“Tenía 13 años y sufría porque no sabía que hacer en la vida. Nada me había revelado aún la profundidad de mi sensibilidad ... Decidí someterme a una experiencia extraña: sufrir la sensación absorbente de la muerte. Pensé que una emoción fuerte, que se acercaba violentamente al peligro, que descifrara mi personalidad. Y mira lo que hice. Nuestra casa estaba cerca de la estación Barra Funda. Un día salí de casa, até mis trenzas de niña con fuerza, me tumbé debajo de los travesaños de la vía y esperé a que el tren pasara sobre mí. Fue una cosa horrible e indescriptible. El ruido ensordecedor, el aire cambiante, la temperatura asfixiante me dieron una impresión de delirio y locura. Y vi colores, colores y colores que rayan el espacio, colores que me gustaría arreglar para siempre en la retina embrujada. Fue la revelación: decidí dedicarme a la pintura ".
Anita Catarina Malfattiga -Sao Paulo 1889-1964 -Pintora brasileña considerada la introductora de las vanguardias en Brasil.
Hija de padre italiano y madre americana, desde la niñez, alentada por su madre, profesora de arte, mostró gran interés por la pintura. Debido a una atrofia en su brazo derecho, se vio obligada a pintar con el izquierdo.
Financiada por sus padres viajó a Berlín y allí estudió con importantes artistas del expresionismo alemán.
Despues de regresar a Brasil, viajó a Nueva York para estudiar con Homer Boss, cuya obra había conocido en una exposición en Colonia. Las enseñanzas de Boss tuvieron un gran impacto en la obra posterior de
Malfatti, sobre todo en lo relativo al estudio de la anatomía.
Durante su estancia en Nueva York pintó los cuadros considerados como los más interesantes de su producción. En su segunda exposición, en Sao Paulo, en 1917, aunque cuidó mucho la selección de sus obras, fue duramente criticada por sus innovaciones, consideradas contrarias a la tradición brasileña.
En 1922, Malfatti tomó parte en la Semana de Arte Moderno de Sao Paulo junto a Tarsila do Amaral,Mario de Andrade, Oswald de Andrade y Menotti del Picchia.
En 1923 recibió una beca del Estado de Sao Paulo y viajó a París y a partir de entonces abandonó el expresionismo y comenzó una carrera artística más convencional.
En 1928 regresó a São
Paulo, y participó en las actividades del grupo modernista. En la década
siguiente, debido a sus dificultades económicas, se centró cada vez más
en la enseñanza de la pintura y el dibujo, y como creadora se
especializó sobre todo en el retrato.
1939- Pintora, escultora, educadora, escritora y artista experimental americana. Estudió en la universidad de California, en los Angeles, donde practicamente ha desarrollado toda su carrera profesional. Quizás la artista feminista más famosa y junto a Miriam Schapiro fundó en 1971 el programa de arte feminista en el Instituto de las Artes de California. Es conocida, sobre todo, por su escultura "The Dinner Party", una obra que celebra los logros de las mujeres a lo largo de la historia, considerada como la primera obra de arte épica feminista y que ha sido vista por multitud de personas en distintos lugares, dentro y fuera de los Estados Unidos.
Más adelante, la maternidad fue otro de los temas que con más frecuencia abordó. The Birth Project (1980-1985) ensalza el papel femenino de la maternidad negado en la creación del mundo según la narración del Génesis, desde el punto de vista de Chicago. Se compone de un centenar de paneles que exploran la construcción del concepto de lo masculino y cómo los roles de poder han afectado al comportamiento de los hombres.
Ese trabajo empezó a cobrar forma después del fallecimiento de su hermano y de su madre, por lo que podría interpretarse como un homenaje, un recuerdo a la figura materna y a la importancia simbólica y real de la maternidad en las sociedades más apegadas a las tradiciones.
Richard Diebenkorn, uno de los pintores americanos más destacados. Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, Diebenkorn definió su pintura como "Ia tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.
