JORGE CASTILLO

Jorge Castillo Casalderrey, (Pontevedra; 1933), pintor español.


Pasa su infancia en Argentina, donde su padre, negociante y viajero, tuvo que radicarse por razones políticas y donde morirá en plena Guerra Civil Española.

Desde sus primeros años ya dibujaba incansablemente, realizó una serie de ilustraciones inspiradas en los relatos de "Corazón", de Edmundo de Amicis, libro en aquellos años de divulgación considerable.


Fue un irregular estudiante, inicia trabajos manuales y escribe relatos. Un accidente callejero le lleva a trabajar en una industria mecánica, donde aprende dibujo técnico. Comienza a conocer la pintura contemporánea y lee incansablemente.

A partir de 1950 se dedica intermitentemente a la pintura y traba amistad con gallegos notables residentes en Buenos Aires, como Laxeiro, Manuel Colmeiro Guimarás y Luis Seoane.


Permanece en la Argentina hasta 1956, año en que viene a España y cumple el servicio militar en Zaragoza, donde parovecha el tiempo libre para pintar. En 1958 traba amistad con Juana Mordó, entonces a cargo de la Galería Biosca. Se relaciona con artistas españoles de renombre. Extiende inicialmente su nombre a París y fija residencia en Barcelona, donde se casa en 1961 y enviuda dos años más tarde. Se instala en París y conoce a la italiana Marienza Binetti, quien durante años ejercerá una intensa influencia en el artista, y a la que retrata incansablemente. Su obra se abre caminos en toda Europa y en Nueva York en los años finales de la década de los sesenta. Su tríptico de grandes dimensiones titulado "Palomares", sobre el incidente de la bomba atómica perdida por los norteamericanos en aguas del bajo Mediterráneo, alcanza fama mundial.

En 1969 es invitado a residir y trabajar durante un año en Berlín, donde realiza numerosas pinturas, grabados y esculturas. En los años sesenta la fama de Castillo se consolida, y sus exposiciones se producen en las principales galerías del mundo, lo que da lugar a que escriban sobre Castillo los más importantes críticos. En 1977 aparece la primera monografía sobre el artista gallego, escrita por Werner Haftmaum. En 1982 se vincula a la célebre galería Marlborough, árbitro del arte contemporáneo en Estados Unidos.

Nuevas monografías en diversos países entre ellas la escrita por Carter Ratcliff. Sus esculturas se emplazan en lugares públicos de las ciudades más importantes del occidente europeo. En España se consagra definitivamente con la publicación de la citada monografía de Ratcliff por ediciones La Polígrafa. Adquieren obra suya importantes museos, como el Guggenheim de Nueva York, donde al artista fija su residencia y tiene un amplio estudio.



En su ciudad natal, Pontevedra, se le dedica una sala especial durante la celebración de la Bienal, en 1988. La citada galería neoyorkina y el Meadows Museum de Dallas, Texas, le dedican grandes exposiciones que se repiten en Barcelona y Santiago de Compostela durante el año 1990.

La obra de Jorge Castillo figura en museos de todo el mundo, desde Estados Unidos a Jerusalén. Compostela será sede de su museo permanente, por acuerdo del artista con la Junta de Galicia y el Ayuntamiento de Santiago.

Se aproxima al surrealismo, del que parten muchas de sus creaciones, aunque también está cerca, a veces, de un cierto hiperrealismo muy personal.

Hay una etapa puramente testimonial, auque subjetivizada, en sus cuadros de Nueva York, donde la perspectiva de las arquitecturas gigantes de esta urbe es disculpa para ejercicios plásticos inconfundibles.

Tanto como su pintura importan su escultura y su obra gráfica, probablemente el aspecto que lo ha divulgado más en ámbitos internacionales.

Albert Bloch

Albert Bloch (1882-1961) fue un pintor estadounidense asociado a Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

Nació en San Louis, Missouri. Estudió arte en la Escuela de Bellas Artes de San Louis. Entre 1905 y 1908 trabajó como caricaturista e ilustrador para el semanario literario y político The Mirror, de William Marion Reedy. De 1909 a 1921, Bloch vivió y trabajó principalmente en Alemania .

