Pintor belga (Molenbeek-Saint-Jean 1864 - Bruselas 1940).
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Manifestó tempranamente un realismo vigoroso, tendencias sociales y humanitarias, en composiciones con muchos personajes y en general de gran formato.Sus composiciones representan la vida de campesinos, trabajadores, pobres emigrantes...En 1894, participó en la primera exposición de Free Aesthetics, donde sería invitado muchas veces después.Este estilo monumental, en el que los tonos fuertemente contrastantes enfatizan un diseño sintético, gana en sobriedad expresiva en los primeros años del siglo, notablemente bajo la influencia de Bruegel, y de ese modo anuncia el expresionismo flamenco.Continuó su trabajo desarrollando temas llenos de mayor alegría hasta que se quedó ciego y dejó de pintar en 1924. El Museo Charlier de Bruselas, los museos de Ixelles ,Mons y Amberes tienen obra suya.
1854 - 1901 Estudió en la Academia de Bellas Artes de Leipzig y despues en Munich.
Al principio se ganó la vida como inlustrador, intentando conseguir vivir en el campo y vivir de la pintura.
Despues de pasar algún tiempo en París con su amigo Adolf Hölzel, visitó Dachau y se quedaban allí durante semanas.
En 1897, Hölzel, Langhammer y Ludwid Dill fundaron la "escuela de arte New Dachau", que se convirtió en la clave de la Colonia de Arte Dachau.
En 1898, la nueva colonia consiguió un reconocimiento nacional cuando Hölzel,
Dill, y Langhammer hicieron una exposición en Berlin con el título "The Dachauer". Langhammer se trasladó a Dachau permanentemente en 1900.
Alli pintó el paisaje, integrando figuras de los aldeanos, que para él representaban la naturaleza.
Henri Lebasque (francés, 1865–1937) fue un artista postimpresionista, conocido como el "pintor de la alegría y la luz". Nacido en Champigné, Francia, en 1885, viajó a París para estudiar en la Escuela de Bellas Artes.
Durante este tiempo, Lebasque comenzó a participar en las exposiciones
anuales de la sociedad de arte y en los Salones de París.
Sus obras estuvieron marcadas por su contacto con pintores más jóvenes,
entre ellos Edouard Vuillard y Pierre Bonnard , miembros de los influyentes grupos Nabis e
Intimista.
En 1903, él y Henri Matisse fundaron el Salon d'Automne.
En 1912, el salón exhibió obras de un grupo de artistas que se
conocieron como "Les Fauves", y cuyo estilo
adoptaría más tarde Lebasque.
Aunque la sencillez de la forma y el color tuvo un efecto más sutil en
la obra de Lebasque que en las obras de otros artistas fauvistas, fue
criticado por los críticos por la intimidad de sus temas y la alegría en
sus formas. En 1924, se trasladó a Le Cannet en la Riviera francesa, donde vivió hasta su muerte en 1937.
Las obras de Lebasque se pueden encontrar en muchas instituciones
públicas y privadas importantes de todo el mundo, como el Museo
Thyssen-Bornemisza en España, el Museo Nacional de Arte Occidental de
Japón y el Museo de Arte de la Universidad de Harvard.
París, 1857; París, 1939.Pintor francés Estudió en la Escuela de Bellas Artes y en los estudios de Henri Lehmann, Fernand Cormon y Léon Bonnat. Su
entrada al Salón en 1880, Retrato de M. O. (sin rastro), reflejó su
temprana atracción por la tradición realista de la pintura española del
siglo XVII.
El
impacto del impresionismo lo animó a aligerar su paleta y pintar
paisajes al aire libre. A
finales de la década de 1880, había cultivado la amistad de varios
poetas simbolistas y el pintor Puvis de Chavannes, lo que le hizo
abandonar su enfoque naturalista y adoptar el idealismo estético de la
pintura poética.
Abandonando
temas extraídos de la vida cotidiana, Osbert se propuso transmitir
visiones internas y desarrolló un conjunto de símbolos pictóricos. Inspirado
por Puvis, simplificó las formas de paisaje, que sirvieron como fondos
para figuras estáticas y aisladas disueltas en luz misteriosa.
Una técnica puntillista, tomada de Seurat, un amigo del estudio de Lehmann, desmaterializa formas y agrega luminosidad. Sin
embargo, Osbert evitó la gama completa de matices de los Divisionistas
en su elección de azules, violetas, amarillos y verde plateado.
El misticismo de Osbert se ve en su gran visión de la pintura. El
ideal rosacruciano de "arte como evocación de misterio, como oración"
no encuentra mejor expresión que la figura virginal de la Fe, a menudo
interpretada como San Geneviève o Santa Juana, situada en un prado con
un cordero y envuelta en un resplandor sobrenatural.
Tales
obras fueron elogiadas por los escritores simbolistas que las
consideraban contrapartes visuales de la poesía de Paul Verlaine,
Stéphane Mallarmé y Maurice Maeterlinck. Osbert
fue llamado "pintor de las noches", "artista del alma" y "poeta del
silencio" por su evocación de un ambiente de misterio y ensueño.
Carlos Prieto nace en Palma de Mallorca el dia 3 de noviembre 1987. De padre canario y madre madrileña, arranca en Mallorca con fuerza pese a su corta edad. Tras sus 3 exposiciones en la isla balear y su debut en Murcia, decide alojarse en los frios suelos de París.Tan solo 8 meses de estancia en Francia son suficientes para una abrumadora inspiración. El 8 de junio de 2007, expone en el Casal Balaguer, Circulo de Bellas Artes, la colección de obras titulada “París”
Poco después viaja a Nueva York para trabajar en sus temas predilectos, la noche y sus innumerables callejones, la depravación, el alcohol que empaña los ambientes más decadentes, Harlem, sin ir más lejos, donde el pintor experimenta incansablemente hasta llevar su técnica un paso más allá con nuevos matices hasta ahora desconocidos. Nueve meses de inspiración que Carlos Prieto aprovecha al máximo sin olvidar sus raíces mediterráneas y su pasión por el arte verdadero, reflejado en las calles de la Gran Manzana y su amalgama de culturas, sus museos, su incipiente cultura y sus pintorescos recovecos, siempre dispuestos para un artista hambriento de experiencias y sensaciones que nutren la obra más actual de este artista insaciable. Los ecos de París continúan reverberando en el interior del artista, aunque es en Nueva York donde Carlos Prieto halla su Dorado particular, en sus bares, bajo sus inmensas colmenas de cemento y cristal, entre sus artistas, callejeros o reconocidos, y entre sus mitos, siempre vigentes en la cultura del joven milenio.
Siguiendo los rastros de Sargent, Ingres, Bacon y otros grandes, Carlos Prieto indaga en las profundidades del arte más próximo a su propia obra para en noviembre de 2009 exponer en su tierra natal, más concretamente, en la inolvidable y celebérrima Granja de Esporlas, donde deslumbra con su latente evolución. Mario Conde es el encargado de presentar los cuadros que tanto le recuerdan a su padre, también pintor, y que manifiestan el personalísimo cosmos interior de un artista que tiene mucho que dar. Prueba de ello es que Pere A. Serra, uno de los coleccionistas de arte más importantes de España, adquirió una obra para el fondo del Museo de Arte Contemporáneo de C’an Prunera, y que uno de sus murales más emblemáticos fue adquirido por la princesa Diana de Francia, en cuyo palacio, Althausen, se encuentra ahora para deleite de sus visitantes. Sin prisa pero sin pausa, en 2010 se le encarga un mural para el Palacio de Yves Sant Laurant, en Deauville, una de sus piezas predilectas y más trabajadas, homenaje a Hemingway y estandarte de una época definitiva.
El 11-11-2011 realiza la exposición “días de vino y rosas”, donde consigue atraer a la inauguración un millar de personas en la calle C’an Danús de Palma de Mallorca. Un mes después etiqueta para las bodegas Macià Batle como pintor revelación . Poco después a la botella se lo otorgó la Medalla de Oro Americano (Canadá) como mejor vino y etiqueta.
A principios del año 2012, Carlos Prieto realiza una performance en el Auditorium de Palma de Mallorca , con la colaboración del director de cine Martín Garrido , que recrearon escenas con ambiente parisino bohemio del 1900 , donde Carlos Prieto pintó un cuadro en directo de 8 m2 en 20 minutos. Meses después, el Casino Mallorca le encarga a Prieto un mural de 4 metros de largo por 2 de ancho para su sala de juegos.
El 19 de Septiembre de 2012 más de 1.000 visitantes acudieron a la exhibición titulada “l’amour est mort” durante la Nit d’Art en la nueva tienda Spazio Scena en Palma de Mallorca, todos sus obras de esta exclusiva selección se agotaron durante la misma noche, mostrando su potencial y la popularidad que tiene con los amantes del arte
Grosz, Berlín, 1893-1959 el artista-revolucionario durante el inestable período que precedió al golpe nazi en 1933.
