Paula Modersohn-Becker

 Paula Modersohn-Becker nacio en Dresden en 1876.  Era la tercera hija de siete, de un profesor de universidad y aristócrata.  Su padre trabajaba para la compañía de ferrocarril. En 1888 se trasladó con su familia a Bremen y en  1892 recibió sus primeras clases de pintura cuando visitó a una tía en Londres.

 

Despues de su viaje a Londres completó sus estudios al mismo tiempo que recibía clases privadas de arte. En 1896 se unió  a la Unión de Mujeres Artisas de Berlin.

 

En 1898 su vida cambió completamente, se fué con un grupo de artistas independientes que residían en  Worpswede, una colonia de artistas en las afueras de Bremen.  En la colonia estaba Fritz Mackesen, Henrich Vogeler y Otto Moderson. La escultora Clara Westhoff se unió al grupo en 1899 y el poeta Rainer Maria Rilke, de Praga, llegó en 1900. Clara se casó con Rainer en 1901; Paula se casó con Otto ese mismo año. 

 

 Paula y Clara se hicieron muy amigas. En 1900 pasaron seis meses juntas en París. Modersohn´Becker estudió arte en la Académie Colarossi y anatomía en la Ecole des Beaux-Art. Westhoff estudió escultura con Rodin.  Juntas recorrieron el Louvre, exposiciones y galerías de arte. Despues pasaron el verano juntas en Berlin.

 

 Paula volvió a Paris en 1905 para estudiar en la Academia Julian

A principios del siglo XX, la vanguardia florecía bajo la influencia de los impresionistas.  Los colores intensos y las formas simplificadas desarrolladas por Paul Gauguin, Cézanne y Van Gogh inspiraron al grupo "Beastie", etiquetados como "Les Fauves" y todos ellos inspiraron a Modersohn-Becker

La comparación de su Joven con sombrero de paja y su autorretrato con collar de ambar nos permite ver su transición a una paleta fauvista mas brillante. Su estilo Naive desarrollado en Worpswede, con el que intentaba capturar la apariencia agraria folclorica de la temática local y antes había intentado un estilo mas realista como el de sus colegas de Worpswede se convirtió en expresionista en París

En febrero de 1906 Paula hizo sus maletas en Worpsweder y abandonó su casa con la idea de hacer su propia vida. Se dice que su matrimonio no se consumó hasta cinco años despues de la boda, quizás por esto y su deseo de ser madre le hizo tomar esa decisión.

En junio de 1906, Otto Modersohn fue a París para rogarle a su mujer que volviera. Vivieron juntos alli y Paula volvió a Worswede en la primavera de 1907. Sabía que estaba embarazada y dio a luz a su hija Matilde el  2 de noviembre. Ocho días más tarde la artista murió de una embolia. Acababa de cumplir 31 años.

Rainer Maria Rilke le hizo un poema ·"Requiem for a friend".

 Matilde Modersohn hizo una fundación - PAULA MODERSOHN-BEKER FOUNDATION en 1978 y se murió ocho años despues. La colección fue comprada por la ciudad de Bremen y la Republica Federal alemana en 1988 y se emplazó en en Museo  Berhhard Hoetger

Fuente Art History

Carl Schuch

 Carl Schuch 1846-1903- fue un pintor austríaco, nacido en Viena. Pasó la mayor parte de su vida fuera de Austria, en Alemania, Italia y Francia. Pintó principalmente bodegones y paisajes.

Durante su estancia en París se quedó muy impresionado por la obra de Monet a quien describió como "el Rembrandt de la pintura al aire libre"- aunque los artistas que más le gustaban eran Rembrandt y la escuela de Barbizon. En  1884 y 1885 pasó los veranos en los Paises Bajos estudiando a los maestros holandeses así como a los pintores contemporaneos de la Escuela de la Haya. Llenaba blogs con detalladas descripciones de los colores que observaba y de las pinturas que admiraba.  De todos los artistas que pertenecían al círculo de Wilhelm Leibl (llamados Leibl-Kreis) Schuch era el que más le gustaba el color. Su obra marca la transición entre la tradición realista y el moderno movimiento de Viena.