Tras el final de la Primera Guerra Mundial , Bloch volvió a la Estados Unidos , enseñando en la Academia de Bellas Artes de Chicago durante un año, y luego de aceptó un puesto de Jefe Departamental de la Universidad de Kansas hasta su jubilación en 1947.

Carlos Alcolea

Me pregunto cuántas inquietudes le cabían a Carlos Alcolea en cada cuadro. No es difícil sentirse atraído por esa suerte de locura que convierte su pintura en una especie de palimpsesto de emociones y lecturas. él mismo se ha definido como un ser enfermizo, y de hecho sufrió una enfermedad grave siendo un niño.


Así, sólo desde esa actitud, capaz de destilar la oscuridad metafórica de un sueño y, al mismo tiempo, formular complejas ecuaciones a partir de formas matemáticas como la banda de Moebius o la todavía más compleja botella de Klein, podemos entender todo lo que en un único cuadro era capaz de concentrar Alcolea. Ese interés por la topología y, en concreto, por las superficies no orientables, llegará a ser una obsesión -Dassein, Autorretrato, Moebius y su amigo, Mickey Mouse, Las gafas, Alcolea por la mañana desayunando, etc.-.


Y de obsesiones se alimentaba Alcolea cuando trataba de pintar; tanto que en una ocasión se refirió a sí mismo como un cuerpo organizado para pintar, que no existe sino pinta. Literatura y pintura eran sus principales preocupaciones, y sabía jugar tan bien con ellas que, con la debida distancia, estimo que algunas de sus obras son de las que mejor han sobrevivido al paso del tiempo de aquel conjunto de artistas que consiguieron renovar la pintura figurativa en la España de los 70.


Carlos Alcolea (La Coruña, 1949-Madrid, 1992) es un artista clave para entender lo más singular de la nueva figuración madrileña. Lo advertimos al repasar rápidamente algunas de sus exposiciones individuales: galería Amadís, galería Buades, MEAC, galería Juana de Aizpuru… Mientras, entre sus colectivas descubrimos las míticas 1980 y Madrid D.F., entre otras.

Pero, sobre todo, nos damos cuenta de su valía cuando analizamos el modo que tenía de releer y plasmar sus influencias y pasiones: Hockney, Katz, Duchamp, Matisse, el abismo literario de Genet, Sartre, Lacan, Deleuze… Porque Carlos Alcolea era, más que nada, un gran lector capaz de asumir con naturalidad lo aprehendido y escupirlo con forma de pintura inquieta, esa que nace de la reflexión y del conocimiento. Si para algunos las ideas estropean la pintura al pensar que éstas no permiten dar salida al deseo irrefrenable de dar forma a las cosas, ése no es el caso de un Alcolea capaz de someter la imagen más líquida y congelarla; su defensa de Duchamp desde la pintura es significativa al respecto.

La pintura de Alcolea es una lucha contra la realidad. La necesidad de evasión le dará forma de disparate. La realidad de sus personajes y paisajes semeja haberse derretido. Todo es producto de derivar la imagen, de reconducirla. De ahí que no sea casualidad que sus personajes sean Mickey, Moebius, la reina de Inglaterra, Alicia en el país de las maravillas o a través del espejo, unos borrachos, él mismo… y sus paisajes escaleras, piscinas o Finisterre.

Alcolea buscaba el desdoblamiento a modo de necesidad interior. Como en los cuadros de Bacon, el cuerpo tiende a escaparse y la figura casi desaparece. Por eso Deleuze llega a encontrar a Bacon con Lewis Carroll y cita un fragmento de su Alicia que bien podríamos encajar en la pintura de Alcolea: “se borró muy lentamente… terminando por la sonrisa, que persistió algún tiempo después de que el resto del animal hubiera desaparecido”.


