Gabriel Alix

Gabriel Alix

  


 - Uno de los principales pintores primitivos haitianos, miembro de "la primera generación. Sus pinturas muestran naturalezas muertas, temas religiosos y animales.  



Nació en Saint- Marc, Haiti, en 1930 y murió en 1998

René Portocarrero

René Portocarrero (La Habana, 24 de febrero de 1912- íd., 27 de abril de 1985) fue un pintor cubano. Es en la actualidad considerado una de las figuras más destacadas de la plástica cubana y uno de los principales artistas del siglo XX en Cuba. Sus temas pictóricos están a menudo relacionados con la tradición afrocubana, abordada desde una perspectiva poética.  Su estilo, caracterizado por un vibrante colorido, ha sido considerado de raíz barroca.
Sus obras se encuentran en los museos más prestigiosos del mundo, pues figura entre los pintores más afamados de Cuba por la riqueza inagotable de su creación. Realizó más de 20 exposiciones personales y 60 colectivas.

 Nació en El Cerro, uno de los barrios periféricos de La Habana. Aunque asistió a clases en la Academia de Artes Plásticas San Alejandro, su formación fue principalmente autodidacta. Realizó su primera exposición, en el Lyceum de La Habana, en 1934. Más tarde trabajó en el Estudio Libre para Pintores y Escultores de La Habana, junto con Mariano Rodríguez.  Vinculado a la generación de poetas del llamado "grupo de Orígenes", publicó dibujos en varias revistas literarias, como Verbum, Espuela de Plata y Orígenes. Durante esta época publicó dos libros: Las máscaras (1935) y El sueño (1939), el segundo de los cuales incluía también textos del pintor.  Fue amigo del poeta José Lezama Lima, que escribió varios textos sobre la obra de Portocarrero.
En 1943 fue profesor de dibujo libre en la Cárcel de La Habana, donde pintó un mural de temática religiosa. Durante estos años inició también ciclos de obras, con títulos como Interiores del Cerro, Festines y Figuras para una mitología contemporánea.
En 1944 expuso sus obras en Nueva York, en la Julian Levy Gallery y en el Museo de Arte Moderno. Se interesó posteriormente por las fiestas populares cubanas, tema al que dedicó una serie de pinturas al pastel. Hacia 1950 comenzó a trabajar en la decoración de piezas de cerámica, en el Taller Experimental de Santiago de Las Vegas. Con esta técnica en llevó a cabo un mural de grandes dimensiones, titulado Historia de las Antillas, para el hotel Habana Hilton (hoy Habana Libre).

En 1951 recibió el Premio Nacional de Pintura por su cuadro Homenaje a Trinidad, actualmente en el Museo de Bellas Artes de Cuba, que supone el inicio de una serie de paisajes inspirados en la capital cubana, los llamados "Paisajes de La Habana".
En 1962, inauguró la exposición "Color de Cuba", sobre motivos de la santería afrocubana. El carnaval cubano fue el tema de otra de sus series de cuadros, "Carnavales" (1970-1971).
Participó en la Bienal de São Paulo en 1957 y 1963, y en la de Venecia en 1952 y 1966.
Portocarrero vivió abiertamente en relación de pareja con otro pintor, Raúl Milián, durante décadas

A lo largo de su carrera, René Portocarrero recibió numerosos premios y distiniciones. Entre ellos destacan el Premio Internacional Sambra, otorgado durante la Bienal de São Paulo de 1963; la Orden de la Cultura de Polonia; la Orden de Cirilo y Metodio, concedida por el gobierno de Bulgaria, en 1976; la Orden Félix Varela de la República de Cuba, en 1981; y el Águila Azteca, máxima condecoración concedida por la República Mexicana (1982)

 

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Nikolai Pozdneev

 Nikolai Matveevich Pozdneev, (en ruso: Николай Матвеевич Позднеев, 28 de septiembre de 1930, Leningrado — 10 de junio de 1978, Leningrado) - Artista soviético, miembro de la Unión de Artistas de Leningrado,  uno de los representantes de la Escuela de Pintura de Leningrado.

