José Manuel Broto

José Manuel Broto (Zaragoza, 1949) es uno de los artistas aragoneses de mayor proyección y prestigio nacional e internacional. Cuenta en su haber con importantes reconocimientos, como el Premio Nacional de Artes Plásticas o el Premio Aragón Goya de Grabado y ha realizado un amplio exposiciones individuales y colectivas.

Obras suyas forman parte de las colecciones de los más significativos centros museísticos: Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Kampo Collection de Tokio, Dove Collection de Zurich, Chasse Manhattan Bank de Nueva York, Museo Nacional Centro Reina Sofía de Madrid, MACBA de Barcelona, IVAM de Valencia, Fundación “La Caixa” de Barcelona, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, CAAM de Las Palmas de Gran Canaria, Cortes de Aragón, Fundación Juan March de Madrid, etc.

Alfredo Guttero

Alfredo Guttero, nace en Buenos Aires en 1882, es uno de los artistas claves de la historia del arte argentino. Desde pequeño se interesa por el arte: primero por la música, pero culmina triunfando en la pintura. Guttero es el artista de las texturas en sus pinturas en lápiz graso, óleo, tempera y yesos cocidos, técnica personal inventada por el pintor en 1927, constituyen un cuerpo de obras que lo ubica entre los principales protagonistas de la renovación cultural ocurrida entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX en lo que los historiadores llaman la modernidad.

Guttero pasó la mayor parte de su vida profesional estudiando y trabajando en Europa, especialmente, en París y con breves residencias en Alemania, Austria e Italia, y viajando por diferentes ciudades de España, Inglaterra, Francia y Suiza.

Después de más de dos décadas de ausencia, finalmente, en septiembre de 1927, regresó a Buenos Aires, donde desplegó una intensa actividad hasta el momento de su muerte en 1932. Durante esos cinco años en la Argentina, Guttero se dedicó a trabajar en su obra y a exponer en los salones nacionales y provinciales de bellas artes que se extendían por el país, así como a inaugurar muestras individuales y a participar de exposiciones colectivas. Pero, al mismo tiempo, se convirtió en un hombre de acción destinando gran parte de su tiempo y esfuerzo a diseñar y desplegar estrategias y planes de lucha con el objetivo de afirmar la presencia del arte moderno en la Argentina y para enfrentar los aspectos más reaccionarios y conservadores del ámbito artístico local.

Su gran interés por la música lo lleva a realizar proyectos de escenografía para el Teatro Colón.

Se dice que Guttero es el artista plástico de nuestro país más motivado para plasmar el modernismo en sus obras, ya que pudo observar su evolución directamente de Europa.

Así sus figuras en actitudes estáticas, guardan sin embargo la intención de iniciar ciertos movimientos que las acercan precisamente a lo cinético. Ello identificaría a su obra con la participación en la técnica y el arte del cine de desarrollo notable desde fines del siglo XIX. Se trata justamente de figuras de bulto que sin embargo en sus actitudes físicas se presentan en cierta posición cuya acción pareciera iniciarse o acabar de finalizar, como ocurre con el personaje de “Feria”.


Realizó paisajes en zonas portuarias con predominio de edificios industriales de impersonal arquitectura y otros elementos innovadores de la tecnología. Están tratados con cierta frialdad en planos con predominio de líneas rectas formando superficies cuadrangulares, sólo quebradas por la incorporación de algún árbol solitario. Destacamos entre ellos “El arroyo Vega” (1930).

También realizó desnudos destacamos el de “Susana y los viejos” (1920), un óleo de grandes dimensiones donde el cuerpo de la mujer aparece iluminado con una luz crepuscular donde la trenza negra del personaje cae por el centro del cuerpo, mientras otros personajes la observan codiciosos desde la media sombra del fondo del cuadro. Para finalizar con Alfredo Guttero, podemos decir que fue un artista que no solo se intereso por la pintura sino que también se intereso por la música, y no aplico una sola técnica para sus pinturas, sino que utilizó distintas técnicas para plasmar el modernismo en sus obras.

GLORIA TORNER

Gloria Torner nació en Arija, un pueblecito de Burgos pero su madre se ve forzada a trasladarse a Santander, cuando su marido Arsenio García muere de forma violenta durante la Guerra Civil Española con solo veinticinco años. Maruca Torner tiene también veinticinco años y una hija pequeña: Gloria. Vivirán del escaso sueldo que la madre gana como maestra de escuela en Mompía, Santoña, Campoo, Gornazo o en Santander.

Se traslada a Madrid en 1959 para estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Se prepara con Manau, discípulo de Sorolla. Posteriormente ganará una Beca de la Diputación de Santander y otra del Ayuntamiento también de Santander. Por estas fechas, época de mucho debate teórico, traba amistad con Julio de Pablo y Manolo Raba. Conoce a Cossío. En 1964 logra su primera individual; será en el Ateneo de Santander pero ella sigue viviendo en el Madrid existencialista de los 60 participando en las tertulias de Sésamo. En 1966 da por finalizados sus estudios oficiales.


En los 70 comienza una época de presencia en numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales. Hace su primera exposición en Madrid cuando el Museo de Bellas Artes de Santander ya ha adquirido un primer cuadro suyo. En 1973 José Camón Aznar le invita al curso de la UIMP y Gerardo Diego le dedica su poema Balcón de Miranda. Los organismos oficiales y museos empiezan a comprar obra suya: La Diputación de Santander adquiere La grúa de piedra y el Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC) de Madrid, Floración en la playa.


En 1976 es nombrada Presidenta del Ateneo de Santander en su sección de Artes Plásticas hasta 1982.

Es una de las pintoras más importantes de Cantabria ,comenzó con la bahía de Santander, la grúa de piedra, las figuras femeninas hasta llegar a los bodegones vivientes( la bahía encuadra a la paloma, la flor, el fósil) envuelto en unas atmósferas que le imprimen ese carácter onírico y surrealista.

Gloria Torner está empapada de las neblinas que bañan la bahía de Santander .y su paleta de color ,así el paisaje y los objetos emergen a veces suspendidos envueltos a veces en una sutil atmosfera de suavidad

Su trayectoria esta cuajada de importantes éxitos profesionales que la sitúan como la mejor exponente de la pintura femenina en Cantabria .

todo arte santander

Vicente Do Rêgo Monteiro

Monteiro, Vicente do Rego (1899 - 1970)

Vicente do Rego Monteiro (Recife, en el Estado de Pernambuco, 1899 - ídem, 1970). Pintor, escultor, dibujante, ilustrador y artista gráfico. Comienza sus estudios artísticos en 1908, acompañado por su hermana Fedora do Rego Monteiro (1889 - 1975), en cursos de la Escuela Nacional de Bellas Artes - Enba, en Río de Janeiro. En 1911 viaja junto con su familia a Francia, donde frecuenta las Academias Colarossi, Julian y de La Grande Chaumière.

En 1913 participa en el Salon des Indépendants, del que se convierte en miembro societario. En París mantiene contacto con Amedeo Modigliani (1884 - 1920), Fernand Léger (1881 - 1955), Georges Braque (1882 - 1963), Joán Miró (1893 - 1983), Albert Gleizes (1881 - 1953), Jean Metzinger (1883 - 1956) y Louis Marcoussis (1883 - 1941). En el inicio de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) deja Francia, junto con su familia, y en 1915 se establece en Río de Janeiro.

En 1918 realiza su primera individual en el Teatro Santa Isabel, en Recife, y dos años después expone por primera vez en São Paulo, donde toma contacto con Di Cavalcanti (1897 - 1976), Anita Malfatti (1889 - 1964), Pedro Alexandrino (1856 - 1942) y Victor Brecheret (1894 - 1955). En 1920 estudia el arte marajoara1 de las colecciones del Museo Nacional de la Quinta da Boa vista. Movido por una gran pasión por la danza, realiza en 1921 el espectáculo Lendas, Crenças e Talismãs dos Índios do Amazonas [Leyendas, Creencias y Talismanes de los Indios de Amazonas], en el Teatro Trianon, Río de Janeiro, que es alabado por el poeta y crítico Ronald de Carvalho (1893 - 1935). Viaja a Francia, dejando ocho óleos y acuarelas para que fueran expuestos en la Semana de Arte Moderna [Semana de Arte Moderno] de 1922, en São Paulo.

En 1923 hace dibujos de máscaras y figurines para el ballet Legendes Indiennes de L'Amazonie. Se integra al grupo de artistas de la galería y revista L'Effort Moderne, de Leonce Rosemberg. Trae a Brasil la exposición A Escola de Paris [La Escuela de París], exhibida en Recife, São Paulo y Río de Janeiro. En 1937 decora la Capilla de Brasil en el Pabellón Vaticano de la Exposición Internacional de París. En 1946 funda la Editorial La Presse à Bras, dedicada a la publicación de poesías brasileñas y francesas.

A partir de 1941 publica sus primeros versos, Poemas de Bolso [Poemas de Bolsillo], organiza y promueve diversos salones y congresos de poesía en Brasil y Francia. Regresa a Brasil e imparte clases de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Pernambuco - UFPE, en 1957 y 1966. En 1960 recibe el Premio Guillaume Apollinaire por los sonetos reunidos en el libro Broussais - La Charité. Entre 1966 y 1968 imparte clases en el Instituto Central de Artes da Universidade de Brasília [Instituto Central de Artes de la Universidad de Brasilia]

Enciclopedia itaucultural

Frida Kahlo

Frida Kahlo de Rivera ( 1907 – 1954; Magdalena Carmen Frieda Kahlo y Calderón)Fue una pintora mejicana, nacida en Coyoacán. Conocida por sus autorretratos, por su dolor y pasión y por sus colores intensos. En Méjico es considerada como un emblema nacional por su tradición indigena y por las feministas respetada por su imagen de mujer libre.

En su obra refleja la tradición mejicana, mezclada a veces con el arte naif y folclorico. A veces se la describe tambien como surrealista.

Kahlo tuvo problemas de salud toda su vida, derivados de un accidente de tráfico que sufrió en su adolescencia. Todo este dolor y pasión se refleja en su obra, mas de la mitad de la cual son autorretratos. Kahlo comentaba, " Me pinto a mi misma porque estoy a menudo sola y porque soy la temática que conozco más"

Frida era la cuarta hija de un judío húngaro y de una madre con ascendencia española e india. El hecho de haberse convertido en pintora no fue planificado. Padeció polio y realizó un curso en un programa organizado por la ciudad de Mejico. A los 18 años fue atropellada por un autobus y pasó mas de un año en cama recuperandose de fracturas en la columna, costillas, pelvis y hombro.

La tuvieron que operar más de 30 veces durante su vida y durante las convalescencias pintaba. A los 22 años se casó con el muralista Diego Rivera, 20 años mayor que ella. Su relación fue tormentosa, apasionada, sobrevivió a las infedilidades, presiones artísticas, divorcio, nuevo matrimonio, a las relaciones bixesuales de Frida, su delicada salud y a la imposibilidad de ser madre. Frida declaró una vez: " Tuve dos accidentes graves en mi vida, uno un atropello y el otro DIEGO". El accidente del autobus la dejó mal fisicamente y el de Rivera emocionalmente.


En 1953, cuando Frida Kahlo realizó una exposición en su país, la única que exhibió en su tierra, un crítico local dijo:

"Es imposible separar la vida y la obra de esta extraordinario persona. Sus cuadros son su biografía"

Esto explica el porque su obra es tan distinta de la de sus contemporaneos. Cuando se realizó esa exposición, a salud de Frida era tan mala que los medicos le dijeron que debería quedarse en cama, pero ella insistió en que quería asistir a la inauguración y en un estilo muy de Frida, llegó en una ambulancia en su cama. Cuatro hombres la colocaron en la cama, en la sala.

Tanto Frida como Diego pertenecían al partido comunista mejicano. A principios de Julio de 1954, Frida hizo su primera aparición pública participando en una manifestación comunista. Poco despues, el 13 de julio de 1954, a los 47 años, Frida murió.

Fue incinerada, como ella había dicho: "Quemenme...no quiero que me entierren, he pasado la mayor parte de mi vida tumbada...simplemente quemenme!"

Sus cenizas fueron depositadas en una urna pre´-colombina en la "casa azul" que compartía con Diego Rivera.

Un años despues de su muerte, Rivera regaló la casa al gobieno Mejicano para que hicieran un museo. Diego Rivera murió en 1957. En 1958, la "casa azul" fue abierta oficialmente como el “Museo Frida Kahlo”.

A Frida la han descrito como: "diva, bebedora, fumadora, mal hablada, bi-sexual, organizadora de orgías con amantes como Leon Trotsky, Pablo Neruda, Nelson Rockefeller, y su marido dos veces, el muralista Diego Rivera."

Pero...

Medio siglo despues de su muerte, sus pinturas se cotizan mas que las de otras artistas femeninas y su legado vivirá para siempre...

POR EL 15 DE MAYO- MOVILIZATE

MARINO MARINI

Fue un escultor y artista gráfico italiano, nacido el 27 de febrero de 1901 en Pistoia, murió el 6 de agosto de 1980 en Viareggio.

Destacó por sus representaciones de caballos y jinetes. Se formó en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Más tarde estudió escultura en París. Entre 1929 y 1940 se dedicó a la enseñanza en la Escuela de Arte de Villa Reale, Monza. En su obra tiene una gran influencia de la antigua escultura etrusca y griega. El declaraba: "No tengo influencia etrusca, yo mismo soy un etrusco". En 1936 empezó a crear una serie de esculturas de jinetes inspiradas en las figuras de las antiguas tumbas chinas. En su ob ra mezcla un rudo arcaismo y una expresividad trágica.

Participó en una muestra de arte italiano del siglo XX en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1944. Visitó Nueva York en 1950, y conoció a o Jean Arp, Max Beckmann, Alexander Calder, Lyonel Feininger, y Jacques Lipchitz. Cuando volvió a Europa expuso en Londres y conoció a Henry Moore. En 1951 exhibió en varias ciudades alemanas, Hannover, Hamburgo y Munich. Recibió el Gran Premio de escultura en la Venice Biennale en 1952 y el premio Feltrinelli de la Accademia dei Lincei en Rome en 1954. Uno de sus esculturas monumentales se instaló en la la Haya 1959.

José Vela Zanetti

José Vela Zanetti (Milagros, Burgos, 27 de mayo de 1913 – Burgos, 4 de enero de 1999). Pintor español nacido en Milagros, donde residió los últimos años de su vida. Falleció en Burgos (Hospital General Yagüe) en el año 1999. Siendo niño, sus padres se trasladaron a León y allí realizó su primera exposición en 1931. La Diputación Provincial de León le becó, permitiéndole visitar Italia.

Como consecuencia de la Guerra Civil Española hubo de exiliarse a América, donde permaneció desde 1939 hasta 1960. Residió por más de una década en la República Dominicana donde pintó innumerables obras, entre ellas más de cien murales. Dirigió la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo, de la cual fue uno de los fundadores.1 Visitó Puerto Rico, México, Colombia y Estados Unidos.

En 1953 se inauguró en la sede de la ONU el mural La ruta de la libertad o La lucha del hombre por la paz (en inglés "Mankind's Struggle for Lasting Peace". Esta obra de 20 x 3,5 metros fue un regalo de la República Dominicana a la ONU (organización en la cual ingresó España en 1955) y es una de sus obras más destacadas.

En 1960 fijó su residencia en Milagros (Burgos), bajo el mecenazgo de la ya desaparecida empresa arandina Bigar y durante este período pintó murales de temas históricos para los edificios de la Diputación Provincial de Burgos y el Arco de Santa María de la misma ciudad.

Dijo en una ocasión que su propósito como artista «fue siempre romper el esquema de superficial», de que era «sólo un pintor de campesinos». En 1987 fue nombrado hijo adoptivo de Aranda de Duero y el nuevo Instituto de la localidad lleva su nombre.