Finalmente, señalaré que aunque Alcolea fue “un pintor ajeno al drama” -como señala en el catálogo el comisario, Fernando Huici-, en sus últimos trabajos rompió con toda su poética anterior legando unos cuadros sombríos y pesados que ya en sus títulos nos anuncian otras búsquedas: La sombra de Joseph Beuys, Después de…, El arcipreste de ETA, Grupo de ‘católicos’ mirando cómo baila el Papa o Lágrimas de cocodrilo. Más que nunca podríamos recuperar una irónica frase que cerraba uno de sus textos: “Pintura haciéndose el muerto”; Alcolea dixit.

Ref- DAVID BARRO- EL CULTURAL

Willem Maris

Willem Maris (1844-1910)

Willem Maris, nació en 1844 en la Haya. Recibió sus primeras clases de arte de sus hermanos Jacob y Matthijs. Durante algún tiempo fue a una academia en la Haya y despues continuó sus estudios con el pintor de ganado Stortenbeker. En Mauritshuis en la Haya, Willem copió obras del pintor de animales del siglo XVII Paulus Potter. Desde niño Willem salía al exterior para dibujar el campo. En 1901 escribió en una carta: 'Recuerdo, que incluso, antes de los doce años, yo estaba en los campos dibujando vacas... estaba casi siempre trabajando fuera, en verano en los campos y en invierno en los graneros". Maris pintor muchos paisajes holandeses con animales, especialmente vacas y patos.

rijksmuseum

Ignasi Pinazo i Camarlench

Valencia 1849 - Godella 1916
Ignacio Pinazo recoge en su biografía todas las penalidades de un muchacho atraído por la pintura que vive en el seno de una familia humilde. Nació en Valencia en 1849 y tuvo que ganarse la vida desde muy joven, haciendo de platero, decorador de azulejos, sombrerero o pintor de abanicos. Inicia su aprendizaje artístico en serio a los 21 años, obteniendo su primer éxito tres años más tarde en Barcelona. En 1874 obtiene una pensión para trasladarse a Roma, a cargo de la Diputación valenciana. Al regresar a su ciudad natal, abandona la temática histórica imperante en la época para dedicarse a realizar escenas familiares - Lección de memoria -, figuras desnudas o recoger momentos de la vida popular, anticipándose así a Sorolla tanto en la temática como en el estilo, con una pincelada suelta y alegre, empleando tonos oscuros inspirados en Ribera y Ribalta. Sus obras le situaron entre los mejores artistas de finales del siglo XIX. Falleció en Godella en 1916.

ARTEHISTORIA

Chiho Aoshima

Chiho Aoshima (青岛千穂 ? , nació en 1974, Tokio , Japón ) es una artista japonesa pop y miembro del movimiento Takashi Murakami . Aoshima se graduó en el Departamento de Economía de la Universidad Hosei , Tokio. Realizó un curso en Art Pace, San Antonio, Texas en 2006. Esta joven artista gráfica comenzó en la fábrica de Murakami sin formación artística formal. La obra de Aoshima a menudo implica escenas surrealistas y oníricas, a menudo incluyendo fantasmas, demonios, la naturaleza y mujeres jóvenes.


La obra de Aoshima son imagenes a gran escala hechas en fuertes impresiones y tambien en materiales como la piel y superficies de plástico para darle a sus imágenes diferentes texturas. Aoshima ahora vive y trabaja en Tokio.



Aoshima también ha realizado un escultura y una animación, y ha realizado recientemente su imagen más grande aún que mide 32,5 metros de longitud y 4,8 metros de altura. Además, Aoshima tiene su trabajo en las paredes de la New York City Transit . Las imágenes de la estación de tren son parte de su serie de la Ciudad de resplandor.


También está mostrando su trabajo en una exposición en la estación de metro Gloucester Road en Londres y en la la estación de metro 14-Union Square, . AoshimaAoshima dice: "Mi trabajo son como hebras de mis pensamientos que han volado por todo el universo antes de volver a materializarse."


Las obras de Aoshima se consideran superflat, el movimiento artístico posmoderno que fue fundado por Takashi Murakami.

George Owen Wynne Apperley

(Ventnor, Isla de Wight, Inglaterra, 1884 - Tánger, 1960)George mostró desde muy pronto su inclinación por la pintura, la mitología griega y los estudios sobre las civilizaciones antiguas; estos primeros conocimientos marcaron su pintura posterior, de reminiscencias clásicas al margen del correr de los tiempos.


Viajó a Italia por vez primera en 1904, acontecimiento que como era de esperar marcó profundamente su desarrollo posterior. Ese mismo año fue admitida una de sus acuarelas para la exposición anual de la Royal Academy, y un año después volvió a Italia; también tuvo lugar su primera exhibición individual en la Baillie Gallery, todo un éxito en la prensa inglesa.


Fueron numerosas las exposiciones individuales en la Baillie Gallery, la Leicester Gallery y en Londres, en 1912, en la Walker’s Art Gallery, mientras se sucedían los viajes por Europa y, en especial, por Italia. En 1914 recaló en España. Durante este primer viaje pintó, fundamentalmente, acuarelas, como el Puente de Alcántara o Mañana en Granada. A partir del definitivo establecimiento en Granada, en 1916, y situado su estudio en la Placeta de San Nicolás, George se dedicó a pintar paisajes de los alrededores, retratos de mujeres españolas con trajes típicos
de la zona y gitanos del Albaicín. En España se casó en segundas nupcias con Enriqueta Contreras, con quien tuvo otros dos hijos, George y Riki.


Su primera exposición española tuvo lugar en Madrid, en noviembre de 1918, inaugurada por los reyes de España. A ella le siguieron exposiciones en Londres, en el Royal Institute of Painters in Watercolours y en la Royal Academy, de gran éxito en los medios de comunicación, eventos que alternaba con continuos desplazamientos a Italia y a Marruecos. De hecho, a partir de 1932 estableció su residencia en Tánger, donde siguió pintando sus conocidas composiciones pobladas por desnudos femeninos en distintas posturas, de regusto académico. En 1936 fue nombrado Comendador de la Mehdavia, por los “servicios a la causa” republicana; y en 1945 recibió la Encomienda de Alfonso X el Sabio, un honor nunca recibido en vida por un artista británico. Finalmente, en 1951, fue distinguido como miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Málaga.

En los primeros años de la República, la postura tradicionalista de Apperley le lleva a diversos enfrentamientos, que culminan con la colocación de una bomba en su casa. Este hecho hace que se traslade, en 1933, a Tánger, donde fija definitivamente su residencia, permaneciendo allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral. Murió en Tánger en 1960.

MANUEL MOLDES

Manuel Rodríguez Moldes, nado en Pontevedra en 1949, coñecido como Manuel Moldes, é un pintor galego.

Empezou a debuxar de moi novo. En 1968 trasládase a Madrid, para cursar a carreira de arquitectura técnica, que abandonou dous anos despois. Asistiu, tamén, ás clases de forxa na Escola de Artes e Oficios. Estudia Belas Artes na Facultade de Cuenca. Desde 1995 é Profesor de Debuxo na Facultade de Belas Artes de Pontevedra. No 2005 é nomeado Académico de Número da Real Academia Galega de Belas Artes.

Realizou a súa primeira exposición individual en 1970, en Pontevedra, e participou nas colectivas da Praza da Princesa en Vigo, onde conseguiu unha bolsa de estudos. Seguiu co seu traballo con exposicións en diversas cidades de España. En 1980 vincúlase ao movemento renovador do Grupo Atlántica. Participou en bienais provinciais; na de Pontevedra en 1990, conseguiu o máximo galardón.

A súa obra figura en museos provinciais de Galicia, en institucións e colecciónes particulares de España e do estranxeiro. Moldes é un neorrealista de raíz impresionista, cun debuxo rigoroso, en apariencia esquemático, aínda que en realidade moi barroco. Nas súas escenas existe un afán anunciador, case panfletario e acostuma traballar en grandes tamaños.

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Ernest Biéler

Ernest Biéler -1863 Rolle, Suiza- 1948 Lausanne -fue un pintor suizo.

Despues de completar su educación en Lausanne, estudió en la Academia Julian en Paris. En 1900, recibio la medalla de plata en la Exposición Universal de Paris. Fundó con Raphaël Ritz, Edouard Vallet y otros la Escuela de Savièse.

References

1. ^ Les peintres de l'École de Savièse