Nikolai Matveevich Pozdneev nació el 28 de septiembre de 1930 en Leningrado.  Estudió en la Escuela de Arte (1946-1950), en el Instituto Repin (1950-1956). Sus maestros fueron Vladimir Gorb, Victor Oreshnikov, Elena Tabacova, Alexander Debler, Andrei Mylnikov y Mikhail Bernshtein . Realizó exposiciones desde 1956. Pintó mayormente retratos, paisajes, naturalezas muertas  y escenas de género. Durante muchos años trabajó en  Maliy Gorodok,  en la Region de Tver.  Poseía una rara sensación natural para el  color. Fué  miembro de la Unión de Artistas de Leningrado desde 1957.
 En 1967  Nikolai Pozdneev fue galardonado con  una  medalla en una  de las mayores exposiciones de artistas de la URSS en Moscú. . Al igual que el propio maestro, su arte era ingenuo, lleno de optimismo, a veces irónico, habla de la plenitud de la vida.
Nikolai Pozdneev murió el 10 de junio de 1978 en Leningrado. Sus obras se conservan en el Museo Ruso, y otros museos y colecciones privadas en Rusia, Estados Unidos, Francia, Italia, Finlandia, Inglaterra, España, y otros países.

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César Yauri Huanay

César Yauri Huanay es un pintor peruano, nacido en el distrito de Ahuaycha, Huancavelica, Perú en 1962.

 César Yauri Huanay nació en el distrito peruano de Ahuaycha, en Huancavelica el año 1962. Después de terminar sus estudios en Pampas y alentado por su profesor de arte, Julio Camac (Chipchi), Yauri viaja a Lima deseoso de ingresar a la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, institución fundada por su paisano Daniel Hernández. En las calles limeñas pregunta por la Escuela pero nadie le da razón. Según narra Antonio Muñoz en 1995, un día domingo caminando por la "Colmena", por donde se exhiben cuadros "para turistas" le orientan, le dan la dirección y al siguiente día, regresa ilusionado y averigua los requisitos para la inscripción. Se prepara con ahínco e ingresa

En 1989 egresa de la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú con la promoción “Kawsaq Yupi” (Huella Viviente) obteniendo el Primer Premio “Surmeban”. Ha expuesto en varias exposiciones colectivas. Su primera Individual fue en 1991 en la Galeria Vargas de Camino Real en el distrito de San Isidro y su Segunda Individual en 1992 en la Galería L'Imaginaire de la Alianza Francesa en el distrito de Miraflores. La pintura de Yauri reinvidica a su estirpe en lo más representativo de sus costumbres festivas y mágico religiosas.
El pasado 21 de noviembre del 2007 con una obra hiperrealista titulada "Sueño de una madre", este pintor gana el primer lugar del XVI Premio López-Villaseñor de Artes Plásticas en Ciudad Real, capital de la provincia del mismo nombre (Castilla La Mancha)- España.

 Esta obra, donde aparece una mujer tendida sobre un diván que percibe en sueños la llegada de su hija, destacó entre otras piezas que se presentaron al concurso. No es el primer galardón conseguido en España por este pintor, pues el 2005 recibió su bautizo triunfal europeo al conseguir el primer premio de pintura en la IX Exposición Internacional de Pintura y Fotografía Ciudad de Alcázar de San Juan 2005, Ciudad Real, con la obra "Quijote pensando en Dulcinea". 

 

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Curiosamente para estas dos obras utilizó la misma modelo: Noelia Recuero de La Muñoza.
Los diarios de la Ciudad Real abundan en elogios. Se dice por ejemplo: "El gran impacto visual". Y es que cualquiera que haya tenido la oportunidad de contemplar el cuadro puede comprobar su enorme similitud a una fotografía. Destaca el dominio del hiperrealismo. Es muy accesible al mismo tiempo que el autor demuestra desarrollar con gran dominio la técnica



 

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Agustín Reche Mora

Agustín Reche Mora (Guadix, Provincia de Granada, 1954). Ubicado en el hiperrealismo español, es definido como "pintor realista, cronista de la ciudad dedicado a captar las vistas de Bilbao" ciudad en la que reside desde 1967. A partir de 1979 y hasta la actualidad, imparte clases como profesor en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao, departamento de pintura.
En el contenido de su obra se encuentra latente la pérdida de importancia del presente, lo escurridizo del tiempo y la impotencia del ser humano de no poder controlarlo. Aunque proviene de una tradición pictórica realista academicista, sus escaparates por la forma de reconstruir el espacio, nos acercan al mundo de la abstracción.

