Artur Bianchini

 Artur Bianchini (18 de octubre de 1869 - 16 de febrero de 1955) fue un artista sueco que estudió en la Académie Julien de París de 1889 a 1890 y con Richard Bergh en Estocolmo en 1891 y en Tenerife en 1895. 

Fue un pintor que utilizó colores fuertes para producir paisajes muy atmosféricos. En su mayoría adquirió sus motivos del área de Estocolmo y principalmente del archipiélago. Le atraían especialmente los motivos grandiosos. 

Fue miembro de De Frie a principios del siglo XX. Artur Bianchini estuvo casado con la pintora de miniaturas Lisa Wadström (1867–1943) y fue el padre de la bibliotecaria de la ciudad Bianca Bianchini (1905–1984). Bianchini está representada en el Museo Nacional y en el Moderna Museet de Estocolmo.

Fortunato Depero

 Fondo, 1892-Rovereto, 1960

Relacionado con el movimiento futurista italiano, Fortunato Depero fue aprendiz de decorador durante la Esposizione Internationale de Turín en 1910 y un año más tarde decidió convertirse en pintor. Sus primeras obras se relacionaban estilísticamente con el simbolismo y trataban temas sociales. Tras publicar en 1913 Spezzature-Impressioni: Segni e ritmi, una recopilación de su prosa y poesía acompañada de ilustraciones, se trasladó a Roma donde conoció a Filippo Tommaso Marinetti, poeta ideólogo del futurismo. A través de Marinetti, Depero trató con los pintores futuristas, que le influyeron en su interés por el estudio del dinamismo y con los que expuso en la Galleria Permanente Futurista de Roma en el verano de 1914.

En 1915 firmó con Giacomo Balla el manifiesto Riconstruzione futurista dell’universo y poco después fue llamado a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Su débil salud provocó que poco tiempo después fuese licenciado del ejército y pudiese dedicarse de nuevo al arte. A partir de 1916 sus composiciones adquirieron un carácter mecánico que se reflejó también en las escenografías que realizó desde 1916, cuando Serguéi Diághilev le encargó la puesta en escena de Le Chant du rossignol de Igor Stravinsky, que finalmente no llegó a ser representada, y que continuó en 1918 con las grandes marionetas de Balli Plastici en el Teatro dei Piccoli de Roma.

En 1919 fundó la Casa d’Arte Depero y, desde entonces, él y su mujer diseñaron paneles publicitarios y diferentes utensilios para el hogar. Entre 1928 y 1930 residió en Estados Unidos, donde aumentó su dedicación al arte gráfico y la publicidad. A su regreso publicó en 1932 el Manifesto dell’arte publicitaria futurista. Paralelamente continuó cultivando su interés por la pintura y en 1929 firmó el Manifesto dell’Aeropittura con Balla, Marinetti, Benedetta Capa y otros. A partir de entonces su pintura se centró en la importancia del color, pero perdió parte de su originalidad.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Georges D'Espagnat

 Melun, 1870-París, 1950

Georges d’Espagnat, pintor, ilustrador y escenógrafo, se trasladó a París en 1888 justo después de haber concluido sus estudios de enseñanza secundaria. Poco tiempo después, el artista se matriculó en la Académie des Beaux Arts y en la Académie Colarossi, pero su temperamento impaciente le indujo a terminar su formación de manera autónoma, aunque bajo la tutela ocasional de los pintores Gustave-Claude-Etienne Courtois y Jean-André Rixens. 

En 1891, d’Espagnat expuso por primera vez en el Salon des Refusés (Palais des Arts Décoratifs) y, a partir de 1892, sus obras figuraron con regularidad en el Salon des Indépendants. Además, en 1905 el pintor colaboró en la creación del Salon d’Automne, en el que posteriormente desempeñaría el cargo de vicepresidente (1935). 

