Gérard Garouste ( 1946) es un pintor, ilustrador y decorador francés. Desde 1979, vive y trabaja en Marcilly-sur-Eure en el departmento de Eure, donde fundó una asociación educacional para ayudar a los niños mediante el arte - La Source.
Gérard Garouste nació en Paris. Estudió en la École des Beaux-Arts de Paris desde 1965 hasta 1972 en el taller de Gustave Singier. Fue alli donde descubrió a Duchamp. Aproximadamente en esta época, creó varios trabajos de escenografía para su amigo, autor y director Jean-Michel Ribes, principalmente para sus producciones -Il faut que le Sycomore coule y Jacky parady-. En 1977, presentó en el Teatro Palace -Le Classique et l'Indien-, un espectáculo que el escribió, dirigió y decoró. Se quedó en el Palace hasta 1982 como escenógrafo y pintor.
En 1980, realizó su primera exposición en la galería Durand-Dessert, mostrando cuadros figurativos de mitología y alegoricos. Esta muestra le dio fama nacional y despues internacional. Su primera exposición internacinal tuvo lugar en New York en 1982 en la Holly Solomon Gallery. Siguieron otras como la de Leo Castelli Gallery en New York y en Sperone, Italia. Fue el unico artista francés que fue invitado en Zeitgeist en Berlin. El reconocimiento personal le llegó en 1987, en la CAPC de Bordeaux (Centre d'arts plastiques contemporains de Bordeaux), donde presentó una combinación de oleos y acrilicos y luego en la the Fondation Cartier.
Garouste ha ejecutado obras y decoraciones para: Pinturas para el Palacio del Élysée, esculturas para la catedral de Évry, el techo del teatro de Namur, y para la iglesia de Notre-Dame de Talant, vidrieras. En 1989, hizo el telón para el teatro du Châtelet.
Un paso importante para Garouste fue la fundacion, en 1991 de "The Source", que propone como tarea la ayuda cultural para gente joven desfavorecida para que consigan un desarrollo personal a través de la expresión artística.
Recibió un encargo en 1996 para un trabajo monumental para la Biblioteca Nacional de Francia mezcla de pintura y hierro forjado. La escultura y el grabado le atraían cada vez mas, asi como la ilustración para todo tipo de escritos, desde el Quijote hasta al Haggadah.
En 2001, presentó en la the Fondation Cartier Ellipse, un conjunto de lienzos montados en una construcción de su propio diseño.
Desde 2001, está representado por la galería Daniel Templon.
Daniel Isaac Feinstein, conocido como Daniel Spoerri (Galaţi, Rumanía, 27 de marzo de 1930), es un artista y escritor suizo nacido en Rumanía en 1930, a quien se ha llamado «la figura central del arte de posguerra europeo» y «uno de los más renombrados artistas del siglo XX». Se le asocia con el nuevo realismo y con el movimiento fluxus. Spoerri es conocido por sus snare-pictures, un tipo de ensamblajes o arte de objetos, en los que captura un grupo de objetos, como los restos de comidas de individuos, incluidos los platos, la cuberterías y los vasos, todos los cuales fija sobre una tabla o una mesa, que después se expone sobre una pared. También es ampliamente aclamado por su Anecdoted Topography of Chance, una analogía literaria de sus snare-pictures, en los que hace un mapa de cada objeto localizado en su mesa en un momento particular del tiempo, describiendo cada uno con sus recuerdos personales que ese objeto evoca.
Referencias
1. ↑ Véase Coincidence as Master. 2. ↑ Wieland Schmied and Daniel Spoerri, Daniel Spoerri: Coincidence as Master = Le Hasard comme maître = Der Zufall als Meister = Il caso come maestro, Bielefeld, Alemania, 2003, p. 8, en adelante «Schmied and Spoerri»
Alex Katz (nació en Brooklyn, New York 24 de julio de 1927), pintor, ingresó en 1946 en la Cooper Union School of Art and Architecture.
Se caracteriza por sus composiciones planas, es conocido por sus siluetas o 'cutouts', retratos pintados sobre madera recortada, que lleva realizando desde los años 60.
Desde finales de los años cincuenta se dedica a realizar, esencialmente, retratos. Calificado a veces como artista-pop.
El director artístico Ken Adam Nació en Berlin el 5 February de 1921. Permaneció en Inglaterra desde 1934 y estudió arquitectura en la Universidad de Londres. Sirvió como piloto de la RAF durante la II guerra mundial.
