George Washington Thomas Lambert (1873-1930), nació el 13 de septiembre de 1873 en San Petersburgo, cuarto hijo e hijo póstumo de George Washington Lambert, un ingeniero ferroviario estadounidense, y su esposa inglesa Annie Matilda, de soltera Firth. Poco después de su nacimiento, la familia se mudó a Württemberg, Alemania, con su abuelo materno, y luego a Inglaterra, donde George se educó en Kingston College, Yeovil, Somerset. La familia decidió emigrar llegando a Sydney con su madre y tres hermanas en 1887, pronto se fue a Eurobla, cerca de Warren, una granja de ovejas propiedad de su tío abuelo Robert Firth.
Después de ocho meses, Lambert regresó a Sydney para trabajar. Asistió a clases nocturnas en la Sociedad de Arte de Nueva Gales del Sur, pero volvió al trabajó como ayudante de estación durante unos dos años. De vuelta a Sydney conoció al ilustrador Be Minns quien le aconsejó que considerara la posibilidad de convertirse en artista y regresó a las clases de Ashton, mientras trabajaba durante el día como asistente de tendero.
Comenzó a exponer en la Art Society y en la Sociedad de Artistas de Sydney en 1894. En 1899 ganó el premio Wynne. Estudió en la escuela de Arte Julian Ashton hasta 1900. Más adelante ganó un beca de viaje del gobierno de Nueva Gales del Sur y pasó un año en Paris antes de trasladarse a Londres, donde expuso en la Royal Academy. Recibió una medalla de plata en una exposición internacional en 1911.
Lambert se convirtió en artista de guerra como oficial en 1917 durante la Primera Guerra Mundial. Durante los años de guerra, George Lambert pasó mucho tiempo en Londres .
Regresó a Australia en 1921, donde tuvo éxito en Melbourne con una exposición individual en la galería Fine Art Society . Fue elegido miembro de la Royal Academy en 1922.
Lambert murió el 29 de mayo de 1930 en Cobbitty , cerca de Camden, Nueva Gales del Sur
Florine Stettheimer1871-1944 fue una pintora estadounidense del Modernismo, también fue diseñadora teatral, poeta, salonnière y feminista.
Demostró talento artístico desde niña, y en 1892 se inscribió en un programa de cuatro años en la Art Students League de Nueva York, una escuela inspirada en la escuela de arte privada de París. Allí dominó la pintura realista, tradicional, retrato académico y desnudos en ambos estilos europeos primarios.
Stettheimer llenó su pintura con colores primarios brillantes, y a menudo sin mezclar, sobre un fondo blanco plano, y muchos pequeños toques de humor muy detallados. Sus pinturas representan temas controvertidos de raza y preferencia sexual, también describió las actividades de ocio y fiestas de su familia y amigos. Y con sus hermanas, organizó un salón que atrajo a miembros de la vanguardia.
Uno de los rasgos distintivos de su trabajo es el humor mordaz, que se evidencia en muchos pequeños detalles narrativos de sus composiciones. También llenó las composiciones con representaciones visuales de figuras reconocibles individualmente, dispuestas alrededor de lugares prominentes reales y arquitectura detallada.
La década de 1920 fue el período más prolífico de Stettheimer. Pintó varios retratos individuales de amigos varones, familiares y de ella misma. En lugar de intentar reproducir el aspecto de la modelo, sus retratos revelan la personalidad de los asistentes al ilustrar una mezcla de sus hábitos, vocaciones, logros y contextos.
Durante la década de 1930, dedicó la mayor parte de su tiempo a los diseños escénicos y el vestuario de la ópera Algunos de sus trabajos de este período fueron cada vez más introspectivos y volvieron a sus temas y lugares familiares.
A lo largo de la vida de Stettheimer, su trabajo fue mencionado favorablemente por los críticos que revisaron las exposiciones en las que expuso. Algunos de ellos han considerado su obra como una representación de un estilo internacional de modernismo y se referían no solo a sus cuadros, sino también a sus poemas.
