Guy Peellaert

1934-2008 Bélgica
Artista polifacético como pocos, su impronta se puede encontrar desde el cómic a la fotografía, pasando por la pintura, la música y el cine. Grafista dotado, Peellaert cultivó la hibridación formal para realizar series de cuadros tan brillantes como Rock dreams, que sobre textos de Nick Cohn trazaba un tributo surrealista y onírico a las grandes figuras de la música pop.

 Su estilo hiperrealista le valió memorables portadas de discos de los Rolling Stones (It's only rock 'n roll), David Bowie (Diamond Dogs) o Étienne Daho (Pour nos vies martiennes), carteles tan carismáticos e influyentes como los de las películas Short Cuts (Altman), Taxi driver (Scorsese), Alas sobre Berlín, o París, Texas (Wenders), y una extensa obra en la que destaca con especial fuerza su breve pero fundamental contribución al cómic.

 En plena ebullición cultural e intelectual de la Francia de finales de los sesenta, el cómic se convirtió en un referente contracultural. Una forma considerada de subcultura infantil y vulgar que se erigió en refugio y herramienta de provocación contestataria hacia la cultura oficialista de un selecto grupo de autores que, impulsados fundamentalmente por el editor Eric Losfeld, rompieron todos los límites formales y conceptuales del medio con una serie de cómics protagonizados por heroínas hipersexuadas, de militancia radical y novedosa vanguardia estética que hundía sus raíces en lo más profundo de la cultura popular. La Barbarella de Jean-Claude Forest abriría un camino en el que las contribuciones de Peellaert resultarían decisivas. Junto al guionista Pierre Bartier creó en 1966 Las aventuras de Jodelle, una lúcida y comprometida sátira fantástica de la sociedad de los sesenta, publicada en las páginas de Hara Kiri, en la que una heroína inspirada en la cantante Sylvie Vartan protagonizaba una explosión de delirante cromatismo plenamente deudora del pop art-

Se trata de una obra de inflexión que tendría prolongación en Pravda, la survireuse (1968), que realizó junto a Pascal Thomas. Françoise Hardy tomó el relevo de referencias para adentrarse en la psicodelia más excesiva y en la fusión atrevida de géneros -desde el western a la ciencia-ficción y las road movies- con el pop más visceral y desmedido. Dos obras que sentaron las bases de una relectura adulta del medio y que supondrían un legado primordial al que añadió la sorprendente Bye bye bye, baby, bye bye, en 1973.

 Información- El País

Bengt Lindström

Bengt Lindström destacado representante de la corriente expresionista, se trasladó tempranamente a París, donde vivió gran parte de su vida y desarrolló su vocación y se convirtió en el artista famoso que fue posteriormente. Ello ni impidió que mantuviera siempre vínculos artísticos y afectivos con Suecia, especialmente con la región donde había nacido en 1925, en el norte, donde transcurrió su infancia y adolescencia, en estrecho contacto con una naturaleza que siempre rescató en sus obras más recordadas.

Lindström inició sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Estocolmo y los continuó en Copenhague, París y Chicago. Sus primeros trabajos son retratos y autorretratos figurativos y en 1947 se traslada a París, donde trabaja intensamente, participa en varias exposiciones colectivas y conoce a pintores consagrados como Maryan, Pouget y el danés Asger Jorn, que influirá en su obra como se aprecia en la pintura de paisajes inspirados en personajes de la mitología escandinava.

Después de su primera exposición en París, en 1958, su nombre fue conocido internacionalmente impresionando su fuerza expresiva y la particular utilización de colores puros que acostumbraba a utilizar en grandes cubos en torno a los cuales se movía junto al lienzo tendido en un bastidor apoyado en el suelo. En 1962 participó en la segunda muestra de Nueva Figuración, celebrada en París.

Durante varios años expuso galería de retratos de escritores famosos como Oscar Wilde, André Gide y el filósofo Levi-Strauss. A partir de su conocimiento de la obra de Chagal, realizó sus primeras litografías, que, al igual que muchas de sus obras, fueron donadas a museos suecos, principalmente al de Härnösand.
Un rasgo de su personalidad fue su generosidad. Una de sus últimas donaciones tuvo lugar el año pasado y consistió en la serie denominada Asagudarna, siete grandes pinturas que aluden a los dioses de la mitología nórdica.