Schuch era financieramente independiente e hizo pocos esfuerzos por exponer, durante su vida solamente vendió un cuadro. Sus últimos años quedaron marcados por una enfermedad degenerativa (sífilis), y dejó de pintar en 1891. Murió en Viena.

Pierre Bonnard

Pintor, litógrafo y fotógrafo francés, Pierre Bonnard fue miembro del grupo simbolista de los nabi y evolucionó con posterioridad hacia un estilo personal ligado al impresionismo. Estudió leyes y en 1889 comenzó a trabajar como abogado, actividad que compaginó desde 1887 con clases de dibujo y pintura en la Académie Julian. Allí entró en contacto con los pintores Maurice Denis y Paul Sérusier, cuyo cuadro El talismán, de 1888 (París, Musée d’Orsay), realizado siguiendo el sintetismo de Paul Gauguin, se convirtió en una revelación para Bonnard. La aplicación del color, distribuido en amplias zonas, y el simbolismo del arte de Gauguin, unidos al gusto por el arte japonés, fueron tomados como referencia por el grupo nabi. En la primera exposición que celebraron juntos en 1891, además de Bonnard, participaron Sérusier, Maurice Denis, Paul Ranson, Henri-Gabriel Ibels, Ker-Xavier Roussel y Édouard Vuillard. Cuando ese mismo año apareció en las paredes de París el cartel del France-Champagne de Bonnard, éste decidió definitivamente dedicarse a la pintura y alquiló un taller en Montmartre
Los. contactos de los nabi hicieron que sus lazos con el teatro fuesen estrechos; por ello Bonnard realizó, junto a otros miembros del grupo, decorados y vestuario para obras de teatro como Ubu roi, de Alfred Jarry, en 1896. Asimismo, trabajó en el diseño de vidrierasmuebles, y tejidos y colaboró en la ilustración de libros, periódicos y revistas, como La Revue Blanche. En las oficinas de esta revista conocería a numerosos escritores y personalidades de la época, entre ellas a Misia, esposa de Thadée Natanson, editor de la publicación, que se convertiría en una de sus modelos preferidas
Con. el cambio de siglo, Bonnard realizó numerosos viajes por Europa acompañado en muchos de ellos por Édouard Vuillard. Alejado de las nuevas corrientes pictóricas parisienses, adoptaría un estilo personal que parecía reinterpretar el impresionismo de Renoir y Monet y en el que, a partir de 1909-1910, la luz y el color del Midi francés dejaron una fuerte impronta. La temática de sus obras se centró aún más en escenas íntimas y retratos de familia, con un toque sensual, expresivo y decorativo. Las dos últimas décadas de su vida celebró gran cantidad de exposiciones y fue reconocido por artistas como Paul Signac, Henri Matisse y Georges Rouault.

 Museo Thyssen-Bornemisza

Franz von Stuck

Franz von Stuck (24 de febrero de 1863 - 30 de agosto de 1928) fue un pintor, escultor, grabador y arquitecto alemán que se destacó en el estilo del simbolismo y del art nouveau.

Stuck nació en Tettenweis, Baviera. A edad temprana mostró afinidad por el dibujo y la caricatura. Para comenzar su educación artística fue a Múnich en 1878, donde permanecería de por vida. Desde 1881 a 1885 asistió a la Academia de Múnich. Logró reputación inicial a través de viñetas para el Fliegende Blätter y diseños para programas y libros de decoración. En 1889 exhibió su primera pintura “El guardián del paraíso” en el Palacio de Cristal de Múnich, con la cual una medalla de oro.

En 1892 cofundó la secesión de Múnich, y ejecutó también su primera escultura, Atleta. El año siguiente tuvo éxito tanto con la crítica como con el público con la que se considera ahora su obra más famosa: El pecado. También en 1893, Stuck fue premiado con una medalla de oro por pintar en la Feria Mundial de Chicago y fue designado para un profesorado real. En 1895 comenzó a enseñar en la Academia de Múnich.

