Gary Hume

Gary Stewart Hume (n. en 1962) es un artista británico. Su obra está muy identificada con el grupo Young British Artists, quienes saltaron a la fama a principios de la década de 1990. En 1996, Hume recibió una nominación para el premio Turner, pero perdió contra Douglas Gordon. Fue nombrado miembro de la Royal Academy en 2001

Escultura de Snowman, en Dublín.

Hume nació en 1962 en Tenterden, Kent. Cursó sus estudios primarios en la Escuela Homewood y en 1988 se graduó de Goldsmiths, University of London. Su trabajo fue incluido en la exposición de arte Freeze, llevada a cabo en dos ocasiones y organizada por Damien Hirst en 1988, y en East Country Yard, una exhibición informal organizada por Henry Bond y Sarah Lucas en 1990.

Algunas de las primeras obras de Hume adquirieron notoriedad, en especial sus "pinturas de puertas", representaciones de tamaño real de puertas de hospitales. Estas pinturas fueron aclamadas por la crítica, y se exhibieron en Alemania y en los Estados Unidos; además, atrajeron la atención del coleccionista Charles Saatchi. En la exhibición Brilliant!, de 1995, se incluyó una serie de obras de Hume como muestra del trabajo de los artistas del grupo Young British Artist. En 1997, su trabajo fue exhibido en Sensation, un espectáculo en el que se mostró al público la colección de arte de Saatchi en la Royal Academy de Londres.

Hume abandonó la representación de puertas a mediados de la década de 1990, y pasó a la pintura satinada sobre paneles de aluminio, donde creó figuras de celebridades (por ejemplo, del DJ Tony Blackburn) y de animales. Sus formas y colores son muy simples, ya que las personas, por ejemplo, presentan solamente dos o tres colores. Snowman (1996), por ejemplo, está hecha con tres tonos de rojo, con un círculo por encima de un círculo más grande contra un fondo más claro. 

Al principio, Hume usaba colores brillantes en su mayoría, pero más tarde pasó a los tonos más oscuros. Representó a Gran Bretaña en el Bienal de Venecia de 1999,  donde exhibió su serie Water, una colección de pinturas que representan dibujos de mujeres hechos con puras líneas, nuevamente sobre paneles de aluminio.

 

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Helen Frankenthaler

(Nueva York, 12 de diciembre de 1928 - Darien, Connecticut, 27 de diciembre de 2011)
Artista estadounidense, Helen Frankenthaler es una maestra contemporanea, considerada una de los lideres de los pintores del COLOR FIELD, y pionera en la utilizacion de nuevos metodos de tratamiento del color. Su obra es una evolucion del expresionismo abstracto.
Estudio con Rufino Tamayo y posteriormente con Hans Hofmann y asistio al Bennington College.
Sus primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con posterioridad a 1951 desarrollo un estilo propio. Inspirada en Jackson Pollock, creador de la tecnica del dripping, que consiste en salpicar pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizo pintura muy diluida para empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diafanos de colores suaves. Sus obras contienen manifiestas evocaciones de paisaje.
En la decada de 1960 comenzo a dejar grandes zonas del lienzo vacias en muchos de sus cuadros, para permitir (segun sus propias palabras) que la obra respirara.
En 1962 comenzo a utilizar el acrilico, que resulta mas brillante y menos denso que el oleo, y en consecuencia el colorido de sus telas se fue haciendo mas fuerte.
En 1975 hizo una serie de pinturas en ceramica de delicados tonos.
Frankenthaler ha tenido una importante influencia en artistas coloristas estadounidenses como Morris Louis y Kenneth Noland.
En 1999, fue ganadora del premio Jerusalen de las Artes y las Letras, proporcionado por la Academia Nacional de Arte y Diseño de Israel.
Sus obras se muestran en numerosos MUSEOS Y COLECCIONES PUBLICAS, incluyendo: - Butler Institute of American Art, Ohio - Guggenheim Berlin - Museum of Fine Arts, Boston - Museum of Fine Arts, Houston - Museum of Modern Art, New York - National Gallery of Art, Washington D.C. - National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. - Ackland Art Museum at the University of North Carolina - Birmingham Museum of Art, Alabama - Detroit Institute of Arts, Michigan - Fine Arts Museums of San Francisco - Kamloops Art Gallery, British Columbia - Kemper Museum of Contemporary Art, Missouri - Museum of the Rhode Island School of Design - Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. - Wright Museum of Art at Beloit College, Wisconsin

Pedro Friedeberg

Pedro Friedeberg es un pintor, dibujante y escultor de origen italiano, nacido en Florencia, en 1936, durante la dictadura de Benito Musollini. Hijo de una familia judía-alemana, con la cual emigra a México al estallar la Segunda Guerra Mundial. Su arte pictórico de corte surrealista plantea interpretaciones arquitectónicas del "absurdo" que le han ganado fama y reconocimiento internacionalmente. Del mismo modo su escultura funcionalista como La silla-mano ha sido apreciada por la crítica y el público en general.

Estudió arquitectura en la Universidad Iberoamericana, sin haber culminado sus estudios por dedicarse a su verdadera vocación de creatividad artística. Formó parte del movimiento de arte contemporáneo Los Hartos junto con su amigo Mathias Goeritz. Cultivó también una amistad cercana con la pintora Leonora Carrington y la fotógrafa Kati Horna

El año de 1959 presentó su primera exposición en la que pone de manifiesto su tesis de crítica a la funcionalidad arquitectónica privilegiando el aspecto ornamental del arte. También plantea su oposición al arte convencional con tintes políticos y a las expresiones racionales o narcisistas. Se apoya en elementos de adorno que cumplían funciones sagradas en las viejas civilizaciones.
Gran parte de su obra ha sido presentada en la retrospectiva que se llamó Pedro Friedeberg: arquitecto de confusiones impecables cuyo nombre sintetiza bien el estilo y la esencia de su arte. Esta presentación fue realizada como un magno evento en octubre de 2009 en el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

Recientemente, durante los festejos de conmemoración del bicentenario de la independencia de México, se presentó una coreografía basada en la obra de Pedro Friedeberg que fue muy comentada y aplaudida por el público.

 

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Jacob Collins

 Jacob Collins (nacido en 1964) es un pintor realista americano que trabaja en Nueva York. Es una figura destacada del renacimiento del arte clásico contemporáneo.  Fue fundador del Taller de Water Street , la  Grand Central Academy of Art   y la Beca del río Hudson .

Jacob Collins nació el 11 de agosto de 1964, en Nueva York. Procede de una familia de artistas y académicos. Cuando era niño, empezó a copiar obras de maestros antiguos en el Museo Metropolitano de Arte. Desde muy joven, Collins sabía que quería ser  artista,  pero  su interés y habilidad estaba en un estilo clásico, que no estaba de moda  en el siglo 20. Alejándose de la modernidad se  identificó en cambio, con las técnicas y la estética   de  los  maestros del siglo 15 al 19.

Estudió en Europa y en la New York Studio School, después de su graduación en  la Escuela Dalton . Obtuvo su licenciatura en Historia en  Colombia , asistió a la New York Academy of Art   y a  la  Art Students League de Nueva York . 

Después de sus estudios, su estudio de Nueva York se convirtió en el centro de una nueva escena de la evolución del arte clásico. Un grupo de  pintores trabajaron para recuperar las habilidades y el espíritu del arte clásico.  

 

 En la década de 1990, fundó el Taller de Water Street, que cuenta con decenas de artistas formados de una manera clásica.  Estos artistas incluyen a Juliette Arístides , Michael Grimaldi , Davis Camie , Lehman Kate , Schlaht Travis , Arantzazu Martínez , Thompson Dan , Mastromatteo de Tony , Sara Cordero , Minoff Edward , Hiltner Nicolás , Waddell de Scott , Josué LaRock , Colleen Barry , Will San Juan , Douglas Flint y Watwood Patricia . El es el director de la Academia de Arte de Grand Central , una nueva escuela en la ciudad de Nueva York y un centro de la escena del renacimiento del arte clásico. La  Grand Central Academy trabaja  en asociación con el   Institute of Classical Architecture & Classical America. . En 2007, creó la Beca del río Hudson.   El objetivo de esta escuela es facilitar la construcción de un nuevo movimiento de arte americano, el modelado  en los valores sociales y espirituales de los pintores de la Escuela del Rio Hudsond 

Vive y pinta en Nueva York. Está casado con la escritora  Ann Brashares 

El estilo de Jacob Collins se considera  realismo clásico y su temática se centra en la figura, retrato, bodegones, paisajes e interiores.  Sus obras figurativas, sobre todo sus desnudos, revelan un punto de vista claramente contemporáneo.

Sus obras han sido expuestas en museos y galerías de América del Norte y Europa

Notes and references

1. ^ Panero, James. “The New Old School.” The New Criterion, vol. 25, no. 1 (9/2006): 104-107.
2. ^ David Yezzi, 'An interview with Jacob Collins', in The New Criterion, December 2011 [1]
3. ^ ^{a b c d} John Pence Gallery biography
4. ^ Art Renewal webpage
5. ^ The Paint Group. New York: Hirschl & Adler Galleries, 1999
6. ^ Kimball, Roger. “Seeds of Renewal.” National Review, 8/24/2007.
7. ^ Moorman, Margaret. “A Brush with the Past.” Columbia Magazine, Spring 2007: 12-19.
8. ^ Doherty, M. Stephen. “The Hudson River School for Landscape: Reviving an American Tradition.” Workshop, American Artist Publication, Winter 2007: 60-73
9. ^ Jacob Collins - Artist, Art - Jacob Collins

Hilo Chen

Hilo Chen  es un pintor hiperrealista nacido en   Taiwan en 1942.   Se trasladó a Paris y despues a Nueva York en  1968, donde vive y trabaja.  Pinta mujeres tomando el sol en la playa o en la piscina.  Su obra está respresentada en museos en todo el mundo, incluyendo Salomon R. Guggenheim  Museum y el Taipei Fine Arts Museum

Maqbool Fida Husain

Maqbool Fida Husain (Pandharpur, 17 de septiembre de 1915 - Londres, 9 de junio de 2011) fue un pintor y cineasta de la India. En 2005, a causa de las demandas contra el contenido de su obra, abandonó su país y se convirtió en ciudadano de Catar.

Fue especialmente conocido por sus reinterpretaciones desde un punto de vista moderno de temas míticos y religiosos de su país; así, por ejemplo, son conocidas sus series basadas en el Ramayana y Mahabharata, y una serie de 45 acuarelas tituladas Passage Through Human Space.

Entre los honores que recibió destacan su nombramiento en 1986 por el Primer Ministro Rajiv Gandhi como miembro de la Cámara Alta del Parlamento de la India. Durante los seis años que permaneció en el puesto, no intervino nunca y se dedicó a hacer caricaturas de sus colegas parlamentarios, trabajos que publicaría luego bajo el título de Sansad Upanishad: The Scriptures of Parliament.
En 1967, una de sus películas, Through the Eyes of a Painter, ganó el Oso de Oro del Festival de Cine de Berlín.

Nacido en Pandharpur, en el centro del país, creció en Indore, en Madhya Pradesh. Hijo de un contable, marchó a Bombay en busca de fortuna. Allí, además de diseñar juguetes y muebles para niños, se dedicó a pintar carteles de películas.
Bajo la influencia de Cézanne y Matisse, se especializó luego en la pintura de escenas de la épica nacional india como el Mahabharata y del panteón hindú, cuyos dioses y diosas trató como estímulos visuales, presentándolos desnudos y en poses eróticas (en unas series de principios de los años setenta), algo que lo convirtió en objeto de ataques por parte de grupos nacionalistas hindúes y que lo obligó a frecuentar los tribunales de justicia.
Formó parte desde 1947, por invitación de Francis Newton Souza, del «Progressive Artists’ Group», en el que se agrupaban artistas modernos que rompían con las líneas pictóricas tradicionales.

Ganó un premio en la exposición anual de la Bombay Art Society, tras el cual comenzó a exponer por toda la India y en el extranjero; así, en 1971 protagonizó una gran exposición en la Bienal de San Paulo.

Son característicos suyos los retratos de la Madre Teresa de Calcuta y los cientos de imágenes que pintó del sex-symbol del Bollywood de los años noventa Madhuri Dixit (la «Oomph Girl»), a quien conoció a través de la famosa película Who Am I to You? (1994) y a la que adoptó como musa, llegando a dirigirla en 2000 en la película Gaja Gamini, que produjo él mismo invirtiendo en ella dos millones de dólares. Más tarde dirigió también a la estrella hindi Tabu en Meenaxi: A Tale of Three Cities (2004).

En 2005 un coleccionista particular pagó 2 millones de dólares por su cuadro «The Last Supper»; con ese dinero ayudó a mantener los cuatro museos que él mismo había creado para mostrar su obra y su colección de coches deportivos clásicos.

 

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Raquel Forner

Raquel Forner (Buenos Aires, 1902 - Buenos Aires, 1988), fue una pintora, escultora y profesora de dibujo de nacionalidad argentina. Perteneciente al movimiento "Grupo Florida", ganó muchos premios entre ellos la medalla de oro en la Exposición Internacional de París en 1937. En el trayecto de su vida artística evoluciona de un naturalismo a un expresionismo muy personal.

Raquel Forner nace en Buenos Aires, Argentina, el 22 de abril de 1902. Su vocación artística nace con un viaje que hizo en compañía de sus padres, a la edad de 12 años, a España. Al regresar ya terminando sus estudios primarios en España,  cursa sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires  y para el año 1922 obtiene el título de profesora de dibujo en esta Academia.  Después de recibir el tercer premio en el XIV Salón Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, con la obra "Mis vecinas" (1924), expone sus obras en importantes galerías de Argentina (1928). Desde 1929 hasta 1931 asiste a las clases del parisino Othon Friesz en la academia Escandinava (París), quien sería un gran influyente en su vida artística. Ya en 1932 junto con los pintores Alfredo Guttero, Pedro Domínguez Neira y el escultor Alfredo Bigatti funda los cursos Libres de Arte Plástico y en 1934 gana el segundo premio en el XXIV Salón Nacional de Bellas Artes.

 En 1936 contrae nupcias con el escultor Alfredo Bigatti con quien había fundado los cursos Libres de Arte Plástico.  Un año más tarde gana la medalla de Oro en la Exposición Internacional de París. Impresionada por la Guerra Civil española empieza a realizar una serie de obras basadas en ella: "La victoria (1939)", "El drama" (1939-1946) y el "Éxodo" (1940) que en algunos momentos se acercan al surrealismo. Desde ese tiempo expresa en sus obras los males desencadenados en el mundo,  además de dibujar seres mutantes y alienígenas

Forner llegaría a exponer sus cuadros en importantes galerías y museos, entre ellos galerías y museos de Argentina, Alemania, París, Colombia, México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, Suiza, Portugal, etc. También recibió numerosos premios, como además de la medalla de oro en la Exposición Internacional de París (1937), el Primer premio Nacional de Pintura en el XXXII salón Nacional de Bellas Artes (1942), premio "Augusto Palanza" otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes (1947), "Gran Premio de Honor" en el XLV Salón Nacional de Bellas Artes (1956). Luego de recibir diversos homenajes y su última Exposición personal en la Galería Giacomo Lo Bue, Córdoba, fallece en Buenos Aires el 10 de junio de 1988. Recibe ese mismo año una Exposición homenaje en el Museo de Arte Moderno en Buenos Aires. Aún luego de fallecer, sus obras son expuestas en reconocidos museos y galerías, además de ser galardonada por la Fundación Konex

 

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Otto Gustav Theodore Lingner

 

 

 

 Otto Gustav Theodore Lingner (nacido en Kolberg  1856 - 1917) fue un pintor académico alemán. Estudió en la Academia de Berlín con  los profesores y Knille Thumann y luego estudió con  A Fitgers en Bremen . Empezó como  retratista, luego se volvió hacia las escenas de género y la pintura alegórica .