Chia nació en Florencia, Italia, en 1946. Estudió en el Instituto de Arte en Florencia y más adelante en la Accademia delle Belle Arti.
Visitó la India, Turquía y la mayor parte de Europa antes de establecerse en Roma en 1970. Durante la década de 1970 su obra evolucionó de lo conceptural a un un nuevo estilo de lenguaje pictórico que llamó la atención a los críticos italianos y europeos
En 1981 se trasladó a Monchengladbach, Alemania, con una beca. Pasó un año trabajando allí antes de trasladarse a Nueva York. Allí permanecio más de dos décadas, aunque viajando frecuentemente a Ronciglione y Montalcino
Parte del grupo de Transvanguardia, expuso con ellos en los museos y galerías más importantes del mundo, aunque en una entrevista de 1984 declaró que el término transvanguardia no significaba nada
Expuso en la bienales de Parìs y Sao Paulo y varias veces en la bienal de Venecia.
Nació en Augusta en 1930. Pasó su infancia en Allendale, Carolina del Sur, donde vivian sus abuelos paternos. Pasó un año con su madre en Columbia, Carolina del Sur y posteriormente, pasó varios años viviendo con su tía Gladys en Lake Murray. Completó sus estudios viviendo de nuevo con su madre.
A partir de 1947 estudió arte en la universidad de Carolina del Sur, la cual abandonó para estudiar en la Parsons School of Design en Nueva York. Fue reclutado para el ejército en 1951 y colocado en primer lugar en Fort Jackson, donde dirigió una galería de arte, y más tarde en Sendai, Japón
En 1953 volvió a Nueva York, donde el y su colega Robert Rauschenberg diseñaban escaparates para los grandes almacenes. Durante esta época experimentó con el collage y tambien comenzó a pintar la bandera americana que se convirtió en un sello distintivo de su obra. Siguió con cuadros de números y metas.
Johns y Rauschenberg anunciaron el arte pop, un movimiento artístico que comenzó a mediados de la década de 1950, con obras que utilizaban objetos familiares en sorprendentes formas nuevas. En reacción contra el expresionismo abstracto, el pop rendía homenaje a los medios de comunicación, la publicidad y los bienes de consumo. Los dos artistas colaboraron tambien con otros artistas como el compositor John Cage y el coreografo Merce Cunningham
En 1957 el museo judío de Nueva York, incluyó una obra de Johns, en la exposición "segunda generación de artistas de la Escuela de Nueva York". Su primera exposición individual tuvo lugar en la galeria Leo Castelli de Nueva York. El Museo de Arte Moderno de Nueva York compró varias obras suyas. Se incluyeron tres obras en la Bienal de Venecia y recibió el premio Marnegie. Al año siguiente expuso en Paris y Milán. Se interesó por la obra de Marcel Duchamp y comenzó a hacer escultura
En 1960 comenzó a estudiar litografía. En 1966 un incendio destruyó su casa y estudio en Carolina del Sur. Un año más tarde se convirtió en asesor artístico de Merce Cunningham Dance company, puesto que conservó hasta 1978.
A partir de 1972 su obra se volvió abstacta, hasta 1980 que cambió una vez más, llegando a ser auto-referencial y profundamente personal, incorporando artefactos, símbolos y recuerdos de su infancia.
En 1990, al cumplir sesenta años, comenzó a explorar nuevos temas, incorporando a su obra imágenes icópicas, elementos autobiográficos y referencias a cosas que le inspiraban
Kazimir Malévich fue el máximo representante del suprematismo, una de las principales corrientes defensoras de la abstracción geométrica en la Rusia del primer tercio del siglo XX que tenía como objetivo la búsqueda de «la supremacía de la sensibilidad pura» en el arte
Asistió. a clases de pintura en Kiev y, desde 1904, en Moscú, donde en 1910 MijaílLariónov le invitó a participar en la exposición Sota de Diamantes y en 1912 participó en la formación de El Rabo de Burro. Durante estos años el arte de Malévich evolucionó desde una estética próxima al postimpresionismo hacia el cubismo y más tarde el futurismo
En. 1915 fue expuesto su Cuadrado negro (Moscú, Galería Estatal Tretiakov) en la muestra 010. La última exposición futurista de pintura y con este motivo publicó Del cubismo y el futurismo al suprematismo, donde resumía su nueva teoría artística. Desde ese momento su arte se centró en la representación de figuras geométricas, entre las que predominaba el cuadrado, sobre un fondo blanco. Durante el año siguiente trabajó junto a otros artistas en la revista Supremus, pero antes de que se llegase a publicar fue llamado a filas. Poco a poco el proceso de reducción de elementos pictóricos en sus composiciones fue acentuándose hasta llegar a las series de Blanco sobre blanco de 1917-1918
Tras. la Revolución de 1917, Malévich se convirtió en un activo miembro de los comités artísticos revolucionarios y participó en los actos de celebración del primer aniversario de la Revolución. En 1919 aceptó un puesto de profesor en la Escuela de Arte de Vitebsk que dirigía Marc Chagall y se hizo con la dirección del centro durante una ausencia de éste. Durante los años siguientes, Malévich se centró en la docencia, en sus escritos sobre arte y en la creación del grupo Unovis (Los Heraldos del Nuevo Arte). Tras ser cesado en Vitebsk en 1922, se estableció con algunos estudiantes en Petrogrado (hoy San Petersburgo), donde trabajó en el Museo de Cultura Artística, que a partir de 1923 se llamó Instituto de Cultura Artística (Injuk). El trabajo del instituto se expuso primero en Rusia y después en otros países como Alemania, donde visitó la Bauhaus.
En torno a 1930 comenzó a tener problemas con las autoridades públicas soviéticas por sus contactos con artistas alemanes y fue arrestado, aunque recuperó la libertad poco después. Al final de su vida regresó a la figuración, si bien se supone que algunas de sus obras no figurativas de esta época fueron datadas en fechas anteriores por él mismo para eludir posibles problemas con la clase dirigente
Pintor, escultor, fotografo y diseñador gráfico ruso. Uno de los fundadores del constructivismo. Uno de los artistas más versátiles que emergieron despues de la revolución rusa. Trabajó como pintor y diseñador gráfico antes de dedicarse a la fotografía. Fue ante todo un artista revolucionario, tanto politicamente como en la estetica. Teorico y educador, dio clases en Vkhutemas en Moscú. En 1921 fue uno de los que escribió en manifiesto constructivista.
Nació en St Petersburgo en el seno de una familia obrera, se trasladaron a Kazan en 1909 despues de la muerte de su padre. Estudió en la Kazan School of Art con Nikolai Feshin y Georgil Medvedev como profesores, y en el Instituto Stroganov de Moscú. En 1921 se hizo miembro del grupo Productivista, que luchaban por incorporar el arte a la vida cotidiana.
Impresionado por el fotomontaje de los dadaistas alemanes comenzó a hacer experimentos en ese medio, primero utilizando imágenes que encontraba, pero a partir de 1924 comenzó a hacer sus propias fotografías
Desde 1923 hasta 1928 colaboró con Mapyakoysky. Muchas de sus fotografías aparecieron en portadas de periodicos. Sus imágenes eliminaban detalles innecesarios, haciendo enfasis en una composicion diagonal dinámica
En la década de 1930 se concentró en fotografía deportiva, imagenes de marchas y otros movimientos coreograficos. Se unió al círculo de Octubre en 1928 pero fue expulsado tres años despues acusado de formalista.
En 1942 volvió a la pintura, realizando obras impresionistas abstractas
Artista estadounidense, nacida en 1969. Conocida principalmente por sus cuadros de gran tamaño de siluetas cortadas en papel negro que examinan tensiones raciales y de género en America. Sus obras abordan la represión del poder, custiones raciales, violencia de género y sexualidad. Nacida en Stockton, California, se trasladó al sur a los trece años, cuando su padre artista, aceptó un puesto en la universidad estatal de Georgia. Se fueron a vivir a Stone Mountain, un suburbio de Atlanta. Se centró en la pintura y en el grabado, graduandose en la Rhode island School of Design. Fue incluída en en la exposicion bienal del Whitney Museum of American Art en Nueva York el mismo año de su graduacion. A los 27 años le concedieron la beca "genius" de la fundacion John D and Catherine T MacArthur, hecho que lanzó una gran controversia pública sobre su trabajo. En 2002 fue elegida para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Sao Paulo en Brasil. Su obra se ha expuesto a nivel nacional e internacional y está incluida en las colecciones de los museos más importantes del mundo. Actualmente vive en Nueva York donde es profesora de artes visuales en la universidad de Columbia
La escultura contemporánea se caracteriza por un radical proceso renovador que se inicia a finales de los años cincuenta. Dicha renovación se lleva a cabo fundamentalmente a través de tres vías: la reconsideración de los materiales tradicionales y la inclusión de otros tomados de la vida cotidiana, la desfetichización del objeto escultórico y la entrada en juego de otros valores espaciales, de escala y de ocupación. Tony Cragg (Liverpool, 1949) participa en la renovación de la escultura desde las mencionadas tres vías y toma como referencia a los artistas Minimal, las manifestaciones del Arte Povera y el trabajo de Richard Long; puesto que en su opinión “en lugar de remitirse a formas previas, han creado un nuevo lenguaje de las formas, han logrado una reflexión motivada por los aspectos formales mismos”.
Jeff Koons saltó a la fama a mediados de la década de los ochenta como miembro de una generación de artistas ocupada en explorar el significado del arte en una era saturada por los medios de comunicación y por la crisis de representación que ello conlleva. Movido por una declarada intención artística de "comunicarse con las masas", Koons se inspira en el lenguaje visual de la publicidad, el marketing y la industria del entretenimiento. Poniendo a prueba los límites entre alta y baja cultura, su colección escultórica incluye aspiradoras encerradas en contenedores de plexiglás, balones de baloncesto flotando en acuarios de cristal y homenajes en porcelana a Michael Jackson y la Pantera Rosa. Al prolongar el linaje de Dadá y Duchamp, y al integrar referencias al arte minimalista y pop, el artista confiere al arte un carácter de bien de consumo inclasificable dentro de la jerarquía de la estética convencional.
I got a job in the tear-sheets department, ripping up magazines like People, Fortune, Sports Illustrated, and Time, and delivering the editorial pages.... I started looking at the ads very carefully.... So I began to use a camera to make fake photographs of the ads. By re-photographing a magazine page and then developing the film in a cheap lab, the photos came out very strange. They looked like they could be my photos, but they weren’t.—Richard Prince
Richard Prince, nacido en 1949 en la Zona del Canal de Panamá (territorio controlado en aquella época por Estados Unidos, hoy en día parte de la República de Panamá) es un pintor y fotógrafo estadounidense. Su obra ha sido a menudo objeto de debate en el mundo del arte. Prince comenzó creando collages con fotografías en 1975. Su obra Untitled Cowboy (una refotografía, es decir, una fotografía de otra fotografía) fue la primera "fotografía" en alcanzar el precio de un millón de dólares en una subasta. Este hecho tuvo lugar en la sala de subastas Christie's de Nueva York en el año 2005.
En 1977, Prince creó una controvertida refotografía a partir de cuatro fotografías que habían sido publicadas anteriormente en el diario New York Times. Esto suscitó una enorme discusión en el mundo artístico en relación a la autoría y autenticidad de las imágenes, así como los aspectos relacionados con los derechos de autor de las fotografías. Esta controversia tuvo su continuidad en 1983, cuando su obra Spiritual America mostró una fotografía del autor Garry Gross en la que aparecíaBrooke Shields con 10 años de edad, de pie en una bañera, como alusión a la precocidad sexual y a la fotografía homónima de Alfred Stieglitz. La exhibición de esta imagen llevó a la madre de Shields y al fotógrafo a una batalla judicial en relación al papel de voyeurismo en el mundo de la fotografía. Su serie Jokes (cuyo comienzo data de 1986) trata acerca de las fantasías y las frustraciones sexuales de la clase media estadounidense, mediante el uso del humor burlesco.
Tras vivir en la ciudad de Nueva York durante 25 años, Prince se mudó al Norte del estado de Nueva York. Su minimuseo, Second House, fue comprado por el Museo Guggenheim, pero le cayó un rayo y se quemó después de haber estado abierto únicamente seis años (desde 2001 hasta 2007)
Nacido en 1931 en National City, California. Se crió en una relativa soledad durante la gran depresión. Su madre, luterana, de ascendencia danesa, era enfermera y su padre, católico italiano trabajaba en la construcción, como recolector en el campo y recogía todo lo que encontraba, incluso colillas, pensando en como reciclarlas para hacer dinero. Desde joven, Baldessari montaba y desmontaba aquellos materiales de su padre, preguntandose la utilidad de aquellos objetos. Estudió arte en San Diego State College. En los años 1960 comenzó a trabajar en estilo gestual y despues empezó a introducir texto, rayas etc. en imágenes que ya existían «Me encanta la idea de que, en un mundo en el que todo tiene un uso, sea posible hacer algo gratuito; y me encanta desconcertar un poco a la gente». A partir de 1970 trabajó con películas, vídeo, instalaciones, escultura y fotografía. Su obra se caracteriza por una conciencia del lenguaje, para lo cual utiliza juegos de palabras, una semántica basada en el estructuralismo de Claude Levi- Strauss y con la incorporación de material de la cultura popular
Frente al grupo de Nueva York formado por Andy Warhol, Roy Lichtenstein y otros, Ramos trabaja en California, lo que va a influir en su trabajo: muestra una sensibilidad diferente a la de los autores de la costa Este. Influido en sus inicios por Willem de Kooning, se alejó más tarde del expresionismo abstracto, corriente de moda cuando era estudiante.
Hacia 1962 comienza una serie de superhéroes sacados de las viñetas del mundo del cómic. Recrea heroínas como Wonder Woman, Phantom Lady o Sheena, de las historietas que leía en su juventud. Su primera exposición individual, en laGalería Bianchini de Nueva York, data de 1964. Desde mediados de los 60 desarrolla un tipo de iconografía que combina desnudos femeninos idealizados (pin-ups) con anuncios de marcas de productos de gran consumo, con todo el cromatismo del Arte pop. Ramos es uno de los primeros artistas del siglo XX que incorporan el arte comercial en su vocabulario formal, y actualmente es uno de los pocos representantes vivos del Pop norteamericano.
Actualmente vive en Horta de Sant Joan, en la provincia de Tarragona, donde también pasó muchos años de su vida Pablo Picasso, que tiene un museo dedicado a él en la localidad.