Nacido en Portland, Oregón, el 22 de abril de 1922, su familia se trasladó a San Francisco cuando él sólo tenía dos años. Desde los 18 a los 21 años estudió en la Universidad de Stanford (Califórnia), y allí empezó a interesarse por la pintura, especialmente por la obra de Edward Hopper, del que se observa una fuerte influencia en su obra de principios de los años cuarenta.
En 1943, durante la II Guerra Mundial, se alistó en los marines. Su destino en la base de Quantico le dio la oportunidad de visitar la Phillips Collection en Washington y de conocer la obra de Bonnard, Picasso, Braque y, sobre todo, Matisse, una de las influencias más decisivas en su pintura.
Desde 1947 hasta 1950, Diebenkorn recibió las enseñanzas y la influencia de Mark Rothko y Clyfford Still, dos de los más destacados representantes del expresionismo abstracto en Estados Unidos, en la California School of Fine Arts. Sus trabajos dentro de esta línea fueron expuestos con gran éxito en 1948 en el California Palace de San Francisco.
Sin embargo, ante la sorpresa general, a mediados de los años cincuenta, Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros en obras como Girl on terrace (1956), Girl with cups (1957) o Man and woman in a large room (1957). En 1960 participa en la exposición organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York sobre el tema Nuevas imágenes del hombre.
En 1966 se traslada a San Francisco para enseñar en la Universidad de California. Paralelamente, Diebenkorn vuelve de la figuración al arte abstracto, precisamente cuando el pop art ponía de moda el arte figurativo. Más de un centenar de cuadros, especialmente los de la serie Ocean Park, muestran el equilibrio, el control y el extraordinario lirismo de esta etapa.
Su espaldarazo internacional le llegaría en 1978, cuando, junto con Harry Callahan, representó a Estados Unidos en la 38a Bienal de Venecia.
La Whitechapel Art Gallery de Londres organizó una exposición retrospectiva de su obra, con una cuidada selección de medio centenar de telas, que viajó por Alemania, España -donde su obra sigue teniendo gran influencia- y California.
1916-1991).
ELMER BISCHOFF conocido como fundador de la figuración del
Área de la Bahía de San Francisco, junto con sus amigos y colegas Richard
Diebenkorn y David Park.
Despues de graduarse en la universidad de California, Berkeley, comenzó a dar clases en Sacramento. La Segunda Guerra Mundial cambió su vida. En 1941 fue teniente coronel en los servicios de inteligencia de las Fuerzas Aéreas del ejército americano, estacionado cerca de Oxford , y regresó a los Estados Unidos en noviembre de 1945.
Habiendo experimentado previamente con el surrealismo y la abstracción a
lo largo de la década de 1940, comenzó a trabajar
figurativamente en 1952.
La fuerte influencia de Toulouse-Lautrec y Bonnard en Bischoff es
evidente sin embargo, a mediados de la década de 1950, su pincelada y paleta se volvieron más firmes, mientras que
su tema sugiere un estudio minucioso de Edward Hopper y Edvard Munch.
Como desarrollo final, a finales de la década de 1960 Bischoff cayó
bajo el hechizo de Richard Wagner, cuyas óperas escuchaba casi a diario.
Su fascinación con Wagner, y con el misticismo y la mitología alemanas,
explica las cualidades cerebrales a gran escala y recientemente
notables en su trabajo de esta época. En 1972, después de 20 años de trabajo figurativo, volvió a la abstracción.Para Bischoff, el cambio a la abstracción fue liberador, pero es su
trabajo figurativo la base de su reputación y todavía se considera el
punto culminante de su logro artístico.
Umberto Primo Conti, el pintor, compositor y escritor italiano se interesó desde niño por la pintura, y su autorretrato, que hizo a la edad de once años, tuvo una respuesta notable entre los críticos. En 1913 compuso la obra musical Romanza para violín y piano y tuvo un primer encuentro con los futuristas florentinos, por los cuales tenía interés y que creció cuando conoció a Giacomo Balla en Roma y Filippo Tommaso Marinetti en 1917.
