ARPAD SZENES

Arpad Szenes (Budapest, Hungría, 1897 - París, Francia, 1985)

Ella, lisboeta; él, húngaro. Helena Vieira da Silva y Arpad Szenes, ambos formados en la Escuela de París e inseparables tras conocerse cuando eran dos jóvenes estudiantes.  Criados en familias acomodadas, se conocieron en 1928 cuando llegaron a la capital parisina para ampliar sus estudios de pintura y dos años más tarde se casaron. Sin nacionalidad portuguesa ni húngara por residir fuera de sus respectivos países de origen, la condición de judío de Szenes les obligó a exiliarse y también les impidió lograr la nacionalidad francesa hasta 1956. Durante todo ese tiempo fueron apátridas y el exilio brasileño, entre 1940 y 1947, se convirtió en una pesadilla para ella.

Su unión supuso una influencia espiritual, absoluta, pasaron toda su vida juntos y su trayectoria fue paralela. "Ambos estuvieron juntos más de medio siglo, compartiendo vivencias y dándose apoyo en sus respectivas carreras artísticas, siempre desde el máximo respeto y desde una pulcra generosidad. Sorprende que no surgiesen los celos ni las comparaciones entre ellos. Cada uno supo respetar el espacio artístico del otro, Vieira con sus obras espaciales y Szenes con su temática de banquetes o retratos

La pintura de Arpad gozó del reconocimiento internacional, principalmente en los años 60, y expuso con frecuencia en los museos franceses, así como en el extranjero, y recibió múltiples condecoraciones. La Fundación Calouste Gulbenkian le organizó una gran exposición retrospectiva en los setenta. Por su parte Vieira se consagró como un referente artístico y "no se dejó seducir por los ismos de su siglo, su pintura está marcada por un carácter único y personal que se aleja de todas las corrientes contemporáneas".

Información EL MUNDO- EDICCION GALICIA

Maria Helena Vieira da Silva

 

las tres ventanas

la estación inundada

 

El paseante invisible, 1951

 

 La biblioteca, 1949

 

 

 

 Maria Helena Vieira da Silva (Lisboa, 1908 - París, 1992), pintora francesa de origen portugués.
En 1928, a la edad de 20 años se traslada a París donde es alumna de Friesz, Léger y Bissière. Dos años más tarde contrae matrimonio con el pintor húngaro Arpad Szenes.
Al estallar la Segunda Guerra Mundial viaja a Brasil donde permanece hasta 1947, año en que regresa a París.

Sus primeras obras nos muestran paisajes reducidos a diseños lineales y geométricos que consiguen el efecto espacial sin recurrir a los métodos tradicionales para crear la perspectiva. Su obra se se desarrolla en torno a series temáticas: bibliotecas, puentes, talleres, andamiajes, estaciones..., en las que se inclina hacía el estudio y las posibilidades del espacio.
Su obra se ubica en la Escuela de París.
Maria Helena VIEIRA DA SILVA (1908-1992), pintora de origen portugués, nació en Lisboa, en el seno de una familia que desde muy temprana edad estimuló su interés por la pintura, la lectura y la música. En 1928, se traslada a París donde estudia escultura, optando definitivamente por la pintura en 1929. En 1930 se casa con el pintor húngaro, Arpad Szenes. Pintora de temas esencialmente urbanos, su pintura desvela, desde un inicio, una preocupación por el espacio y la profundidad. Vive en Brasil entre 1940 y 1947. Su pintura de ese período refleja la angustia por la guerra. Tras su regreso a París, en la década de los 50, participa en un sin número de exposiciones en Francia y en el extranjero. En 1956 adquiere la nacionalidad francesa. El Estado francés compra obras suyas a partir de 1948 y en 1960 le concede la primera de una serie de condecoraciones. A partir de 1958, se organizan retrospectivas de su obra y recibe importantes galardones internacionales. En Portugal, la Fundación Calouste Gulbenkian expone su obra en 1970, 1977 y 1988. En 1983, el Metropolitano de Lisboa le encarga la decoración de la estación de la Cidade Universitária; la obra Le metro (1940) es reproducida en azulejos con la colaboración del pintor Manuel Cargaleiro. En 1994, se publica el Catálogo razonado de su obra. Pintora de la Segunda Escuela de París, Vieira da Silva jugó un importante papel en el panorama artístico internacional.

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Lygia Pape

 
  Lygia Pape Between Heaven and Earth

 

Sorprende e incomoda al entrar, enfrentarse con el film ‘Eat me ‘ en el cual aparecen proyectados en pantalla gigante  unos labios femeninos haciendo algo definitivamente sensual como masticar, humedecer, tragar al son de un ritmo mitad samba mitad strip tease.  Lo sensual se vuelve hibrido rapidamente porque lo erotico no es puramente eso ya que, de pronto, parece que la boca no esta disfrutando pero se sofoca.

Lygia Pape, Espaços imantados (Magnetized Spaces), 1995/2011, Black and white photograph. Photo: Paula Pape Installation view Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2011 © Projeto Lygia Pape and Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

La obra de Lygia Pape (1927-2004) surge en uno de los entornos más renovadores del arte de la segunda mitad del siglo XX, como es el contexto brasileño, donde las tensiones inherentes al asentamiento de la modernidad conviven con su extremo opuesto: procesos dictatoriales, falsos milagros económicos o movimientos culturales ligados a lo local y abocados a vivir en el exilio. Vinculada al concretismo del Grupo Frente, pronto se relaciona con la deriva neoconcreta junto a otros artistas, como Lygia Clark o Hélio Oiticica, y poetas, como Ferreira Gullar. A pesar de la comparación de Pape con estos, su obra ha carecido hasta ahora de un reconocimiento crítico paralelo al de sus compañeros.
La trayectoria de Lygia Pape responde a esa necesidad de ampliación de lo sensible, dominante en el contexto brasileño de finales de los cincuenta, pero en cuyo caso experimenta una coherencia en una amplia diversidad de medios. Ya a finales de esta década, heredera del ultra-racionalismo concretista brasileño, desarrolla una serie de grabados -Tecelares-, que entendía no como prehistoria de la reproductibilidad, sino como un proceso de desbastamiento material del que surgía la luz: la copia única era reflejo de la densidad conceptual con la que se entendía el proceso.

Trio do embalo maluco (Crazy Rocking Trio), 1968 by Lygia Pape. Photograph: © Projeto Lygia Pape

En los 70 participa en varias producciones cinematográficas del Cinema Novo, donde diseña títulos de crédito y demás representaciones visuales; trabajo que compaginó con actividades en el Museo de Arte Moderna de Sao Paulo, verdadero ejemplo de producción experimental de público activo. Ya en los ochenta desempeñó un influyente papel como docente en la Universidad de Santa Úrsula, desplegando una pedagogía del habitar con la que los alumnos aprendían a valorar las construcciones vernáculas ajenas al dogma académico. Con posterioridad supo combinar su producción visual, de impronta geométrica, con una querencia por lo tribal, rememorando las cualidades híbridas del movimiento antropofágico de la primera mitad del siglo.

Mención especial merecen sus libros, en los que imagina un mundo a partir de una práctica y experimentación material que marginan a la figura del autor en favor de un lector capaz de generar una obra ajena al lenguaje escrito. Sus películas para objetos geométricos en danza (Ballet neoconcreto, 1958) o su inclasificable performance Divisor (1968), una obra textil que debía ser portada colectivamente (reactivada en esta exposición), avanzan algunas ideas fundamentales en el planteamiento de un espacio que atrae lo público y sus afectos como un objeto imantado.

 

Hélio Oiticica

Bólide vidro 5 homenagem a Mondrian Cosmococa 5 Hendrix War 1974 Grande Núcleo composto por: NC3, NC4 E NC6 1960 Mangue Bangue 1959 Metaesquema 1958 Relevo Espacial 1960 Tropicália PN2 "A pureza é um mito" e PN3 "Imagético" 1967 Viaje al país de la invención: Hélio Oiticica, Caetano Veloso, Augusto de Campos y otros amigos Gonzalo Aguilar Durante los años cincuenta, en diferentes partes del mundo, muchos artistas dejaron de hablar para referirse a sus obras de creación para usar otro término: el de invención. Ya no se trataba de objetos que venían de la nada y que se presentaban con el aura de la genialidad de un demiurgo sino de procesos, encuentros, experimentos. En Brasil el término se erigió en una clave del arte y de la vida: existió una revista que se llamó Invenção y el artista Hélio Oiticica afirmó que quería vivir en un “estado de invención”. La invención produce un campo experimental en el que participan la vida cotidiana, el lenguaje, los objetos, los sonidos. Por esa razón el curso recorrerá transversalmente la obra de artistas plásticos (Hélio Oiticica), poetas (Haroldo y Augusto de Campos), músicos (Caetano Veloso), cineastas (Glauber Rocha) y otros artistas. Hélio Oiticica 1937-1980, artista de inspiración libertaria, fundador del movimiento cultural brasileño llamado tropicalismo. Hélio estaba muy influenciado por las ideas de su abuelo, el militante anarquista José Oiticica. Hélio Oiticica nació en Rio de Janeiro en 1937, hijo de un entomólogo que era asimismo fotógrafo y pintor, y nieto de un filólogo y dirigente anarquista. A pesar de ser muy conocido en Brasil, Oiticica sólo ahora ha empezado a ser gradualmente reconocido a nivel internacional como uno de los artistas más profundos y aventureros de estos últimos tiempos. Hélio Oiticica era tanto un artista como un pensador. Situándose audazmente entre la vanguardia, la cultura popular brasileña, las realidades del "subdesarrollo" y el radicalismo de los sesenta, hizo una profunda reflexión sobre los temas relacionados con el "arte", la "invención", la "libertad" en nuestro mundo contemporáneo. Producto de la brillante explosión de la actividad artística que tuvo lugar en Brasil durante los años cincuenta y sesenta, que abarcó música, cine, arquitectura, poesía y artes visuales, Oiticica adoptó una postura avanzada con sus innovadores Bólidos, Penetrables y Parangolés a mediados de los sesenta. Más tarde pasó temporadas en Londres y Nueva York antes de volver a Brasil, donde murió en 1980 a la edad de 43 años. Con motivo de esta exposición se ha editado un catálogo con textos de Haroldo de Campos, Guy Brett, Waly Salomão y Catherine David. El libro recoje también una amplia selección de reproducciones que ilustran la obra del artista, bocetos, esquemas de proyectos, así como textos y anotaciones del mismo Oiticica, todo ello acompañado de un extenso material bio-bibliográfico sobre el artista. Bilateral Teman 1960

Lygia Clark

(1920 - 1988)
Lygia Pimentel Lins (Belo Horizonte, en el Estado de Minas Gerais, 1920 - Río de Janeiro, en el Estado de Río de Janeiro, 1988). Pintora y escultora. Se traslada a Río de Janeiro en 1947 e inicia su aprendizaje artístico con Burle Marx (1909-1994). Entre 1950 y 1952 vive en París, donde estudia con Fernand Léger (1881-1955), Arpad Szenes (1897-1985) e Isaac Dobrinsky (1891-1973).

Bicho - Caranguejo (Maquette), 1959

 De vuelta a Brasil, integra el Grupo Frente, liderado por Ivan Serpa (1923-1973). Es una de las fundadoras del Grupo Neoconcreto y participa en su primera exposición en 1959. Gradualmente, cambia la pintura por la experiencia con objetos tridimensionales. Realiza "proposições participacionais" [proposiciones participacionales], como la serie Bichos, de 1960, construcciones metálicas geométricas que se articulan por medio de bisagras y requieren la coparticipación del espectador.

 BIcho, 1964

 En ese mismo año, imparte clases de artes plásticas en el Instituto Nacional de Educação dos Surdos [Instituto Nacional de Educación de los Sordos]. Se dedica a la exploración sensorial en trabajos como A Casa É o Corpo [La Casa Es el Cuerpo], de 1968. Participa en las exposiciones Opinião 66 [Opinión 66] y Nova Objetividade Brasileira [Nueva Objetividad Brasileña], en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ) [Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro]. Vive en París entre 1970 y 1976, periodo en el que imparte clases en la Faculté d´Arts Plastiques St. Charles, en la Sorbonne.

 


 En ese periodo, su actividad se aparta de la producción de objetos estéticos y se vuelve, sobre todo, hacia experiencias corporales en las que cualesquiera materiales establecen relación entre los participantes. Regresa a Brasil en 1976 y se dedica al estudio de las posibilidades terapéuticas del arte sensorial y de los objetos relacionales. Su práctica hace que la artista, al final de su vida, considere su trabajo definitivamente ajeno al arte y próximo al psicoanálisis. A partir de los años 1980 su obra obtiene reconocimiento internacional, con retrospectivas en varias capitales internacionales y en muestras antológicas del arte internacional de la posguerra.

 

Comentario Crítico
Lygia Clark trabaja con instalaciones y body art. En 1954 incorpora a sus obras el marco como elemento plástico, como, por ejemplo, en Composição nº 5 [Composición nº 5]. Sus investigaciones se vuelven hacia la "línea orgánica", que aparece en la junción entre dos planos, como la que está entre el lienzo y el marco. Entre 1957 y 1959 realiza composiciones en blanco y negro, formadas por placas de madera yuxtapuestas, recubiertas por tinta industrial aplicada con pistola, en las que la línea orgánica se evidencia o desaparece, según los colores utilizados.

 

Para la investigadora de arte Maria Alice Milliet, Lygia Clark es, entre los artistas vinculados al concretismo, quien mejor comprende las relaciones espaciales del plano. La radicalidad con la que explora las potencialidades expresivas de los planos, la lleva a desplegarlos, como en los Casulos [Capullos] (1959), que están conformados por placas de metal fijadas en la pared, dobladas de manera a crear un espacio interior. En el mismo año participa en la 1ª Exposição Neoconcreta [1ª Exposición Neoconcreta]. El neoconcretismo se define como toma de posición con respecto al arte concreto exacerbadamente racionalista y está formado por artistas que pretenden seguir trabajando hacia la experimentación, el encuentro de soluciones propias, integrando autor, obra y apreciador. En 1960 comienza los Bichos, obras constituidas por placas de metal pulido, unidas por bisagras, que les permiten articulación. Las obras son innovadoras: animan al espectador a la manipulación, que conjugada a la dinámica de la propia pieza, resulta en nuevas configuraciones. En 1963 comienza a realizar los Trepantes [Trepadores], formados por recortes en forma de espiral, de metal o de goma, como Obra-Mole [Obra Blanda] (1964), que, por su maleabilidad, pueden apoyarse en los más diferentes soportes ocasionales, como troncos de madera o escalera.

 

Ropa-cuerpo-ropa, 19

Su preocupación se vuelve hacia una participación aún más activa del público. Caminhando [Caminando] (1964) es la obra que marca esa transición. El participante crea una cinta de Moebius [August Ferdinand Moebius (1790 - 1868), matemático alemán]: corta una tira de papel, tuerce una de las extremidades y une las dos puntas. Después, la recorta en la largura, de manera continua, y, a medida que lo hace, ella se despliega en entrelazados cada vez más estrechos y complejos. Prueba un espacio sin reverso o anverso, frente o verso, tan sólo por el placer de recorrerlo y, de esa manera, él mismo realiza la obra de arte. Comienza, entonces, trabajos dirigidos al cuerpo, que tienen por objeto ampliar la percepción, retomar memorias o provocar diferentes emociones. En ellos, el papel del artista es el de proponedor o conductor de experiencias.

 

Objetos relacionales en un contexto terapéutico: la estructuración de sí mismo. 1976-82
(Imágenes del video mostrado en Documenta X)

 En Luvas Sensoriais [Guantes Sensoriales] (1968), por ejemplo, se da el redescubrimiento del tacto por medio de pelotas de diferentes tamaños, pesos y texturas y en O Eu e o Tu: Série Roupa-Corpo-Roupa [El Yo y el Tú: Serie Ropa-Cuerpo-Ropa] (1967), una pareja lleva ropa confeccionada por la artista, cuyo forro comporta materiales diversos. Aberturas en la ropa proporcionan, por medio de la exploración táctil, una sensación femenina al hombre y a la mujer una sensación masculina. La instalación A Casa É o Corpo: Labirinto [La Casa Es el Cuerpo: Laberinto] (1968) brinda una vivencia sensorial y simbólica, experimentada por el visitante que penetra en una estructura de 8 metros de largura, pasando por ambientes denominados "penetración", "ovulación", "germinación" y "expulsión".

Entre 1970 y 1975, en las actividades colectivas propuestas por Lygia Clark en la Faculté d'Arts Plastiques St. Charles, en la Sorbonne, la práctica artística se entiende como creación conjunta, en transición hacia la terapia.

 En Túnel (1973), las personas recorren un tubo de tela de 50 metros de largura, donde a las sensaciones de claustrofobia y sofocación se contraponen a la del nacimiento, por medio de aberturas en la tela, hechas por la artista. A su vez, Canibalismo y Baba Antropofágica [Baba Antropofágica] (ambos de 1973) aluden a rituales arcaicos de canibalismo, comprendido como proceso de absorción y de resignificación del otro. En el primer acontecimiento, el cuerpo de una persona tumbada es cubierto por frutas, devoradas por otras con los ojos vendados; en el segundo, los participantes llevan a su boca bobinas de hilo de varios colores y los desenrollan lentamente con las manos, para recubrir el cuerpo de una persona que está acostada en el suelo. Al final, todos se enredan en los hilos. A partir de 1976 se dedica a la práctica terapéutica, utilizando Objetos Relacionais [Objetos Relacionales], que pueden ser, por ejemplo, bolsas plásticas llenas de semillas, aire o agua; medias que contienen pelotas; piedras y conchas. En la terapia, el paciente crea relaciones con los objetos, por medio de su textura, peso, tamaño, temperatura, sonoridad o movimiento. Ellos le permiten revivir, en contexto regresivo, sensaciones registradas en la memoria del cuerpo, referentes a las fases de la vida anteriores a la adquisición del lenguaje.

 

Guantes sensoriales (1968)

La poética de Lygia Clark camina hacia la no representación de la superación del soporte. Propone la desmitificación del arte y del artista y la "desalienación" del espectador, que finalmente comparte la creación de la obra. A medida que amplía en sus trabajos las posibilidades de percepción sensorial, integra el cuerpo al arte, de manera individual o colectiva. Por fin, se dedica a la práctica terapéutica. Para Milliet, la artista destaca sobre todo por su determinación de cruzar los territorios peligrosos del arte y de la terapia.

itaucultural

Franz Weissmann

 Grande Flor Tropical




 Grande quadrado preto com fita, 1985

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 Knittelfeld, Áustria,  1911 — Rio de Janeiro,  2005
 Nacido en Knittelfeld, Austria,  Weissmann llegó a Brasil en la década de 1920 y estudió arte en la Escola das Belas Artes.
En 1948  se nacionalizó brasileño y ayudó a fundar la primera escuela del país del arte moderno en la ciudad suroriental de Belo Horizonte, donde  tuvo como   estudiantes a famosos  artistas  como  Amilcar de Castro y Vieira María.

Ivan Serpa

 

 



 Ivan Ferreira Serpa (Río de Janeiro, en el Estado de Río de Janeiro, 1923 - ídem, 1973). Pintor, grabador y dibujante. Entre 1946 y 1948 estudia pintura, grabado y dibujo con Axl Leskoschek (1889 - 1975), en Río de Janeiro. En 1949 imparte sus primeras clases en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro - MAM/RJ, donde a partir de 1952 ejerce una sistemática actividad didáctica, sobre todo en la enseñanza infantil. En el año de 1954 publica el libro Crescimento e Criação [Crecimiento y Creación], con texto de Mário Pedrosa (1900 - 1981), acerca de su experiencia en la enseñanza de arte para niños. En ese mismo año, al lado de Ferreira Gullar (1931) y de Mário Pedrosa, crea el Grupo Frente, integrado por Franz Weissmann (1911 - 2005), Lygia Clark (1920 - 1988), Aluísio Carvão (1920 - 2001), Hélio Oiticica (1937 - 1980), Décio Vieira (1922 - 1988) y Lygia Pape (1927 - 2004). Permanece en el liderazgo del grupo hasta su disolución, en 1956. Pese a la libertad de puntos de vista estéticos del grupo, hay el predominio de artistas concretistas. En 1957 recibe el premio Viaje al Exterior en el Salón Nacional de Arte Moderno. Participa en la exposición Opinião 1965 [Opinión 1965], evento que marca la difusión de un nuevo arte de tendencia figurativa, la neofiguración. Desde el inicio de su carrera, la obra de Ivan Serpa oscila entre el arte figurativo y el arte concreto. En 1970 funda, junto con Bruno Tausz (1939), el Centro de Investigación de Arte en Río de Janeiro.

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