Isabel McLaughlin

 

Isabel McLaughlin, pintora ( Oshawa, Ontario, 10 de octubre de 1903;  Toronto, 26 de noviembre de 2002). Importante artista  modernista  Canadiense preocupada por el diseño, el color brillante y el estudio del espacio tangible. 

Estudió en el Ontario College of Art y en París en 1929 y Viena en 1930, y dos veces con Hans Hofmann en el período 1947-52. Su desarrollo se caracterizó por una constante renovación de sí misma y por la conciencia de sus propias raíces. 

En 1939, McLaughlin fue elegida presidenta del Grupo Canadiense de Pintores, la primera mujer en encabezar una importante sociedad de arte canadiense. Fue galardonada con la Orden de Ontario en 1993.

Después de su muerte, sus archivos  fueron donados a la Universidad de Queen´s

Escuela Ashcan

                                                      George Luks

 Alrededor de 1900, un grupo de artistas realistas se diferenció y desafió a los impresionistas y académicos estadounidenses. El miembro más capacitado de este grupo fue Robert Henri, que había estudiado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania  con Thomas Anshutz. Después de pasar los años de 1888 a 1891 trabajando en la Académie Julian de París, Henri enseñó en la Escuela de Diseño para Mujeres en Filadelfia y dio clases privadas de arte en esa ciudad y sus alrededores y, durante sus visitas de regreso a Francia, en París y sus alrededores. A partir de 1892, Henri también se convirtió en mentor de cuatro ilustradores de Filadelfia : William James Glackens, George Luks, Everett Shinn  y John Sloan, quienes trabajaron juntos en varios periódicos locales y se reunían para estudiar, compartir estudios y viajar. Entre fines de 1896 y 1904, todos se mudaron a Nueva York, donde el propio Henri se instaló en 1900.

                                              French Sloan

             Henri y sus antiguos socios de Filadelfia formaron la primera generación de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. Una segunda generación estuvo formada por los estudiantes de Henri en Nueva York, de los cuales George Bellows fue el más devoto. El término Ashcan School fue sugerido por un dibujo de Bellows titulado Disappointments of the Ash Can , que apareció en el Philadelphia Record en abril de 1915; fue invocado por el dibujante Art Young en una crítica despectiva que apareció en el New York Sun en abril de 1916. Aunque los artistas de Ashcan no eran una "escuela" organizada y defendían estilos y temas algo variados, todos eran realistas urbanos que apoyaban el credo de Henri: "el arte por el bien de la vida", en lugar del "arte por el arte". También presentaron sus obras en varias exposiciones importantes de principios del siglo XX en Nueva York, incluida una exposición colectiva en el National Arts Club en 1904; la muestra histórica de The Eight en Macbeth Galleries en febrero de 1908, que incluyó a los cinco pintores principales de Ashcan School junto con Ernest Lawson, Maurice Prendergast  y Arthur B. Davies 

                         Robert Henri          

Tanto en sus pinturas como en sus ilustraciones, grabados y litografías , Henri y sus compañeros artistas de Ashcan se concentraron en retratar la vitalidad de Nueva York y registrar su lado sórdido, manteniendo un ojo atento a los acontecimientos actuales y la retórica social y política de su época. Estilísticamente, dependían de la paleta oscura y la pincelada gestual de Diego Velázquez , Frans Hals , Francisco de Goya , Honoré Daumier y realistas recientes como Wilhelm Leibl, Édouard Manet y Edgar Degas .. Preferían formas amplias y caligráficas, que podían reproducir "sobre la marcha" o de memoria, y así incorporar habilidades que la mayoría de ellos habían cultivado como ilustradores de periódicos. Aunque los artistas de Ashcan abogaban por la inmersión en la actualidad moderna, no eran ni críticos sociales ni reformadores y no pintaban propaganda radical. Si bien se identificaron con la vitalidad de las clases bajas y resolvieron registrar los aspectos funestos de la existencia urbana, ellos mismos llevaban vidas agradables de clase media, disfrutaban de los restaurantes y bares de Nueva York, su teatro y vodevil, y sus populares centros turísticos cercanos como Coney Island. Debido a que evitaron los disturbios civiles, las tensiones de clase y la arena de las calles, sus obras nunca son tan directas o inquietantes como las de sus contrapartes europeas o las imágenes reformistas de fotógrafos estadounidenses como Jacob Riis.

