lunes, 29 de octubre de 2012

Franco Gentilini







Franco Gentilini (Faenza, 4 agosto 1909 – Roma, 5 abril 1981)  pintor  italiano.

Su maestro es Mario Ortolani, pintor y propietario de una fábrica de cerámica, que le  contrata como ayudante en 1925.  Le muestra reproducciones de Cézanne,   de  los impresionistas y del cubismo y se despierta en él su pasión por la pintura.  Al principio realiza retratos de amigos y paisajes locales hasta que en 1929 se traslada a Roma. La Bienal de Venecia del año 1930, compra un cuadro suyo y en 1933 realiza su primera exposición individual en la Galleria di Roma.


Habitual de la Bienal de Venecia y exponiendo en toda Italia así como en París, comienza en 1954 su serie sobre catedrales. Serie que va a prolongar durante toda su carrera y en la que podemos apreciar su evolución personal, como puede ser, el paso del geometrismo cubista de las primeras catedrales, a la influencia de Klee en las realizadas en 1956. Alberto Moravia escribió sobre su pintura en 1959: “ El color de Gentilini atiende siempre a aquella densidad, profundidad y modulación que cualquier consideración profunda de la realidad, necesariamente produce”.


Habiendo iluminado numerosos textos, como las realizadas para “La metamorfosis” de kafka, , es importante su labor como ilustrador, que la librería Rizzoli se encargó de reunir, en una muestra antológica en el año 1971.

Aureliano de Beruete






España
Madrid 1845 - 1912


El Impresionismo en España fue adaptado con muchas particularidades. Beruete fue un artista cercano a la estética impresionista, aunque carece por completo de la base científica que sus colegas franceses aplicaban a sus pinturas. Sin embargo, Beruete fue uno de los pintores más preparados de su generación, puesto que viajó a París para estudiar las novedades que se estaban trabajando en la capital francesa, en plena ebullición. Otra faceta destacada del madrileño fue su dedicación a la Historia del Arte. Destacó en esta disciplina gracias a su monografía sobre Velázquez, publicada en 1898, cuando en España apenas existían estudios científicos ni especializados sobre nuestra tradición artística ni sobre los genios: todos los estudios realizados sobre arte español tenían autor alemán o francés. Respecto a su obra, fue un excelente paisajista, formado con Carlos de Haes. Trabajó temas castellanos y madrileños, entre los cuales destacamos sus paisajes del río Manzanares, alguno de los cuales puede verse en el Museo del Prado. 
Ref- Arte Historia

Martín Rico Ortega





Martín Rico Ortega o Martín Rico y Ortega (El Escorial, Madrid, 1833 - Venecia, 1908) fue un pintor español, especializado en la pintura de paisaje influenciado por la Escuela de Barbizon.


Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, siendo su maestro Jenaro Pérez Villaamil. También fue discípulo de su hermano Bernardo, calcógrafo, con quien colaboró como dibujante y grabador, llegando a director artístico de La Ilustración Española y Americana.
En 1854 comenzaron sus viajes por Europa: París, Suiza, Inglaterra, Italia.


A lo largo de su obra se aprecia una evolución desde el realismo a un cierto impresionismo. Las influencias de Turner y Ruysdael le llevaron a pintar paisajes cada vez más humanizados. Su relación con Mariano Fortuny profundizó ese cambio hacia pinturas más luminosas e impresionistas. Una de sus obras más conocidas es Las lavanderas.
En 1907 se publicó su libro de memorias: Recuerdos de mi vida, dedicado a su amigo el paisajista Aureliano de Beruete.

 

sábado, 27 de octubre de 2012

LINO LAGO


 

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«Saber plasmar la realidad no es, en absoluto, suficiente»


El pintor redondelano Lino Lago (1973), ya destacaba con su trabajo cuando por cosas de la vida acabó desarrollando su carrera en Lituania. «Me fui de vacaciones, aterricé y me enamore», reconoce. El artista, que reside en la capital, Vilna, desde hace  años, inauguró el jueves una exposición de su obra en la galería viguesa Dua2.
-¿Es obra nueva lo que presenta?
-Es una exposición con diferentes estilos, de distintas épocas. Mis exposiciones son siempre muy variadas ya que me aburro y no puedo pintar demasiados cuadros parecidos. No me entra en la cabeza cómo se puede dar vueltas y vueltas a una cosa y repetirse, simplemente empiezan a quedarme desastrosos generalmente antes de llegar a diez obras de una misma serie. A pesar de eso, creo que todo lo que hago se basa en las mismas ideas e intento expresar cosas parecidas.


-¿En qué trabaja ahora?
-Estoy trabajando en obras en las que aparecen textos. Parecen carteles publicitarios. Es una serie inacabada. Siempre que empiezo un cuadro nuevo, es una idea de un año de antigüedad como mínimo. No hago action painting (aunque a veces utilizo manchas que son exactamente eso). Yo me identifico con una corriente mas conceptual. Las ideas vienen a borbotones y hay que filtrarlas.
-Las series en las que «mancha» sus lienzos, ¿son una forma de pedir perdón por ser capaz de plasmar la realidad de un modo tan perfecto?
-Plasmar la realidad no es suficiente en absoluto y se abusa de ello igualmente que se abusa de una pintura «a manchas». Creo que pintores tanto de un bando como del otro deberían pedir perdón, no yo. Yo creo una situación en la que conviven sin problemas distintas soluciones, aunque sean contradictorias.


-¿Le afectan los prejuicios que existen en el arte contemporáneo respecto a la figuración?
-Es un prejuicio muy común que veo en las provincias de cualquier país o en gente que no sabe de lo que habla. En Galicia no nos salvamos, claro. La mayor parte del arte contemporáneo que veo en ferias internacionales o la mayoría de los artistas mas influyentes son figurativos. El cuadro mas caro de artista vivo es de Lucien Freud. La obra del quizás artista más famoso del mundo, Damien Hirst, es figurativa. Otra cosa es que estas figuraciones no sean del agrado común. El valor real del arte no puede ser apreciado por alguien con prejuicios. «Encallar» delante de un cuadro por culpa de nuestros prejuicios sobre «abstracto o figurativo» es lamentable y falto de cultura.


-Participó recientemente en la feria SH Contemporary Shangai. ¿Es un paso importante para la internacionalización de su trabajo?
-Es fundamental y lo que siempre quise. Hay que ser muy exigente con uno mismo y en ese sentido aun tengo mucho que decir. Participo con la galería C5 en más proyectos internacionales.
-Mucha gente le ha visto aquí en el programa «Españoles en el mundo». ¿Cómo surgió su participación?
-Nos eligieron entre los cuatro gatos españoles que había perdidos por este país. La tele es algo simpático y superficial. Mi hijo Lucas es el primer niño anotado en el libro del censo de la embajada de España en Lituania. Me estoy saliendo del tema...


-El 99 por ciento de los españoles que salen en ese programa aseguran que lo que más echan de menos es el jamón. ¿Es su caso o echa más de menos la empanada de chocos?
-Aunque suene raro, echo de menos el buen tiempo que hay en Galicia, ya que en Lituania hace mucho frío. Aquí se come bien, aunque sin marisco. Y lo que más echo en falta son las montañas. En estos países la gente es más reflexiva y abierta para las novedades, aunque van con mucho miedo hacia esas mismas novedades por desconocimiento. Mi suegro comió un plátano por primera vez con 40 años. Simplemente, vieron entrar el mundo entero en sus vidas al caer el régimen soviético.

LA VOZ DE GALICIA

viernes, 26 de octubre de 2012

Antonio Lago Rivera


 

 

 

LAGO RIVERA "ANTONIO LAGO RIVERA" [A Coruña 1916 - París 1990]

Inició sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de A Coruña y los continuó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid (1939-1943).  En esta época Lago realizaba paisajes de A Coruña y alrededores, bodegones  con delicadas transparencias e interiores con estudios de la perspectiva y el sentido del espacio. En Madrid aprendió la captación del desnudo y el paisaje. 

 
     En 1944, se decantó por una temática ingenua de tranvías, tiovivos y grupos de niñas y mujeres en donde interesa más la realidad creativa que la aparencial. Abandonó los paisajes, la captación de formas y tierras y optó  por colores chillones más próximos a los fauves. Su paleta se llena de luz y claridad.


     En 1945 obtuvo una Beca de la Diputación de A Coruña y otra del Gobierno Francés para estudiar pintura al fresco en la Ecole de Beaux Arts de París. Este paso fue decisivo para su evolución pictórica. Allí conoció a Guerrero junto al que expuso en varias ocasiones.  Por estos años también se vinculó a la Galería Buchholz de Madrid, local que apoyó a la "nueva escuela madrileña". La galería Buchholz era un local que en aquel momento apostaba por valores jovenes como Planes, Guerrero, Palazuelo o el propio Lago y que, desgraciadamente, el dueño se vió obligado a abandonar a mediados de el año 1951 debido a la poca acogida de las nuevas propuestas en España. 


     En esta época la pintura de Lago Rivera se oponía a la pintura oficial con una figuración de tono idealista y poético de temas sencillos y sobrios, y colores y formas suaves.  Crea una naturaleza irreal para así poder poetizarla, y retrata a la mujer con estatismo y colores puros, muy bellos y novedosos. 
     En 1947 regresó a Madrid y trabajó en el Liceo Francés como profesor de Dibujo. Este mismo año Lago y Guerrero exponen en la Galería Altarriba de París. A esta muestra llevó cuadros de paisajes y temas de protagonismo humano vistos con sencilla emoción, en proclama de la inocencia de las cosas. Es la época de los amarillos limón  contrastados con verdes y azules.
     En los años 50, pintó los murales de la Fería del Campo de Madrid en los que se despoja de toda alusión figurativa y opta por un abstracción geométrica de colores muy fuertes. El cuadro se reduce a planos y líneas en composiciones severas y monocromas donde el único contraste procede de la gradación del color. En estos años expone en la Bienal de São Paolo y la Trienal de Carnegie. 
     A mediados de esta decada empezó a interesarse por el informalismo lírico y el valor expresivo de la mancha. Su pintura se situó muy cerca del tachismo francés. En 1955 presentó en la Galería Arnaud de París  unas obras con ritmos de manchas y trazos negros o sin rayas sobre fondos azules o blanco, en los que había una geometría pura de manchas de color rojo, azul y amarillo. En 1956 pasó al informalismo. Utilizaba la espátula, y principalmente tonos de grises, en gruesas capas de manchas superpuestas.  Posteriormente las manchas aparecerían como flotando en el espacio, fingiendo una sensación de dinamismo.
     En los años 60, regresó a la figuración con temática de marinas, bodegones y parejas que abordará durante el resto de su trayectoria. Volvió, en  definitiva, al lirismo figurativo.
     
 En 1963, obtuvo la beca Juan March y expuso con más frecuencia por España. En esta época su obra se desarrolla en tonalidades rosas y azules. Este mismo año se estableció en Altea (Alicante), por prescripción facultiva.  
     A partir de los años 70, su obra se caracteriza por una gran delicadeza y una paleta muy suave de tonos fríos(grises y azules). La temática habitual es tratada con intimismo y sensibilidad.
     En los años 80 comienza su llamada Etapa Crítica: los perfiles se recortan y agudizan , las expresiones humanas se vuelven torvas.  Reincorpora a la paleta los tonos cálidos sin abandonar las tonalidades frías, ni el blanco Titán. En los cuadros de este periodo muestra una burguesía conservadora de doble moral y el deshumanizado vivir de las masas humanas con un tono irónico y trágico-cómico.
    Murió en 1990.

    Su obra figura, entre otras, en la Colección del Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y en la Colección Caixa Galicia (A Coruña).
 

Ref- fundación novacaixagalicia

XOSÉ OTERO ABELEDO-- LAXEIRO




 





José Otero Abeledo, más conocido por su pseudónimo Laxeiro (Lalín, 1908 - Vigo, 21 de julio de 1996), fue un pintor español.
Nacido en Galicia, emigró a Cuba con sus padres, y allí trabajó en tareas artesanales que iban acercándole al arte, desde el grabado a la vidriería. Debido a una enfermedad volvió a España en 1931, viviendo en Galicia] una existencia bohemia y alegre. Su presencia en cafés y tabernas de Vigo es constante hasta los años cincuenta. Apenas recibió clases de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Vigo.
 
De nuevo se marcha a América, para residir bastantes años en Buenos Aires, donde realiza una amplísima obra. Regresa de nuevo a España y trabaja en Madrid y en Vigo, donde ha transcurrido la mayor parte de su dilatada existencia.

Entre sus galardones cabe destacar la Medalla de la Bienal de Pontevedra, la Medalla Castelao de la Junta de Galicia y la Medalla de Oro del Ayuntamiento de Vigo. Cuenta con museo propio en Vigo, una sala monográfica en el Museo de Castrelos de Vigo y amplia representación en todos los de Galicia, así como en numerosas colecciones privadas de España y América.

 
Su infancia rural la ha sublimado en 'su pintura, que se divide en tres etapas: la inicial, apegada a mundos de ensoñación, de barroquismo, siempre en paleta sobria de tierras y ocres; en la segunda, probablemente la más intensa y personal, alterna lo folclórico y lo religioso, desde una visión personal, vagamente relacionable con Rembrandt, probablemente su artista más admirado. La tercera etapa le acerca a modos postcubistas, de clara raíz picassiana, en la que esquematiza su dibujo, a base de figuras silueteadas, con línea de grafismo quebrado y colores planos e intensos, siempre con el negro como dominante. 

Ref- GALICIA ARTE

jueves, 25 de octubre de 2012

XOSÉ LODEIRO












Xosé Telmo Lodeiro Fernández, nado en Vigo o 21 de outubro de 1930 e finado na mesma cidade o 30 de setembro de 1996, foi un pintor galego.


El color no fue escogido por su eficacia, surgió del proceso de prueba, y quizás de error, como el mejor valor para que la superficie pintada fuera solida y vacua: Veamos la regia danza de conversión de sus círculos, triángulos y cuadrados en una luz agresiva. 

Pero necesitan la buena voluntad que los acepte en sus propias condiciones como totalidades. De lo contrario se convierten en cuadros rojos, verdes o azules plenamente visibles, y quizás a vosotros ni siquiera os gusten esos colores. Pero yo no siento hasta ahora el menor deseo de cambiar de color: Mis rojos me dan el espacio de un cuadrado, el plano de un espacio mundial.

Creo que mis cuadros son bellos, solitarios y serios.


José Lodeiro







Ikko Tanaka







Nacido en Nara en 1930, Ikko Tanaka se graduó en la universidad de Bellas Artes de Kyoto, Japón. Después de trabajar para Kanebo, Co., Ltd. participó en la organización del Centro de Diseño Nippon en 1960. En 1963, fundó el estudio de diseño Ikko Tanaka. Ha ganado importantes reconocimientos, entre los que se distinguen el JAAC Membership Prize, la medalla de plata en la Bienal Internacional de Cartel de Varsovia, el Premio Mainichi al Diseño Industrial, el Recommended Artist’s Award del Ministerio de Educación de Japón, la medalla de oro del Club de Directores de Arte de Nueva York, El Premio a la Excelencia del Club de Directores de Arte de Tokyo, el Premio de Arte Mainichi y el Gran Premio del Japan Cultural Design Award.

miércoles, 24 de octubre de 2012

Dionís Baixeras i Verdaguer







Dionisio Baixeras i Verdaguer (Barcelona, 1862-1943) pintor y dibujante naturalista catalán especializado en óleo sobre lienzo. Con quince años ingreso en la Escuela de la Llotja de su ciudad natal. Su pintura es de tipo historicista, influenciada por la Escuela de Olot. Sus obras se exponen en diversos museos como: