Katharina Sieverding

Katharina Sieverding (1944) es una fotógrafa conocida por su auto-retrato. Sieverding vive y trabaja en Berlín y Düsseldorf. Es profesora en la Universidad de bellas Artes de Berlín.


Sieverding nació en Praga. Comenzó a estudiar arte en la Kunstakademie de Düsseldorf en 1964. Allí comenzó a estudiar escenografía con Teo Otto , pero más tarde se unió a la clase de escultura impartida por Joseph Beuys en 1967 .Fueron compañeros de estudios Blinky Palermo e Imi Knoebel . Entre 1971 y 1974, formó parte de la clase de cine en la Kunstakademie. En 1976, participó en el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Arte Americano .

Las obras de Sieverding consisten en auto-retratos y la mayoría tienen una cualidad abstracta. Usa las técnicas de la silueta, el contraste y la extrema cercanía para hacer la foto más reveladora. Su trabajo a menudo hace afirmaciones sobre la sociedad y el individuo, tales como mostrar la familiaridad del yo y la distancia de los demás. A menudo pone retratos múltiples en una sola pieza. Cada retrato llena el marco en una forma de resaltar la propia presencia.

Sieverding también ha hecho declaraciones políticas a través de sus fotografías, utilizando tanto la historia alemana y americana como base. Por ejemplo, "Stauffenberg-Block" fue el nombre que le dio en referencia a Claus Schenk von Stauffenberg , un oficial que intentó asesinar a Hitler. “The Great White Way Goes Black” es una obra que se refiere al apagón en la ciudad de Nueva York en el verano de 1977

En 1992, Sieverding fue la encargada de diseñar el monumento a los parlamentarios perseguidos en la República de Weimar . Se encuentra en el Reichstag en Berlín.

Blinky Palermo

Blinky Palermo, nacido Peter Schwarze, alias Peter Heisterkamp (2 de junio de 1943 - 18 de febrero de 1977), fue un pintor abstracto alemán.

Schwarze (cuyo apellido se convirtió en Heisterkamp cuando fue adoptado de niño) recibió su extravagante nombre en 1964, durante sus estudios con Joseph Beuys en la Academia de Arte de Düsseldorf.

El nombre se refiere a un mafioso estadounidense y promotor de boxeo que era famoso en la época por «ser el propietario» de Sonny Liston. Según la leyenda, le fue impuesto a Schwarze por sugerencia de Beuys cuando el famoso maestro se dio cuenta del parecido físico entre Schwarze y el gángster.

Blinky Palermo fue famoso por sus lienzos monocromos y «pinturas de tejido» hechos con simples tiras de material coloreado cortado, cosido y estirado sobre un marco. En un momento posterior de su carrera, desarrollaría su obra in situ para grandes instalaciones arquitectónicas, a menudo incorporando dibujos murales. Sus obras tienen una relación superficial con el constructivismo y el minimalismo, pero la sensibilidad de vanguardia también resulta minada por un sofisticado sentido del humor y su insistencia en lo pictórico y expresivo, como se evidencia en sus títulos poéticos.


En 1973, trasladó su taller a la ciudad de Nueva York donde permaneció hasta su misteriosa y prematura muerte mientras estaba de vacacionbes en las Maldivas en 1977. Una de sus últimas y más famosas obras es una pintura en 15 partes compuesta de 40 paneles, titulada To the People of New York City (1976-77).


Referencia

* Este artículo fue creado a partir de la traducción del artículo Blinky Palermo de la Wikipedia en inglés, bajo licencia Creative Commons.

Guido Argentini

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MI COMENTARIO- Madre mía!!!!! en que mundo vivimos






Guido Argentini nació y se crió en Florencia, Italia. Pasó tres años estudiando medicina antes de decidir, a los 23 años, seguir sus pasiones y seguir una carrera como fotógrafo.


Actualmente vive entre Italia y EE.UU.,pasando la mayor parte de su tiempo en Los Ángeles.
En 2003, Guido Argentinis presentó su primer libro, una serie exquisita de desnudos de estudio. Ese trabajo era un reflejo de la gran pasión de artistas por la escultura y la danza.


Su segundo libro, Private Rooms, publicado en 2005, ofrece un tipo completamente diferente de viaje personal, donde el erotismo y la belleza son claramente inseparables. Este segundo libro es el resultado de diez años de fotografías, todas tomadas en la intimidad de los espacios cerrados que se convierten en los teatros de las fantasías voyeuristas auto-dirigidas de los artistas .