 Si bien se ha podido establecer un orden cronológico que ha situado la totalidad de las obras en tres periodos, las tipologías de los estilos y lenguajes practicados por Reche, no participan exactamente de ese mismo orden pues se simultanean en el tiempo. Esta diversidad de estilos y lenguajes pictóricos la encontramos también en Henri Matisse, Pablo Picasso , Giorgio de Chirico y Gerhard Richter. Aún así, tras el análisis de las obras y la detección de los aspectos constantes que conforman los grupos, podemos establecer un orden cronológico en la aparición de las tendencias practicadas: Naturalista,Expresionista, Pop, Surrealista e Hiperrealista.
 

 Etapa autodidacta, temas naturalistas con un carácter expresionista. El pintor explora la representación de los diferentes motivos del natural - seres, objetos y sitios- dentro de un respeto por las formas y colores locales. Ya se puede apreciar su visión analítica del arte, desde la influencia postimpresionista y por su interés de plasmar la realidad con un estilo constructivo y descriptivo de la forma. Practicará también la tendencia expresionista y experimentará en esos tipos de deformaciones, exageraciones, o manipulaciones subjetivas en la representación del referente exterior.
 

 Las obras naturalistas evolucionan hacia el realismo. Este segundo periodo, en cuanto a las selecciones que realiza el pintor dentro del mundo del arte, a la consolidación de su carácter investigador y al alcance de su nivel de representación de análisis, comienza su desarrollo profesional. Expone por primera vez individualmente, y consigue varios premios en concursos de rango nacional en Bilbao, Alicante, Valladolid, Granada. También participa en numerosas exposiciones colectivas, en el Palacio de Velázquez, Centro Cultural de la Villa, actualmente Teatro Fernan Gómez Madrid y el Museo de Bellas Artes de Bilbao Museo de Bilbao. En los primeros años de este periodo el pop-art será otro de los lenguajes que adopte, tematiza las cualidades gráficas bidimensionales de la imagen. Dentro de la tendencia surrealista, el pintor construye imágenes con referentes no reales, muy subjetivos, composiciones con lenguajes derivados del cubismo.
 

 Reche /(Página de Reche) comienza su compromiso como pintor hiperrealista con la obra "Cafetería Windsor" el año 1986, al optar por este estilo contemporáneo, el hiperrealismo, consigue expresar aspectos de la realidad, sobre todo a través de los motivos urbanos actuales. Esta representación ofrece un alto grado de visión del referente, gran claridad visual, y una enorme densificación de la superficie del plano de representación. Mantiene este lenguaje, aunque simultáneamente pueda representar en pequeños tamaños otros lenguajes, siempre afines al realismo. Para conseguir el máximo aspecto de realidad Reche persigue la representación del motivo con un alto nivel de iconicidad, que procede de la documentación fotográfica, representándolo dentro de una pensada composición formal.

 
La temática del paso del tiempo se aborda dentro del lenguaje hiperrealista  retratando imágenes contemporáneas en la conciencia de que van a desaparecer, lo que supone la pérdida de importancia del presente. En alguna de sus obras se hace patente el tema de "la Vánitas"  a través de la representación de las obras en la ciudad, como en "Euskalduna en ruinas" y de "la fugacidad de la vida" como en "Obras del Metro".
En algunos cuadros ha representado versiones imaginarias del paso del tiempo como ocurre en "El nuevo San Mamés" y en "Crepúsculo".Otro aspecto importante en su pintura es la incorporación imaginaria de reparaciones en la calle, que podemos observar en muchas escenografías de sus cuadros, como en "Ercilla hacia la Plaza Moyua".
 