Pintor y escritor estadounidense. Fue el único americano que expuso con el grupo expresionista Blue Rider en Alemania. Su obra también apareció en su llamado almanaque titulado Der Blaue Reiter (1912).
Originario de St. Louis, donde comenzó sus estudios de arte, Bloch trabajó como ilustrador en su ciudad natal y en Nueva York antes de partir hacia Europa en 1908. Vivió en el extranjero hasta 1921, excepto varias visitas a su país. En Munich, Bloch conoció a Kandinsky, cuyo trabajo admiraba.
A fines de 1911, Kandinsky y Franz Marc invitaron a Bloch a unirse a ellos y a otros once en la primera exposición del Blue Rider, que se inauguró en Munich y luego viajó a Berlín y otras ciudades alemanas. Bloch también expuso en la segunda y última exposición más grande del grupo el año siguiente en Munich. Después de regresar a los Estados Unidos, enseñó durante un año en Chicago antes de aceptar una oferta para dirigir el departamento de arte en la Universidad de Kansas. Además de enseñar pintura e historia del arte, Bloch se mantuvo activo como escritor de ensayos y poesía y traductor de literatura y filosofía alemanas.
Después de jubilarse en 1947, continuó residiendo en Lawrence. Durante sus primeros años en Alemania, Bloch pintó tanto escenas directamente representativas como obras de figuras decorativas que evocan los lánguidos misterios del simbolismo. Finalmente, siguió el ejemplo de Kandinsky hacia una composición y expresión más vigorosas, pero a diferencia de Kandinsky, conservó elementos figurativos en su arte. Más tarde, aislado en Kansas, el artista idealista alimentó una visión intensa e introvertida, a menudo impregnada de los temas cristianos que lo habían inspirado desde sus días en Alemania.
Durante la Primera Guerra Mundial, en Italia se produjo la gran crisis del Futurismo,
unido al ascenso de los movimientos exaltados nacionalistas e
imperialistas, alentados con frecuencia por las luchas por el dominio de
las colonias. En Italia, el nacionalismo busca las bases de su
ideología en su sustrato clásico, el pasado glorioso de la Roma imperial
y la Italia del Renacimiento.
De Chirico
Esta recuperación de la estética clásica italiana tuvo dos vertientes:
el Novecento, paralelo a otros movimientos clasicistas ligados al
Mediterráneo (Noucentisme catalán, por ejemplo); y por otro lado la Pintura Metafísica, que funcionó como una especie de Surrealismo avant la lettre, es decir, anterior al propio Surrealismo.
Mario Sironi
La Pintura Metafísica tiene un origen claramente simbolista
de influencia alemana. Pero sobre todo, se relaciona con ciertas
tendencias filosóficas: la fenomenología de Hüsserl y Heidegger o la
nueva objetividad practicada por los existencialistas (Sartre, Camus) y
por Marcel Proust o James Joyce. Para ellos, un fragmento de la realidad
paralizado en un momento y extraído de su contexto permite reconstruir
una realidad trascendente, más allá de la propia realidad; este sería el
significado de la metafísica.
De Chirico,
el más importante autor de este movimiento, entendió tal teoría como
una pintura que muestra lo real más allá de lo cotidiano: una ciudad
detenida en mitad del fluir temporal, lo cual permite delimitar su
auténtica esencia. Para conseguir esto, el objeto real no puede ser
usado, porque esto lo introduce en la dinámica cotidiana, sino que ha de
ser mirado, es decir, extraído de su función: una plaza italiana está
para ser atravesada. Si se la pinta repleta de gente, de puestos de
flores, de animación, se la está usando. Pero si se pinta la plaza tal
cual, única, lejos del tiempo y del espacio del resto del mundo, se la
está mirando hasta en su más recóndita intimidad, para darle el valor
absoluto que le corresponde. Esto es la pintura metafísica, es El Enigma de una Jornada, lienzo del mencionado De Chirico.
