CANARIAS

OSCAR DOMINGUEZ

Óscar Domínguez Palazón nació el 9 de enero de 1906 en La Laguna (Tenerife). Su padre, Antonio Domínguez de Mesa, poseía explotaciones agrícolas, en su mayoría bananeras, en el norte de la isla (Tacoronte, Guayonje y Tegueste).

Su madre, María Palazón Riquelme, murió de fiebres puerperales menos de dos años después del nacimiento de Óscar. La pareja tenía ya dos hijas: Julia y Antonia. Domínguez contó a Marcel Jean y Arpad Mezei una hermosa historia donde la leyenda se confunde con la realidad.

Nacido de la reconciliación de su padre y de su madre, unos años después de que ésta sobreviviera al veneno que su rival le había vertido en el café, Óscar se convirtió en auténtico objeto de culto.

Antes de morir la madre hizo prometer que Óscar no lloraría jamás. “Mi padre lo juró. Y desde que tengo un año, cada vez que expresaba un deseo, o que esbozaba la más mínima mueca de disgusto, tenía a toda la casa a mis pies, dispuesta a satisfacer mis caprichos para evitar que derramase una sola lágrima”.

Hasta los ocho años residió con su familia en La laguna, y pasaba los veranos en Tacoronte, en la casa del Calvario. Estudió en el Instituto de La Laguna. En 1926 realizó la primera pintura que conocemos, un Autorretrato con pipa, que lleva la firma de “Óscar”. En 1927 su padre lo envió a París para que se ocupara de sus negocios de exportación de fruta.

Allí se reunió con su hermana Antonia y el marido de ésta, el pintor tinerfeño Álvaro Fariña, instalados en la capital francesa desde 1925, y también con su primo Juan Domínguez Abad. Óscar se presenta en París como un dandi y lleva una vida desordenada, frecuentando asiduamente los locales nocturnos de moda.

A principios de febrero de 1928 regresa a Tenerife para cumplir su servicio militar en el Regimiento de Artillería, y a finales de ese mismo año expone sus primeros cuadros en el Círculo de Bellas Artes, con la pintora francesa Lily Guett.

En 1929 regresa a París. En 1931 vuelve durante unos meses a Tenerife con motivo de la muerte de su padre, el 10 de septiembre, que deja a la familia en una situación económica bastante precaria. Su vida cambia entonces radicalmente.

Privado en lo sucesivo de toda ayuda material, empieza a trabajar como diseñador publicitario, - oficio que ejerció con imaginación, facilidad y desgana - (Marcel jean). Realiza, entre otros, un diseño para la marca Krama (el mejor bombón de mantequilla) por encargo de la Oficina Internacional de Publicidad y Edición, y un cartel para el Patronato de Turismo del Cabildo Insular de Tenerife. Su pintura también experimenta una transformación radical.


En 1932 presenta sus primeras telas surrealistas en la exposición anual del Círculo de bellas Artes de Tenerife, del 18 al 31 de diciembre, junto a Robert Gumbricht, Servando del Pilar, Álvaro Fariña, Pedro de Guezala, Francisco Borges y Francisco Bannin.

En 1933 viaja de nuevo a Tenerife con su amiga Roma, una pianista polaca de origen judío, fusilada por los nazis durante la Segunda guerra mundial. La Gaceta de Arte organiza su primera exposición individual en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, del 4 al 15 de mayo, una muestra que intranquilizó a la burguesía de las islas, como recuerda más tarde Domingo Pérez Minik.


Tres meses más tarde la Gaceta de Arte presenta algunos cuadros de Domínguez en el Círculo Mercantil de Las Plmas, junto con obras de Robert Gumbricht y Servando del Pilar, con motivo de la celebración del Primer Congresillo de las Juventudes, que tuvo lugar los días 5 y 6 de agosto. La exposición se clausuró el 20 de septiembre.


En ese mismo año, Óscar Domínguez ilustra la cubierta de Romanticismo y cuenta nueva, de Emeterio Gutiérrez Albelo, y el año siguiente la cubierta de Crimen, “Relato surrealista” de Agustín Espinosa, y la monografía de Eduardo Westerdahl dedicado a Willi Baumeister, dos obras publicadas por Gaceta de Arte.

