JUAN LUIS, EL PINTOR.

 

Juan Luis López García, pintor gallego conocido como “Juan Luis”, nació en Santiago de Compostela el 21 de junio de 1894 y falleció en Santiago de Compostela el 24 de enero de 1984.

Comenzó su actividad pictórica en el taller de su padre. Se formó en las aulas de Mariano Tito Vázquez y en la Escuela de Artes y Oficios. Con una bolsa de estudios del ayuntamiento de Santiago de Compostela viajó a Madrid y allí conoció, por mediación de Asorey, a artistas de la época como Manuel Bujados o Julio Romero de Torres.

A su regreso ya contaba con cierto prestigio. Participa en la Exposición Regional de A Coruña en  1917, y consigue grandes alabanzas  de los críticos de la época. Se le encarga la restauración del retableo de la iglesia de Arcos de Furcos en Cuntis y allí conoció a Xosefa Carballo, con la que se casó en  1918 y tuvo un hijo, Francisco Luis. Participó en varias edicciones de la Exposición Nacional de Bellas Artes que se celebraba en Madrid.

En1928 viaja a París, con una beca,  y alló conoce a Carlos Maside, que lo introduce en las tertulias artísticas de los cafés de Montmartre y Montparnasse,  y en 1930 se desplaza de nuevo, con una beca de la Diputación de A Coruña, para visitar museos y galerías de Italia, Suiza y Francia. Despues de la guerra civil ingresa como catedrático en la Escuela Superior de Bellas Artes de Barcelona.

Su  pintura es basicamente costumbrista, especialmente campesina. Habría que  incluirlo  en la misma generación de Castelao, Xesús Corredoira o en la de sus grandes amigos Felipe  Bello Piñeiro y Francisco Asorey

Anthony Thieme

 

Rotterdam, 1888-Greenwich, 1954.  Nacido en Róterdam el 20 de febrero de 1888, Thieme estudió en la Academia de Bellas Artes de Róterdam durante dos años y luego, brevemente, en la Real Academia de La Haya. Viajó mucho por Europa y con frecuencia encontró trabajo como escenógrafo.

Viajó a los Estados Unidos a la edad de 22 años. Rápidamente encontró trabajo como escenógrafo en el Century Theatre de Nueva York, diseñando decorados para la bailarina rusa Anna Pavlova. Cuando finalizó el encargo, viajó a Sudamérica, principalmente a Brasil y Argentina. El trabajo escénico nuevamente le proporcionó su sustento. Un regreso a Europa siguió con más trabajo en Inglaterra, Francia e Italia.

Al regresar a los Estados Unidos con un contrato para trabajar en el escenario adicional,  se encontró en Boston. Dejó de trabajar en los escenarios en 1928 y desde entonces se ganó la vida con las ventas de sus pinturas y grabados. Se casó con Lillian Beckett en 1929 y se mudó a Rockport, MA.  Expuso su obra con frecuencia en las Grand Central Art Galleries de Nueva York.

Continuó viajando mucho; México, Guatemala, Florida y Francia fueron los principales destinos, siempre pintando al aire libre.

Se suicidó el 6 de diciembre de 1954 en Greenwich, CT. Las circunstancias de su muerte no se entienden completamente. Ha habido historias de depresión profunda o enfermedad grave, pero no ha surgido ninguna razón definitiva para su suicidio.

Anthony Thieme fue miembro de pleno derecho de la Sociedad Estadounidense de Acuarela, Art Alliance of America, Salmagundi Club, Boston Art Club, North Shore Art Association, Rockport Art Association, New York Water Color Club, Art Alliance of Philadelphia y National Arts Club. .

John George Brown

John George Brown nació en Durham, Inglaterra, el 11 de noviembre de 1831. Sus padres le enseñaron la carrera de vidriero a la edad de catorce años en un intento de disuadirlo de dedicarse a la pintura.  Estudió por las noches en la Escuela de Diseño en Newcastle-on-Tyne mientras trabajaba como cortador de vidrio allí entre 1849 y 1852 y por las noches en la Academia Trustees en Edimburgo mientras trabajaba en Holyrood Glass Works entre 1852 y 1853.  Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1853, estudió con Thomas Seir Cummings en la Academia Nacional de Diseño, donde fue elegido Académico Nacional.en 1861. Brown fue vicepresidente de la Academia de 1899 a 1904. 

Alrededor de 1855, trabajó para el propietario de Brooklyn Glass Company como soplador de vidrio y luego se casó con la hija de su empleador. Su suegro fomentó sus habilidades artísticas, apoyándolo económicamente, permitiendo que Brown se dedicara a pintar a tiempo completo.  Estableció un estudio en 1860 y, en 1866, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Water-Color Society, de la que fue presidente de 1887 a 1904. Brown se hizo famoso por sus representaciones idealizadas de pilluelos callejeros en New York ( limpiabotas , músicos callejeros, vendedores de ramilletes, vendedores de periódicos , etc.). 

Su Passing Show (París, Salón, 1877) y Street Boys at Play (Exposición de París, 1900) son buenos ejemplos de su talento popular. El arte de Brown se caracteriza mejor como pinturas de género británico adaptadas a temas estadounidenses. Esencialmente literarias, las pinturas de Brown están ejecutadas con detalles precisos, pero de color pobre y más populares entre el público en general que entre los conocedores. Sus pinturas fueron bastante populares entre los coleccionistas adinerados. Muchas de las pinturas de Brown se reprodujeron como litografías y se distribuyeron ampliamente con tés empaquetados. También pintó algunos paisajes, solo por placer.

Murió en su casa en la ciudad de Nueva York el 8 de febrero de 1913. 

Pasquale Celommi

 Pasquale Celommi nació el 6 de enero 1851 en el pequeño pueblo de Montepagano, hoy una fracción de Roseto degli Abruzzi,

en la provincia de Teramo.

Después de algún tiempo los padres se mudaron a la costa para administrar una posada y el pequeño Pasquale se puso a dibujar, con carbóncillo los costados de los barcos.

Su vocación por el dibujo fue inmediatamente valorado por el maestro Camillo Mezzoprete, pintor local y coleccionista, quien también lo ayudó económicamente en el inicio de sus estudios.

En 1873 ganó un concurso artístico y una  pension organizada por la Administración Provinciale di Teramo, título que le permitió asistir a la “Escuela libre de desnudo "en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Aquí, junto con otros jóvenes talentos, fue alumno del maestro tesino Antonio Ciseri, que ya había sido Maestro de Silvestro Lega.

Durante su estancia en la Toscana conoció y se casó con la sobrina del poeta Giuseppe Giusti, Giuseppina, con quien tuvo, en 1881, el primogénito Raphael.

Las obras de gusto académico-clasicista y de inspiración exótica y morelliana como Odalisca al Bagno, las presentó en la Exposición Nacional del 78 junto a Tarantella e Il Vecchio Abruzos.

También podemos suponer que en el mismo período Pasquale Celommi tenía también  contactos con los Macchiaioli, aunque no hay pruebas pero la maduración artística, sin embargo, coincidió con el regreso a Roseto, donde se trasladó definitivamente en 1881 y donde descubrió los temas que inspirarían su pintura, los temas que le congenian con  sus medios de expresión:  sus gentes, escenas relacionadas con la vida marinera, marinas con ambientes suaves sumergidos en la transparencia de una luz dorada... Pero también fue el intérprete del trabajo y el cansancio de pescadores, agricultores y trabajadores.

Murió el 9 de agosto de 1928, a raíz de las complicaciones de una nefritis

Fauvismo, la borrachera de color que abrió paso a las vanguardias del XX

                                               Henri Matisse. Woman with a Hat, 1905. San Francisco Museum of Modern Art

 1905–1908

La primera vanguardia. El muy conservador crítico Louis Vauxcelles escribe: «Donatello parmi les Fauves» (Donatello entre las fieras) cuando ve la exposición del Salón de Otoño de 1905.

                                      Maurice de Vlaminck, La chica de Rat Mort, 

Fauvismo es liberar el color con respecto al dibujo, ignorar claroscuros y perspectivas, expresar sentimientos… Era gente inconformista, que como todo buen artista de vanguardia, quiere liberarse de todo lo anterior y no ser sumiso ante la herencia pictórica.

                                                      André Derain, Puente sobre el Riou

El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.

historia-arte.com

Se trató de un movimiento vanguardista, que pretendió ir más allá de lo logrado por los métodos tradicionales de expresión en la pintura, por lo que a menudo echó mano a técnicas de movimientos plásticos vecinos.

                                               Raoul Dufy, Bañistas

Entre sus principales exponentes se menciona usualmente a Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck, quienes lo habrían “inventado”. El movimiento desaparecería una vez que estos pintores separaran sus caminos y tendencias, pero tendría una marcada influencia en las vanguardias y en el expresionismo.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/fauvismo/#ixzz7YSxWKggH

Artur Bianchini

 Artur Bianchini (18 de octubre de 1869 - 16 de febrero de 1955) fue un artista sueco que estudió en la Académie Julien de París de 1889 a 1890 y con Richard Bergh en Estocolmo en 1891 y en Tenerife en 1895. 

Fue un pintor que utilizó colores fuertes para producir paisajes muy atmosféricos. En su mayoría adquirió sus motivos del área de Estocolmo y principalmente del archipiélago. Le atraían especialmente los motivos grandiosos. 

Fue miembro de De Frie a principios del siglo XX. Artur Bianchini estuvo casado con la pintora de miniaturas Lisa Wadström (1867–1943) y fue el padre de la bibliotecaria de la ciudad Bianca Bianchini (1905–1984). Bianchini está representada en el Museo Nacional y en el Moderna Museet de Estocolmo.

Fortunato Depero

 Fondo, 1892-Rovereto, 1960

Relacionado con el movimiento futurista italiano, Fortunato Depero fue aprendiz de decorador durante la Esposizione Internationale de Turín en 1910 y un año más tarde decidió convertirse en pintor. Sus primeras obras se relacionaban estilísticamente con el simbolismo y trataban temas sociales. Tras publicar en 1913 Spezzature-Impressioni: Segni e ritmi, una recopilación de su prosa y poesía acompañada de ilustraciones, se trasladó a Roma donde conoció a Filippo Tommaso Marinetti, poeta ideólogo del futurismo. A través de Marinetti, Depero trató con los pintores futuristas, que le influyeron en su interés por el estudio del dinamismo y con los que expuso en la Galleria Permanente Futurista de Roma en el verano de 1914.

En 1915 firmó con Giacomo Balla el manifiesto Riconstruzione futurista dell’universo y poco después fue llamado a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Su débil salud provocó que poco tiempo después fuese licenciado del ejército y pudiese dedicarse de nuevo al arte. A partir de 1916 sus composiciones adquirieron un carácter mecánico que se reflejó también en las escenografías que realizó desde 1916, cuando Serguéi Diághilev le encargó la puesta en escena de Le Chant du rossignol de Igor Stravinsky, que finalmente no llegó a ser representada, y que continuó en 1918 con las grandes marionetas de Balli Plastici en el Teatro dei Piccoli de Roma.

En 1919 fundó la Casa d’Arte Depero y, desde entonces, él y su mujer diseñaron paneles publicitarios y diferentes utensilios para el hogar. Entre 1928 y 1930 residió en Estados Unidos, donde aumentó su dedicación al arte gráfico y la publicidad. A su regreso publicó en 1932 el Manifesto dell’arte publicitaria futurista. Paralelamente continuó cultivando su interés por la pintura y en 1929 firmó el Manifesto dell’Aeropittura con Balla, Marinetti, Benedetta Capa y otros. A partir de entonces su pintura se centró en la importancia del color, pero perdió parte de su originalidad.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Georges D'Espagnat

 Melun, 1870-París, 1950

Georges d’Espagnat, pintor, ilustrador y escenógrafo, se trasladó a París en 1888 justo después de haber concluido sus estudios de enseñanza secundaria. Poco tiempo después, el artista se matriculó en la Académie des Beaux Arts y en la Académie Colarossi, pero su temperamento impaciente le indujo a terminar su formación de manera autónoma, aunque bajo la tutela ocasional de los pintores Gustave-Claude-Etienne Courtois y Jean-André Rixens. 

En 1891, d’Espagnat expuso por primera vez en el Salon des Refusés (Palais des Arts Décoratifs) y, a partir de 1892, sus obras figuraron con regularidad en el Salon des Indépendants. Además, en 1905 el pintor colaboró en la creación del Salon d’Automne, en el que posteriormente desempeñaría el cargo de vicepresidente (1935). 

Desde el punto de vista estilístico, d’Espagnat está profundamente en deuda con Sisley y con Renoir. La gran amistad que lo unía a este último ha quedado patente en las frecuentes visitas que d’Espagnat hizo a Renoir en la Costa Azul entre 1899 y 1904. A Georges d’Espagnat, junto con Bonnard, Vuillard, Maufra y Albert André, entre otros, se le considera hoy como uno de los exponentes del Postimpresionismo más significativos.

El artista mantuvo también una estrecha relación con varios escritores y músicos, entre los que cabe citar a Valéry, Gide y Roussel. Como ilustrador d’Espagnat llevó a cabo varios proyectos, tales como el Almanach de L’Ymagier (1897), publicación editada por el escritor francés Rémy de Gourmont, y la edición de 1930 de L’Immortel de Daudet. Entre los encargos que le hicieron para instituciones públicas, destacan la decoración del Ayuntamiento de Vincennes (1936) y el Salón Victor Hugo del Palais du Luxembourg de París (1939). Los temas que trata preferentemente d’Espagnat en sus composiciones son la naturaleza y las mujeres, representadas en ambientes líricos que ponen de manifiesto la gran sensibilidad del pintor ante la luz.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Félix Cuadrado Lomas

 (Valladolid, España, 4 de diciembre de 1930-Valladolid, 17 de noviembre de 2021)

Cuadrado Lomas fue galardonado con el Premio Castilla y León de las Artes 2017, y durante su carrera destacó por su trabajo vinculado con los paisajes de la tierra. 

El pintor renunció al galardón concedido en 2017 después de que se lo otorgara por unanimidad el jurado encargado de decidir la distinción.