En Nápoles, decidió unirse al Movimiento Futurista. Al futurismo dio una contribución fundamental con las pinturas y dibujos ejecutados entre 1917 y 1919, año en que su estilo evolucionó hacia una visión metafísica. De 1935 a 1939 colaboró con el Maggio Musicale Fiorentino con decorados, bocetos y disfraces; En 1941 se convirtió en profesor de pintura en la Academia de Bellas Artes de Florencia. De 1947 a 1957 fue presidente de la Sociedad de Bellas Artes. Entre 1948 y 1963 pasó por una profunda vocación mística y se convirtió en parte de la Orden Franciscana. En 1983 publicó su autobiografía. En 1980, donó su villa en Fiesole donde había elegido crear su propia colección de vanguardias históricas y que todavía existe como el Museo Primo Conti, con su colección de pinturas y su archivo
Juan Vidales Pousa, nacido en La Bañeza (León) el 27 de diciembre de
1965. Estudia Pedagogía, Psicología y Artes Aplicadas en Santiago de
Compostela. Participa en diversos talleres literarios en la Facultad de
Filología de la Universidad de Santiago de Compostela. Entra en contacto
con el grupo poético Serán Vencello y colabora en la revista Ólisbos.
En su andadura por Santiago conoce a Uxío Novoneyra, Manuel Lourenzo y
Miguel Anxo Fernán-Vello entre otros importantes escritores. Se dedica,
desde los dieciocho años, exclusivamente a la pintura y la poesía. Vive
en Baiona, aunque Vigo es prácticamente su ciudad natal.
Nada partido por dos es la segunda antología poética que publica y que
viene precedida por Morir en tu calma (2013), con la que se reveló como
poeta
Nace el 12 de julio de 1942 en Asturias. Su infancia transcurre entre
Asturias y Madrid, desarrollándose en un ambiente familiar artístico
que es determinante en su vocación pictórica. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, licenciándose en 1969.
En
paralelo a su actividad pictórica, crea en 1970 el Estudio de Artes
Plásticas Teresa Muñiz, que sigue funcionando en la actualidad, y donde
desarrolla un trabajo didáctico. En 1976 realiza la escenografía infantil de la Ópera El Bosque de Sama, en el Real Coliseum Carlos III de El Escorial.
Interesada
en las técnicas gráficas, realiza estudios de xilografía y calcografía
en Urbino (Italia) y técnicas experimentales gráficas en Venecia. A partir de entonces, desarrolla su trayectoria pictórica dentro del expresionismo abstracto.
Viaja a Alemania y Estados Unidos.
Participa
en numerosas muestras colectivas e individuales. Obras en colecciones
de la Biblioteca Nacional. Instituto Nacional de Grabado de Urbino
Italia. Fundación Municipal de Cultura Valladolid. Caja Segovia
Cajastur.
En 1987 trabaja como colaboradora en la Escuela de Diseño de Moda de la Universidad Politécnica de Madrid.
En
1999 es invitada por la Universidad de las Américas de Puebla (Méjico)
para realizar el taller de pintura “Técnicas del Agua”.
Actualmente, abandonando la gestualidad de etapas anteriores, su obra pictórica es más estructurada e intensa.
En la década de 1880, en Francia, el pintor postimpresionista George Seurat (1859-1891)(quien además había fundado Société des Artistes Indépendants) fue uno de los primeros en desarrollar el puntillismo. Paul Signac fue otro fundador del estilo y otros destacados artistas que utilizaron la técnica incluido Vincent van Gogh, fueron. Henri-Edmond Cross, John Roy, y Henri Delavallee.
Una famosa pintura de Seurat qu erefleja este estilo es “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, que le llevó dos años de trabajo y se convirtió en uno de los iconos de la pintura del siglo XIX. Los puntillistas utilizaron temas de la naturaleza en sus obras tratando de crear una armonía vidual en la composición de colores.
Puntillismo fue llamado primero “divisionismo” por sus practicantes. El nombre ‘puntillismo’ acuñado poco tiempo después tenía la intención de burlarse del estilo. Hoy ‘puntillismo’ es un término aceptado en pintura para este estilo, y no tiene connotaciones burlonas. Algunas personas todavía utilizan el término “divisionismo” para referirse a las pinturas similares a puntillismo, pero esta etiqueta se utiliza con mayor precisión para enfatizar la teoría técnica del color que se utiliza en muchos de esos cuadros. Mientras puntillismo utiliza pequeños puntos para crear la impresión de la forma y estructura, el divisionismo crea impresiones de colores únicos yuxtaponiendo puntos de diferentes colores según los principios de color y la visión.