El País 

Josef Čapek

Josef Čapek (1887-1945) nació en Hronov, Bohemia. Tres años mayor que su hermano Karel, uno de los escritores checos más influyentes del siglo XX. Estudió en la escuela de Vrchlabí pero pronto se dieron cuenta que su talento necesitaba una formación mejor, así que durante seis años estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Praga. Como František Kupka y otros pintores checos de su época necesitaron ir a París. Estuvo en París, con su hermano  durante doce meses, estudiando en la academia Colarossi. Se hicieron amigos del poeta Guillaume Apollinaire y Karel fue el traductor de sus poemas. Cuando regresaron a Bohemia, Josef pintó en estilo cubista durante algún tiempo y poco a poco fue cambiando a  expresionismo y simbolismo.

Josef no solo pintó, ademas de escribir fue tambien ilustrador, artista gráfico, periodista y crítico de arte. A partir de finales de 1920 la pintura naif bohemia le influyó mucho y lo plasmó en una serie de pinturas, litografías y pastel, inspirados en la vida en el campo y juegos infantiles.

Cuando Checoslovaquia cayó bajo el dominio nazi, en  1939, Josef fue arrestado y enviado a varios campos de concentración. Vivió para ver el final de la guerra, pero murió unos pocos días antes  de que los prisioneros fueran liberados por las fuerzas aliadas

Hugo Simberg

Hugo Gerhard Simberg 1873-1917.Fue un pintor y artista gráfico finlandés.

A los dieciocho años se matriculó en la Escuela de Pintura de los Amigos del Arte de Viipuri y más adelante tambien estudió en la Escuela de Pintura de la Asociación Finlandesa de Bellas Artes. No conforme con la enseñanza académica decidió prepararse con Gallen- kallela en su solitario estudio de Ruovesi.

En 1896 fue a Londres y en 1897 a París e Italia.
Durante esos años expuso varios trabajos en las exhibiciones otoñales de artistas finlandeses, incluidos Otoño, Escarcha, El diablo tocando música y La tía Alexandra, los cuáles fueron bien recibidos. Un momento importante de su vida, sucedió cuando fue elegido miembro de la Asociación finlandesa de Artes y como profesor de la Escuela de Pintura de los Amigos del Arte de Viipuri. En 1904 fue comisionado para decorar el interior de la iglesia de San Juan en Tampere, un proyecto que llevó a cabo  con ,Magnus Enckell
entre 1904 y 1906. De 1907 a 1917 enseñó en la Escuela de Pintura de la Asociación Finlandesa de Artes.

 
Sus pinturas ponen énfasis, predominantemente, en tópicos sobrenaturales y macabros. Un buen ejemplo es Koulema kuuntele (La Muerte escucha), donde representa a la muerte personificada por un esqueleto que usa un abrigo negro, escuchando con la cabeza inclinada cómo un joven toca el violín; en el fondo esta una anciana acostada en una cama, con aspecto de enferma. Con esto se sugiere que la muerte está ahí para llevarse a la anciana, pero espera a que el joven, quizá el hijo de la anciana, concluya su pieza de violín.

Konrad Krzyżanowski

Konrad Krzyżanowski (1872–1922) fue un pintor polaco nacido en Kremenchuk en Ucrania. Expresionista, autor de retratos y paisajes. 


Empezó sus estudios en Kiev y continuó en San Pertersburgo y Munich. En Varsovia fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. Llevaba a sus alunos a clases al aire libre en Polonia, Lituania y Finlandia. 

La mayoría de sus paisajes los pintó en Finlandia
 Con una fuerte influencia del movimiento modernista, al que añadiría algunos elementos simbolistas, su pintura se cataloga dentro del expresionismo.

 De 1912 a 1918, viaja por París y Londres, y a su regreso a Polonia, abre su propia escuela de pintura, en la que enseñó pintura a muchos de los más importantes artistas polacos de las dos décadas entre las dos guerras.
Murió en Varsovia, el 23 de mayo de 1922.

Aurél Bernáth

(1895, Marcali - 1982, Budapest)Pintor, artista gráfico, profesor, crítico de arte y periodista húngaro.
Estudió en  la escuela impresionista de Nagibánya, díscipulo  de  de János Thorma e István Réti, pero debido al estallido de la Primera guerra Mundial pronto tuvo que dejar sus estudios.
 Fue herido gravemente en el frente y se instaló en  Budapest, a continuación, en 1921 emigró a  Viena,  y luego a  Berlín.  

Volvió a Hungría  en 1926 y se unió al grupo de artistas que se reunían  en el Gresham Café de Budapest, que adoptaron las ideas de Nagybánya como otra tradición desarrollable; intentaban la relación emocional y formal entre la naturaleza y el ser humano. Entre las muchas características comunes que caracterizan a los miembros del grupo, lo más importante es el punto de partida de ver la realidad, la recreación con medios pictóricos es un verdadero reflejo de su mundo emocional personal. El objetivo principal de las pinturas de Aurel Bernath es expresar el pensamiento, la emoción y el estado de ánimo. Tiene una estructura definida,  sobre el dominio de las formas pero también tienen un ritmo lírico.

Es un  pintor con talento excelente que  también realizó importantes actividades literarias.  La obra de Aurel Bernath como pintor y escritor se complementó con actividades pedagógicas y artísticas desde 1945. Como profesor de la Facultad de Bellas Artes, deliberadamente llevó a cabo la tarea trascendente de la tradición que comenzó con su trabajo artístico a principios de los años treinta. Además de varios otros premios, recibió un Premio Kossuth en 1948 y 1970 y Munkácsy Award en 1950. En 1958 ganó la medalla de oro en la World Expo de Bruselas. 

David Olère

 1902-1985
David Olère fue mucho más que un simple artista. Gracias al él, hay pruebas de las atrocidades nazis de los campos de exterminio, ya que documentó con sus dibujos y pinturas esos años que pasó en el infierno. Es quizás el artista más conocido que trató el tema del holocausto en sus numerosas obras.

El joven judío polaco estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, y pronto decidió buscar fortuna en Berlín, donde trabajó en la industria del cine. En los años 20, como todo artista, se mudó a París, y siguió su trabajo en el cine, que claramente marcó su trabajo (y vicerversa: en toda película sobre el holocausto vemos los horrores que ilustró y que fue de los pocos que vivió para contarlo).

Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, Olère combatió, pero al final sería perseguido como todos los judíos que vivían en Francia. en 1943 sería arrestado y enviado a Drancy, a las afueras de París, campo conocido como «la sala de espera de Auschwitz». Dos semanas después, sería enviado en tren al lugar más terrible del planeta.
En Auschwitz, los oficiales de las SS pronto descubrieron su talento artístico. su conocimiento de varios idiomas y las habilidades para el dibujo le permitieron sobrevivir pagando un precio terrible: fue Sonderkommando, es decir, trabajó en el crematorio y a las cámaras de gas, y castigó a su propio pueblo.

En 1945, Auschwitz fue liberado por las fuerzas aliadas y el artista volvió a Francia donde dibujó y pintó las horrorosas escenas grabadas en su memoria, que presenció mientras fue prisionero en los distintos campos de concentración. Estas obras no sólo son de una calidad e intensidad asombrosas, sino que fueron utilizadas como evidencia legal para probar el holocausto.

Rik Wouters

Fallecido en 1916 cuando solo tenía 33 años. Había padecido problemas económicos, el internamiento en un campo durante la Primera Guerra Mundial y un cáncer; también perdió un ojo durante una operación.

Nacido en Malinas y reconocido rápidamente por sus contemporáneos, siempre buscó transmitir optimismo a través de la luz y el color, representar visiones de la “buena vida”, fuese coqueteando con el uso postimpresionista del color o con la mayor libertad que trajeron el fauvismo y las vanguardias. Su aliada a la hora de recrear esas visiones de la “alegría de vivir” fue su esposa Nel, que sería también su musa, a la que retrató en muchas ocasiones.

Su primer campo de trabajo fue la escultura en madera; fue cinco años antes de su muerte, en 1911, cuando comenzó a pintar. En un primer momento lo hizo seducido por el fauvismo, movimiento del que se le considera el mayor representante belga; pero tras un viaje a París en 1912 se dejó seducir por el uso casi lírico del color de Renoir y la geometría precubista de Cézanne.

Al margen de su amor por el color vitalista, en la obra optimista de Wouters subyace cierto mensaje crítico: sus escenas intimistas y su afán por mostrar la belleza en lo sencillo y cotidiano (en el contacto con la naturaleza, la vida doméstica, la ausencia de actividad) chocaron entonces con los gustos burgueses. Gracias a las cartas enviadas a su amigo, también artista, Simon Levy, sabemos que su actividad pictórica llegó a obsesionarlo y que se dejó inspirar por la obra de El Greco, Cézanne y los Bruegel, a quienes pudo contemplar en Bruselas.

MASDEARTE

Gustave Van de Woestijne

1881, Gante - 1947, Ukkel Gustave van de Woestijne estudió en la Academia de Gante. E n 1900 se trasladó a   Sint-Martens-Latem con su hermano, el poeta tKarel van de Woestijne. Fue uno de los pintores más famosos de la escuela  Latem. Durante la Primera Guerra Mundial vivió en Gran Bretaña. Volvió a Bélgica en  1921 y se convirtió en profesor de la Academia de  Mechelen. En sus primeras obras podemos encontrar pinturas religiosas y obras próximas al simbolismo, despues cambió al expresionismo.

Leon Spilliaert

 Ostende  1881; Bruselas 1946.
Pintor y diseñador belga Sus fuentes iniciales de inspiración fueron las botellas y frascos que vio en la perfumería de su padre en Ostende. Sin embargo, en 1889 estudió brevemente en la Terenacademie de Brujas. Su obra inicial, ya impregnada de simbolismo, fue alimentada por sus lecturas de Friedrich Nietzsche y Maurice Maeterlinck, por ejemplo. Desde febrero de 1903 hasta enero de 1904 trabajó para Edmond Deman, el editor de Bruselas asociado especialmente con Emile Verhaeren, quien lo alentó.
En 1904 Spilliaert se quedó en París, donde se encontraba al margen del círculo de Picasso y descubrió la obra de Munch y Toulouse-Lautrec, cuyas influencias reconoció. Siguió pasando la mayor parte de los inviernos en París para mantenerse en contacto con la vida cultural de la ciudad. Una úlcera de estómago que le producía insomnio lo convirtió en un ave nocturna, que producía innumerables obras, una mezcla de acuarela, pastel, lápiz y tinta china. Reveló las bellezas de Ostende de noche: diques y muelles abandonados, arcadas, farolas que brillan a través de la niebla. 

Entre 1907 y 1913 desarrolló una forma original de simbolismo, teñida de expresionismo y gobernada por un estricto sentido de síntesis. Pintó numerosos autorretratos, obras cargadas de misterio y melancolía y las inspiradas en el contraste entre una figura solitaria y la inmensidad del mar o el cielo. También creó paisajes geométricos que rayaban en la abstracción y eran únicas para la época. Al mismo tiempo, estaba desarrollando motivos Art Nouveau como  Pietà, donde los arabescos  animan las olas. A partir de 1912 ejecutó pasteles a gran escala  de diversas escenas portuarias, con grandes figuras esquematizadas que influyeron en Constant Permeke. Se movió en círculos literarios y culturales y fue amigo del dramaturgo belga Fernand Crommelynck, así como de Stefan Zweig, quien había seguido su carrera desde sus inicios.

Roger Somville

Pintor belga  nacido en 1923,  hombre de gran cultura, controvertido  filosofo de la vida que extrae de su práctica artística. Ya en 1947, miembro de la "Joven pintura belga". Abogó por "un arte al alcance del público, según el ejemplo de la pintura mural mexicana". Posteriormente, el militante comunista nunca dejó de atacar a la "buena conciencia burguesa", rebelándose contra los dogmatismos de todos lados, los de los "diktats impuestos por la doctrina oficial del realismo". socialista "como los de las" repeticiones ininterrumpidas "del" viejo arte moderno "," vaciado de significado ". 

Nacido en Schaerbeek  en una familia de artesanos, estudió en la Real Academia de Bellas Artes con  el pintor Charles Counhaye. Ardiente defensor del "realismo social" contra el arte abstracto, Somville es bastante severo con respecto a algunos de sus colegas, así como  con los críticos, comerciantes y coleccionistas de arte de su tiempo .

En 1969, recibió el Premio de la Crítica .  La abstracción, para Somville, no consiste en renunciar a la figuración, sino en extraer lo esencial de la vida; es decir, transponer los fenómenos naturales y sociales. Un artista que renuncia a esta transposición actúa como si fuera extraído del mundo en el que vive y, por lo tanto, produce un arte vacío.

Tras largo tiempo  de ostracismo, será conocido por el público belga a través de los frescos que cubren las paredes de algunos espacios públicos en Bruselas (como en la estación de Hankar) o Louvain-La-Neuve. Las obras de Somville se pueden admirar en Bruselas y Louvain-le-Neuve, pero también en la Ciudad de México, Dresde, Faenza, San Petersburgo, Sofía, París y Lund.

Murió en 2014, a los  90 años de edad.