Desde el punto de vista estilístico, d’Espagnat está profundamente en deuda con Sisley y con Renoir. La gran amistad que lo unía a este último ha quedado patente en las frecuentes visitas que d’Espagnat hizo a Renoir en la Costa Azul entre 1899 y 1904. A Georges d’Espagnat, junto con Bonnard, Vuillard, Maufra y Albert André, entre otros, se le considera hoy como uno de los exponentes del Postimpresionismo más significativos.

El artista mantuvo también una estrecha relación con varios escritores y músicos, entre los que cabe citar a Valéry, Gide y Roussel. Como ilustrador d’Espagnat llevó a cabo varios proyectos, tales como el Almanach de L’Ymagier (1897), publicación editada por el escritor francés Rémy de Gourmont, y la edición de 1930 de L’Immortel de Daudet. Entre los encargos que le hicieron para instituciones públicas, destacan la decoración del Ayuntamiento de Vincennes (1936) y el Salón Victor Hugo del Palais du Luxembourg de París (1939). Los temas que trata preferentemente d’Espagnat en sus composiciones son la naturaleza y las mujeres, representadas en ambientes líricos que ponen de manifiesto la gran sensibilidad del pintor ante la luz.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Félix Cuadrado Lomas

 (Valladolid, España, 4 de diciembre de 1930-Valladolid, 17 de noviembre de 2021)

Cuadrado Lomas fue galardonado con el Premio Castilla y León de las Artes 2017, y durante su carrera destacó por su trabajo vinculado con los paisajes de la tierra. 

El pintor renunció al galardón concedido en 2017 después de que se lo otorgara por unanimidad el jurado encargado de decidir la distinción.

Por "su capacidad de unir tradición y vanguardia, por su dominio de formas y colores y por haber sabido captar de manera magistral los campos y gentes de Castilla y León con un estilo propio y una visión esencial", resumió el jurado al argumentar la concesión del premio hace cuatro años.

Referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX

Último superviviente hasta hoy del conjunto de artistas denominado Grupo de Simancas, Cuadrado Lomas, a pesar de la renuncia al galardón de 2017 mientras este premio no recuperara la dotación económica que en ese año no existía, agradeció no obstante el interés que hacia su persona mostró el jurado y las entidades que le propusieron para este reconocimiento.

Durante su carrera el artista fue un referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX. Además, destacó por su interpretación del sistema castellano basado en la severa geometría y cromatismo que reflejan sus cuadros. 

rtve.es/noticias/20211117/fallece-pintor-felix-cuadrado-lomas

DENIS SARAZHIN

 Denis Sarazhin nació en Nikopol, Ucrania en 1982. Asistió a la Academia de Arte y Diseño de Jarkov, graduándose en 2008. Se especializó en pintura y fue alumno de Ganozkiy VL, Chaus VN y Vintayev VN. Sarazhin fue galardonado con el Premio de Diploma de 1er Grado a la Excelencia en Pintura de la Academia de Arte de Ucrania . Desde 2007 es miembro de la sección de Jarkov de la asociación de la Alianza de Artistas de Ucrania.

Ivan Marchuk

Ivan nació en una familia campesina. Toda esperanza estaba puesta en él, y recurrió a los artistas. Después de la escuela, ingresó a la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Lviv y luego se graduó del Instituto de Lviv.

Se graduó en el Instituto de Artes Decorativas y Aplicadas de Lviv y trabajó como artista en una fábrica de muebles y pintó carteles en el cine, pero encontró su propio estilo en 1965 cuando se mudó a Kiev y trabajaba en el Instituto de Materiales Superduros.

Hasta 1988 se le negó la membresía en la Unión de Artistas de Ucrania porque sus temas y estilo no se ajustaban al realismo socialista. En Kiev, creó las composiciones en relieve de azulejos de cerámica del tamaño de una pared (1969-72) en el Instituto de Física Teórica de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Ucrania.

Marchuk pintó fantásticas composiciones figurativas y florales con elementos del surrealismo, retratos hiperrealistas, paisajes enigmáticos y composiciones expresionistas abstractas.