La estética de la arquitectura, siempre referida a un momento concreto de la historia, expresa su relación atemporal con el hombre: el entorno en el que se vé inmerso, el que verá comenzar y después desaparecerá, dentro de unos espacios que le son ajenos, ya vividos por otros en el pasado y que otros viviran en el futuro; la arquitectura como un marco donde suceden diversos ciclos vitales. Los edificios en construcción, las obras en la ciudad, son un retrato del paso del tiempo. La destrucción o la ruina son la huella que queda con el transcurso de los años. Los coches suponen su relación biográfica con el tiempo, son una posibilidad, la huída y la libertad. Debido a su carácter escultórico, como representación del diseño contemporáneo, también los utiliza para concentrar el interés visual en algunas partes de la composición compensando las masas arquitectónicas y que en sí mismas tienen el mayor atractivo del cuadro.
 
 El motivo del espacio urbano no sólo refleja un interés arquitectónico y documental sobre este tipo de espacio, (biográfico, desde el interior de la ciudad con sus edificios) sino que subraya varios aspectos: la importancia de su arquitectura -edificios que estuvieron allí en ese momento y hoy pueden haber sido derribados-, planteando al espectador nuevas maneras de contemplar la ciudad.
 El carácter se expresa a través de tres elementos plásticos que más se alejan de la expresión fotográfica y que más la corrigen: el color. el espacio y la luz, a través de los cuales podemos detectar las dos influencias pictóricas fundamentales en este artista: Richard Estes   y Canaletto , dos caracteres diferentes dentro de la representación de motivos urbanos. Otros pintores de influencia menor, pero no menos importante en la representación del paisaje son: Bernardo Bellotto y Jan van der Heyden dentro de la corriente dieciochesca, De Chirico, Delvaux, Ernest, Dalí... desde el surrealismo. Otras influencias contemporáneas son Gerhard Richter (en lo referente a la tematización de lo visual), Edward Hopper (soledad) y Ralph Goings  (reflejos).
 

 El color en sus imágenes, expresa efectos subjetivos, forzados hacia diferentes expresiones, mostrando un determinado momento de la luz solar y una determinada armonía cromática
Utilizando siempre una amplia paleta, la superficie adquiere una especial vibración, que se acerca a la organización del impresionismo con abundancia de fragmentaciones de los campos cromáticos, y con numerosos matices que en ellos encontramos.

La luz

Se expresa a través de diseños de claroscuro claros sin llegar al sistema de luces barroco (máximo contraste). La gran cantidad de detalles de las formas en las zonas en sombra, hacen que resulten visualmente más claras, alejándole del carácter fotográfico.

 

Basado en imágenes que vuelven la mirada al pasado como fuente de inspiración, recordando la estética y valores del pasado y cuya finalidad es plasmar la pérdida de importancia del presente. Ese acercamiento al pasado se realiza o bien por los aspectos formales: motivo, composición, armonía... "Bilbao. La Naja 1902", "Reparaciones en el muelle" o por el contenido, "Museos Capitolinos. Roma" y "Reche. Museo de reproducciones y D Manuel Balsa 1999".

Realismo objetivo-fotográfico

Retrata imágenes contemporáneas en la conciencia de que van a desaparecer. El objetivo perseguido es la identificación entre cuadro y realidad, no entre cuadro y fotografía. El pintor no imita, escoge, selecciona, ordena y traduce informaciones gráficas de la realidad. Esta operación abstracta se condensa en un cuadro de aspecto fotográfico, donde la manipulación es evidente. Se debe observar también la densidad y variedad de formas, objetos o signos que utiliza y que dan al conjunto una expresión barroca. Las imágenes están llenas de efectos lumínicos, reflejos, penumbras con gran cantidad de detalles, metales, transparencias, brillos, destellos... . La textura del lienzo es imperceptible, permite la contemplación de la realidad con una nitidez máxima. La ocupación espacial, en el reparto de masas son los edificios los que ocupan la mayor parte de la extensión del lienzo, seguidos por el suelo y el cielo. Los pesos visuales están representados por contrastes cromáticos y acromáticos.