En el número 28 de Gaceta de Arte, aparecido en julio de 1934, publica “Carta de París. Conversación con Salvador Dalí”. Es entonces cuando entra en contacto en París con el grupo surrealista. A partir de ese momento, y hasta el final de la década, colabora activamente en la vida del grupo.

Entre los cuadros merecidamente famosos de ese año - pues corresponden a la toma de posesión por parte del artista de su universo personal - cabe destacar Le Chasseur, que representa una jaula en forma de mano con un pájaro prisionero en su interior, y una serie de extrañas construcciones: calefactores antropomorfos, rodillos compresores que se estrellan contra una rosa, máquinas infernales que llevan los efectos de la contradicción hasta el límite del absurdo y que están dominadas en todo momento por una voluntad de destrucción subyacente.

En 1935 Domínguez participa en la exposición International “Kunstsudstillin Kubisme-Surrealisme”, organizada en Copenhague por Vilhelm Bjerke-Petersen, del 15 al 28 de enero (Désir d`été, 1934; Papillon, perdus Dans la montagne, 1934), y más tarde del 13 al 31 de diciembre, en la exposición de dibujos surrealistas de la Galerie Aux Quatre chemins, en el boulevard Raspail de París, donde se presentan obras de Arp, Bellmer, Brauner, Chirico, Dalí y Picasso…

Ese mismo año figura entre los signatarios del “Ciclo sistemático de conferencias sobre las posiciones más recientes del surrealismo”, que no logró pasar de su fase inicial por falta de medios financieros, y también firma el manifiesto “De los tiempos en los que los surrealistas tenían razón”, que relata la historia de la ruptura con el Partido Comunista.

En una entrevista concedida el 21 de diciembre al diario Figaro, que lleva por título “El surrealismo en libertad. De la bofetada a la ruptura”, Breton denuncia que “El partido se ha negado a reconocer la producción pictórica del surrealismo y esto ha originado una fuente de conflictos permanente…” 8Crónica de domingo Pérez Minik en el número 36 de la Gaceta de Arte).

También gracias a su intervención se organiza la Exposición surrealista en el Ateneo de Santa Cruz de Tenerife, del 11 al 24 de mayo de 1935. La exposición comprende 76 obras de veinte artistas diferentes, entre los que Jiguan Arp, Brauner, Chirico, Ernst Magritte y Tanguy. Óscar Domínguez presenta aquí “Deseo de verano” y “Objeto magnético”.

André Breton redactó el prólogo del catálogo, donde retoma el texto de su conferencia “Situación surrealista del objeto/situación del objeto surrealista”, pero añade, sin embargo, el siguiente elogio del pintor canario:”…En estos últimos años nuestro amigo Óscar Domínguez ha introducido en el arte surrealista - en el que la gracia de Picasso, de Miró, de Dalí, no ha cesado nunca de hacer circular la más bella sangre española - el silbo ardiente y perfumado de las islas Canarias”.

Los meses de julio y agosto los pasa en Barcelona, en compañía de Marcel Jean, Remedios Varo y Esteban Francés. Recurren al juego de los “Cadáveres exquisitos”, introduciendo en él la técnica del fotomontaje: “A las sorpresas de la colaboración “a ciegas” se añadían los goces del collage. Recortábamos fotografías de personas, objetos y animales que encontrábamos en viejas revistas… las pegábamos en una hoja de papel y las pasábamos al siguiente colaborador”.

JUAN GENOVÉS

Formado en la escuela de San Carlos. En 1949 funda junto a otros el Grupo Los siete. En 1955 realiza su primer viaje a París, donde se encuentra con la libertad y el informalismo, según sus palabras. Fue miembro del Grupo Parpalló entre 1956 y 1959 y fundó el Grupo Hondo en 1960. También creó la clandestina ASAP, Asociación de Artistas Plásticos, en 1968. Viajó por Bélgica, Países Bajos y Francia. Es autor de cuadros de grandes figuras, en los que usa la técnica del collage. Su obra de denuncia social es propio de la época, representando escenas políticas: fusilamientos, guerras, terrorismo... En 1965 hace una exposición de su Salas de la Biblioteca Nacional su llamado realismo político. En 1966 expone en Londres en la Galería Marlborough. Sus obras (Amnistía o el abrazo) se encuentran diseminadas por los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo.