Nació en Forcarei en 1896, en 1912 emigró a Cuba y desde 1914 residió en La Habana, donde compaginaba el trabajo con los estudios de pintura en la Academia y en el Centro Gallego, en el que conoció a Laxeiro. En 1923 expone veinticinco cuadros de temática social en una sala del Centro Gallego, que ese mismo año le concede una pensión de tres años para estudiar en la Academia de San Fernando de Madrid, donde ingresa en 1924.
Desde que se instala en Madrid entra en contacto con otros artistas gallegos y participa en la Exposición de Arte gallego del Ateneo de Vigo de 1924 y en la de Santiago de Compostela, de 1926. Este año figuró en la Exposición Nacional con la obra De verbena, vinculada a planteamientos noventayochistas de los que pronto se desvincula, como se hace patente en los óleos La familia y Mi prima, de 1927, año en el que formó parte del Salón de Otoño de Madrid; finaliza los estudios de Bellas Artes y el Centro Gallego de La Habana le concede una nueva ayuda para viajar a París.
Allí su estilo se decanta por los colores fuertes de inspiración fauvista y los gruesos empastes de capas superpuestas, como en Jardín de Luxemburgo, que junto a Tipo aldeano envió a la muestra de arte gallego del Heraldo de Madrid, en 1928, y a la exposición de arte gallego de los centros gallegos de Buenos Aires y Montevideo en 1929. Este año regresa de París y expone paisajes madrileños y parisinos en las salas viguesas de Las Colonias y del Ateneo. Virxilio Blanco alterna sus estancias entre las ciudades de Vigo y Pontevedra, en las que participa en las tertulias del Derby y el Savoy, y visita con frecuencia Santiago.
En estas ciudades mantiene una estrecha relación con los artistas del movimiento renovador del arte gallego y con dos de ellos, Colmeiro y Souto, expone en la sala de las Oficinas de Turismo de Pontevedra en 1930. Al año siguiente disfruta una pensión para estudios de pintura de la Diputación de Pontevedra y funda, en Forcarei, la revista literaria Alborear de la que fue director artístico. En 1932 volvió a exponer en Vigo y recibió una nueva pensión de la Diputación de Pontevedra con la que se trasladó a Madrid, donde su estilo se perfecciona siguiendo los dictámenes de la vanguardia figurativa. Regresa a Galicia en 1934 y expone en el Ateneo de Vigo, ciudad en la que se siente atraído por los rincones de la zona de Bouzas, donde pasa una larga temporada pintando y en cuya Sociedad Liceo expuso en 1935.
Ese año también expone en la coruñesa Asociación de Artistas y participa en el Primer Salón de Primavera de Pontevedra con óleos, dibujos y aguafuertes.
Al igual que había hecho antes de su estancia madrileña, reside entre Vigo, donde en 1939 expone en el Faro de Vigo, y Pontevedra, ciudad en la que en 1941 comparte una muestra con el dibujante Ramón Peña. En 1944 la Diputación de Pontevedra le concedió una bolsa de viaje, pero la grave enfermedad que padecía le impidió desplazarse fuera de Galicia. A pesar de su delicada salud, continuó pintando hasta sus últimos días; en 1945 expuso en el Casino de Vigo y en 1947 mostró su obra junto a la de Laxeiro, en Santiago de Compostela, ciudad en la que volvió a exponer en 1948, el mismo año de su muerte.
Nell Walden fue una pionera del arte abstracto y coleccionista de arte.Junto con su esposo, Herwarth Walden, dirigió la galería del periódico expresionista Der Sturm en Berlín durante las décadas de 1910 y 1920.