Rudolf Schlichter La estética que resulta de esta concepción tiene cualidades oníricas,
como un objeto visto en sueños, lejos de la acumulación y tendente a un
vacío que resalte las irregularidades del objeto en cuestión,
nítidamente dibujado bajo una luz fantástica, plana, y siempre en un
ámbito urbano.
Otros autores metafísicos, no tan importantes como De Chirico, fueron
Carlo Carrá, con una pintura algo naïf y humorística, Casorati, muy
popular en su momento, Sabini, Morandi...
Nacido en Les Useres (Castellón), el 13 de junio de 1922. La familia se trasladó a Castellón.
Creó
el Complejo Turístico Cultural Torreón Bernad, en Benicásim. En 1971
creó el Certamen de Pintura Nocturna, que tuvo su continuidad durante
varios años. Y también lo que vino en llamarse Gran Fiesta de los
Pinceles, certamen de pintura.
Como pintor, Enrique Bernad
se mostró en público por primera vez en 1974, con motivo de un certamen
provincial en Castellón. Y de allí a Londres y México, Brasil y Nueva
York. Y Chicago y Madrid, Valencia y Barcelona. Su culminación la tuvo
en el Casino Antiguo de Castellón con su magna exposición en la que
reunió 230 obras, en los primeros días de 1992.
Falleció el
1 de enero de 1998, pero quedan para la posteridad su serie de obras
bajo el epígrafe de Bou embolat, su colección del Vía Crucis o aquel
grandioso díptico titulado Dos continentes en el V Centenario.
La contribución de los Nabis a las artes decorativas, aunque esencial,
aún es poco conocida. La cuestión de lo decorativo como principio
fundamental de la unidad de la creación se impuso en el momento de la
formación del grupo a finales de la década de 1880 entre estos artistas
que querían borrar la frontera entre las bellas artes y las artes
aplicadas.
Emile Bernard Verdaderos pioneros de la decoración moderna, Bonnard,
Vuillard, Maurice Denis, Sérusier, Ranson y Vallotton defendieron un
arte estrechamente vinculado con la vida. Crearon obras originales,
alegres y rítmicas, destinadas a decorar los interiores contemporáneos,
en reacción a la estética del pastiche que estaba a la moda en ese
momento.
Bonnard
El arte decorativo de los Nabis no responde a ninguna doctrina estética
preexistente, sino que expresa la fantasía imaginativa de los artistas y
la audacia de su investigación formal. Esta experiencia artística total
se basa en la liberación de las técnicas y la influencia de Japón.
Fascinados por los grabados japoneses descubiertos durante una
exposición en la Escuela de Bellas Artes de París en 1890, los Nabis se
inspiran en estas imágenes planas para interpretar la realidad. Al
proscribir la imitación ilusionista y afirmar la bidimensionalidad
natural del soporte, desarrollan un arte ornamental con formas
simplificadas, líneas flexibles y motivos sin patrón que saturan el
espacio. Sus composiciones se caracterizan por el uso de colores
brillantes, líneas onduladas, una perspectiva sin profundidad, y formas
subrayadas por un borde, para diferenciarlas aún más del fondo. Los
Nabis recibieron varios encargos para decorados privados o para la
galería de Art Nouveau
"Escuela de París", nombre inventado
por el crítico de arte André Warnod para designar
este grupo juntando artistas esencialmente extranjeros, atraidos
por la intensa actividad intelectual y artistica en el París
de esta época.
