Renato Mambor

Mambor, que nació en Roma en 1936, es uno de los más importantes artistas italianos contemporáneos. Es a través de su arte conceptual que ha sido capaz de transmitir la síntesis perfecta entre la ruptura antropológica de la década de 1960, causado por la difusión del concepto de globalización, y la actual necesidad de enfrentarse a sí mismo con la espiritualidad global.

Es en la comparación de las diferentes culturas que se trata de llegar a la vía correcta hacia la creación de un nuevo mundo: el mundo del futuro.



Se expresa a través de pinturas, esculturas, performances e instalaciones. Se dedica tambien al teatro y al cine conceptual.

Mambor comenzó a hacer exposiciones colectivas y en solitario en 1956. Ha expuesto en todo el mundo, incluso en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston, en la Galería Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Roma, así como en las Bienales 45, Venecia 52 ª y 54.

Cai Guo-Qiang

Cai Guo-Qiang (Quanzhou, China, 1957)

• Cai Guo-Qiang se inspira en la milenaria cultura china, las tácticas revolucionarias maoístas y el arte contemporáneo internacional para tratar acerca de temas intemporales como la creación y la destrucción.
• Es conocido por emplear la pólvora para crear sus "dibujos con pólvora" de gran escala, que realiza prendiendo explosivos sobre papel, y por sus espectaculares "proyectos de explosiones" para exteriores en los que emplea la pirotécnica para transmitir mensajes conceptuales.

Introducción

En su obra, Cai Guo-Qiang (nacido en Quanzhou, China, en 1957) ha explotado, literalmente, las convenciones artísticas aceptadas de nuestro tiempo, inspirándose, de forma libre, en la mitología antigua, la historia militar, la cosmología taoísta, los avistamientos de extraterrestres, las tácticas revolucionarias maoístas, la filosofía budista, la tecnología pirotécnica, la medicina china y la violencia terrorista. Esta retrospectiva aborda el espectro completo del arte, cambiante y multimedia, de este creador en toda su complejidad conceptual.

Sean Scully

Dublín, 1945

Pintor y fotógrafo estadounidense de origen irlandés. Tras estudiar arte en Londres, marcha a Estados Unidos en 1975, donde conoce directamente la tradición de la Escuela de Nueva York, además de Mondrian, Paul Klee y Matisse. Estas influencias, fundamentalmente la de Rothko, le sirven para construir, en la década de los ochenta, un nuevo concepto de pintura abstracta que parte del expresionismo y el minimalismo, de los que extraerá la fuerza del gesto, la sensualidad de la luz y el color y el orden compositivo geométrico. El resultado son estructuras reticulares, semejantes a dameros, que recogen ritmos en su alternancia y color semejantes a los del rhythm&blues americano, una de sus pasiones.


Pinturas de gran escala se presentan como grandes paisajes fragmentados, con diferentes puntos de vista, que el espectador debe reconstruir, y con las que intenta dar poder expresivo a sus composiciones: dolor, felicidad, soledad, verdad, placer, etc. en una búsqueda de un concepto ideal y romántico, como sinónimo de individualismo, de la belleza, la forma y la trascendencia. Igualmente sus fotografías de segmentos arquitectónicos que comienza a realizar en 1978, exponiéndolas por primera vez en 1997, sugieren las mismas relaciones entre luz y estructura de su obra pictórica. Expone por primera vez en España en el Palacio de Velázquez (1989), y en 1996 la Fundación La Caixa le dedica una muestra retrospectiva.

Donald Sultan

Donald Sultan (nacido en 1951 en Asheville, Carolina del Norte) es un artista estadounidense, conocido por sus grandes naturalezas muertas ejecutadas con audaces contrastes de brillantes colores y profundas formas negras, composiciones apretadas, casi abstractas, en medios poco ortodoxos.

Después de obtener su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill, y master en School of the Art Institute de Chicago, sultán se trasladó a Nueva York en 1975 para seguir su carrera.



Su primera exposición individual fue montada en 1977, y sultán ha incrementado su fama desde entonces, su obra aparece en las colecciones del Museum of Modern Art, the Solomon R. Guggenheim Museum, the New York Metropolitan Museum of Art the Virginia Museum of Fine Arts, and the Whitney Museum of American Art.

Además de sus cuadros, sultán ha tenido éxito como artista gráfico y escultor. Ha colaborado con David Mamet en su libro, Bar Mitzvah.

References

• Dunlop, Ian and Lynne Warren. (1987). Donald Sultan.
• Sultan, Donald, David Mamet, Steven Henry Madoff. (2000) Donald Sultan: In the Still-Life Tradition. Exhibit Catalog. Memphis, Tennessee: Memphis Brooks Museum of Art. ISBN 0-915525-06-2
• Mamet, David (1999) Bar Mitzvah. New York: Diane Publishing Co. ISBN 0-7567-6490-4

Louis Icart

Louis Icart, francés (1880 - 1950)

Louis Icart nació en Toulouse, Francia. Comenzó a dibujar a una edad temprana. Estaba particularmente interesado en la moda, y se hizo famoso por sus dibujos casi de inmediato. Trabajó para los estudios de diseño más importantes en un momento en que la moda estaba experimentando un cambio radical- de la encorsetada línea del siglo XIX a las líneas simples de principios del siglo XX. Fue el primer hijo de Jean y Elisabeth Icart y fue bautizado como Justin Louis Laurent Icart. La familia vivía modestamente en una pequeña casa de ladrillo en la calle Traversière-de-la-balance, en la cultural ciudad francesa de Toulouse, que fue el hogar de muchos escritores y artistas destacados, el más famoso Henri de Toulouse-Lautrec .


Icart participó en la Primera Guerra Mundial y se basó en su arte para contener su angustia, dibujando en todas las superficies disponibles. No fue sino hasta su traslado a París en 1907 cuando Icart pudo concentrarse en la pintura, el dibujo y la producción de innumerables grabados hermosos, que han servido (más que los otros medios) para preservar indeleblemente su nombre en la historia del arte del siglo XX. Cuando regresó del frente hizo copias de los dibujos que había hecho. Las impresiones, la mayoría de los cuales fueron aguatintas y drypoints, demostraban una gran habilidad. Como fueron muy solicitados, Icart a menudo hacía dos ediciones (una europea y otra americana) para satisfacer a su público. Estas impresiones son considerados hoy en día escasas , y cuando se encuentran en perfecto estado alcanzan altos precios en subasta.

Art Deco, un término acuñado en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925 , había tomado el control en el París de la década de 1920. A finales de esa década Icart trabajaba para publicaciones de moda y para los más importantes estudios de diseño, tenía un gran éxito, tanto artístico como económico. Sus grabados alcanzaron su máximo de brillantez en esta época del Art Deco, e Icart se había convertido en el símbolo de la época. Aunque Icart creó una imagen de París y de la vida en Nueva York en los años 1920 y 1930, trabajó en su propio estilo, derivado principalmente del estudio de los maestros franceses del siglo XVIII, como Jean-Antoine Watteau, Boucher y Jean-François Honoré Fragonard.



En los dibujos de Icart, uno ve a los impresionistas Degas y Monet y en sus raras acuarelas a los simbolistas Redon Odilon y Gustave Moreau. Em realidad, Icart vivió apartado de los movimientos artísticos de moda de la época y no estaba del todo de acuerdo con el arte contemporáneo. Sin embargo, sus escenas parisinas son una documentación de la vida que veía a su alrededor y que son casi tan populares hoy como cuando se vieron por primera vez.
En 1914 Icart había conocido a un mágica y efervescente rubia de dieciocho años de edad, llamada Volmers Fanny, que era empleada de la casa de moda Paquin. Con el tiempo se convertiría en su esposa y una fuente de inspiración artística para el resto de su vida.




Los retratos de mujeres de Icart suelen ser sensuales, eróticos a menudo, pero siempre imbuido de un elemento de humor, que es tan importante como la sexualidad implícita o directa. Las cortesanas hermosas retozan en las almohadas ricas y espesas, sus expresiones faciales, proyectando la pasión, la consternación y sorpresa, para Louis Icart las mujeres son las mujeres de Francia, como hemos imaginado a Eva, Leda, Venus, Scheherazade y Juana de Arco, todas envueltas en una atmósfera irresistible.


Artist's Gallery

Lucien Levy-Dhurmer

Lucien Lévy-Dhurmer ( 1865, 1953) fue un artista simbolista y / Art Nouveau francés cuyas obras incluyen pinturas, dibujos, cerámicas, muebles y diseño de interiores.


Nació Lucien Lévy en una familia judía de Argel. En 1879 comenzó a estudiar dibujo y escultura en París. Expuso por primera vez en el Salón de París de 1882 donde mostró una pequeña placa de cerámica. En 1887, Lévy comenzó a ganarse la vida cerca de Cannes, en el sur de Francia, trabajando como supervisor en la decoración de cerámica. Desde 1886 hasta 1895 trabajó como decorador de cerámica y después como director artístico del estudio de Massier Clément. Alrededor de 1892 firmó sus primeras piezas de cerámica, que tenían influencia del arte islámico. En 1895 se fue a París para comenzar una carrera artística , en esta época visitó Italia y fue influenciado más por el arte del Renacimiento.



En 1896 expuso sus pinturas bajo el nombre de Lucien Lévy-Dhurmer, había añadido las dos últimas sílabas del nombre de soltera de su madre (Goldhurmer), para poder diferenciarse de otras personas con el apellido Lévy. Sus obras pronto se hicieron populares entre el público y entre otros artistas también. Obtuvo grandes elogios por la atención académica a los detalles y por sus figuras meláncolicas, perdidas en la bruma con reminiscencias prerrafalistas, en contraste con la coloración brillante impresionista. Su retrato del escritor Georges Rodenbach es quizás el ejemplo más llamativo de esta sinergia extraña y extraordinaria.


Después de 1901 Lévy-Dhurmer se alejó del simbolismo e incorporó más paisajes a su trabajo a causa de sus viajes por Europa y África del Norte. Continuó inspirandose en la música y trató de capturar las obras de grandes compositores como Beethoven en forma de pinturas.

En 1914 se casó con Emmy Fournier, quien había sido directora del diario La Fronde, uno de los primeros periodicos feministas. En ese momento estaba trabajando sobre todo en paisajes, al óleo y pastel, en un estilo similar al de Whistler y Monet.

Murió en Le Vésinet en 1953.

References

1. ^ ^{a b} "Symbolism in France: Lucien Lévy-Dhurmer".
2. ^ "Lucien Lévy-Dhurmer 1865-1953".

Eugene Carriere

(Gournay-sur-Marne, 1849 - París, 1906) Pintor francés. Criado en el seno de una familia de comerciantes de escasos medios económicos, su familia se trasladó a Estrasburgo, donde, a pesar de no manifestar especial interés por el arte, se matriculó en la escuela de dibujo de la ciudad. Aunque durante su formación tampoco mostró entusiasmo por las artes plásticas, finalizó sus estudios como alumno aventajado y obtuvo todas las menciones honoríficas de la escuela.



En 1864 comenzó a cultivar la litografía, en la que se inició como aprendiz para luego establecerse en San Quintín. Su viaje a París en 1869 despertó en él su vocación artística, tras su visita al museo del Louvre, que aprovechó para estudiar las obras de los grandes maestros, con especial predilección por Rubens. Ese mismo año se matriculó en la Academia de Bellas Artes.



Fue llamado a filas en 1870, durante la Guerra Franco-Prusiana, pero al poco tiempo de incorporarse a las luchas fue hecho prisionero en Neuf-Brisach e internado en un campo para prisioneros en Dresde. Con la finalización del conflicto, regresó a París e ingresó en 1870 en el taller de Cabanel. Posteriormente presentó obra al concurso de Roma, aunque no fue seleccionado.



En 1877 contrajo matrimonio, y tras una breve y desafortunada estancia en Londres, regresó a París. Hasta el año de 1885, en el que se inició su período de éxito, realizó dibujos de encargo para sobrevivir, pero a partir de este año su reconocimiento público se concretó al adquirir el Estado francés una de sus obras (Enfant malade). En 1889 llegó su consagración, al recibir la Medalla de honor de la Exposición de 1889. Un cáncer de garganta provocó su fallecimiento en 1906.


Ref- Biografías y vidas

Henri Rousseau

• La obra de Henri Rousseau (Laval, 1844-París, 1910) se caracteriza por una aparente representación realista, casi infantil o naif, de las formas que despertó simpatías entre la vanguardia artística de la época, asentada por entonces en París.

Destaca su gusto por los temas exóticos o los viajes que, curiosamente, nunca realizó, por los paisajes o la exuberante vegetación, y por el retrato de personajes oriundos de lejanas colonias o los temas costumbristas de la sociedad francesa.




Los avances tecnológicos de finales de siglo xix, como el transporte aéreo (avionetas o zeppelines) o la iluminación eléctrica de calles y casas, también aparecen reflejados en los pequeños detalles de sus obras.

RU Xiaofan

El artista chino Xiao Fan Ru, nacido en Nanking en 1954, reside en Paris desde 1983

Su pintura es figurativa, abstracta, representada de un modo un tanto surrealista. A primera vista las imagenes de serpentinas y globos podrían asociarse a las fiestas de cumpleaños para niños, pero con una visión mas en profundidad se nos revelan más, como condones, que reunidos en juegos de colores representan un colorido viaje a los reinos internos del cuerpo: convertidos en vasos sanguíneos, venas y órganos, a la vez divertidos y confusos / entrelazados (serie Bubblegame ). El artista en su reciente serie ENJOY muestra una sociedad consumista representada por unos compradores, aparentemente felices







Podemos ver una mujer en chanclas riendo, cargando un gran número de bolsas de papel y, además, está rodeada por un enjambre de bolsos de mano en una variedad de rojo, azul, verde y otros colores. En otro caso, una mujer joven y bien vestida, con zapatos de tacón alto está rodeada por barras de labios brillantes y frascos de perfume, que lleva como un collar de piel. Una segunda mujer sube sus pantalones cortos con las dos manos, como si tratara de indicar sus piernas desnudas y los pies enfundados en zapatillas de deporte






Parece como si todos estos trabajos fuesen tributo a un mundo rico, elegante, tal como lo conocemos a partir de revistas. El artista colocó piezas de ropa, piedras preciosas o pieles alrededor de mujeres totalmente comunes atrapadas en situaciones de la vida cotidiana. Son los seres humanos la suma de sus compras? ¿O es el problema más bien el sueño de ir de compras sin límites? Las pinturas dejan suficiente margen para interpretaciones múltiples. En cualquier caso, las mujeres -, así como los hombres y los niños -que se muestran en esta serie no se representan como muy felices en el ajetreo y el bullicio alegre de las respectivas composiciones.




La expresión en el rostro de la mujer que llevaba las zapatillas de deporte, por ejemplo, tiene un toque casi de sufrimiento. ¿Podrá alguna vez ser capaz de vivir su fetichismo del zapato? ¿O en realidad preferirá cambiar todos esos incómodos zapatos por los tenis? El juego dando vueltas alrededor de la confusión y el voluptuoso enredo, que ya fue un tema en las primeras series del artista, se asume como una forma antropomórfica de la serie ENJOY.






Xiao Fan es un pintor. Los motivos de florales hechos como esculturas en el contexto de su serie Cents Fleurs (poliester, barnices, alrededor de 80 x 30 x 30 cm) son excepciones a la regla.

En 2005, Xiao Fan expuso sus obras en el Museo de Arte Moderno de Shangai