jueves, 26 de abril de 2012

Thomas Hart Benton


Thomas Hart Benton o Tom Benton (Neosho, Misuri, 15 de abril de 1889 - Martha's Vineyard, 19 de enero de 1975) fue un pintor estadounidense, famoso por su estilo fluido, con figuras escultóricas y luminosas representaciones de escenas cotidianas del Medio Oeste norteamericano. Junto a Grant Wood y John Steuart Curry, está considerado el gran representante del llamado movimiento Regionalista americano.
Hijo de un abogado y representante en el Congreso de Estados Unidos, desde su juventud Benton trabajó como dibujante para el periódico de Joplin Journal, editado en la ciudad de Joplin. En 1907 ingresó en el Art Institute of Chicago y en 1909 se trasladó a París para continuar su formación artística en la Académie Julian. En Francia, Benton trató a otros artistas como Diego Rivera o Stanton Macdonald-Wright. En 1913 regresa a Estados Unidos y se instala en Nueva York. En la Art Students League de New York tuvo como alumno a Jackson Pollock. En 1935 pasó a formar parte del profesorado del Kansas City Art Institute, en Kansas City, donde pintó numerosas escenas rurales y agrícolas.
En el Museo de Bellas Artes Nelson-Atkins se encuentra la mayor colección de obras de Benton. Entre otras, este museo posee una de sus pinturas más conocidas, su Persephone.


JOSÉ PARRA




El Alfil Purpura Lienzo Óleo Figura

Una mujer cuya única posesión podría ser un collar de perlas. El papel tapiz se está viniendo abajo, sin embargo ella sigue siendo la Duquesa

 


José Parra nació en 1975 en la ciudad de Guadalajara, Jalisco como parte de la tercera generación de pintores en la familia. A muy temprana edad tuvo su primer contacto con la pintura en el estudio de su padre, pero no fue sino hasta los 16 años cuando decidió integrarse formalmente al estudio-taller de su familia.
En 1997, después de acabar sus estudios en Administración en el Área de Mercadotecnia en el ITESO, decidió desarrollar su pasión por la pintura e ingresó a la escuela de Artes plásticas de la Universidad de Guadalajara. Posteriormente toma cursos de anatomía en el Art Studen’s League of New York.

Ha expuesto su trabajo en ciudades como New York, Chicago y Tucson en los Estados Unidos, así como, Toronto y Montreal en Canadá. 



Información- Galería Vertice

martes, 24 de abril de 2012

Alfred Hrdlicka




Alfred Hrdlicka [ˌalfʁeːt ˈhʁdlɪtʃka] (Viena, 27 de febrero de 1928 - 5 de diciembre de 2009) fue un escultor, dibujante, pintor y artista austriaco de origen checo. Fue un conocido militante contra la guerra, la violencia y el fascismo, pensamiento que influyó en la temática de sus obras.
"A mi no se me ocurre nunca nada . A mi siempre me llama algo la atención". Con frases como esta , Alfred Hrdlicka , el escultor y artista más importante de los que ha tenido Austria en el último medio siglo , se pavoneó a lo largo de su provocadora y polémica vida artística por las aulas de las universidades de Bellas Artes de Viena, Berlin, Hamburgo y Stuttgart .


 






Alfred Hrdlicka, Count down

Siempre en contra del 'main-stream', llegó a decir a sus alumnos que 'el que quiera hacer un culo con latas de cerveza, se ha equivocado de profesor'.
Una vez que salía de las aulas, se subía al escenario del escándalo . Sus esculturas, sus dibujos y sus lienzos, que siempre mostraban al ser humano en situaciones corporales extremas y sus sangrientos montajes descarnados simbolizando brutalmente el dolor humano , no dejaron jamás indiferente a la sociedad austriaca e internacional.
 Hrdlicka2.jpg
En 1964 participó en la Bienal de Venecia y en 1973 escandalizó a la sociedad austriaca con su ciclo pornográfico 'Sangre Vienesa'(nombre de un vals famoso) para protestar contra la detencion de Wilhelm Herzog, un librero que ofrecía literatura pornográfica.
"A Hrdlicka hay que quererle o rehusarle" dijo en una ocasión su galerista Ernst Hilger
El escultor no dejó a nadie impasible en este pais. Ni siquiera a su novia Flora Schneider que antes de suiciarse en 1999 intentó envenar al artista.
Tras esto, Hrdlicka se hundió en una profunda depresión y fue tras casarse con Angelina, hoy su viuda, cuando salió de su letargo artístico.
 Datei:Hrdl7.jpg