Soutine
Aunque la concurrencia de artistas Judíos en París y las influencias extranjeras que comenzaron a trabajar en París en 1925, al principio, causaron un profundo resentimiento y actitudes nacionalistas en defensa de los artistas nacidos en Francia como André Derain o André Dunoyer de Segonzac, considerados como mantenedores de la pureza y continuidad de la tradición francesa, despues de la Segunda Guerra Mundial estas actitudes fueron consideradas antisemitas y el término ESCUELA DE PARIS, incluía artistas extranjeros y franceses que trabajaban en París
Maurice Utrillo
Este grupo de artistas
trabajaron en París en el período de entreguerras, vinculados a diversos
estilos artísticos como el posimpresionismo, expresionismo y el
surrealismo. Artistas que
dieron origen a diversos movimientos de vanguardia como el fauvismo y el
cubismo.
Nació en Piedras Blancas Asturias en 1973, se licenció en Bellas Artes
en la Universidad de Salamanca. Obtuvo becas del Ministerio de Cultura,
en París, y del Parlamento Europeo en Austria; cursó la beca Erasmus en
la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam. Álava se dio a conocer a
través de la Muestra de Artes Plásticas de Asturias. En 2008 obtuvo el
premio de Pintura de la Junta General del Principado de Asturias,
también fue premiada en el Certamen Nacional de pintura de Luarca. Su carrera
profesional comienza con una exposición de 1994, desde esa primera
muestra ha intervenido en más de un centenar de exposiciones
individuales y colectivas en distintas capitales de Europa.
Álava es eminentemente pintora y en sus obras a menudo aparece la mujer
como protagonista. Mujeres envueltas en un manto de niebla que parece
recordar ensoñaciones o recuerdos difusos, a veces reconocibles aunque
no necesariamente. Se trata de retratos aparentemente sencillos, pero
muy complejos en su realización pictórica ya que no es el tema, ni la
técnica, ni el parecido lo que hace que la obra tenga esa relevancia tan
peculiar que les caracteriza.
En una reciente entrevista Chechu ha manifestado que en sus cuadros hace
una especie de homenaje a mujeres notables, con vidas y capacidades
sobresalientes de la reciente historia de Occidente. Mujeres
transgresoras en cierto modo, mujeres cuyas vidas escapan a los cánones
severos o moderados de la moral tradicional o tal vez políticamente correcta.
En sus obras se respira la peculiar tranquilidad de un instante detenido
en el tiempo, de un momento meditado. Posiblemente de una reflexión
hacia la propia subjetividad de la artista, que no cesa de buscarse a sí
misma en sus piezas y resulta admirable su capacidad para convertir la
pintura en un territorio de investigación inagotable. En un vistazo a su
página web podemos reconocer su especial interés en homenajear a
artistas como Lee Miller, Frida Khalo, Marga Gil Roësset, Tina Modotti o
sus famosos retratos de Camille Claudel, pero Álava nos lleva mucho más
allá, en su página conviven con actrices, escritoras, activistas,
pensadoras, así como con situaciones y espacios no necesariamente de
carácter feministas.
En 1942, en el apogeo de su fama, Augustus John predijo: "dentro de cincuenta años seré conocido como el hermano de Gwen John". De hecho, Gwen John (1876 - 1939) ahora es reconocida como una gran innovadora artística aunque durante mucho tiempo permaneció olvidada.
Durante muchos años, la artista Gwen John fue eclipsada por su hermano Augustus, tanto por su personalidad abrumadora como por su obra grande, audaz y algo extravagante.Hoy en día, ese ya no es el caso, con la obra de Gwen como una parte firmemente establecida, no solo del arte británico, sino del francés, y particularmente del arte parisino. La apasionada historia de amor de Gwen John con el escultor Auguste Rodin, ella la ha descrito como el momento más feliz de su vida.
Gwen estudió en la Slade School of Art de Londres en los últimos años del siglo XIX, luego hizo una vida bohemia en París (desde aproximadamente 1898 hasta 1910). Se sostenía haciendo de modelo para artistas mientras creaba pinturas de gran brillo técnico, explorando las cualidades tonales del color de una manera casi científica.Obsesionada con Rodin y concentrada en su trabajo, exasperaba a su familia y amigos por su excéntrica forma de vida: gastaba dinero en pinturas y golosinas para su gato mientras vivía de nueces y frutas.En las calurosas noches de verano, a Gwen le gustaba colarse en los jardines de Luxemburgo y dormir entre los árboles con su amado gato, Tiger.