Nell Walden era la mayor de cinco hijos de una familia clerical de Scania.Su padre, Frithiof Roslund, era un predicador militar en Karlskrona, vicario asistente en Trelleborg, y luego vicario en Landskrona.Su madre, Hilda Smith, descendía de una familia acomodada de origen escocés.Cuando la familia se mudó a Landskrona, Nell Walden inicialmente se quedó con sus abuelos maternos en Trelleborg para completar su educación en la escuela de niñas allí.Su abuelo materno, el cónsul Carl Smith, era comerciante mayorista y propietario de un barco en Trelleborg.
Después de graduarse en 1904, comenzó a estudiar música en Lund.En 1908 se graduó como organista. En 1909, continuó estudiando música en Berlín junto con su hermana Stina.En 1910 se comprometió con el arquitecto Folke Bensow y ese año la pareja realizó un viaje de estudios a Berlín, Dresde y Praga.Sin embargo, Nell Walden rompió el compromiso cuando se mudó a Berlín en 1911.
En 1911, Nell Walden conoció a Herwarth Walden el hombre que se convertiría en su primer esposo.La pareja se casó en una ceremonia civil en Londres el 23 de noviembre de 1912. Su relación se caracterizó por su colaboración profesional en el marco de Der Sturm . El matrimonio se disolvió en 1924, pero continuaron trabajando juntos profesionalmente durante otro año.
En marzo de 1926 se casó nuevamente, esta vez con el médico judío Hans Heimann.Como resultado del ascenso nazi al poder en Alemania, la pareja se separó por razones tácticas en la primavera de 1933. Su esperanza era poder repatriarse como ciudadana sueca y, por lo tanto, proporcionar un refugio seguro más allá de las fronteras de Alemania para Heimann.Se instaló en Suiza en octubre de 1933. Heimann fue arrestado por la Gestapo en 1937.Nell Walden lo visitó en la prisión de Luckau, cerca de Berlín, en el verano de 1939. En julio de 1940 se volvió a casar por tercera vez con un suizo llamado Hannes Urech.Con su ayuda, logró obtener un visado suizo para Heimann, a quien se le había denegado el derecho de viajar cuando salió de la prisión de Luckau en el verano de 1942. Heimann fue deportado de Berlín el 15 de agosto de 1942 y fue ejecutado a su llegada a Riga.
Nell Walden, al ser el socia y profesional de Herwarth Walden, se convirtió rápidamente en un elemento central de la red transnacional de autores y artistas Der Sturm .Contribuyó al creciente enfoque del periódico en las artes visuales y al establecimiento de la galería Der Sturm en 1912. Los Waldens emprendieron viajes exhaustivos por Europa en 1913 para reclutar artistas para Erster Deutscher Herbstsalon organizado por Der Sturm .Llegó a ser una exposición voluminosa y significativa con alrededor de 360 piezas de arte de aproximadamente 80 artistas de vanguardia internacional, incluidos Umberto Boccioni, Marc Chagall, Sonia Delaunay-Terk, Wassily Kandinsky, Paul Klee y Gabriele Münter.
Durante la Primera Guerra Mundial, los Walden colaboraron con las autoridades alemanas.Bajo el título de Svenska Underrättelsebyrån Der Sturm , Nell Walden, como corresponsal extranjera proporcionó a los diarios suecos noticias de la guerra desde una perspectiva alemana, así como noticias de la vida cultural y social de Berlín.También tradujo relatos de prensa escandinavos de la guerra para las autoridades alemanas.Su trabajo fue extremadamente lucrativo y aseguró que la galería y el periódico de Der Sturm no solo sobrevivieran sino que también se expandieran durante los años de guerra.De 1912 a 1923 ayudó a organizar unas 20 exposiciones itinerantes en Escandinavia, organizadas por Der Sturm .
El trabajo de Nell Walden como corresponsal y traductora durante la Primera Guerra Mundial proporcionó los recursos económicos para comenzar a coleccionar arte seriamente.Ella regularmente compraba arte que exhibía Der Sturm , mientras también coleccionaba las llamadas piezas etnográficas.Para 1915 tenía una colección tan extensa que los Waldens podían usarla como material promocional para Der Sturm .Se imprimieron varios catálogos y desde 1916 en adelante, la pareja realizó exhibiciones públicas de la colección a horas establecidas en su residencia privada.El segundo marido de Nell Walden, Hans Heimann, también tenía interés en la etnografía y, durante su matrimonio, la colección de material etnográfico de Nell Walden aumentó significativamente.
Nell Walden comenzó su carrera como artista autodidacta en 1915. Inicialmente pintó al óleo, creó arte en papel, así como las llamadas pinturas de vidrio invertido.Algunas de sus primeras piezas se inspiraron en el arte rústico sueco.Sin embargo, la pintura figurativa llegó a tener poca importancia en su obra de arte, que se centró principalmente en composiciones abstractas, a veces con referencias a paisajes, vegetación y naturaleza.La mayor parte de su producción, que comprende más de 6000 piezas, consiste en lo que ella llamó "dibujos coloridos", a saber, acuarelas, gouache, témperas y pasteles sobre papel, madera y otros materiales.
A veces experimentó con mosaicos, esgrafiados y collages y también pintó muebles, cerámicas y cubiertas de libros.Su debut público como artista ocurrió en una exposición de su colección en la galería Der Sturm en Berlín en julio de 1916. Ese año sus pinturas fueron exhibidas como parte de las exposiciones itinerantes de Der Sturm en La Haya y Brünn.De 1916 a 1925 mostró su trabajo en aproximadamente 60 ocasiones diferentes en la galería Der Sturm de Berlín, y en seis de ellas fue la atracción principal, junto con artistas como Arnold Topp, Tour Donas (Marthe Donas) y László Peri.También se la mostró con frecuencia durante las exposiciones itinerantes de Der Sturm en Alemania y otras naciones europeas durante este período.Desde 1926 fue miembro de la asociación de artistas Die Abstrakten - Internationale Vereinigung der Expressionisten, Futuristen, Kubisten und Konstruktivisten eV y expuso regularmente en Grosse Berliner Kunstausstellung.En 1927 tuvo una exposición individual de aproximadamente 50 de sus propias obras, así como piezas de su colección en la Galería Albert Flechtheim en Berlín.
Nell Walden también fue un autor productivo y publicó varios poemas bajo el seudónimo de Marja Enid en el periódico Der Sturm .En 1933, Verlag Felix Stössinger publicó una colección de poemas titulada Unter Sternen .Nell Walden había traído su visión cristiana básica de la vida con ella desde Suecia y dentro del círculo de Sturm había un creciente interés en los aspectos religiosos, espirituales y cósmicos del arte y la vida.Durante las décadas de 1920 y 1930, Nell Walden profundizó su conocimiento de la astrología.Hizo horóscopos para colegas artistas y amigos y mantuvo un diario astrológico hasta su muerte.
En 1932, Nell Walden trasladó una parte importante de su colección de arte a Suiza.Esto salvó muchas obras del saqueo nazi.La colección y su propio trabajo se exhibieron en varias exposiciones importantes en Suiza durante el período 1944-1946.A través de la exposición itinerante organizada por Riksförbundet för bildande konst ”Der Sturm.Samling Nell Walden ", exhibió cerca de 80 piezas de su obra expresionista, cubista y futurista de propiedad privada en varios lugares de Suecia en 1954. A partir de la década de 1950, su colección se dividió, en parte como resultado de una importante subasta en Stuttgart en 1954. y en parte como resultado de una serie de donaciones hechas a Moderna museet en Estocolmo, Kunstmuseum Bern y Landskrona Museum.
Desde la segunda mitad de la década de 1940 hasta su muerte, Nell Walden trabajó incansablemente en un esfuerzo por garantizar que Herwarth Walden y Der Sturm tuvieran un lugar en la historia del arte.Ella publicó dos memorias, Der Sturm.Ein Erinneringsbuch y Herwarth Walden und die Künstler aus dem Sturmkreis , 1954, y Herwarth Walden.Ein Lebensbild , 1963.
Nell Walden murió en Berna en 1975
Nelly ( Nell ) Anna Charlotta Walden , www.skbl.se/sv/artikel/NellWalden, Svenskt kvinnobiografiskt lexikon (artículo deJessica Sjöholm Skrubbe), consultado el 4 de noviembre de 2019.