Por "su capacidad de unir tradición y vanguardia, por su dominio de formas y colores y por haber sabido captar de manera magistral los campos y gentes de Castilla y León con un estilo propio y una visión esencial", resumió el jurado al argumentar la concesión del premio hace cuatro años.

Referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX

Último superviviente hasta hoy del conjunto de artistas denominado Grupo de Simancas, Cuadrado Lomas, a pesar de la renuncia al galardón de 2017 mientras este premio no recuperara la dotación económica que en ese año no existía, agradeció no obstante el interés que hacia su persona mostró el jurado y las entidades que le propusieron para este reconocimiento.

Durante su carrera el artista fue un referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX. Además, destacó por su interpretación del sistema castellano basado en la severa geometría y cromatismo que reflejan sus cuadros. 

rtve.es/noticias/20211117/fallece-pintor-felix-cuadrado-lomas

DENIS SARAZHIN

 Denis Sarazhin nació en Nikopol, Ucrania en 1982. Asistió a la Academia de Arte y Diseño de Jarkov, graduándose en 2008. Se especializó en pintura y fue alumno de Ganozkiy VL, Chaus VN y Vintayev VN. Sarazhin fue galardonado con el Premio de Diploma de 1er Grado a la Excelencia en Pintura de la Academia de Arte de Ucrania . Desde 2007 es miembro de la sección de Jarkov de la asociación de la Alianza de Artistas de Ucrania.

Ivan Marchuk

Ivan nació en una familia campesina. Toda esperanza estaba puesta en él, y recurrió a los artistas. Después de la escuela, ingresó a la Escuela de Artes Decorativas y Aplicadas de Lviv y luego se graduó del Instituto de Lviv.

Se graduó en el Instituto de Artes Decorativas y Aplicadas de Lviv y trabajó como artista en una fábrica de muebles y pintó carteles en el cine, pero encontró su propio estilo en 1965 cuando se mudó a Kiev y trabajaba en el Instituto de Materiales Superduros.

Hasta 1988 se le negó la membresía en la Unión de Artistas de Ucrania porque sus temas y estilo no se ajustaban al realismo socialista. En Kiev, creó las composiciones en relieve de azulejos de cerámica del tamaño de una pared (1969-72) en el Instituto de Física Teórica de la Academia de Ciencias de la República Socialista Soviética de Ucrania.

Marchuk pintó fantásticas composiciones figurativas y florales con elementos del surrealismo, retratos hiperrealistas, paisajes enigmáticos y composiciones expresionistas abstractas.

Sus pinturas figurativas al temple de la serie Voice of My Soul' le fueron dando el reconocimiento internacional, presentando situaciones aparentemente irracionales con personas esqueléticas, a menudo grotescas, cortadas por la cintura y rodeadas de siniestros objetos y criaturas ubicadas en un vasto paisaje vacío.

La paleta de Marchuk raya en lo monocromático, y por lo tanto, se refuerza la irrealidad de las imágenes.

Sus paisajes realistas tienen una textura densa y peculiar que consiste en capas de pigmento en forma de telaraña que, combinadas con el uso dramático de la luz y la oscuridad, crean unaatmósfera de inquietud y misterio.

Por varios años se mantuvo en esa forma y fondo, aunque después del accidente nuclear de Chernobyl de 1986, Marchuk empezó a crear composiciones de pesadilla que representan la destrucción total de nuestro planeta; por ejemplo, Warning, de 1986.

Desde entonces, también optó por llevar a cabo exposiciones individuales, comenzando en Moscú en 1979 y Kiev en 1980. Sus 43 lienzos inspirados en la poesía de Taras Shevchenko se exhibieron en el museo de la Reserva Nacional Shevchenko en Kaniv. Desde 1989 ha realizado varias exposiciones en Austriaalia, Canadá y Nueva York.

En 2007 fue incluido en el ranking de los 100 genios más destacados de la actualidad, elaborado por el diario británico The Daily Telegraph.

Hoy, Ivan Marchuk es un maestro reconocido del lienzo y el pincel, y hubo momentos en que su  arte no fue reconocido en Ucrania.

Mucha gente incluso cree que Marchuk puede predecir el futuro a través de sus obras. Por ejemplo, antes de la Revolución Naranja en Ucrania en 2004, había pintado un retrato de Viktor Yushchenko sobre un fondo de color naranja; y antes del accidente de Chernobyl había creado una serie de obras que simbolizaban una catástrofe.

“Ucrania es la tierra más hermosa del mundo para mí”, admite Ivan, aunque le preocupa que, por más veces que haya viajado por el mundo, nunca ha visto tanto desorden y tanta basura como en su país.

Se mantiene viviendo en Kiev ante la amenaza bélica que continúa en su país.