Era atrevida y muy original, vivía con determinación a su manera. Desafiante pero tímida, pintó y modeló en medio de los círculos bohemios del París de principios del siglo XX y se embarcó en una larga e intensa historia de amor con la figura artística más legendaria de Francia, el escultor Rodin.
Tal vez fue la abrumadora personalidad de Rodin, y su arte audaz lo que atrajo a esta mujer, o tal vez fue su amabilidad cuando se conocieron. No cabe duda de que ambos se sintieron atraídos el uno por el otro en ese primer encuentro cuando Gwen se ofreció como modelo. Rodin estaba encantado con lo que vio. Gwen era una candidata ideal y parecía más grande sin ropa, con buenas piernas y cuello. Era ágil y atlética, capaz de moverse rápidamente y mantener poses inusuales.Nunca antes había conocido a una modelo como Gwen: una modelo que también era artista, con un hermano que era artista. Rodin le pidió que se pusiera la ropa y se presentara a trabajar a la mañana siguiente.
Rodin había recibido el encargo de la Sociedad Internacional de Londres de crear un monumento a Whistler, y Gwen iba a ser la musa que lo inspirara.
Gwen disfrutaba desnudándose para Rodin, disfrutaba estar desnuda frente a él, mirándolo mientras la modelaba en arcilla. Cada mañana, antes de que llegaran los asistentes, se besaban y hacían el amor, y la jornada de trabajo seguía a continuación de sus abrazos.
Todo era bastante divertido y muy bohemio, pero comenzaba a complicarse un poco, y aunque Gwen todavía amaba a Rodin el no era el hombre de unas semanas antes, quejándose de dolores de cabeza, y sufriendo de agotamiento y falta de libido.
Gwen le escribía a Rodin apasionadas y explícitas cartas de amor, el no respondía, lo que, para ella, fue un alivio del alma, que sin duda la liberó como artista. Aunque Gwen volvió a modelar para Rodin, su lugar lo había ocupado otra mujer mayor.
La relación terminó lentamente, pero ella era ahora una mujer diferente, una artista.
Rodin continuaría trabajando sólida y felizmente, amando a su esposa y a sus perros. Murió de neumonía en noviembre de 1917, a los 77 años. Dejó, entre una enorme cantidad de trabajo, una delicada y hermosa cabeza de Gwen, una pequeña obra maestra.
En 1910, Gwen se mudó a una casa en ruinas en las afueras de París, y vivió una vida cada vez más solitaria con sus pinturas y sus gatos, a los que alimentaba bien, pero ella comía muy poco, muriendo de hambre en Dieppe en septiembre de 1939, tenía 63 años.
Manuel Rendón Seminario nació en Paris en 1894. De padres ecuatorianos se mudó a Ecuador por primera vez a la edad de veinticuatro años. En 1917 estudió en la Academie de la Grande Chaumière en Paris. Rendón es considerado uno de los artistas que transportó el Movimiento Constructivista a Ecuador y a Latinamérica.
Exhibió frecuentemente en los salones parisinos incluyendo Automne, Nationale, des Tuilleries y en L’effort Moderne con Leger. Rendón vivía y viajaba entre Paris y Ecuador. Sus obras fueron incluidas en la exposición de la UNESCO en 1946 y han sido exhibidas en São Paulo, Quito, Caracas, Washington D.C. y Madrid.
Algunas obras de Rendón son conocidas por su calidez y tonos sepia, mientras que sus obras abstractas reflejan los luminosos efectos que dan los vitrales. Sus obras son modernas y abstractas. Rendón influenció a varias generaciones de artistas en Latinamérica y en Europa. Murió en Portugal en 1982.