                                            George Wesley Bellows            

Los artistas de Ashcan documentaron selectivamente una época inquietante y de transición en la cultura estadounidense que estuvo marcada por la confianza y la duda, la emoción y la inquietud. Ignorando o registrando solo las nuevas y duras realidades, como los problemas de la inmigración y la pobreza urbana, arrojaron una luz positiva sobre su época. Junto con los impresionistas estadounidenses, los artistas de Ashcan definieron la vanguardia en los Estados Unidos hasta que el Armory Show de 1913 presentó al público estadounidense las obras de los verdaderos modernistas Henri Matisse , Pablo Picasso , Marcel Duchamp ., y otros. Henri y la mayoría de sus colegas de Ashcan continuaron pintando, incluso en la década de 1940, en el caso de Sloan y Shinn. Aunque su creatividad decayó y su carácter pionero se desvaneció, infundieron algunos de sus últimos lienzos con su vigor anterior.

The Metropolitan Museum of Art

El constructivismo ruso

                                                 El Lissitzky

 El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. ... Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.

                                               Liubov Popova

 El constructivismo supuso una identidad visual para el comunismo soviético y tuvo como objetivo principal llevar el arte al pueblo rescatándolo de las élites.

    

                                                  Tatlin

Los constructivistas se centraron en todos los ámbitos creativos y exprerimentaron con todas las disciplinas, técnicas y nuevas tecnologías, además de continuar la experimentación geométrica suprematista.

                        Alexander Rodchenko

Más que arte para ser mostrado en una galería burguesa, el constructivismo hizo arte para el pueblo mezclando todas las artes en un amalgama utópico de diseño, ingeniería, arquitectura, pintura, escultura…

Sándor Bortnyik

 Sándor Bortnyik representó un importante papel en el desarrollo de la vanguardia húngara. Desde 1913 estudió en Budapest y se sintió atraído por el estilo pictórico de los fauves hasta que, en 1915, conoció a Lajos Kassák, editor de MA, que le introdujo en el grupo de colaboradores de la revista.

En 1919, tras el derrocamiento del breve régimen comunista de Béla Kun y la invasión de las tropas rumanas, Bortnyik y otros artistas ligados a MA se vieron obligados a abandonar Budapest. Se instaló en Viena, y posteriormente vivió en Weimar entre 1922 y 1924. Sus estrechos contactos con la Bauhaus y con los movimientos constructivistas del momento dieron lugar a unas obras no figurativas con una fuerte preponderancia de lo arquitectónico. A pesar de ello, Bortnyik se negó a ser identificado con la Bauhaus. Durante esta época, también trabajó en Kassa (hoy Kosice, Eslovaquia) y en Berlín, donde en 1922 la galería Der Sturm celebró una exposición de su obra. A partir de 1924 comenzó a interesarse por la representación de escenas de talante satírico en las que, conservando el carácter geométrico anterior, aparecían figuras enmarcadas en extrañas arquitecturas.

En 1925 regresó a Hungría. Allí volvió a dedicarse al diseño de carteles, actividad que había practicado durante sus primeros años, y montó un taller al que asistió, entre otros, Victor Vasarely y que cerró en 1938 por problemas económicos. A mediados de la década de los años treinta, Bortnyik volvió a retomar la pintura influido por un grupo de artistas socialistas formado en Budapest en 1934. Durante los años siguientes fue promotor de la publicación de diversos libros y revistas y profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Budapest. Al final de su vida, la Galería Nacional de Budapest organizó una exposición retrospectiva en la que se reconocía la trayectoria de Bortnyik como artista.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Yurii Annenkov

Petropavlovsk, 1889-París, 1974

Nacido en Siberia, lugar en el que su familia se había exiliado, Yurii Annenkov se trasladó a San Petersburgo durante su infancia. Desde 1908 estudió en la universidad y asistió a los talleres de Savely Zeidenberg y de Yan Tsyonglinsky, donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Matvey Vol’demar y Mijaíl Matyushin. Entre 1911 y 1912 Annenkov residió en París y trabajó en el estudio de Maurice Denis y en el de Félix Vallotton.