Se hizo famoso por la ingeniosas, inventivas y brillantes peliculas BOND, para las cuales inventó incluso derrochó planos lamativos de mucho éxito y consiguió presupuesto para las series. Tambien tuvo una productiva asociación con Stanley Kubrick en Dr Strangelove... (1963), con su brillante y siniestra habitación de guerra, y en contraste con la belleza del tecnicolor de Barry Lyndon (1975), ganó un Oscar.
Tambien es responsable de la producción artistica de una impresionante y variedad de películas como , The Trials of Oscar Wilde (d. Ken Hughes, 1960), the Cold War thriller The Ipcress File (d. Sidney J.Furie, 1965), the fantasy Chitty Chitty Bang Bang (d. Hughes, 1968), y el musical Goodbye, Mr Chips (d. Herbert Ross, 1969).Sus trabajos mas recientes han sido en su mayoría, peliculas americanas, incluyendo In and Out (US, d. Frank Oz, 1997).
Cedric Price (1934-2003) fue uno de los arquitectos más visionarios de finales del siglo 20. Aunque construyó muy poco, su aproximación lateral a la arquitectura urbana y las intervenciones basadas en tiempo, ha asegurado con su trabajo una influencia duradera en los arquitectos y artistas contemporáneos, desde Richard Rogers a Rem Koolhaas, y Rachel Whiteread.
Considerando que la arquitectura debe ser posible, liberadora y para mejorar la vida-, el enfoque de Cedric Price abarca todo. Desde el punto de referencia de proyectos como el Fun Palace 1960-61, a los diseños de las luces del árbol de Navidad en Oxford Street de Londres, sus proyectos se rigen por la creencia de que la arquitectura debe "permitir que la gente piense lo impensable". A través de proyectos, dibujos y la enseñanza, Cedric Price (1934-2003) revocó la noción de lo que es la arquitectura, por lo que sugiere ideas radicales de lo que podría ser. Vio el papel de un arquitecto como el de hacer las preguntas correctas, como Reyner Banham comentó: "... el enfoque básico es, sin duda uno que me atrae, una forma de realidad, no diciendo: ¿Qué tipo de edificio quieres? », sino preguntar primero '¿Usted realmente necesita un edificio?"
Price - o CP, como se le llamaba - nació en Stone en Staffordshire en 1934, hijo del arquitecto, AJ Price, quien trabajó para la empresa que construyó la cadena de cines Odeon. CP se licenció en Arquitectura por la Universidad de Cambridge en 1955 y obtuvo un diploma de la Architectural Association en 1957. Después de enseñar en la AA y de trabajar para los arquitectos Maxwell Fry y Denys Lasdun, fundó su propio estudio en 1960 empezando con la pajarera para el Zoo de Londres, diseñado en 1961 con Lord Snowdon y Newby Frank. Empleando la tecnología más avanzada de la época, utilizaron piezas de fundición de aluminio, piezas forjadas de acero inoxidable, malla soldada de aluminio y cables de tensión para crear una estructura ligera dando máximo espacio de vuelo para las aves.
La reputación se basa principalmente en la radicalidad de sus ideas sin construir. Su proyecto 1960-61, The fun palace, lo estableció como uno de los arquitectos más innovadores y provocadores del Reino Unido. Iniciado con Joan Littlewood, el director teatral y fundador del innovador Taller de Teatro en el este de Londres, la idea era construir un "laboratorio de diversión" con instalaciones para el baile, música, teatro y fuegos artificiales. Central para la práctica de Price era la creencia de que a través de la correcta utilización de las nuevas tecnologías el público podría tener un control sin precedentes sobre su entorno, dando lugar a un edificio que podría responder a las necesidades de los visitantes y las numerosas actividades destinadas a tener lugar allí.
Como sugería el marketing comercial, había una amplia variedad de actividades: "Elige lo que quieres hacer - o ver como alguien más lo hace. Aprenda cómo manejar las herramientas, la pintura, los bebés, máquinas, o simplemente escuchar tu melodía favorita. Baile, hable o suba hasta donde se pueda ver cómo otras personas hacen que las cosas funcionen. Siéntese en el espacio con una bebida y cante lo que esta sucediendo en todas partes en la ciudad. ” Trate de comenzar una revuelta o comience un cuadro - o simplemente descanse y mire al cielo. "
Utilizando una estructura de acero no cerrada, con todos los servicios mediante grúas del edificio comprendía un "kit of parts": paredes prefabricadas, plataformas, pisos, escaleras, y módulos de techo que se podían mover y montar con las grúas. Prácticamente todas las partes de la estructura eran variables. "Su forma y estructura, semejante a un astillero que incluía grandes recintos como teatros, cines, restaurantes, talleres, áreas de rally, podian montarse, moverse, reorganizarse y desguazarse continuamente", prometió Price. Aunque nunca se construyó, el Palacio Fun fue uno de sus proyectos más influyentes e inspiraron a Richard Rogers y a Renzo Piano para el proyecto de principios de 1970 del Centre Georges Pompidou de París.
Price finalmente puso en práctica estas ideas en una escala reducida en el 1971 para el Inter-Action Centre in the Kentish Town area norte de Londres. El edificio constituye un marco abierto dentro del cual se pueden insertar y quitar elementos prefabricados cuando sea necesario, según las necesidades. Lo central para su tesis era que un único edificio debía durar el tiempo que fuera útil, el centro fue diseñado con la condición de que tuviera un período de veinte años de vida y fuera acompañado por un manual que detallase la forma en que debería ser desmantelado. Para Price, el tiempo era la cuarta dimensión espacial: longitud, anchura y altura eran los otros tres.
En 1964, Price criticó el sistema universitario tradicional en su proyecto Potteries Think Belt project. Repensando radicalmente el concepto básico de una universidad, su propuesta fue proporcionar un recurso de aprendizaje móvil para 20.000 estudiantes utilizando la infraestructura de una zona industrial en declive. En gran parte en respuesta a la erupción de los campus universitarios que se construyeron durante la década de 1960, la propuesta de Price transformó las abandonadas alfarerías de Staffordshire en un campo de la educación superior, principalmente en las vías del ferrocarril, creando una amplia comunidad de aprendizaje promoviendo al mismo tiempo el crecimiento económico.
Su propuesta "se aprovechó el desempleo local, un programa de vivienda local estancada, una red ferroviaria redundante, vastas áreas de tierras yermas, procedentes fundamentalmente de la epoca del trabajo en las minas de carbón, y de canteras de arcilla, y una necesidad nacional de científicos e ingenieros". Se ofreció una solución a la necesidad de instalaciones educativas ofreciendo además de hacer algo sobre el colapso económico y social de la Alfarería. "Además la educación y la reeducación debe ser visto como una gran empresa industrial y no como un servicio dirigido por señores para unos pocos", opinó Price.
Este enfoque flexible extendido a todos los aspectos de su obra. La búsqueda de soluciones ingeniosas y elegantes para los problemas cotidianos que defendió "la arquitectura de anticipación", creyendo firmemente en la arquitectura no permanente diseñada para el cambio continuo. Price redefinió el papel del arquitecto como un agente de cambio, cuya principal responsabilidad era anticiparse , y ofrecer nuevas posibilidades para la sociedad en su conjunto. Desafiando constantemente y cuestionando las costumbres aceptadas de la arquitectura, su enfoque era ingenioso e irreverente: sugirió que el hombre que tenía esperanza en transformar su vida con una casa nueva famoso hombre de la esperanza de transformar su vida con una casa nueva sería mejor que se divorciase.
South Bank centre
El deseo de Price para ‘Doubt, Delight and Change’ se demostró claramente en su propuesta de 1984 para la remodelación del South Bank de Londres. Aquí se anticipó al London Eye, sugiriendo que una noria gigante debería establecerse en un espacio público extendiendose sobre el río Támesis. Price pasó a desarrollar la serie Magnet de estructuras de corta vida instaladas en los sitios existentes que el creía mal utilizados o infrautilizados. Por ejemplo, propuso que un puente no permanente podría ofrecer un mejor acceso a una estación de tren y convertir el espacio en público solamente cambiarlo cuando no fuera necesario.
Todos los aspectos de cada idea eran meticulosamente investigados: como si cada idea se fuera a construir. Para comprometerse con las actuales disparidades económicas, redes políticas y estructurales, Price exploró el potencial de la arquitectura para nutrir el cambio, el crecimiento intelectual y el desarrollo social. Para Cedric la arquitectura no era algo sobre la construcción completa, sino más sobre su capacidad para permitir y facilitar el cambio en un mundo cambiante y "permitirnos pensar en lo no inimaginable".
Ref-Design Museum
MI COMENTARIO- Según pasa el tiempo me siento más CARLOS DE INGLATERRA. Todos los días me palpo las orejas para ver si me crecen, porque aunque me siento identificada con él no me gustaría que mis apéndices auditivos se pusieran tamaño burro. El Principe Carlos se pone histérico cada vez que se propone un PROYECTO REVOLUCIONARIO DE ARQUITECTURA para Londres y lo entiendo. Todo es filosofía de vida, claro. Para mi todo lo que implique y señale "la levedad del ser" NO ME GUSTA NADA. Necesito raíces, necesito rodearme de cosas que quiero, plantas, animales, libros... Odio, el minimalismo, los espacios vacíos, los materíales fríos en las casas, por eso envidio profundamente los países que conservan, eso que los SUPERMODERNOS como BUSH llaman "LA VIEJA EUROPA"...Imagino que no lo habrán llevado a Grecia porque al volver a sus USA, explicaría "una gente que vive en medio de ruinas, todo está roto"
El mundo no avanzaría con gente así, pensará alguno. Pues claro que sí. Mi abuela planchaba con una plancha de hierro en la que se metían brasas y ahora tenemos cocinas de inducción, pero eso no implica que pasemos de las antiguas tiranías al sometimiento a las máquinas. Yo cuando voy a comprar algun "artilugio moderno" siempre digo: "Por favor, vendame uno que solo se apriete un botón"- Los empleados intentan convencerme con nombres técnicos, que no entiendo nada, de las superventajas de "super cosas maravillosas". ¿Que pretenden? ¿Que nos pasemos la vida luchando con robots? Ayyyyyy madre, que "superantigua" me estoy quedando!
A proposito si algún veterinario lee esto me puede decir si los gatos pueden tener Alzheimer??? Si alguno me contesta, contaré los síntomas de mi gata Guizmo. Si no es así no diré nada porque tampoco voy a hacer público su historial sin necesidad, claro.
Bueno, vale, lo cuento, así la respuesta será más rápida...
Un día, hace unos catorce años, leí en FARO DE VIGO un anuncio breve que decía "regalo gatitos". En casa estabamos con el trauma de la desaparición de Rosiña, una gata siamesa, que estando en celo se me ocurrió decirle a mi padre que le buscara un novio. Mi padre, que solía complacerme en cosas que no le costaran dinero, vino "ipso facto" a buscarla y el animal al verse en un coche se escapó por una ventanilla abierta. Llame al telefono del anuncio y quedé en el atrio de una iglesia con la dueña de los gatos. Metí la mano en una bolsita y así llegó Guizmo a casa.
La gatita, es como llamamos aqui, "PALLEIRA", o sea de padre desconocido, aunque ella se siente con "pedigree" (contagio de los habitantes de esta casa). Es bonita, llena de manchas marrones, fondo blanco y con mucho pelo. Nunca ha sido animal de "arrumacos ni carantoñas", siempre se ha mostrado como una auténtica felina: independiente y a lo suyo. Al unico animal que soporta es POL, perro tambien PALLEIRO, al que ha adoptado prodigando en el un amor de madre por los hijos que no tuvo.
Hasta ahora todo ha transcurrido sin problemas pero de repente algo cambió. Guizmo siempre ha tomado pienso, solo eso, nunca ha querido otra cosa y ahora a estos años se ha hecho ladrona. Me roba pescado y "roe", eso es lo que más me preocupa lo de roer. Si encuentra una tarta, unas magdalenas o algo parecido roe la parte de arriba y del jamón no hablemos...si encuentra un jamon, cuando le das la vuelta "le ha roído toda la parte de abajo". Pero lo peor son las desapariciones. El martes desapareció. Alguien puede pensar "vale, es normal, los gatos desaparecen"...pero ¿En un piso? Cuando pasaron dos días y vimos que no había tocado la comida ni el agua Pol y yo "olisqueamos" la casa en busca del "cadaver" y no encontramos nada. Esta noche oí un maullido y sali disparada a buscarla. Me miró con unos ojos muy raros, como si no me conociese, no se dejó tocar y desapareció de nuevo. ¿Tienen los gatos alzheimer?
Larry Rivers, cuyo verdadero apellido es Grossberg, nació en Nueva York en 1923. Fue pintor y escultor de Pop-Art, y muy versátil en otros campos artísticos, en particular, en la música pues era un reputado saxofonista. Se formó artísticamente con Hans Hofmann, pintor expresionista alemán que vivía en Nueva York, y se decantó por temas de carácter político y por la reinterpretación de obras maestras de la historia del arte.
Fue uno de los primeros artistas estadounidenses dedicado al retrato satírico. Su obra más célebre es el retrato de Washington crossing the Delaware (1953), conservado en el MOMA de Nueva York.
La obra de I prefer to black Olimpia (1970) mostró su más abierta crítica a la inmovilidad de algunos valores de la cultura. El arte de Rivers se centró especialmente en la búsqueda técnico-estética del collage, de los grabados, de las esculturas policromas y en los últimos años también de las instalaciones multimedia. Murió en Nueva York en 2002.
Hijo de ceramistas de Vallauris, Martial Raysse nace en Golf-Juan (Alpes-Maritimes, Francia) en 1936. Comienza a pintar y a escribir a los doce años. Estudia en la Facultad de Letras de Niza. Desde el final de los años cincuenta el joven siente afinidades con los artistas que trabajan en la Costa Azul, particularmente con Yves Klein y Arman y ellos le presentan a Pierre Restany.
En 1960, tras su participación común a la primera Bienal de París, siendo invitado Martial Raysse por Yves Klein, adhiere al grupo de los Nuevos Realistas del que será uno de los miembros fundadores (Jacques Villeglé, Yves Klein, Arman, Tinguely, Hains, Dufrêne, Spoerri). Este movimiento decreta “nuevos acercamientos perceptivos de lo real”. Martial Rysse va a participar a todas las exposiciones colectivas de este movimiento, y, con el tiempo, a numerosos distintos eventos colectivos (Galería Alexandre Iolas de Nueva York en 1962, Exposición Dylaby en Ámsterdam, Bienal de Venecia en 1966 y 1967, Documenta de Cassel en 1976…). En su primera época de creación, Martial Raysse está vinculado claramente al proceso de las acumulaciones practicado por Arman, construyendo esculturas acumulativas por el ensamblaje de objetos corrientes de plásticos de diferentes colores. Si Raysse sigue con esta producción durante varios años, a partir de 1961, va a crear una serie de obras que llamará sus “cuadros horribles” compuestas de grandes figuras repintadas con colores ácidos, sacadas de la imaginería publicitaria. Raysse va a ser uno de los precursores del uso del la luz fluorescente, usándola, como elemento adicional que permite “proyectar la idea de color en movimiento , es decir un movimiento de la sensibilidad, sin agitación”.
Martial Raysse concibe - con Jean Tinguely y Niki de Saint Phalle - decorados y vestuarios para los Ballets de Roland Petit (“Elogio de la locura”, en 1965 en París, “Lost Paradise” en Londres en 1967), para la ópera (“Votre Faust” de Henri Pousseur y Michel Butor en la Scala de Milano en 1969). De la misma manera, utilizando el video “para contar”, Martial Raysse realiza varios cortos metrajes (“Homero Presto”, “Camembert Martial extra doux”, “Grand Départ”). En realidad Martial Raysse, entre los artistas del Nuevo realismo es quien más claramente se avecina al Pop Art. En 1965, el Stedelijk Museum de Ámsterdam le dedica una exposición retrospectiva. A partir de 1968 y sus “acontecimientos” el artista experimenta una verdadera revolución estética y rompe brutalmente con el circuito acostumbrado de las galerías, renunciando a las formas de su arte hasta entonces conocidas. Realizados entre 1970 y 1973, los objetos de “Coco Mato”, toscos ensamblajes de cuerdas, plumas y cartón piedra, le conducen de nuevo hacia la pintura (pincel, carboncillo, aguada, pastel) y al abandono de la pintura con aerosol acrílico del período anterior. Martial Raysse persigue su aprendizaje personal en busca de sencillez. Trabaja por ciclos sucesivos (“Spelunca”, “La petite Maison”, Les Jardins du bord de la lune”). Raysse profundiza un camino, un largo aprendizaje según el cual el artista adquiere el derecho de enfrentar los grandes sujetos, alegorías y retratos. “El arte me parece terminantemente irrisorio y sin embargo necesario” declara l’artista. Martial Raysse vive y trabaja en Issigeac ( Dordogne, Francia).
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