Como en tantos artistas austriacos, la muerte y la sexualidad siempre acompanaron la obra de este "convencido ateísta" y declarado comunista.
Aparte de su obra plástica (se formó como escultor de la mano de Fritz Wotruba) realizó coreografías de ópera como Fausto (1982) 'Intolleranza 1960' (1992)
Pero si hay un plaza en Viena que recuerda el desahogo del artista esta es la Plaza Albertina en pleno centro de la capital. En ella diferentes esculturas de cuerpos diezmados por la barbarie nazi y realizadas en 1991 con la piedra de la cantera de Mauthausen, se levantan ante un judío de piedra negra arrodillado y limpiando el suelo con un cepillo.
Hasta el propio cazanazis más importante de la historia, Simon Wiesenthal la calificó el conjunto del 'Monumento contra la guerra y el fascismo' de indigno.

Alfred Hrdlicka - Ohne Titel

Una de las últimas exposiciones sobre su obra gráfica  en el Museo Diocesano perteneciente a la catedral de Viena, volvió a levantar ampollas hasta en los círculos menos conservadores del pais. En 'Religion , Sangre y Poder' Hrdlicka representaba en uno de sus cuadros una versión de la última cena de Jesús con los apóstoles como una orgía homosexual. Tras las protestas se retiró únicamente el cuadro de la discordia.

Ref- EL MUNDO

Moïse Kisling

. (Cracovia, 22 de enero de 1891 - Sanary-sur-Mer, 29 de abril de 1953)- Nacido en Cracovia (Polonia) en 1891, estudió bellas artes en Varsovia y, convencido de que la buena pintura sólo podía estar en París, se trasladó a vivir a la capital francesa en 1910.A los dos años de su llegada a París consigue ya exponer en el Salón de Otoño y logra inmediatamente el reconocimiento de los especialistas y coleccionistas, de forma que siempre pudo vivir de su pintura. Kisling se relacionó inmediatamente con muchos de los grandes creadores del momento: Modiglani, Braque, Max Jacob, André Salmon, Chaim Soutine, Gris o Picasso.Durante la I Guerra Mundial resulta herido y pasa su convalecencia en España. Cuando retorna a París, su estudio se convierte en uno de los mayores puntos de encuentro artístico. En 1917 se casa con Renée Gros, con la que convive durante 35 años y quien le sirve profusamente de modelo.File:'Paysage de Provence', oil on canvas painting by Moïse Kisling, c. 1919.jpgSu intensa vida social corre paralela a su abundante actividad artística y su obra protagoniza innumerables exposiciones colectivas e individuales. La última exposición realizada en vida se celebró en 1953 y tuvo que ser suspendida una semana después de ser inaugurada a consecuencia del ataque de uremia que le llevó a la muerte.La exposición inaugurada anoche en Madrid constituye una selección de los diferentes momentos creativos de Kisling, de forma que se mezclan paisajes del sur de Francia -donde el artista y su familia pasaban largas temporadas - junto a retratos de mujeres y niños o bodegones de gran colorido. Todas las obras de esta muestra fueron realizadas en Francia, a excepción de un bodegón pintado en Polonia en 1912

 Ref- EL PAIS


IDA KERKOVIOUS

Ida Kerkovius, KompositionIda Kerkovius, Blumenstillleben (+ Stillleben mit zwei Vasen (study); verso) 

 Ida Kerkovius, Komposition


Ida Kerkovius - Ohne Titel (figurative Komposition)

Ida Kerkovius - Blüte auf gelbem Fond
IDA KERKOVIUS fue una pintora alemana (Riga, Letonia 1879, Stuttgart 1970). En  1903, despues de haber viajado a Italia, estudia durante cinco meses en  Dachau (Baviera) con  Adolf Hoelzel, con quien  se reune en 1906 en Stuttgart, en donde se instala definitivamente. De 1920 a 1923  pasa tres inviernos en la Bauhaus de Weimar para aprender  el tejido  y allí se encuentra con Klee y  Kandinsky. Desde 1933, el nuevo gobierno alemán le prohibe exponer. Despues de la muerte de Hoelzel  en 1934, visita Noruega, Francia, Italia, Suiza, los países  balcánicos y, por último, su país natal.  En 1939 se traslada a Stuttgart, en donde, sin  recursos despues de la completa destrucción de su taller,  sufre los desastres de la guerra.  Restablecida la paz,  se hace célebre,  y los  aspectos variados de su arte alclanzan su pleno desarrollo. Junto a la pintura al  óleo y el pastel,  perfecciona  la acuarela, sobre todo en la década de 1960.  En su obra, ella  misma distingue  dos fuentes y tres estilos. Nonagenaria pintó todavía grandes cuadros de una conmovedora  simplicidad, que narran recuerdos  de su infancia en un lenguaje  ingenuamente simbólico.
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Fuente - Diccionario Larouse de la pintura




lunes, 23 de abril de 2012

Irving Ramsey Wiles








Irving Ramsey Wiles (8 de abril de 1861 - 1948) fue un artista estadounidense de Útica, Nueva York.
Fue educado en el Instituto Sedgwick en Great Barrington, Massachusetts, y aprendió lo básico sobre la pintura de su padre, Lemuel Maynard Wiles (1826-1905), quien se centró principalmente en paisajes. Desde 1879 hasta 1881 estudió en la Art Students League of New York, con James Carroll Beckwith y William Merritt Chase, y más tarde en París con Carolus-Duran.
En sus primeros años trabajó como ilustrador para diversas revistas americanas, y más tarde se dedicó con gran éxito a pintar retratos. Era miembro de la Sociedad Americana de Artistas, la cual introdujo su elección de 1897 en la Academia Nacional de Diseño de los Estados Unidos como asociado.1 Wiles también fue miembro de la Sociedad Americana de Acuarela.
Entre sus obras se incluyen Russian Tea, Lady at Fireplace, y Scallop Boats, Peconic.
 

Irving R. Wiles (April 8, 1861 - 1948): Her Leisure Hour 1925 Art painting wonderful

domingo, 22 de abril de 2012

Charley Toorop

  



 (1891-1955)
La pintora holandesa Annie Carolina Pontifex Toorop, apodada Charley, era hija del famoso pintor Jan Toorop uno de los artistas simbolistas de mayor fama. Charley era miembro de la familia Fernhout-Toorop que tanta influencia tuvo en el arte holandés ya que, aparte de Jan Toorop y su hija, incluye a Edgar, John y Rick Fernhout, constituyendo un fenómeno artístico familiar realmente único.
Charley Toorop empezó dedicándose a la música iniciándose en la pintura hacia 1914. Su primera época estuvo fuertemente influenciada por el simbolismo de su padre y también por el expresionismo alemán aunque más tarde su estilo se tornó más sólido y naturalístico
 Charley Toorop sufrió tres accidentes cerebro-vasculares durante los últimos cinco años de su vida con múltiples infartos cerebrales que le originaron alteraciones neuropatológicas que se manifestaron en forma de una agnosia visuoespacial parcial

 La agnosia visual originada por lesiones en el lóbulo occipital constituye un desorden que hace que el paciente tenga dificultades para reconocer los objetos comunes en el espacio pero sin presentar dificultades motoras. Un paciente con agnosia visual será incapaz de reconocer o copiar dibujos de cosas familiares como un coche, pero en cambio, será capaz de dibujar objetos de memoria ya que el problema radica en la identificación de los objetos basada en la información visual

Charley Toorop - Three Generations

 El cuadro al óleo titulado Las Tres Generaciones, conservado en el Museo Boijmans van Beuningen de Rótterdam, está considerado una de sus mejores obras. En él están representados un autorretrato de la pintora junto a su hijo Edgar Fernhout y una escultura de su padre Jan Toorop realizada por John Radeker. Debido a su complejidad la pintora tardó nueve años en acabarlo, exactamente desde 1941 a 1950.
 El examen minucioso del extremo inferior izquierdo de dicha pintura, zona a la que se refería la artista como el agujero negro, permitió objetivar ligeras ondulaciones originadas por los repetidos retoques realizados por la artista para intentar corregir lo que consideraba imperfecciones estructurales y que en realidad correspondía a una zona ciega o escotoma  originada por la agnosia visuoespacial parcial por los infartos cerebrales.

[Still+Life+with+White+Pitcher.jpg]


 La sospecha fue confirmada mediante el estudio de la zona del cuadro mediante técnicas de manipulación de imágenes por ordenador
 REVISTA ESPAÑOLA DE OFTALMOLOGÍA-Revista en español sobre oftalmología

Annie Caroline Pontifex Fernhout-Toorop, más conocida como Charley Toorop (Katwijk, 24 de marzo de 1891 — Bergen, 5 de noviembre de 1955) fue una pintora holandesa, adscrita al expresionismo. Hija del pintor Jan Toorop, recibió la influencia del simbolismo de parte de su padre, pero más tarde evolucionó hacia un estilo más personal, de corte expresionista.
En 1916 se convirtió en un miembro del grupo de artistas llamado Het Signaal (La Señal), que representaba un profundo sentido de la realidad mediante el uso de colores y líneas muy acentuadas y feroces contrastes de colores. En 1926 se fue a vivir a Ámsterdam, donde su pintura recibió la influencia del cine, con figuras aisladas iluminadas como por lámparas en un set de filmación. Sus bodegones muestran en esa época un cierto parentesco con el cubismo sintético de Juan Gris. Desde los años 1930 pintó muchas figuras femeninas, así como desnudos y autorretratos con un estilo potente y realista, de un realismo con un cierto toque mágico. Muchas de sus obras pueden verse en el Museo Kröller-Müller de Otterlo.

 

Jan Toorop









File:O grave, where is thy Victory 1892 Jan Toorop.jpg 




Jan Toorop (Purworedjo, Java, 20 de diciembre de 1858- La Haya, Holanda, 3 de marzo de 1928) fue un pintor holandés a caballo entre el simbolismo y el modernismo.
En 1872 se trasladó con su familia a Holanda y estudió en Delft y Ámsterdam. En 1880 estudió pintura en la Rijksakademie de Amsterdam. De 1882 a 1886 vivió en Bruselas, donde se unió al grupo Les XX, cuyo máximo exponente era James Ensor. Toorop, en esa época, realizó una pintura que fluctuó de estilos: realismo, impresionismo, neo-impresionismo y post-impresionismo. Se casó con una inglesa en 1886, Annie Hall, y vivió a caballo entre La Haya, Inglaterra y Bruselas. Tras 1890 también pasó temporadas en Katwijk aan Zee, pueblo marinero holandés. En esta época desarrolló su personal estilo simbólico, que conjugaba motivos javaneses y simbólicos. Sus dibujos de álamos y figuras curvilíneas fueron en parte precursores de los patrones pictóricos del art Nouveau. Su hija Charley Toorop también fue pintora.

 

Boris Tarelkin




Central Bridge by Boris Tarelkin




Nacido en  1939 en la región de Krasnodar, Rusia, República URSS.
Graduado de la Escuela de Arte de Krasnodar.
Se convirtió en un miembro de la Unión Rusa de Artistas en 1986.
 
Boris es un Artista de Honor de la República Rusa de Mari El.

viernes, 20 de abril de 2012

Emanuele Cavalli







Emanuele Cavalli, Paesaggio fluviale con bagnanti

 Emanuele Cavalli, FIGURA CON COCORITA


Emanuele Cavalli (1904-1981) fue un pintor italiano que perteneció al movimiento moderno de la Scuola romana. También fue un fotógrafo de renombre, que experimentó con nuevas técnicas desde los años 1930.

El hijo de terratenientes de Puglia, Cavalli se trasladó a Roma en 1921 y allí se convirtió en estudiante del pintor italiano Felice Carena, y también asistió al colegio de arte local. En 1926 expuso unos cuadros en la Biennale di Venezia, donde expondría muchas veces.

Entre 1927 y 1930 Cavalli asistió a exposiciones con Giuseppe Capogrossi y Francesco Di Cocco, y también viajaron juntos a Francia en 1928, donde fue introducido por su amigo Onofrio Martinelli al círculo de "Italiens de Paris" (i.e. De Pisis, De Chirico, Savinio y otros). Expuso en el Salon Bovy de Paris con Fausto Pirandello y Di Cocco, antes de volver a Roma en 1930, donde asoció con la "Scuola romana".
En una serie de exposiciones que Cavalli dio entre 1931 y 1933, el artista empezó elaborar el estilo tonalista, un estilo pictórico y estético de que Cavalli se convertiría en uno de los intérpretes principales. Durante estas exposiciones recibió el apoyo de varios coleccionistas y críticos importantes, además del apoyo del autor italiano Massimo Bontempelli, el tío de su amigo Corrado Cagli y el promotor del realismo mágico, un movimiento literario y artístico que tuvo muchas similaridades con la pintura tonalista.
En 1933 Cavalli, con Capogrossi y Melli escribió el "Manifesto del Primordialismo plástico" que definó el tonalismo, con un énfasis particular en el lado espiritual y abstracto del estilo. En 1935 y 1943, Cavalli expuso un grupo de cuadros en la Quadriennale di Roma, desarrollando el tema de las relaciones entre la pintura y la música: expuso una serie de figuras femininas de tonalidades distintas, y explicó esta obra dentro de los términos de "sensitividad contrapuntal", comparándola a una "colección de preludios y fugas en tonos mayores y menores



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