Su libro "REFLECTIONS" fue publicado en 2007. Una amplia colección de fotografías de mujeres mirandose en el espejo: Una especie de autoestudio de la propia mujer, de como se enamora y como se aleja de su propia imagen.

Su último libro es SHADES OF A WOMAN

Jörg Immendorff

Jörg Immendorff (Bleckede, 14 de junio de 1945 - Düsseldorf, 28 de mayo de 2007) fue un pintor neoexpresionista alemán.

El pintor Jörg Immendorff estudió con Joseph Beuys en la Academia de Arte de Düsseldorf. Toda su obra está marcada por la pregunta sobre lo que puede aportar un arte enfrentado a las tensiones sociales de su medio. Immendorff siempre ha tomado partido, ha buscado incesantemente enfrentarse a la rigidez de las normas sociales imperantes y a unas tradiciones anquilosadas.


Todo empezó a principios de los años sesenta con lo que el pintor denominó ‚acciones LIDL’. LIDL es un nombre de fantasía que el artista acuñó para denominar los múltiples intentos por dejar entrar un soplo de aire fresco en la viciada atmósfera que se respiraba en aquellos entonces en la RFA. LIDL era también un concepto a discutir. El arte debía participar de la revuelta impulsada por la generación del 68. Immendorff declara llegada la hora de convertir en realidad los sueños del hombre. Su slogan es: „Servir al pueblo“. Además plantea la pregunta: „?De qué lado estás con tu arte, colega?“ Surge el movimiento de arte llamado „Agitprop“. ?Qué relevancia social puede revestir el accionar político? ?Qué rol ha jugado la pintura en el transcurso de la historia reciente? El arte como idea y acción. Immendorff lleva el lenguaje a la pintura tomando como ejemplo los poemas de Brecht „Preguntas de un lector obrero“.

Ya desde 1976 existe la „Liga de Acción alemano-alemana“ fundada junto con el pintor alemano-oriental A.R. Penck. Immendorff pinta los famosos cuadros que componen el ciclo „Café Alemania“. En ellos se refleja una mirada crítica del presente tanto de la RFA como de la República Democrática Alemana (RDA): una investigación pictórica de la historia de ambos estados. En 1980 Jörg Immendorff renuncia a su puesto docente en una escuela de Düsseldorf. Crea entonces los cuadros del ciclo „Café de Flore“. Immendorff se interesa de manera creciente por los artistas más influyentes y por los personajes más destacados de su tiempo. Va ampliando su concepción del arte, la historia misma adquiere mayor importancia.


Los sueños ya no son capaces de cambiar una realidad tantas veces perniciosa - como el artista había postulado aún en los años 60 y 70 - . Pero mantienen su capacidad visionaria y con ella también su función detonante. Immendorff continúa hasta hoy atribuyéndole a su arte la posibilidad de poder remover y transformar la conciencia de los hombres. Hay que emprender un proceso sensible y hacerse a la búsqueda tras las huellas de lo que él llama „el cuadro detrás del cuadro“, hasta encontrarlo. Cada cual por su camino individual. Aún hoy es válida su convicción de cuando era discípulo de Beuys: el arte también es consigna, un medio en la lucha política y, al mismo tiempo, creación estética.

Goethe-Institut

Imi Knoebel

Imi Knoebel, nacido Klaus Wolf Knoebel (nacido en Dessau, 1940 ), es un artista alemán

El arte de Knoebel es combinatorio, es un juego de capas y angulaciones seductoras, que dan lugar a estructuras abiertas y cerradas, a desplazamientos entre lo visible y aquello que está apenas sugerido. Rellena el vacío con colores, y estos colores se expanden; cuadros dentro de los cuadros, retículas, superficies que dinamizan el monocromatismo, etc... imponen una atmósfera de belleza absoluta, creando cuadros totalmente faltos de objetos.

INFLUENCIA DE LA BAUHAUS, EL SUPREMALISMO I EL CONSTRUCTIVISMO

Una de las cuestiones más relevantes al revisar el trabajo de Imi Knoebel es el contexto en el que tuvieron lugar tanto sus inicios creativos como su posterior desarrollo plástico, pues el ámbito del arte alemán del periodo de posguerra, y las propuestas que se generaron en Europa, fueron muy importantes.



Muy influenciado por los principios estéticos de la Bauhaus, el constructivismo (desaparición de lo anecdótico en busca de la pureza del arte y protagonismo de las formas geométricas y el espacio frente a la masa) y por la obra suprematista de Kasimir Malevich, Imi Knoebel (Dessau, 1940) ha desarrollado a lo largo de su carrera un trabajo basado en composiciones plásticas conceptuales, en las que se expresa a través del color, la forma y el soporte. Su obra, tanto pictórica como escultórica, está además influenciada por las enseñanzas de Joseph Beuys, de quien fue alumno antes de realizar su primera exposición "IMI + IMI" en una galería de Copenhague allá por 1968.


Imi Knoebel es, durante sus estudios, asiduo a los cursos de Beuys en Dusseldorf, abordando en sus obras, desde 1964, la abstracción basada en la utilización de verticales y horizontales negras sobre fondo blanco, dentro de la línea marcada por el movimiento de arte abstracto lanzado por Kasimir Malevich en 1915: el supremalismo. Los cuadros suprematistas de Malevich son las obras abstractas más puras creadas hasta esa fecha, pues se limitan a formas geométricas simples, el cuadrado, el triángulo, el círculo, la cruz y el rectángulo, y una reducida gama de colores. Según el artista ruso, todo lo expresivo y anecdótico que se encuentra todavía en la abstracción debe ser extirpado, aplicándose formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas.

El interés de Imi Knoebel en las propuestas de la Bauhaus también es destacable. Ha experimentado con la construcción de objetos y ambientes, produce asociaciones utilizando madera y desechos metálicos, así como acumulaciones de planchas de aislante. En ellos se intenta resaltar las tensiones provocadas en el espacio debido a la presencia de formas irregulares, aunque en ocasiones representa esquemáticamente un volumen irregular. Su trabajo, tanto en el caso de la pintura como en el de la escultura, ha tenido un carácter conceptual y ha empleado a lo largo de los años una variedad importante de materiales.

obrasocial.bancaja

Lothar Baumgarten

Terra incógnita


La crítica norteamericana Kaira M. Cabañas lo ha definido: “Baumgarten desafía constantemente los principios de ordenación que condicionan la forma en que se piensa, se percibe y se representa la diferencia cultural”.

Lothar Baumgarten, Documenta IX 1992. Kassel, Germany




Lothar Baumgarten (Rheinsberg, 1944).

Baumgarten es hijo de antropólogo y convivió algunos años con los indígenas de una tribu de la Amazonia venezolana.

Es uno de los primeros artistas que, desde finales de los años sesenta, introdujo los hechos de la representación de las culturas minoritarias y su ausencia en el abanico de la representación cultural occidental. Interesado en la noción del otro y su trayectoria en la historia, sus trabajos incluyen objetos, imágenes y la palabra escrita, que invitan a la reflexionar sobre los cambios que se producen el paisaje con el paso de la historia.


unos pies teñidos de un rojo amarillento responden al nombre de una semilla mágica, el Urucu o Bixa orellana

El artista alemán se incumbió en la etnografía a través de la lectura de Claude Lévi-Strauss, uno de cuyos principios metodológicos es la oposición entre naturaleza y cultura: tema hacia el que se orientó el trabajo de Baumgarten y que ya se refleja en sus primeras obras, de carácter efímero, fotografiadas y agrupadas en Culture-Nature, Manipulated Reality (1968-1972).

EL PAIS

JUAN BARJOLA

JUAN BARJOLA-Juan Galea Barjola fue un pintor español (Torre de Miguel Sesmero, Badajoz, 19 de septiembre de 1919 - Madrid, 21 de diciembre de 2004)


No se puede negar una cierta coincidencia entre Bacon y este artista extremeño. A esto Barjola siempre respondía que se sentía más cerca de Velazquez y Goya que del pintor británico. Creemos que tenía toda la razón, sin que se pueda negar una cierta coincidencia formal entre Barjola y Bacon, y un cierto sentido trágico de la vida, común a ambos artistas.


Las conclusiones plásticas a las que llega Barjola son precipitado personal de una respuesta estética ante la sociedad; si esa sociedad siendo el cosmopolitismo, ciertamente la culpa no es del uno ni del otro. Ahora bien, las soluciones aportadas por Barjola se encuentran dentro del campo que cae bajo la férula de Velázquez o de Goya y no del británico.

Una muestra de ella la tenemos contemplando su obra, que no es ni velazqueña ni goyesca, pero si anda por un sendero que comporta una actitud estética similar a la de aquellos genios de la plástica. Con un aditamento: Barjola, gracias a la libertad plástica reconocida -o conquistada- por el artista, aprieta más drásticamente en la presencia formal y deshace, destroza o acentúa, más aún que los clásicos - a esos no les era concebible algo más allá del objetivismo convencional de cada tiempo-, la expresividad, plasmación de la indómita subjetividad del artista, lo único válido en el arte actual.

La obra de Barjola ataca incluso la inocencia, que presenta con las lacras ibsenianas de la corrupción global, y todo ello lo realiza con la pincelada y la forma, sólo atenta a la correcta y pertinente transmisión del mensaje, permitiéndose unicamente gozar con lo que aún es indestructible: la pasta pictórica y la gestualdad lineal. Que sus conclusiones gusten o no gusten es ya otra cuestión, pero no olvidemos que el arte no es tranquilidad espiritual

GAZETA DEL ARTE

OSCAR DOMINGUEZ

Oscar Dominguez 1906- 1967, pintor nacido en las Islas Canarias y muerto en Paris. Formó parte del famoso grupo surrealista capitaneado por André Breton. En 1927 se instaló en Paris y, practicamente hasta su muerte, fue uno de los componentes de la famosa escuela de París, que tanto ha aportado y tanto ha significado en la pintura contemporánea.

Entre las diferentes tendencias de la escuela de París, el surrealismo representó la posiblididad de incorporación al arte de aquellas personalidades que, no teniendo una formación ad hoc para el arte, entendido en el sentido tradicional, no obstante eran portadoras de una enorme carga subjetiva que necesitaba unas áreas de expresión convencionales.

Es muy posible que Oscar Domínguez se convirtiera en artista gracias a que existiera ya el marco surrealista, en el cual él veía que encontraba cauce su inquietud especial; de no haberse forjado ya el marco surealista es muy posible que Oscar Dominguez no hubiera sido otra cosa que "un fils papa" borracho y original, paseandose por las calles y quemando horas en los "bistrots" parisinos.

El surrealismo representó para Oscar Dominguez su posibilidad de manifestación y aportación sensible al mundo que le rodeaba, dentro de un marco convencional. Es decir, creemos que muchos de los ismos contemporáneos han facilitado la floración de personalidades que, en otras circunstancias, hubieran permanecido inéditas.


Si observamos atentamente la obra de nuestro artista hemos de manifestar con claridad que formalmente no fue ningún innovador; su obra adoptó las formas que otros creadores iban estableciendo (Chirico, Dalí, Picasso, entre otros); pero en esas formas, Oscar Dominguez vertía su potencia inconsciente, en las que quedaba plasmada.

La misma factura de la obra, la parte artesana y de oficio que comporta toda realización, es muy floja en la de ese artista canario; es elemental y denota inhabilidad y poco dominio. En cambio, el contenido, su mensaje, es realmente importante, sorprendente, arrebatador y trágico.

Tal vez fue en las decalcomanías sin objeto donde Oscar Dominguez hizo su aportación más radical a la plástica contemporánea y en donde se presenta casi como innovador. Obsérvese que, precisamente, en las decalcomanías, la parte de oficio está prácticamente ausente y, en cambio, el poder sugestivo a partir de sus resultados espontáneos alcanza la máxima intensidad. Precisamente lo que más convenía a Oscar Dominguez.

De ahí, tambien, que fueran esas obras las que más llamaron la atención en los años cincuenta a todos aquellos artistas que buscaban un campo expresivo de la más alta subjetividad. Oscar Doinguez era fundamentalmente un poeta, pero un poeta sin verbo, un poeta de pura imaginación.



El surrealismo, en su vertiente pictórica, le ofreció la posibilidad de plasmar su estro, de materializarlo. Es posible que esa necesidad de materialización obedeciera a condicionamientos fisiológicos de su persona, como ya se ha sugerido, más adecuados que los que le podían ofrecer las palabras.

Un alucinante mundo poético preside todos sus cuadros, pero en donde alcanza la máxima densidad esa poesía plástica es en las ya referidas decalcomanías. En resumen, Oscar Dominguez empieza a realizar entre nosotros un vuelo que ha de planear entre los más inmensos y apasionantes

GAZETA DEL ARTE