• En algunos de sus cuadros Reche sitúa connotaciones relativas a la "Historia de la Pintura" o a la pintura misma, así como a lugares que contienen connotaciones sentimentales.
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• En 1984 la cafetería y sala de exposiciones Windsor, realizó una exposición colectiva de artistas contemporáneos, con motivo de homenajear al pintor vasco Aurelio Arteta. Reche coloca en el escaparate de "Cafetería Windsor 86" un cuadro de Arteta perteneciente a la serie de "Pescadores".

• En Algorta II, muestra en primer plano un portal que hace las funciones plásticas de escaparate. En el mismo, Reche coloca un cuadro de Brueghel con temática invernal, contrastando con la representación del paisaje veraniego que aparece en el cuadro. En el escaparate de "Galería Bay Sala", muestra obras del pintor vasco Elías Garralda, junto a un libro dedicado al mismo pintor. Es una galería muy frecuentada por Reche, especializada en obras de artistas relacionados con el impresionismo y el postimpresionismo.

En "Ercilla" 86, coloca un cuadro de Giorgio de Chirico en el escaparate del primer plano, pintor metafísico que compone espacios con mezclas de perspectivas y escalas diversas significativas estudiadas por Reche., en el kiosco central se exponen numerosos ejemplares del cómic Tintín de Hergé  y el árbol estratégicamente colocado nos indica, mediante una rama, el domicilio donde vivió el pintor por última vez con sus padres. Este cuadro recuerda al vedutismo, siglo XVIII, por la manera de ver el espacio: desde arriba, con un punto de vista elevado, como algo que informa de un territorio "vista del lugar", utiliza como recurso espacial una marcada perspectiva lineal, plantea dos fachadas escorzadas estableciendo las distancias escalonadas suavemente desde el primer plano hasta un punto en la lejanía que detiene la mirada.
 

El escaparate marca una dinámica espacial: el contraste de la perspectiva lineal con este espacio cubista, formado por superposiciones e intersecciones y cruzamientos de paredes, suelos, planos de cristal de ventanas o puertas, y los reflejos y dobles reflejos de todo ello entremezclado, recuerdan los planos transparentes interseccionados de la cuarta dimensión, al mismo tiempo nos sitúa en un espacio donde se da la circunstancia de que lo que tenemos delante, al mismo tiempo está también detrás.
 

El ojo al mirar un reflejo sobre un cristal solo es capaz de de enfocar una imagen, el reflejo o el interior, pero el pintor tiene en su mano plasmar en un cuadro ambas miradas a la vez, convirtiendo la realidad en una fantasía, planteando el juego de realidad/irrealidad.
"La realidad y los reflejos de realidad se hacen indistinguibles los unos de los otros, incluso la realidad se convierte en una fantasía, en vez de ser detalles que objetivamenten expliciten la realidad."

Las figuras en los cuadros permiten al espectador construir historias a su alrededor, al prescindir de ellas , es más pura la experiencia visual sobre el espacio urbano, sin renunciar nunca a ellas, su presencia se hace más notoria en las últimas obras.
Los cuadros presentados, además de la riqueza pictórica y del nivel de iconicidad que contienen, presentan un valor documental que puede interesar a otros ámbitos que no son sólo el artístico como: el arquitectónico, el histórico... ya que dejan constancia de los cambios acontecidos con el paso del tiempo.
La modificación de un reflejo, un traslado, la posición de una luz, o el poner o quitar un automóvil, son cambios demasiado sutiles para alterar sustancialmente a uno su respuesta hacia las pinturas, se deben al sentido intuitivo del propio pintor, al equilibrio y a la tensión que, obviamente, no puede ser considerado tan simple como una confirmación de veracidad o una reproducción de la realidad

 

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Arnulf Rainer

 

 




Arnulf Rainer, (nacido en Baden, Austria, 8 de diciembre de 1929), es un pintor austriaco reconocido internacionalmente por su arte informal abstracto.
En sus primeros años, Rainer recibió la influencia del surrealismo. En 1950, fundó el Hundsgruppe (grupo de perros) junto con Ernst Fuchs, Arik Brauer y Josef Mikl. Después de 1954, el estilo de Rainer evolucionó hacia la Destrucción de las formas, con ennegracimientos, repintados y enmascaramiento de ilustraciones y fotografías, dominando su trabajo posterior. Estaba cercano al Actionismo de Viena, presentado body art y pintura bajo la influencia de las drogas.
En 1978, recibió el Gran premio nacional de Austria. En ese mismo año, y en 1980, se convirtió en el representante austriaco en la Bienal de Venecia, en 1981 recibió el Premio Max Beckmann. Desde 1981 hasta 1995, Rainer mantuvo el cargo de profesor en la Academia de Bellas Artes de Viena - el mismo lugar donde había dejado sus propios estudios, después de tres días, insatisfecho.
Sus obras se muestran en el MoMA y en el Museo Guggenheim. Como culminación de la estima por su obra, en 1993 se inauguró en Nueva York el Museo Arnulf Rainer.

 

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Milton Resnick

Milton Resnick, pintor de Nueva York conocido por sus lienzos austeros, densamente empastados y casi monocromos, murió el 12 de marzo de 2004  en su casa del Este de Manhattan. Tenía 87 años Su esposa, la pintora Pat Passlof, informó de que Resnick se había suicidado.

Cambiante, sarcástico, indefectiblemente directo, muy leído y extraordinariamente fiel al ideal de la vida dura y solitaria del pintor, Resnick encajaba de muchas maneras en el estereotipo popular del artista bohemio acosado por la angustia.

En la introducción de su colección de entrevistas y conferencias, Fuera del cuadro: Milton Resnick y la Escuela de Nueva York (2002), el crítico y artista Geoffrey Dorfman cuenta cómo un joven que reconoció a Resnick en la calle le preguntó si podía acompañarle en su paseo. "¿Es usted pintor?", preguntó Resnick. "No", contestó el joven. "Entonces no puede", dijo Resnick.
Desde el punto de vista de la longevidad y dedicación a los primeros principios, Resnick podría ser considerado el último pintor expresionista abstracto. En cuanto a la cronología, podría reivindicar hallarse entre los primeros.

Nacido en Ucrania en 1917, emigró a Nueva York con su familia en 1922 y se crió en Brooklyn. Se fue de casa siendo adolescente, cuando su padre le prohibió que se convirtiera en artista.
Mantuvo relaciones amistosas con pintores de la talla de Ad Reinhardt, Willem de Kooning, Elaine Fried e Ibram Lassaw. 

Trabajó brevemente en el proyecto artístico WPA y empezó a pintar abstracto a principios de la década de los cuarenta; fue miembro fundador del Club, el foro Expresionista Abstracto. Sin embargo, Resnick estaba, según sus propias palabras, fuera del cuadro. Como había pasado buena parte de la década de 1940 en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial y estudiando en París gracias a la ley de los soldados alistados, se consideraba generalmente que había trabajado a la sombra de de Kooning y, por tanto, se le relegaba a la segunda generación del expresionismo abstracto, cosa que le ofendía amargamente.

 Con el paso de la década de los cincuenta, sus contemporáneos empezaron a destacar y asomaron el arte pop y el minimalismo; él llegó a sentirse excluido del pasado del mundo artístico de Nueva York así como de su presente.

La obra madura de Resnick llegó a finales de los años cincuenta, cuando cuajaron su obsesión por la pintura y su admiración por Cezanne y Monet y empezó a permitir que sus amplias y rápidas pinceladas impresionistas construyeran superficies incrustadas dominadas por un solo color. Inflexible en su rechazo al dibujo, la composición y el contenido, estas obras presentaban espacios envolventes que eran líricos e inquietos al mismo tiempo.
Resnick enseñó en escuelas de arte de todo el país, entre ellas en la escuela Studio de Nueva York.Hizo 25 exposiciones en solitario, comenzando en la Poindexter Gallery en 1955, las diez últimas en la Robert Miller Gallery, siendo la más reciente la de 2002. -

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