George Grosz planteó problemas tanto en sus dibujos como en sus escritos, que no pueden limitarse a Alemania en la década de 1920
Con la muerte de su padre en 1900, George Grosz se crió en la sección proletaria de Berlín, donde sufrió pobreza .Más tarde, su madre consiguió un trabajo doméstico en el Club de Oficiales del Húsar, donde el joven Grosz observó de cerca a la clase militar, que más tarde satirizaría en gran parte de su trabajo.Como soldado en la Primera Guerra Mundial, al igual que miles de otros hombres, tomó una postura agresiva antimilitar.Oficialmente, su baja del ejército se debió a una condición de sinusitis severa, pero en realidad con una carpeta de sus dibujos convenció a las autoridades de su "locura", y se encontró que era "persistentemente inadecuado para la guerra".
Su amistad con Wieland Herzfelde y su hermano John Heartfield, comenzó en 1915 y fue decisiva para Grosz el artista y revolucionario. En 1919, los tres profundizaron su compromiso con el arte revolucionario, especialmente después de que las tropas militares dispararon sin querer a un cuadro de Reubens en la galería del centro de Zwinge"en lugar de" disparar contra trabajadores en huelga.
Oskar Kokoschka, un artista e intelectual muy respetado en esa época, "hace un llamamiento a los habitantes de Dresde pidiéndoles que resuelvan sus problemas en algún lugar distinto al de Zwinger, donde las obras de arte podrían sufrir daños.En respuesta, Grosz y Heartfield publicaron su manifiesto, "The Artist as Scab":
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Damos la bienvenida a la noticia de que las balas se dispararon en museos y palacios, en las obras de Rubens, en lugar de en las casas de los pobres en los barrios obreros!
Le damos la bienvenida cuando la lucha abierta entre capital y trabajo tiene lugar donde la cultura y el arte se sienten como en casa.El arte y la cultura que amordazan a los pobres, que deleitan a los burgueses el domingo y se acomodan a la opresión del lunes.
¡Toda expresión de indiferencia artística es contrarrevolucionaria!
Parte de la prensa publicó: "usan el arte como arma contra la clase dominante"
Grosz, Heartfield y Herzfelde pertenecían al Movimiento de la Joven Alemania, una organización comunista formada durante la Revolución de 1848, su arte fue informado como "arte tendencioso", "expresa deliberadamente opiniones políticas y presuposiciones ideológicas. . está comprometido políticamente ... es una herramienta en la guerra de clases y ... es propaganda"
A pesar de sus polémicas, Grosz obtuvo un éxito crítico incluso con críticos burgueses, que duraron hasta el golpe nazi de 1933, cuando Hitler comenzó a "purificar" el arte de manera sistemática, culminando con The Degenerate Art Exhibit, 1973, que enfocó su invectiva contra Grosz. Otto Dix, Max Beckmann y Marc Chagall.Para estas fechas, Grosz estaba en el exilio en los Estados Unidos.
En enero de 1933, pocas horas después de que Hitler llegara al poder, una escuadra de asalto (SA) nazi irrumpió en el estudio berlinés del pintor George Grosz, destruyendo y saqueando todo lo que encontró en el lugar. La propia escena fue como un cuadro de Grosz. Si el pintor salió con vida fue sólo porque, viéndoselas venir, había emigrado a Estados Unidos, entonces país de libertad y refugio, el año anterior.
Grosz idealizó a América desde su infancia cuando leyó sobre Karl May, el "vaquero" alemán, que glorificó el viejo oeste en varias novelas.De hecho, cuando un periódico local en 1930 le pidió que ubicara "el paraíso", Grosz respondió que estaba en algún lugar de las Montañas Rocosas. Al igual que otros utopistas, Grosz estaba severamente decepcionado en los Estados Unidos,En 1959 regresó a Alemania para siempre.Seis semanas después murió despues de una noche de copas.Los trabajadores lo encontraron encorvado en un sótano por la mañana, casi muerto.
Nació en Tarragona en 1949. Se formó artísticamente en la Escuela de La Massana de Barcelona.
Se sintió atraído desde niño por la pintura, arte que pudo desarrollar gracias al aliento de los hermanos de La Salle. Fueron ellos quienes convencieron a su padre para que facilitara su vocación, y desde ese momento, además de padre, se convirtió en su aliado más fiel.
Empieza profesionalmente a pintar a los 23 años, pero tanto antes, en su periodo de formación en la Escuela Taller de Arte de Tarragona, la Escuela Massana o el Cercle de Sant Lluc, como ahora, cuando su voz tiene un sitio asignado en el mundo del arte, Jaume se ha considerado siempre un artista muy disciplinado.
Su interés por el pasado, por el universo de los recuerdos, lo plasmó en una etapa de su vida cuando en Olot, en un entorno volcánico, de paisaje sufrido, que llamaría la atención a cualquier artista, prefirió pintar interiores de anticuario. Allí descubrió las muñecas, muñecas antiguas, el principal tema por el que se le conoce: “he encontrado en las muñecas otra dimensión”. Es una dimensión casi mágica, que hace cobrar vida a un objeto en la pantalla sin horizonte de un cuadro
Robert Gober nació en Meriden, Connecticut, y creció en la cercana ciudad de Wallingford.Los miembros de la familia de Gober eran católicos estrictos, y Gober sirvió de monaguillo en una iglesia cuando era niño.El catolicismo de su familia y sus experiencias dentro de la iglesia sirvieron para darle forma a su vida y obras de arte.
Él ha dicho: "Creo que el beneficio de una infancia católica es su creencia en los símbolos visuales como transmisores de información y pistas sobre la vida, ya sea el misterio de la vida o la vida en general".Desde principios de la década de 1980, Robert Gober ha producido esculturas paradójicas que parecen encarnar cualidades de objetos hechos a mano y de máquina al mismo tiempo.Sus obras a menudo son réplicas de artículos que se encuentran en la vida cotidiana: bolsas de arena para gatos, latas de pintura, fregaderos de cocina, urinarios, pero sus técnicas de fabricación deliberadas transforman estas cosas mundanas en obras de arte.
En 1999, Gober recibió la Medalla Skowhegan de escultura de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan de Maine. Participó en la Bienal de Venecia de 2001 y fue objeto de una retrospectiva en 2007 en el Museo Schaulager en Basilea, Suiza. En 2014, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organizó una importante encuesta de su obra, la primera de su tipo en los Estados Unidos.
Pintor, esculor, ilustrador, diseñador y escritor francés, nacido en Balagny (Oise).Pasó la mayor parte de su juventud en Bruselas, donde trabajó como dibujante de patrones en un estudio de bordado y estudió a tiempo parcial en la Académie des Beaux-Arts.Luego se mudó a París y estudió en la Escuela de Bellas Artes.Sirvió en el ejército francés y resultó gravemente herido.Vivió entre 1919 y 222 en el sur de Francia, luego regresó a París donde conoció a Gris, Derain y luego a Miró y Breton.Primera exposición individual en la Galerie Simon, París, 1923.
Pinturas de bosques, jugadores de cartas y bodegones, seguido de experimentos con dibujoautomático.Participó desde 1924-9 en el movimiento surrealista.Realizó otros trabajos que exploran los efectos del azar, incluidas las pinturas de arena, así como pinturas de metamorfosis de formas animales y humanas, temas de germinación, combates y masacres, con énfasis en la violencia y el erotismo.
Vivió 1934-6 en España;pinturas de corridas de toros, mitos españoles, etc. Se refugió en 1941-5 en los Estados Unidos, donde vivió en New Preston, Connecticut, y realizó obras inspiradas en las fuerzas elementales de la naturaleza.Regresó a Francia en 1945 y se estableció en 1947 en Aix-en-Provence.Temas de paisajes pintados, como montañas y cascadas durante varios años, seguidos de algunas imágenes casi completamente abstractos .
Sus obras también incluyen conjuntos y trajes para el teatro, ilustraciones de libros y varias esculturas pequeñas;ha escrito varios libros, incluyendo Mythologie d'André Masson 1971.
Poumeyrol nació en 1946 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Burdeos.Después de graduarse comenzó su carrera como profesor de dibujo.
Afortunadamente, esta ocupación fue interrumpida cuando fue liberado del sistema educativo al suspender su examen como profesor de arte.Al mismo tiempo las obras eróticas de Poumeyrol se vieron por primera vez y fueron buscadas con avidez por los coleccionistas
En sus primeras obras, Jean-Marie Poumeyrol fue reconocido como un maestro de la erótica, combinando imágenes alucinógenas y macabras de una manera incomparable.Pero, en su madurez, el artista ha mostrado una marcada fascinación por los paisajes, en particular los espacios cerrados de alcantarillas, residuos industriales y plantas de eliminación.Sin embargo, la asombrosa precisión y delicadeza de la interpretación que animó sus primeros trabajos no lo ha abandonado y, en todo caso, solo ha aumentado con la edad.
"A través de interiores misteriosos, logré emerger en el mundo exterior.Una vez más, un rico flujo de recuerdos me reveló nuevas pinturas.Redescubrí en mi mente aquellos espacios que antes me habían fascinado".- escribió