Sus pinturas figurativas al temple de la serie Voice of My Soul' le fueron dando el reconocimiento internacional, presentando situaciones aparentemente irracionales con personas esqueléticas, a menudo grotescas, cortadas por la cintura y rodeadas de siniestros objetos y criaturas ubicadas en un vasto paisaje vacío.

La paleta de Marchuk raya en lo monocromático, y por lo tanto, se refuerza la irrealidad de las imágenes.

Sus paisajes realistas tienen una textura densa y peculiar que consiste en capas de pigmento en forma de telaraña que, combinadas con el uso dramático de la luz y la oscuridad, crean unaatmósfera de inquietud y misterio.

Por varios años se mantuvo en esa forma y fondo, aunque después del accidente nuclear de Chernobyl de 1986, Marchuk empezó a crear composiciones de pesadilla que representan la destrucción total de nuestro planeta; por ejemplo, Warning, de 1986.

Desde entonces, también optó por llevar a cabo exposiciones individuales, comenzando en Moscú en 1979 y Kiev en 1980. Sus 43 lienzos inspirados en la poesía de Taras Shevchenko se exhibieron en el museo de la Reserva Nacional Shevchenko en Kaniv. Desde 1989 ha realizado varias exposiciones en Austriaalia, Canadá y Nueva York.

En 2007 fue incluido en el ranking de los 100 genios más destacados de la actualidad, elaborado por el diario británico The Daily Telegraph.

Hoy, Ivan Marchuk es un maestro reconocido del lienzo y el pincel, y hubo momentos en que su  arte no fue reconocido en Ucrania.

Mucha gente incluso cree que Marchuk puede predecir el futuro a través de sus obras. Por ejemplo, antes de la Revolución Naranja en Ucrania en 2004, había pintado un retrato de Viktor Yushchenko sobre un fondo de color naranja; y antes del accidente de Chernobyl había creado una serie de obras que simbolizaban una catástrofe.

“Ucrania es la tierra más hermosa del mundo para mí”, admite Ivan, aunque le preocupa que, por más veces que haya viajado por el mundo, nunca ha visto tanto desorden y tanta basura como en su país.

Se mantiene viviendo en Kiev ante la amenaza bélica que continúa en su país.

Jozef Israëls

Groningen, 1824-Scheveningen, 1911

Jozef Israëls nació el 27 de enero de 1824 en Groningen (Países Bajos). Se formó en la Akademie Minerva de Groningen, prosiguiendo su aprendizaje artístico en Amsterdam con J. A. Kruseman, famoso retratista, y J. Pieneman, pintor de batallas. En 1845 viajó a París, ingresando primero como aprendiz en el taller de Picot y trabajando luego bajo la dirección de Ary Scheffer, famoso artista de la corte de Luis Felipe. 

Tras regresar a Holanda, Jozef Israëls amplió su formación en la escuela de arte de Düsseldorf, donde se familiarizó con los temas de pesca a través de las obras de Rudolf Jordan. Una visita a Barbizon y el contacto con los óleos y los dibujos de Jean François Millet convencieron a Jozef Israëls para inclinarse hacia los géneros realistas, eligiendo como tema principal de sus obras la vida de los campesinos y pescadores.

En 1875 se le consideraba como uno de los principales artistas de la Escuela de La Haya. La crítica francesa alabó sus obras, de las que dijo que estaban pintadas con «sombras y sentimiento». También Vincent van Gogh admiró sus cuadros. Jozef Israëls fue un hombre de una gran cultura, muy interesado por el arte y la literatura de su época. Hizo muchos viajes e incluso escribió un libro sobre su periplo por España.

Su hijo Isaac Israëls también fue pintor por derecho propio. Jozef Israëls vivió en La Haya desde 1872 hasta su muerte, acaecida en 1911. Presidió la asociación artística de La Haya, Pulchri Studio, y fue miembro fundador de la Sociedad Holandesa de Acuarelas, en 1876.
A su muerte, en 1911, se celebró en su honor una exposición individual en la Bienal de Venecia, y se presentaron sus obras en el The Toledo Museum of Art, Ohio.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

LUIS RICARDO FALERO

 España, 1851–1896  Luis Ricardo Falero fue un pintor romántico español. De gran talento, siguió a los clásicos, pero tamizado con las temáticas mitológicas, literarias y orientalizantes propias del romanticismo.

