó en Kassa (hoy Kosice, Eslovaquia) y en Berlín, donde en 1922 la galería Der Sturm celebró una exposición de su obra. A partir de 1924 comenzó a interesarse por la representación de escenas de talante satírico en las que, conservando el carácter geométrico anterior, aparecían figuras enmarcadas en extrañas arquitecturas.
En 1925 regresó a Hungría. Allí volvió a dedicarse al diseño de carteles, actividad que había practicado durante sus primeros años, y montó un taller al que asistió, entre otros, Victor Vasarely y que cerró en 1938 por problemas económicos. A mediados de la década de los años treinta, Bortnyik volvió a retomar la pintura influido por un grupo de artistas socialistas formado en Budapest en 1934. Durante los años siguientes fue promotor de la publicación de diversos libros y revistas y profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Budapest. Al final de su vida, la Galería Nacional de Budapest organizó una exposición retrospectiva en la que se reconocía la trayectoria de Bortnyik como artista.
Nacido en Siberia, lugar en el que su familia se había exiliado, Yurii Annenkov se trasladó a San Petersburgo durante su infancia. Desde 1908 estudió en la universidad y asistió a los talleres de Savely Zeidenberg y de Yan Tsyonglinsky, donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Matvey Vol’demar y Mijaíl Matyushin. Entre 1911 y 1912 Annenkov residió en París y trabajó en el estudio de Maurice Denis y en el de Félix Vallotton.
En 1913 regresó a San Petersburgo, donde evolucionó rápidamente hacia la abstracción, si bien no se asoció con ningún grupo artístico en concreto y continuó manteniendo cierta predilección por lo decorativo. Desde 1919 se interesó por el collage, medio en el que realizaría un gran número de obras, y desarrolló una intensa actividad como ilustrador tanto de revistas, como Satirikon o Argus, como de libros de temas variados, entre los que destaca el poema revolucionario de Alexander Blok «Dvenadtsat» (Los Doce, San Petersburgo, 1918). Paralelamente se dedicó a la realización de retratos en los que combinaba el interés por el físico del retratado con una fragmentación del espacio pictórico deudora del cubismo y el constructivismo. Entre los retratos que realizó en esta época figuran personalidades como León Trotsky.
Annenkov dirigió el resurgimiento del grupo Mundo del Arte entre 1922 y 1924 y colaboró en el establecimiento de la Sociedad de Pintores de Caballete. Diseñó puestas de escena teatrales en Moscú y Petrogrado (hoy San Petersburgo) y las celebraciones de 1920 para conmemorar la Revolución de 1917 en las calles de Petrogrado y la escenificación de la toma del Palacio de Invierno en un espectáculo en el que intervinieron alrededor de siete mil actores. Desde 1924 residió en París, donde continuó su actividad como escenógrafo.
Michael Andrews ocupa un importante lugar entre los artistas británicos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra, de factura minuciosa y lenta, ha sido vinculada a la Escuela de Londres, que aglutinó a un grupo heterogéneo de artistas que compartían un interés por la representación de la figura humana y un rechazo tajante de la tradición naturalista académica.
De educación metodista estricta, Andrews estudió en la Slade School of Art de Londres en 1947 y, de nuevo tras cumplir el servicio militar, entre 1949 y 1953. Allí fue discípulo de William Coldstream, artista realista vinculado a la Euston Road School, que le instruyó en la importancia de copiar del natural, y recibió clases de Lucian Freud. Desde sus primeros pasos como pintor, sus obras se caracterizaron por la preocupación por llegar al virtuosismo técnico y la representación de los estados de ánimo y las diferentes formas de comportamiento.
A las pinturas de escenas familiares de la década de 1950 siguió la representación de fiestas de los años sesenta en las que, junto a sus amigos, incorporaba imágenes procedentes de los medios de comunicación, la moda o el mundo del cine o la música pop. En 1959 comenzó su actividad docente en la Norwich School of Art que después continuó en la Chelsea School of Art y la Slade School of Art.
En 1966 firmó un contrato con la Marlborough Gallery, algo que ya habían hecho previamente Francis Bacon y Lucian Freud y desde entonces se dedicó únicamente a la pintura y comenzó los estudios para su serie Luces. En esta serie experimentó con la pintura acrílica y con el uso de la pistola, con las que conseguía superficies en las que no intervenía la mano del artista, en las que la luz adquiría una relevancia trascendente. La exploración de la naturaleza como experiencia liberadora fue en aumento en las pinturas y acuarelas realizadas durante su viaje a Australia y sus numerosas visitas a Escocia y continuó como constante hasta el final de sus días.
Este artista estudia en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en la etapa de 1926 a 1930. Allí se imbuirá de las ideas políticas anarquistas, por eso con la ocupación franquista se ve obligado a exiliarse en París desde 1939. Allí realizó la mayor parte de su obra, considerándose un artista del pueblo. Con la instauración de la democracia en España decide el regreso y en 1984 fija su residencia en Barcelona y finalmente en Alcañiz donde fallece en 1993.
Su obra pictórica es de factura expresionista, de carácter sombrío y acentuado dramatismo. Cultiva el retrato y el paisaje con o sin figura humana. Desde su infancia, quizá por ser hijo de alfarero, se inclina por el metal, mediante chapas y láminas de hierro que suelda.
Dicho material le sirve para un expresionismo al servicio de muy dispares temas: bailarinas, retratos, tipos populares, maternidades, personajes históricos, etc.; los interpreta a través de potenciar dispares sentimientos. El uso del barro, a partir de 1965, le permite concluir una obra de marcado primitivismo, cercano al arte ingenuo y a los exvotos iberos.