En 1897, Stuck se casó con una viuda norteamericana, Mary Lindpainter, y comenzó el diseño de su propia residencia y estudio, La Villa Stuck. Sus diseños para la villa incluyeron todo, desde los planos hasta las decoraciones interiores; por sus muebles Stuck recibió otra medalla de oro en la Feria Mundial de París de 1900.
Habiendo obtenido un alto grado de fama en su tiempo, Stuck fue elevado al nivel de la aristocracia el 9 de diciembre de 1905 y recibiría honores y reconocimientos en toda Europa por el resto de su vida. Aún cuando las nuevas tendencias del arte dejaron a Stuck detrás, siguió siendo altamente respetado entre los artistas jóvenes por su capacidad como profesor en la Academia de Múnich. A lo largo de los años tuvo estudiantes destacados, como Paul Klee, Hans Purrmann, Wassily Kandinsky y Josef Albers.

Stuck se basaba primordialmente en la mitología, inspirado en los trabajos de Arnold Böcklin. Figuras grandes y pesadas dominan la mayoría de sus trabajos, como su obra "luzifer" inspirada en la mentalidad sombría de Alejandro Berbeyes. Sus trabajos también señalan su proclividad por la escultura. La carga seductora de sus desnudos femeninos –en el rol de femme fatale- son ejemplo de Simbolismo de contenido popular. Stuck prestó también atención a los marcos de sus pinturas y generalmente las diseñaba por sí mismo con tal cuidado en los detalles, las tallas y las inscripciones que deben ser tomados como parte integral de la pintura.

l gran número de alumnos de Stuck que ganaron notoriedad sirvieron para mejorar aún más la propia fama del maestro. Sin embargo al tiempo de su muerte la importancia de Stuck como artista de propio derecho casi se había olvidado: su arte parecía anticuado e irrelevante para una generación destruida por la Primera Guerra Mundial. Adolf Hitler se hallaba entre aquellos que aún admiraban a los pintores del siglo XIX de Múnich, así, cuando los nazis llegaron al poder Stuck estaba entre los artistas del pasado citados como ejemplo de los valores germanos correctos. Aun así Stuck permaneció olvidado en la memoria popular hasta finales de los años ’60, cuando un renovado interés en el Art Nouveau lo trajo nuevamente a la luz. En 1968 la Villa Stuck fue abierta al público, siendo hoy un museo.

 

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Friedensreich Hundertwasser

Nacionalidad: Austria
Viena 1928
Pintor y arquitecto

De nombre Friedrich Stowasser, en sus primeros momentos se decantó por la pintura, obteniendo importantes éxitos, para posteriormente interesarse por la arquitectura. Su particular estilo se pone de manifiesto en la Hunderwasser Haus. Inició su aprendizaje artístico en la Montesori School de Viena, sintiéndose atraído por los colores y la naturaleza. Posteriormente acudió la Academia de Bellas Artes, cambiando en 1949 su nombre por Friedensreich Hundertwasser, que significa "Reinado de la Paz; Cien aguas". Vivir en Venecia será para el artista la culminación de su aprendizaje, gracias a la continua presencia de agua, las tonalidades y la luz de la ciudad. Sus obras suponen una continuidad con los trabajos de la Secession, del Art Nouveau y del Expresionismo, considerando a Klimt y Schiele sus mejores maestros. En el campo de la arquitectura, se manifiesta como un continuador de Gaudí.

Ref- Arte Historia

Medardo Rosso

Nacionalidad: Italia
Turín 1858 - Milán 1928
Escultor

Se negó a aceptar los planes que sus familiares habían preparado para él como administrativo y tras dejar sus estudios comenzó a trabajar en el taller de un marmolista. Su primer trabajo como escultor es una figura de Garibaldi. El resultado causó sensación entre la crítica. En la década de los ochenta ingresa en la Academia de Bellas Artes de Brera, pero sus ideas políticas en la línea de la revolución, y su oposición a los sistemas tradicionales de enseñanza le cuesta su expulsión. Sin embargo, esta situación no le impide participar en exposiciones en ciudades italianas y en Londres y Viena donde presenta El Borrachín o Impresión de mujer bajo un paraguas. Con estas obras ya se desvela como el introductor del impresionismo en la escultura. Su siguiente destino es París, donde permaneció algunos años. En este tiempo consiguió la admiración de intelectuales de la talla de Zola, Degas o Clemenceau y Rodin. Con este último participó en una exposición. Después de pasar miserias decide volver a su país natal e instalarse en Milán. Posteriormente participó en la Exposición Universal de París de 1900 y cuatro años después en el Salón de Otoño, donde volvió a coincidir con Rodin. Ambos artistas siempre mantuvieron cierta animadversión, pendientes de la crítica. La muerte de Rodin provocó que Medardo fuera en parte olvidado. Es importante recordar que en sus obras juega con la luz y el movimiento hasta conseguir el efecto que los impresionistas trasladaron al óleo.

Ref. Arte Historia

Estudió en la Academia di Brera, en Milán, de donde fue expulsado once meses despues por problemas de disciplina

Kurt Mühlenhaupt

Nacido en  Klein Ziescht en 1921  y fallecido en 2006 en Bergsdorf  Kurt Mühlenhaupt es uno de los artistas más conocidos en el siglo XX en Alemania.  En 1941 empezó a estudiar arte en una escuela privada de Berlin. Finalizada la guerra se inscribió en  la Escuela Superior de Arte de Berlin pero abandonó sus estudios cuando Karl Schmidt- Rottluff le aseguró que nunca llegaría a ser un buen pintor ya que sus obras eran muy lúgubres y no sabía manejar el color. A partir de ese momento brabajó como criador de animales y organillero aunque nunca dejó de pintar. 

El mundo que crea en sus pinturas y obra gráfica parten de la realidad y las desarrolla con su propia imaginación.  La mayoría de sus obras se encuentran en el Museo Bergsdorf, lugar que él y su mujer transformaron en un lugar para la cultura. La mansión  tambien es lugar para ovejas y otros animales.

Helen Frankenthaler

Manhattan, Nueva York, 1928- Darien Connecticut 2011
Artista estadounidense, Helen Frankenthaler es una maestra contemporanea, considerada una de los lideres de los pintores del COLOR FIELD, y pionera en la utilizacion de nuevos metodos de tratamiento del color. Su obra es una evolucion del expresionismo abstracto.
Estudio con Rufino Tamayo y posteriormente con Hans Hofmann y asistio al Bennington College.
Sus primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con posterioridad a 1951 desarrollo un estilo propio. Inspirada en Jackson Pollock, creador de la tecnica del dripping, que consiste en salpicar pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizo pintura muy diluida para empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diafanos de colores suaves. Sus obras contienen manifiestas evocaciones de paisaje.
En la decada de 1960 comenzo a dejar grandes zonas del lienzo vacias en muchos de sus cuadros, para permitir (segun sus propias palabras) que la obra respirara.
En 1962 comenzo a utilizar el acrilico, que resulta mas brillante y menos denso que el oleo, y en consecuencia el colorido de sus telas se fue haciendo mas fuerte.
En 1975 hizo una serie de pinturas en ceramica de delicados tonos.
Frankenthaler ha tenido una importante influencia en artistas coloristas estadounidenses como Morris Louis y Kenneth Noland.
En 1999, fue ganadora del premio Jerusalen de las Artes y las Letras, proporcionado por la Academia Nacional de Arte y Diseño de Israel.
Sus obras se muestran en numerosos MUSEOS Y COLECCIONES PUBLICAS, incluyendo: - Butler Institute of American Art, Ohio - Guggenheim Berlin - Museum of Fine Arts, Boston - Museum of Fine Arts, Houston - Museum of Modern Art, New York - National Gallery of Art, Washington D.C. - National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. - Ackland Art Museum at the University of North Carolina - Birmingham Museum of Art, Alabama - Detroit Institute of Arts, Michigan - Fine Arts Museums of San Francisco - Kamloops Art Gallery, British Columbia - Kemper Museum of Contemporary Art, Missouri - Museum of the Rhode Island School of Design - Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. - Wright Museum of Art at Beloit College, Wisconsin

Jamie Wyeth

Pintor norteamericano, nacido en Wilmington, Delaware en 1946- Perteneciente a una tercera generación de artistas. Muchas de sus obras reflejan la belleza del paisaje de Maine, de los animales domésticos y la fauna silvestre. Entre sus retratos figuran el de John F. Kennedy encargado por la propia familia, el de Rudolf Nureyev, Andy Warhol con el que expuso, etc