Nacido en Granada, en una familia muy pudiente, pudo estudiar desde los 7 años en Richmond (Gran Bretaña), París y finalmente España, donde complementó su aprendizaje artístico con el militar.

Estudió además química e ingeniería industrial, probablemente inspirado por Nicola Tesla y sus asombrosos descubrimientos, pero por lo visto sus experimentos resultaron tan peligrosos que decidió dedicarse exclusivamente al arte en Londres.

Sus temáticas más utilizadas fueron los desnudos femeninos, muy orientalizados, como marcaban los cánones del romanticismo que ya arrasaba Europa. Se interesó también por asuntos astronómicos y mágicos, mostrando las supersticiones de gran riqueza de todos los países que había visitado.

Sus últimos años de vida los pasó en Londres, donde gozó de bastante éxito.

Su obra se reparte entre museos como el Metropolitan de NYC y apenas unos pocos cuadros en su tierra natal, como los de la Casa museo Ajsaris. Por ello quizás Falero sea uno de los grandes pintores españoles menos conocidos en España.

Historia Arte (HA!)

Zdzisław Beksiński

 Polonia, 1929–2005

Más que sueños, pesadillas es lo que representaba este fascinante artista polaco cuya vida acabó de forma trágica y probablemente tan terrorífica como una de sus obras. Fue representante de lo que se dio en llamar Realismo fantástico.

Autodidacta, Beksínski estudió arquitectura en Cracovia, pero antes del arte se dedicó a otros oficios con los que no fue del todo feliz. Empezó con la fotografía y se fue introduciendo en la pintura abstracta que poco a poco se volvió figurativa.

En los años 60 y tras una exitosa exposición, de un día para otro el artista se convirtió en la figura líder del arte contemporáneo polaco. Sus imágenes perturbadoras eran hipnóticas, terroríficas, aterradoras. Un universo de pesadilla entre lo fantástico y lo post-apocalíptico, pero con un tono real, verosímil si queremos llamarlo así.

Tocando como tema principal el de la muerte, el detallismo que ponía el autor convertían a la pintura en una especie de realismo delirante y terrorífico, con atmósferas opresivas y enfermizas, un arte no muy lejano de HR Giger. Además el significado de sus cuadros era aún más indescifrable al no ponerle nunca títulos a sus pinturas y dibujos.

Beksínski es perfecto para ilustrar cualquier portada de disco de trash metal, aunque al parecer esa no era su música preferida. Como influencia principal para su arte, el propio artista decía que tenía a la música. Al parecer, Beksínski escuchaba música clásica mientras pintaba, ya que el silencio le molestaba.

Su vida personal fue pesadillesca al final. Tras la muerte trágica de su esposa, su hijo se suicidó (el propio Beksínski descubrió el cuerpo) y al cabo de unos años fue hallado muerto en su apartamento tras ser asesinado por un vecino por no prestarle dinero.

Artistas

Kerry James Marshall

 Nacido en 1955 en Birmingham, Alabama, Marshall absorbió la historia desde muy joven. La era de los derechos civiles definió su infancia; después de mudarse con su familia a Los Ángeles, fue testigo de los disturbios de Watts con solo nueve años. Marshall también supo desde el principio que quería ser artista. Leyó mucho sobre historia del arte y se educó con  los maestros europeos, como Goya e Ingres, y los gigantes estadounidenses de la abstracción de mediados de siglo. Aunque Marshall quería hacer obras al mismo nivel que estos artistas blancos, no quería adaptarse a sus formas. En cambio, fijó su mirada en hacer un trabajo que, por derecho propio, tuvieran la misma fuerza.

A partir de la década de 1980, Marshall comenzó a pintar figuras que eran, literalmente, tan negras como la noche. De sujetos apenas distinguibles por sus fondos oscuros, Marshall pasó a retratar figuras de color negro azabache dentro de espacios vibrantes, como casas, parques y salones de belleza. Superpuso cada obra con símbolos de la experiencia afroamericana cotidiana y de imágenes y eventos históricos. Recordó momentos de la historia negra, desde la colonización holandesa de Sudáfrica hasta el saludo con guantes de cuero de los atletas negros durante los Juegos Olímpicos de verano de 1968. Insertó objetos de la diáspora africana (las conchas de cauri de la moneda africana, las portadas de revistas de ébano), los roció con brillo y luego entretejió pancartas de partituras de Motown. Eliminó escenarios de pinturas canónicas: el barco de esclavos de Turner, lugares de picnic impresionistas. 

Autor de una obra figurativa de relieve, el trabajo de Kerry James Marshall versa sobre la identidad-nacional, de género y, sobre todo, racial-, y responde a una investigación con el objetivo de contextualizar la experiencia afro-americana en la situación socio-política actual. Si bien evidencia el que el artista llama "vacío en el banco de imágenes", y el cuestionamiento de los sistemas de legitimación existentes, su pintura va más allá de la denuncia. Técnicamente compleja, y arriesgada en la invención de nuevas imágenes que contribuyen a llenar ese vacío, se inspira tanto en la cultura popular-el cine y, de manera especial, el cómic-como en el arte.

 

William Kentridge

 Tras concluir su licenciatura en Políticas y Estudios Africanos en la Universidad de Witwatersrand de Johannesburgo, William Kentridge (Johannesburgo, 1955) se traslada durante un año a París para cursar estudios de teatro y mimo. A su regreso a Sudáfrica, en 1982, continúa su trabajo en teatro y en la industria del cine, pero son las artes plásticas las que a principios de los años noventa le otorgan un reconocimiento internacional tras su participación en la primera Bienal de Johannesburgo (1995). A partir de ese momento, el artista ha desarrollado siempre su trabajo escénico y plástico de manera paralela y simultánea: ambos lenguajes se retroalimentan, complementándose, e incluso solapándose, hasta el punto de que no se entiende el uno  sin el otro.

La exposición William Kentridge. Basta y sobra se centra en su producción escénica, que incluye teatro, ópera y performance, y se acerca también a sus proyectos plásticos desde esta perspectiva. El eje vertebral de la muestra son las obras de teatro Woyzeck on the Highveld [Woyzeck en el Alto Veld, 1992], Faustus in Africa! [¡Fausto en África!, 1995] y Ubu and the Truth Commission [Ubú y la Comisión para la Verdad, 1997], y las óperas Il ritorno d’Ulisse [El retorno de Ulises, 1998], The Nose [La nariz, 2010], Lulu [Lulú, 2015] y Wozzeck (2017). Esta selección permite un recorrido transversal que evidencia ciertas constantes de la trayectoria artística de Kentridge. Todas ellas son historias de un solo protagonista que sirven para entretejer diversas situaciones y suscitar realidades más complejas. Se trata de dramas donde, con frecuencia, lo absurdo se convierte en aliado para desnudar y desenmarañar eficazmente circunstancias y contextos concretos. Los personajes de Woyzeck, Ubú, Lulú, Ulises, Fausto, e incluso la Nariz, son víctimas o verdugos de unas estructuras encorsetadas que ponen de manifiesto, en el ámbito público y doméstico, las lacras de la tiranía, el autoritarismo, la mezquindad y la corrupción.

La importancia otorgada al proceso creativo es otro de los aspectos claves de la producción de Kentridge. Durante la concepción de las piezas mencionadas, se intercalan dibujos, grabados y películas que sirven de punto de partida, son resultado de las mismas o fueron producidas de forma simultánea y complementaria. La muestra reúne una amplia selección de materiales y medios que dan cuenta de estas sinergias entre la obra plástica y escénica del artista, así como de los distintos enfoques y formalizaciones que plantea para cada proyecto.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía