Ouka Leele

Cuentan los griegos la historia de Atalanta, la mejor cazadora y corredora de Grecia e hija de un importante rey. Su padre le pidio que se casara pero Atalanta solo acepto casarse con aquel que le ganara en una carrera. Hipomenes decidio pedir ayuda a la diosa Afrodita la cual le proporciono tres manzanas de oro con las que distraer a Atalanta durante la carrera. Pero Hiponemes olvido agradecer a Afrodita el favor y esta acudio a Rea (Cibeles para los romanos) la cual convirtio a la pareja en dos leones que tirarian por siempre de su carro














Ouka Leele, fotógrafa española nacida en Madrid en 1957. Su verdadero nombre es Bárbara Allende Gil de Biedma. Es una de los protagonistas principales de la Movida madrileña de comienzos de los 80. De formación autodidacta, destacan sus características fotografías en blanco y negro coloreadas y sus grabados. Mezcla las tradiciones españolas con un gran colorido típico de esta artista. Su prestigiosa obra se ha expuesto en ciudades como París, Londres, Tokio, Sao Paulo o Nueva York. En 2005, le fue concedido el Premio Nacional de Fotografía.

Su nombre artístico tiene su origen en una obra del pintor “El Hortelano”, un mapa de estrellas inventado completamente por él, en el cual aparecía la constelación llamada Ouka Lele. Bárbara quedó maravillada por este cuadro y decidió que quería firmar sus obras así. Reforzada en esta decisión por su primer galerista, Albert Guspi, expuso desde entonces su obra bajo este pseudónimo, ligeramente variado en 1999 a "Ouka Leele".

Según sus propias palabras Ouka Lele entiende la fotografía como "poesía visual, una forma de hablar sin usar palabras".

Compañera de fatigas de artistas como Javier Mariscal, Ceesepe, Alberto García-Alix o Pedro Almodóvar, residió en Barcelona, Madrid o Nueva York desde su juventud. Superó el cáncer. Detuvo el tráfico de la Castellana con el fin de realizar la reconocida fotografía Rapelle-toi Bárbara tras concluir la serie Peluquería.

Su obra ha sido reproducida en multitud de revistas como Diorama, Photo Magazine, Telos, Dezine, o Reviste Actuel. Ha colaborado en casi todas las ediciones del Festival ARCO, que alberga parte de su obra en su colección.

Ha impartido talleres sobre su especialidad en festivales, centros culturales y universidades.

También ha realizado actividades de ilustración: en 1996 ilustró el libro de Concha García Campoy "La doble mirada" y en 2002 preparó una serie de dibujos y serigrafías para "El Cantar de los cantares" del Rey Salomón.

En Ceutí (Murcia) ha realizado un mural al aire libre de casi 300 metros cuadrados denominado por la propia artista "mi jardín metafísico"; su única obra, hasta la fecha, de tales características.

Yakov Chernikhov

Yakov Georgievich Chernikhov (Яков Георгиевич Чернихов) (17) December 1889, Pavlovgrad, Ukraine - 9 May 1951, Moscow) fue un arquitecto constructivista y diseñador grafico. Sus libros de arquitectura publicados en Leningrad entre 1927 y 1933 figuran entre los mas innovadores de su tiempo.


Chernikov nació en el seno de una familia pobre con 11 hijos.Despues de estudiar en una escuela de arte en Odessa, se trasladó en 1914 a Petrograd (St. Petersburg) y se matriculó en la facultad de arquitectura - Imperial Academy of Arts- en 1916, donde estudió con el profesor Leon Benois. Enormemente interesado en los movimientos futuristas, incluyendo el constructivismo y el suprematismo de Malevich, con quien hizo amistad, incluyó todas sus ideas en una serie de libros a finales de los años 1920s y principios de 1930s,:

* The Art of Graphic Representation (1927)
* Fundamentals of Contemporary Architecture (1930)
* The Construction of Architectural and Machine Forms (1931)
* 101 Architectural Fantasies (1933)



The latter, un buen ejemplo de impresión en color, fue quizas el último libro de arte, avant-garde, que se publico en Rusia durante la época Stalinista. Sus diseños predicen la arquitectura de finales del siglo 20. Sin embargo sus ideas poco corrientes no disfrutaban del favor del régimen. Aunque continuó trabajando como profesor y realizó algunas exposiciones, pocos de sus proyectos se hicieron realidad y pocos le sobrevivieron. Entre los pocos está la torre 'Red Carnation' en St. Petersburg.


Tower of the 'Krasny Gvozdilschik' ('Red Carnation') Factory in St. Petersburg, February 2006


Chernikhov tambien realizó un número de arquitectura histórica ricamente diseñada, con gran fantasía, que nunca exhibión en vida. Un libro 'The Construction of Letter Forms' que contiene alguno de sus diseños tipográficos, fue publicado despues de su muerte 1959.

Chernikhov realizó unos 17000 dibujos y proyectos y le pusieron el mote de Soviet Piranesi (1). El 8 de agosto de 2006, se anunció que unos cientos dibujos de Chernikhov, con un valor estimado de 1.300,000 de dólares, habían desaparecido de los archivos estatales rusos. Unos 274 han sido recuperados, en Rusia y en el extranjero.

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(1)Piranisi fue un grabador nacido en 1778 en italia. Realizó más de 2.000 grabados de edificios reales e imaginarios, estatuas y relieves de la época romana así como diseños originales para chimeneas y muebles.





References

1. ^ Mercatorfonds, Antwerp and Eaton, Ruth. 2001. Ideal Cities: Utopianism and the (Un)Built Environment. Page193-194. ISBN 9061534755.
2. ^ BBC News. 8 August 2006. Valuable Russian drawings stolen. Accessed at http://news.bbc.co.uk/2/hi/europe/5255860.stm on 10 September 2009.

* Russian Constructivism and Iakov Chernikhov. Architectural Design magazine vol. 59 no. 7-8, London, 1989
* Documenti e Riproduzioni dall'Archivio di Aleksej e Dimitri Cernihov (Illustrated) ed. Carlo Olmo and Alessandro de Magistris, publisher Umberto Allemandi, 1995, ISBN 88-422-0474-9, in Italian

Antoine Pevsner

Las vanguardias en la escultura






Antoine Pevsner (18 de enero de 1888 - 12 de abril de 1962) fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero.

Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla.

En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger.


En una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo; en ese mismo año ve la exposición de Boccioni sobre construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente.

Pasa los años de la guerra con su hermano en Oslo; allí "durante dos años digieren juntos todas sus experiencias y desarrollan el arte que más tarde llamarían Constructivismo...Se puede suponer que Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma. Durante su formación como médico, Naum había aprendido a hacer construcciones tridimensionales para ilustrar fórmulas matemáticas, de modo que lo que surgió fue una fusión de una visión artística y un método científico" (Read).


Vuelve a Rusia en 1917 y enseña, con Kandinsky y Malevich, en la Academia de Bellas Artes de Moscú.

En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad, ya sea capitalista, socialista o comunista, dejando clara su postura frente al constructivismo y al suprematismo; enuncian en este manifiesto su idea del constructivismo y tratan de traducir sus conceptos de una realidad absoluta y esencial, en la realización de sus percepciones del mundo, en las formas de espacio y tiempo.


Dan forma al espacio por medio de la profundidad más que por el volumen y rechazan la masa como base de la escultura. "Las construcciones plásticas de Pevsner y de Gabo, no son exactamente esculturas, porque implican la intención de anular el concepto de escultura como disciplina tradicionalmente definida por unos procedimientos, finalidades y materiales. Aún más, se niega la escultura como forma cerrada que interrumpe la continuidad del espacio y lo define en relación a sí misma, como vacío opuesto a la plenitud". (Argan).

Sus obras están presentes en la exposición Erste russische Kunst Ausstellung, en la galería Van Diemen de Berlín, en 1922. Al año siguiente visita Berlín donde conoce a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandona la pintura y se vuelca en la escultura constructivista.

En 1923 se instala definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930.


En 1926 sus obras están incluidas en una exposición en la Little Review Gallery de Nueva York. Junto con Gabo, diseña la escenografía para el ballet La Chatte, producido por Sergei Diaghilev. En París, los dos hermanos están a la cabeza del grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

En el mismo año, la galería René Drouin de París organiza su primera exposición individual. En 1948 el Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta la exposición Gabo-Pevsner y en 1952 el artista participa en la Chef-d'ouvres du XX Siècle, promovida por el Museo Nacional de Arte Moderno de París.

En 1957 el mismo museo le dedica una exposición individual.

En 1958 está presente en la Bienal de Venecia, en el pabellón francés.

Muere en París el 12 de abril de 1962.

Marcel Mouly

Marcel Mouly (1918 – January 7, 2008)
Mouly nació en Paris en 1918. Antes de ser artista fue bodeguero y protésico dental. En 1935, despues de estudiar pintura en academias francesas, Marcel expezo a exponer sus trabajos en público. En 1942, Mouly fue arrestado por los alemanes acusado de ser espía. Fue confinado durante un año y fue quizas debido a esto lo que le indujo a dedicarse al arte. En 1943, se hizo amigo de Pignon y le dieron la primera oportunidad de presentarse en el salon de otoño en Paris con dos obras. Su amistad con Jacques Lipchitz le inluyó mucho en sus obras cubistas.Realizó muchas litografías.


Conocio a muchos artistas famosos como Fernand Léger.Fue influenciado por Braque, Matisse, y Picasso. Matisse le influyó en el uso del color estilo de los Fauvistas. Su primera exposición unipersonal tuvo lugar en 1949 en la biblioteca Bergamasque en Paris.

Jacques Lipchitz

Chaïm Jacob Lipchitz, más conocido como Jacques Lipchitz (Druskininkai, 22 de agosto de 1891 - Capri, 16 de mayo de 1973) fue un escultor cubista de origen lituano.



Jacques Lipchitz nació como Chaim Jacob Lipchitz en Druskininkai, entonces bajo el dominio de la Rusia zarista y hoy Lituania, hijo de un contratista judío. Primero, bajo influencia de su padre, estudió ingeniería, pero poco después, apoyado por su madre, se trasladó a París (1909) para estudiar en la École des Beaux-Arts y la Académie Julian.

Fue allí, en las comunidades artísticas de Montmartre y Montparnasse cuando se unió a un grupo de artistas que incluían a Juan Gris y Pablo Picasso y donde su amigo, Amedeo Modigliani, pintó El escultor Jacques Lipchitz y su mujer Berthe Lipchitz. Entró a formar parte del grupo de artistas cubistas en 1911. En 1912 expuso en el Salón Nacional de las Bellas Artes y el Salon d'Automne siendo su primera exposición individual en la galería L'Effort Moderne, de Léonce Rosenberg en París en 1920. En 1922 la Barnes Foundation en Merion, Pennsilvania le encargó cinco bajorrelieves. En esta primera etapa sus composiciones estaban reducidas a los elementos estructurales.


Hacia 1925 fueron más dinámicas, experimentando con el arabesco y las transparencias. Llamaba esculturas transparentes a experimentos con formas abstractas. Más tarde desarrolló un estilo más dinámico, que aplicó con elocuente efecto a composiciones animales y figuras de bronce.

Con la ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra Mundial, y la deportación de judíos a los campos de exterminio nazis, Jacques Lipchitz tuvo que huir de Francia. Con la ayuda del periodista estadounidense Varian Fry en Marsella, escapó del régimen nazi y, en 1941, se exilió a Estados Unidos. Allí acabó estableciéndose en Hastings-on-Hudson, Nueva York.


Su trabajo en el exilio frecuentemente adoptó caracteres monumentales y ejecutó obras próximas al Barroco y al Expresionismo.

Fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Se le ha identificado en la fotografía de la revista LIFE que mostraba a 70 de ellos. En 1954 una retrospectiva de Lipchitz viajó desde el MoMA en Nueva York hasta el Centro de Arte Walker en Minneapolis y el Museo de Arte de Cleveland. En 1959, su serie de pequeños bronces titulado «To the Limit of the Possible» (Hacia el límite de lo posible) se mostró en Fine Arts Associates en Nueva York.

Lipchitz enseñó a uno de los artistas contemporáneos más famosos, Marcel Mouly.

A partir de 1963 regresó a Europa donde trabajaba varios meses al año en Pietrasanta, Italia. En 1972 se publicó su autobiografía, con ocasión de una exposición de escultura suya en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Jacques Lipchitz murió en Capri, Italia. Su cuerpo fue llevado a enterrar a Jerusalén.

Maurits Cornelis Escher

Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselaciones y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

La obra de Maurits Cornelis Escher ha interesado a muchos matemáticos.

Maurits Cornelis Escher o M.C Escher o Escher el holandés nació el 17 de junio de 1898 en Leeuwarden (Países Bajos), siendo el hijo más joven de un ingeniero hidráulico. Su profesor F.W. van der Haagen le enseñó la técnica de los grabados en linóleo y fue una gran influencia para el joven Escher.

No fue precisamente un estudiante brillante, y sólo llegó a destacar en las clases de dibujo. En 1919 y bajo presión paterna empieza los estudios de arquitectura en la Escuela de Arquitectura y Artes Decorativas de Haarlem, estudios que abandonó poco después para pasar como discípulo de un profesor de artes gráficas, Jessurum de Mesquitas. Adquirió unos buenos conocimientos básicos de dibujo, y destacó sobremanera en la técnica de grabado en madera, la cual llegó a dominar con gran maestría.

Entre 1922 y 1935 se traslada a Italia donde realiza diversos bocetos y grabados principalmente de temas paisajísticos. Abandona Italia debido al clima político de aquellas fechas, trasladándose a Suiza, y pasó algunos años allí, cuyo clima le resultó muy desagradable y poco inspirador. Añora el sur de Italia y lo frecuenta repetidas veces. También viaja a España, y en particular a Granada. Visita dos veces la Alhambra, la segunda vez de forma más detenida, copiando numerosos motivos ornamentales. Lo que aprendió allí tendría fuertes influencias en muchos de sus trabajos, especialmente en los relacionados con la partición regular del plano y el uso de patrones que rellenan el espacio sin dejar ningún hueco.



En 1941 se muda a Baarn (Países Bajos), después de una estancia difícil en Bélgica (estamos en plena 2ª Guerra Mundial). Parece que debido al habitual mal tiempo de esa región, donde los días soleados se consideran una bendición, es por lo que abandona los motivos paisajísticos como modelos y se centra más en su propia mente, encontrando en ella una potentísima fuente de inspiración. Hasta 1951 vivió básicamente dependiendo económicamente de sus padres. A partir de entonces fue cuando comenzó a vender sus grabados y obtener un buen dinero por ellos. Esto le permitió vivir sus últimos años con una economía personal excelente. Generalmente hacía copias de las litografías y grabados por encargo. También hizo por encargo diseños de sellos, portadas de libros, y algunas esculturas en marfil y madera.




En cierto modo le resulta gratificante y a la vez fácil, y se admiraba de tener en su taller una especie de «máquina de fabricar billetes» reproduciendo sus propias obras. Normalmente no usaba elementos de obras anteriores en las nuevas, excepto en los encargos especiales. Hacía, por ejemplo, esculturas en madera basadas en algunos de sus dibujos, y para algunas peticiones especiales reciclaba parte de las ideas y elementos de obras anteriores.Quizás por ello en este período su producción sea tan fructífera y regular, y sólo se verá interrumpida por la operación que sufrió en 1962, consecuencia de su debilitada salud. En 1969 con 71 años realiza su grabado "Serpientes" donde demuestra sus facultades a pesar de su avanzada edad.

En 1970 se traslada a la Casa Rosa Spier de Laren, al norte de Holanda, donde los artistas podían tener estudio propio. En esa ciudad fallece dos años más tarde, el 27 de marzo de 1972 a la edad de 73 años.

NAIA DEL CASTILLO

Naia del Castillo (Bilbao, 1975) es una escultora y fotógrafa española.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, es master por el Chelsea College of Art & Design de Londres.

Respecto de su obra se ha destacado el trato del mundo de la mujer desde la metáfora, sin usar elementos combativos propios de otras épocas, resaltando en sus manifestaciones la ambivalencia entre la superioridad de la mujer como seductora y su posición de inferioridad en lo cotidiano.

Ha realizado múltiples exposiciones entre las que destacan las llevadas a cabo en el Museo Pablo Serrano de Zaragoza (2003), ARTIUM (Vitoria, 2004), PHotoEspaña y varias intinerantes en Alemania, Estados Unidos y Austria con la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior dentro del ciclo Pasión: Diseño Español (2002).

De la obra de Naia del Castillo en museos y otras instituciones, destacan las que se encuentran en el Museo de Bellas Artes de Santander, Maison Européene de la Photographie de París, Museum of Fine Arts de Houston, Academia de España en Roma y las fundaciones bancarias: Fundación Bancaixa, Fundación Caja Madrid y Fundació la Caixa.