En 1913 regresó a San Petersburgo, donde evolucionó rápidamente hacia la abstracción, si bien no se asoció con ningún grupo artístico en concreto y continuó manteniendo cierta predilección por lo decorativo. Desde 1919 se interesó por el collage, medio en el que realizaría un gran número de obras, y desarrolló una intensa actividad como ilustrador tanto de revistas, como Satirikon o Argus, como de libros de temas variados, entre los que destaca el poema revolucionario de Alexander Blok «Dvenadtsat» (Los Doce, San Petersburgo, 1918). Paralelamente se dedicó a la realización de retratos en los que combinaba el interés por el físico del retratado con una fragmentación del espacio pictórico deudora del cubismo y el constructivismo. Entre los retratos que realizó en esta época figuran personalidades como León Trotsky.

Annenkov dirigió el resurgimiento del grupo Mundo del Arte entre 1922 y 1924 y colaboró en el establecimiento de la Sociedad de Pintores de Caballete. Diseñó puestas de escena teatrales en Moscú y Petrogrado (hoy San Petersburgo) y las celebraciones de 1920 para conmemorar la Revolución de 1917 en las calles de Petrogrado y la escenificación de la toma del Palacio de Invierno en un espectáculo en el que intervinieron alrededor de siete mil actores. Desde 1924 residió en París, donde continuó su actividad como escenógrafo.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Michael Andrews

 Norwich, 1928-Londres, 1995

Michael Andrews ocupa un importante lugar entre los artistas británicos posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Su obra, de factura minuciosa y lenta, ha sido vinculada a la Escuela de Londres, que aglutinó a un grupo heterogéneo de artistas que compartían un interés por la representación de la figura humana y un rechazo tajante de la tradición naturalista académica.

De educación metodista estricta, Andrews estudió en la Slade School of Art de Londres en 1947 y, de nuevo tras cumplir el servicio militar, entre 1949 y 1953. Allí fue discípulo de William Coldstream, artista realista vinculado a la Euston Road School, que le instruyó en la importancia de copiar del natural, y recibió clases de Lucian Freud. Desde sus primeros pasos como pintor, sus obras se caracterizaron por la preocupación por llegar al virtuosismo técnico y la representación de los estados de ánimo y las diferentes formas de comportamiento.

A las pinturas de escenas familiares de la década de 1950 siguió la representación de fiestas de los años sesenta en las que, junto a sus amigos, incorporaba imágenes procedentes de los medios de comunicación, la moda o el mundo del cine o la música pop. En 1959 comenzó su actividad docente en la Norwich School of Art que después continuó en la Chelsea School of Art y la Slade School of Art.

En 1966 firmó un contrato con la Marlborough Gallery, algo que ya habían hecho previamente Francis Bacon y Lucian Freud y desde entonces se dedicó únicamente a la pintura y comenzó los estudios para su serie Luces. En esta serie experimentó con la pintura acrílica y con el uso de la pistola, con las que conseguía superficies en las que no intervenía la mano del artista, en las que la luz adquiría una relevancia trascendente. La exploración de la naturaleza como experiencia liberadora fue en aumento en las pinturas y acuarelas realizadas durante su viaje a Australia y sus numerosas visitas a Escocia y continuó como constante hasta el final de sus días.

 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Eleuterio Blasco Ferrer

 

 (Foz-Calanda, 1907 - Alcañiz, 1993)

  Este artista estudia en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en la etapa de 1926 a 1930. Allí se imbuirá de las ideas políticas anarquistas, por eso con la ocupación franquista se ve obligado a exiliarse en París desde 1939. Allí realizó la mayor parte de su obra, considerándose un artista del pueblo. Con la instauración de la democracia en España decide el regreso y en 1984 fija su residencia en Barcelona y finalmente en Alcañiz donde fallece en 1993.

Su obra pictórica es de factura expresionista, de carácter sombrío y acentuado dramatismo. Cultiva el retrato y el paisaje con o sin figura humana. Desde su infancia, quizá por ser hijo de alfarero, se inclina por el metal, mediante chapas y láminas de hierro que suelda. 

Dicho material le sirve para un expresionismo al servicio de muy dispares temas: bailarinas, retratos, tipos populares, maternidades, personajes históricos, etc.; los interpreta a través de potenciar dispares sentimientos. El uso del barro, a partir de 1965, le permite concluir una obra de marcado primitivismo, cercano al arte ingenuo y a los exvotos iberos.

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Jaume Queralt.

 

Jaume Queralt ( 1949 )

Jaume Queralt es un artista catalán, conocido por sus múltiples facetas como las de pintor, poeta, ensayista y activista social.

Profesor de la Escuela de Bellas Artes de Perpiñan y colaborador en revistas y períodicos con artículos, además de haber escritos numerosos libros de arte y poesía.

A los 23 años se formó como pintor en la Escuela de Arte de Tarragona y en sus obras hay una exploración de su interior plasmada en cuadros. Llama la atención sus pinturas centradas en las muñecas de porcelanas, haciendo de el , un artista muy peculiar.

Queralt, desde su aislamiento en su estudio del pequeño municipio de Alforja (Tarragona) - donde vive y trabaja -, es capaz de desarrollar de manera simultánea diferentes líneas argumentales, que pese a ser complementarias, responden a razonamientos dispares e inciden en distintas maneras de entender la psique y la condición humana.

Ciertamente, el proceso creativo de Jaume Queralt es poco o nada convencional. Es un artista que rehuye de la creación insípida y meramente decorativa. Para él, el Arte debe comunicar, debe transmitir, sino no tiene sentido y cae en la banalidad.

Si a este hecho le sumamos la gran creatividad con la que se expresa y la intensidad con la que plasma sus propias inquietudes y temores a través de su pintura, obtenemos como resultado una obra realmente comunicativa, sensible, inquietante en algunas ocasiones, que incita a la meditación y que provoca en el espectador una profunda introspección y una acuciante necesidad de llegar, incluso, a cuestionarse los fundamentos mismos de la propia esencia del ser humano.

El artista vuelca sobre la tela sus angustias y sus vivencias interiores, que son las que muchos otros tenemos, por esta razón comunica tan bien con el espectador.

Todas sus obras responden a ejercicios reflexivos de investigación y a planteamientos madurados a nivel interno de manera muy espiritual. Sin embargo, pese a ese proceso de reflexión, que podría dar a entender que sus obras son premeditadas en exceso, su mano corre por el lienzo de manera muy libre y espontánea, guiada por su portentosa creatividad.

También caería en el error quien pudiera pensar que toda esa carga psicológica podría dar como fruto obras con demasiado peso conceptual que se harían fatigosas de interpretar, pues ello también es falso. Sus obras tienen una lectura profunda, aunque agradable, al estar apoyadas en suaves contrastes cromáticos y en una manera de componer gratamente cautivante.

Recurre, en ocasiones, a un suave informalismo y a ligeros apoyos constructivistas, aunque su versatilidad hace que se mueva con soltura en el expresionismo, el simbolismo o el impresionismo, alternando abstracción con figuración. En definitiva, un artista muy completo, con una obra cargada de un onirismo absorbente y apasionante. 

ciudad de la pintura

Marisa Roesset y Velasco-

 (Madrid, 1904-1976). Pintora española que cultivó el retrato y los temas religiosos. Se formó en la madrileña Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumna de Fernando Álvarez de Sotomayor, José María López Mezquita y Daniel Vázquez Díaz. Participó en numerosas exposiciones y certámenes artísticos y se dio a conocer en el Liceum Club Femenino.

 Remitió sus obras a la exposición celebrada en el Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid en 1929 y dos años más tarde al concurso de Pintura, Escultura y Grabado organizado por el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fue galardonada con sendas terceras medallas en las Exposiciones Nacionales de 1924 y 1929, por los lienzos titulados Autorretrato y Reposo; asimismo, obtuvo una segunda en la edición de 1941 por el lienzo titulado La Anunciación. Presentó sus obras en la exposición del Women International Art Club en 1947 y un año después en la Internacional de Buenos Aires.

Museo Nacional del Prado

María Roësset Mosquera (MaRo)

 

María Roësset Mosquera (1882-1921)​ es la primera gran conocida de la saga de las Roësset, pues era tía de la pintora Marisa Roësset Velasco, de la escultora Marga Gil Roësset. Nacida en el seno de una familia burguesa, se formó con el pintor Eduardo Chicharro. Comenzó su actividad artística copiando obras del Museo del Prado. Más tarde realizó escenas de género y retratos, en los que predomina el color sobre el dibujo debido a la influencia de Cecilio Pla y Joaquín Sorolla.

A lo largo del siglo XIX las artistas proyectaron una imagen pública de sí mismas que contrasta en buena medida con la de sus predecesoras. Salvo excepciones, eligieron no
representarse en el acto de pintar ni con los instrumentos propios de una actividad que, profesionalizada, podía comprometer su estatus social.

El estilo de María Roësset evoluciona a lo largo de sus escasos años de producción: desde artistas como Wisthler, Sargent, Sorolla, Vázquez Díaz o Paula Modersonh-Becker; a movimientos como el simbolismo, el costumbrismo o el expresionismo.

Su pintura tuvo como objeto central a las mujeres de su familia, a las que a menudo hizo posar como modelos para sus composiciones, para subrayar su carácter oriental, a veces cosía cuentas y adornos.​ Dicho discurso pictórico no implica que María pintase únicamente por afición o exclusivamente retratos sino que plasmaba su propio universo femenino compuesto por sí misma y sus familiares más directas.

La pintora Solía firmar sus cuadros como MaRo​, pintaba sin voluntad de profesionalización, afirmación muy fácil de hacer en relación a las mujeres creadoras y parte de la descripción romántica y plagada de silencios que nos han llegado de esta pintora. Esta descripción no casa con la rotundidad de sus imágenes, en especial de sus autorretratos, si los analizamos en relación a las muy particulares coordenadas de este género, clave para el examen de la autoría artística.

Su Autorretrato de cuerpo entero del 1912, donado por su hija al Museo del Prado en 1985 ​ y hoy ubicado, aunque no expuesto, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,​es seguramente su obra maestra. En él, la autora se pinta como una mujer singular, cuyo rostro posee una gran fuerza expresiva, acentuada por su mirada analítica, profunda y delicada.

De pie ante un fondo neutro de color rojizo, ofrece al espectador su porte de viuda elegante, no exento de cierta atractiva extravagancia, en el que se funde la sed de orientalismo con el reconocimiento de la tradición del retrato barroco español, concentrado y sintético, del que había bebido en el Museo del Prado.

De su producción también destacan, por su particularidad y la controversia que en la época causaban este tipo de obras realizadas por mujeres artistas, los desnudos de jóvenes y adolescentes. Pinta en varias ocasiones a su hija Eugenia, es el caso de Desnudo de niña con brazos cruzados conservado en el Museo de Bellas Artes de la Coruña, y a su sobrina Marisa Roësset (que tiempo después seguirá sus pasos como pintora y que está presente en las exposiciones de "Pintoras de España)
Una actitud desafiante frente a los convencionalismos sociales de la época en sus respectivos campos. Así, desde la propia MaRo hasta su sobrina Marisa, «el apellido Roësset encarna en España la lucha de género, con sus avances y retrocesos».

Bibliografía  :Enciclopedia online del Museo del Prado

Vera Nilsson

1888 - 1979

1888 - 1979

Conocida  pintora sueca, nacida en Jönköping. Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, en Valand en Gotemburgo y en la Académie de la Palette en París. Tuvo su primera exposición en Copenhague junto con Mollie Faustman. 

Ese mismo año, 1922, se estableció   en Liljevalchs con "Falange". Falange fue un grupo de 17 artistas suecos compuesto por ex alumnos de Henri Matisse: Leander Engström, Arvid Fougstedt y Einar Jolin. Vera Nilson era expresionista y a menudo pintaba con pinceladas vigorosas y colores intensos. 

A menudo se inspiró tanto en El Greco como en Vincent van Gogh. Vera Nilsson, como la primera mujer en la década de 1900, junto con Sigrid Hjertén, fue elegida miembro de la Academia y se convirtió en una de las principales artistas pioneras de Suecia.