ERIK RIVERA

Erik Rivera es un joven artista mexicano, nacido en 1979.

La obra de Rivera nos remite al paraíso de la niñez, con personajes coloridos y cándidos, pero con el dejo de nostalgia y el brillo de esa etapa perdida, en un trabajo plástico muy interesante en estos tiempos del arte contemporáneo, donde lo que más prima son exploraciones más radicales y no tanto la pintura misma del retrato, el color y el dibujo.

Bach Air

Ivan Albright

Ivan Le Lorraine Albright (20 de febrero de 1897 - 18 de noviembre de 1983) fue un realista mágico, pintor y artista, más conocido por su auto-retratos, estudios de carácter, y bodegones.

Ivan Albright y su hermano gemelo idéntico, Malvín, nacieron cerca de Chicago en el Norte de Harvey, Illinois. Sus padres Albright Adam Emory y Clara Wilson Albright. Su padre era un pintor paisajista, y provenía de una familia de maestros armeros, cuyo nombre original era "Albrecht". Los hermanos fueron inseparables durante la infancia, y en gran parte de su juventud. Ambos se inscrbieron en el Instituto de Arte de Chicago. Con una moneda al aire Ivan decidió que estudiaría pintura y Malvín escultura. Ivan particularmente admiraba la obra de El Greco y Rembrandt, pero se apresuró a desarrollar un estilo suyo propio.

Adam Albright se trasladó con su esposa e hijos a Warrenville, Illinois, en 1924.

Albright asistió la Universidad Northwestern, pero la abandonó y realizó estudios de arquitectura en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign. Durante la Primera Guerra Mundial hizo dibujos de medicina para un hospital en Nantes, Francia, un trabajo que probablemente influyó en su posterior estilo. Después de trabajar en arquitectura y publicidad brevemente sintiendose desplazado por el comercialismo se tomó en serio la pintura. Después de vivir en Filadelfia, durante la mayor parte de 1925 y 1926, regresó a Illinois, donde comenzó a alcanzar algunos éxitos importantes, realizando su primero exposición en 1930.

Las obras de Albright normalmente oscuras y misteriosas eran meticulosamente ejecutadas requiriendole años en completarlas. Las cortinas de encaje o lazos los realizaba con astillas de madera con un pincel de un solo pelo. La cantidad de esfuerzo que realizaba en sus pinturas le hizo muy posesivo de ellas. Incluso durante la Gran Depresión sus precios eran de 30 a 60 veces superiores al resto de los pintores, con el resultado de que las ventas fueron poco frecuentes. Para sobrevivir se basó en el apoyo de su padre, y realizo trabajos de carpintería.

En 1943 fue encargado de crear el cuadro para la pelicula de Albert Lewin 's adaptación de Oscar Wilde' s La imagen de Dorian Gray. Su realista, pero exagerada representación de la decadencia y la corrupción se adaptaba para llevar a cabo un proyecto de este tipo. Su hermano fue escogido para realizar la pintura original de Gray, pero el cuadro que se utilizó en la película era de Enrique Medina. Ivan hizo los cambios en la pintura durante la película.

Albright, fue un prolífico artista que durante toda su vida, trabajó como impresor y grabador, así como pintor. Hacía sus propias pinturas y tallaba y elaboraba sus propios marcos. He was a stickler for detail, creating elaborate setups for paintings before starting work. Era muy puntilloso para los detalles, elaborando bocetos para sus pinturas antes de empezar a trabajar. Fue obsesivo acerca de la iluminación hasta el punto de que su estudio estaba pintado de negro, y vestía ropa negra para cortar posibles deslumbramientos.

Más tarde vivió en Woodstock, Vermont. Su última visita a su antigua ciudad natal de Warrenville, Illinois, fue en 1978. La ciudad declaró el Día de Ivan Albright, Albright y le honró con un día de festejos.

A pesar de pasar mucho tiempo viajando por el mundo, nunca dejó de trabajar. Albright, hizo más de veinte auto-retratos en sus últimos tres años, incluso en su lecho de muerte, el último dibujo después de un accidente cerebrovascular. Murió en 1983.

En el 100 aniversario del nacimiento de Ivan Albright, 20 de febrero de 1997, el Art Institute de Chicago inauguró una importante muestra de su trabajo. Aparece el hombre, una fotografía de Ivan Albright y su obra más famosa, la imagen de Dorian Gray.

La Colección de materiales de archivo, que se celebró por la Ryerson Burnham y Bibliotecas en el Art Institute de Chicago, incluye fotografías, álbumes de recortes, dibujos, cuadernos, una película, y otros materiales que documentan su vida y su carrera.

Josef Albers/ Anni Albers

Annelise Albers (nacida Fleischmann) (12 de junio, 1899 – 9 de mayo, 1994)fue una artista americana, alemana de nacimiento, textil e impresora. Es quizas la artista textil mas famosa del siglo XX.


Annelise Else Frieda Fleischmann nació en Berlin. Su madre pertenecia a una familia aristocratica y su padre era un ebanista. Ya durante la niñez se sintió atraída por el arte y por el mundo visual. Cuando era una joven conoció a Oskar Kokoschka, quien una vez que vió un cuadro suyo le dijo "por que no pintas?" así que decidió asistir a clases. Albers se matriculó en Kunstgewerbeschule en Hamburgo pero fue solo dos meses en 1920. Despues se matriculó en la Bauhaus en Weimar en abril de 1922.

Las mujeres estaban apartadas de ciertas disciplinas, en aquella época, especialmente de la arquitectura. Durante el segundo año no consiguió entrar en un taller de vidrio con su futuro marido Josef Albers, asi que Anni decepcionada aceptó un taller de tejer. Con su instructor Gunta Stölzl, sin embargo, llegó a amarlo.

En 1925 Anni y Josef Albers se casaron. La escuela se trasladó a Dessau ese año, con un nuevo enfoque dedicarse mas a la producción que a la artesanía lo que permitió a Albers desarrollar unos nuevos tejidos que combinaban reflexion a la luz absorción del sonido, duración y evitar las arrugas. Se publicaron varios de sus diseños y recibió contratos para tapices. En ese momento Albers era alumna de Paul Klee, y despues que Gropius dejó Dessau en 1928 Josef y Anni Albers se trasladaron a un nuevo centro de enseñanza con los Klees y los Kandinskys. Durante esta época viajaron por Italia y España.

Cuando la Bauhaus fue cerrada por los Nazis en 1932, despues de una corta estancia en Berlin, los Alberses tuvieron que irse a USA porque Albert era de ascencia Judía. Philip Johnson los contrató para dar clases en la Universidad experimental Black Mountain en Carolina del Norte, donde llegaron en 1933. Permanecieron en Black Mountain hasta 1949. Durante estos años los tejidos de Anni Albers fueron mostrados por todo Estados Unidos y se publicaron muchos articulos en revistas de diseño, culminando con una exposición en el MOMA en 1949.



Anni Albers llegó a entender perfectamente la esencia del arte textil y los fundamentos de su expresividad. Miembro pionero del taller de tejido de la Bauhaus, la escuela de diseño de Alemania en los años veinte, fue una de las artistas textiles más destacadas del siglo XX.



En 1963, en el Taller de Litografía Tamarind de Los Ángeles, se sintió atraída por el proceso de impresión y por el potencial creativo que ofrecía la litografía. A lo largo de las dos décadas siguientes, Anni Albers creó una serie de impresiones que lograban traducir su innovador trabajo textil a este nuevo medio, introdujo los colores mexicanos en sus trabajos y sus textiles se liberaron de las estrictas limitaciones de la trama que habían dominado su trabajo realizado en la Bauhaus. Exploró nuevas técnicas con la litografía, la impresión en offset, los procesos fotográficos y la serigrafía.












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Josef Albers (19 de marzo de 1888 - 26 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en los Estados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX.

Nacido en Bottrop, Westfalia, Albers estudió arte en Berlín, Essen y Munich antes de en la prestigiosa Bauhaus de Weimar en 1920. Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau.

Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933, Albers emigró a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del Norte, encargándose del programa de arte hasta 1949. De 1950 a 1958, Albers dirigió el Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut).

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo. Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente generación de artistas.

Tras jubilarse de Yale, Albers continuó viviendo y trabajando en New Haven con su esposa, la artista textil Anni Albers, hasta el día de su fallecimiento.

Hans Peter Adamski

Hans Peter Adamski (* 7 de mayo de 1947 Kloster Oesede en la Baja Sajonia) es un pintor alemán y artista visual.

Ha sido profesor desde 1998, de pintura y de arte gráfico en la Academia de Bellas Artes de Dresde. Desde 2004 es decano. Vive y trabaja en Berlín y Dresde. Adamski es uno de los principales representantes del nuevo expresionismo alemán.

Después de un aprendizaje en la oficina de un arquitecto, que se clausuró en 1973, estudió en la Escuela de Comunicación Visual en Munster y en la Academia de Arte de Dusseldorf. En Nueva York, presentó la Philosophikum . De 1974 a 1979, pasa algun tiempo en la India, Afganistán e Indonesia. Vivió tambien en Italia, Francia y los Estados Unidos.

Adamski fue miembro del grupo de arte de Colonia.

En mayo de 2007 publicó una biografía narrativa, con más de 100 ilustraciones en color .

Valerio Adami

Valerio Adami (n. Bolonia, 1935) es un pintor, diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo.

Reconocido como uno de los artistas europeos vivos más importantes, Valerio Adami se singulariza por su personal estilo, síntesis de Cubismo, Pop art y Futurismo.

Recibe una sólida formación en el estudio de Achille Funi, en la Accademia di Belle Arti di Brera, de Milán (1951-54). Se instala en París en 1957, y a partir de entonces desarrolla su actividad a caballo entre Francia e Italia.

Su estilo inicial es expresionista, y combina imágenes violentas y chistosas, bajo influencia de Roberto Matta y las tiras de cómic. Protagoniza su primera exposición importante en 1962 (Londres, Institute of Contemporary Art), y pronto participa en la Documenta III de Kassel.

A mediados de los 60, Adami fija su estilo más conocido, de influencia pop: imágenes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensos colores planos. Su proceso creativo arranca de fotografías y demás imágenes de su entorno, que desmenuza, combina y presenta en formas esquemáticas. Su éxito es rápido, y en 1968 representa a Italia en la Bienal de Venecia.

En esa época, decora con cuatro grandes murales la sede del Firstar Bank en Madison (Wisconsin, EE.UU.)

Las imágenes creadas por Adami ofrecen frecuentemente fragmentos de la sociedad moderna, objetos sacados de contexto y perspectiva y que así parecen nuevos. En sus primeros años de estilo pop, crea visiones de espacios desiertos, pero posteriormente representa a personajes de la cultura moderna como Sigmund Freud y James Joyce.

Su etapa más reciente, a partir de los 80, se centra en la creación de espacios fantásticos donde revitaliza los mitos de la cultura occidental desde Ovidio, plasmando alusiones a la belleza, la creatividad, el deseo y el sexo.

Se le dedica un número de Eighty, revista francesa sobre el arte de los años 80; es también estudiado por The New Yorker, y merece estudios críticos de Italo Calvino y Jacques Derrida.

En 1985 se le dedica una antológica en el Centro Georges Pompidou de París y en el Communo de Milán. Hay que destacar otras exposiciones en Boston, Bruselas, Hamburgo, México, Jerusalén, París (Musee d´Art Moderne de la Ville) y Milán (Palazzo Reale). En 1993 se crea la Academia-Fundación Adami en Liechtenstein.