Durante su estancia en la República Dominicana, realizó obras en diferentes ciudades, resaltando los murales del Monumento de Santiago (Santiago), del Palacio de Justicia (Santo Domingo), del Banco Central (Santo Domingo), de la Biblioteca Nacional (Santo Domingo), del otrora Teatro Ercilia (Barahona), y de la Basílica de Nuestra Señora de la Altagracia (Higüey)

Oswaldo Guayasamín

Oswaldo Guayasamín (Quito, 1919 - † Baltimore, 1999) fue un destacado pintor ecuatoriano.
Oswaldo Guayasamín nació el 6 de julio de 1919. Hijo de padre indígena (de ascendencia quichua), y madre mestiza. Su padre trabajaba como carpintero y, más tarde, como taxista y camionero. La familia vivía en la miseria. Oswaldo fue el primero de diez hijos.

Su aptitud artística despierta a temprana edad. Antes de los ocho años, hace caricaturas de los maestros y compañeros de la escuela. Todas las semanas renueva los anuncios de la tienda abierta por su madre. También vende algunos cuadros hechos sobre trozos de lienzo y cartón, con paisajes y retratos de estrellas de cine, en la Plaza de la Independencia.

A pesar de la oposición de su padre, ingresa a la Escuela de Bellas Artes de Quito. Es la época de la "guerra de los cuatro días", un levantamiento civico militar, del valeroso pueblo ecuatoriano en contra del gobierno de Arroyo del Rio. Durante una manifestación, muere su gran amigo Manjarrés. Este acontecimiento, que más tarde inspirará su obra "Los niños muertos", marca su visión de la gente y de la sociedad. Continúa sus estudios en la Escuela y en 1941 obtiene el diploma de pintor y escultor, tras haber seguido también estudios de arquitectura.

En 1942 expone por primera vez a la edad de 23 años en una sala particular de Quito y provoca un escándalo. La crítica considera esta muestra como un enfrentamiento con la exposición oficial de la Escuela de Bellas Artes. Nelson Rockefeller , impresionado por la obra, compra varios cuadros y ayuda a Guayasamín en el futuro. Entre 1942 y 1943 permanece seis meses en EEUU. Con el dinero ganado, viaja a México, en donde conoce al maestro Orozco, quien acepta a Guayasamín como asistente.

También entabla amistad con Pablo Neruda y un año después viaja por diversos países de América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay, encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, aparece siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trata temas sociales, actuó simplificando las formas. Obtuvo en su juventud todos los Premios Nacionales y fue acreedor, en 1952 , a los 33 años, del Gran Premio de la Bienal de España y más tarde del Gran Premio de la [Bienal de Sao Paulo].


Es elegido presidente de la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 1971 . Sus obras han sido expuestas en las mejores galerías del mundo: Venezuela, Francia, México, Cuba, Italia, España, EEUU, Brasil, Colombia, Unión Soviética, China, entre otros. En 1976 crea la Fundación Guayasamín, en Quito, a la que dona su obra y sus colecciones de arte, ya que concibe el arte como un patrimonio de los pueblos.

En 1978 es nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de España, y un año después, miembro de honor de la Academia de Artes de Italia. En 1982 se inaugura en el Aeropuerto de Barajas un mural de 120 metros pintado por Guayasamín. Ese gran mural, elaborado con acrílicos y polvo de marmol, está dividido en dos partes: una de ellas dedicada a España y la otra a Hispanoamérica.


Sus últimas exposiciones las inauguró personalmente en el Museo del Palacio de Luxemburgo, París y en el Museo Palais de Glace en Buenos Aires, en 1995 . Logró exponer en museos de la totalidad de las capitales de América, y muchos países de Europa, como en San Petersburgo (Hermitage), Moscú, Praga, Roma, Madrid, Barcelona y Varsovia.

Realizó unas 180 exposiciones individuales y su producción fue muy fructífera en pinturas de caballete, murales, esculturas y monumentos. Tiene murales en Quito (Palacios de Gobierno y Legislativo, Universidad Central, Consejo Provincial); Madrid (Aeropuerto de Barajas); París (Sede de UNESCO); Sao Paulo (Parlamento Latinoamericano en el Memorial de América Latina). Entre sus monumentos se destacan "A la Patria Joven" (Guayaquil, Ecuador); "A La Resistencia" (Rumiñahui) en Quito.

Su obra humanista, señalada como expresionista, refleja el dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad y denuncia la violencia que le ha tocado vivir al ser humano en este monstruoso Siglo XX marcado por las guerras mundiales, las guerras civiles, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas.


Guayasamín fue amigo personal de importantes personajes del mundo, y ha retratado a algunos de ellos, como Fidel Castro y Raúl Castro, Francois y Danielle Mitterrand, Gabriel García Márquez, Rigoberta Menchú, el rey Juan Carlos de España, la princesa Carolina de Mónaco, entre otros.

Recibió varias condecoraciones oficiales y doctorados Honoris Causa de universidades de América y Europa. En 1992 recibe el premio Eugenio Espejo, máximo galardón cultural que otorga el gobierno de Ecuador.

A partir de 1996 inició en Quito su obra más importante, el espacio arquitectónico denominado "CAPILLA DEL HOMBRE", a la cuál le dedica todo su esfuerzo. Falleció el 10 de marzo de 1999, en Baltimore (Estados Unidos), aún sin ver finalizado este proyecto.

Huacayñan:: Es la primera gran serie pictórica o etapa. Es una palabra quichua que significa “El Camino del Llanto”. Es una serie de 103 cuadros pintados después de recorrer durante 2 años por toda Latinoamérica.

La Edad de la Ira: Esta es la segunda gran serie pictórica o etapa. La temática fundamental de esta serie son las guerras y la violencia, lo que el hombre hace en contra del hombre

Mientras vivo siempre te recuerdo: es la tercera gran serie o etapa, también conocida como “La Edad de la Ternura”, es una serie que Guayasamín dedica a su madre y las madres del mundo; y en cuyos cuadros podemos apreciar colores más vivos que reflejan el amor y la ternura entre madres e hijos, y la inocencia de los niños.

Arden Quin

(Rivera, Uruguay, 16 de mayo de 1913 – Savigny-sur-Orge, Francia 27 de septiembre de 2010)
Carmelo Arden Quin. Pintor y poeta Uruguayo, nacido en Rivera en 1913; es reconocido por ser el impulsor del movimiento Madí, un movimiento vanguardista rioplatense, surgido en el siglo XX pero aun presente.

Arden Quin se unió con el húngaro-argentino Gyula Kosice para desarrollar y poner en practica las teorías del Arte Madí, publicó diversos manifiestos que lo hicieron notorios en Europa.

Carmelo Arden Quin murió en la localidad de Savigny-sur-Orge (afueras de París), donde residía desde 1947, allí fundo Madí Internacional, que ha servido de inspiración a muchos otros artistas hasta el día de hoy.


El pintor uruguayo comenzó sus primeros años pintando dentro del estilo cubismo, para luego evolucionar y crear su propio estilo, el madismo, que es un estilo que fusiona la ciencia, la geometría, el arte abstracto de Kandinsky, trabajos de Joaquín Torres García, pintor uruguayo y amigo de Arden Quin.

El movimiento Madí es el movimiento artístico del siglo XIX que mas ha durado en todo el mundo, desde Japón. EE.UU, Argentina, Uruguay y Europa. A partir del lunes 27 nace una leyenda llamada Carmelo Arden Quin.

ARTE SPAIN

Georgia O'keeffe

Georgia O'Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de noviembre de 1887 - Santa Fe, Nuevo México - 6 de marzo de 1986). Artista estadounidense, una de las pintoras más celebradas de Estados Unidos, fue pionera en el campo de las artes visuales y famosa residente de Nuevo México.


Hija de Francis Calyxtus O'Keeffe y Ida Totto O'Keeffe, nació en Sun Prairie, Wisconsin en una familia de granjeros. Estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en la Liga de Estudiantes de Arte en Nueva York. Ejerció como profesora en Amarillo, Texas en 1914, y en 1916 en Carolina del Sur.

No salió de los Estados Unidos hasta que fue anciana y por eso se le considera la primera artista puramente estadounidense.

Mientras estaba en Carolina del Sur, un amigo suyo mostró algunos de sus trabajos a Alfred Stieglitz, fotógrafo y dueño de una galería de arte, quien quedó impresionado por su trabajo. Tras algunas negociaciones, O'Keeffe autorizó a Stieglitz para exhibirlos. Stieglitz quedó especialmente impresionado por sus pinturas de paisajes del Oeste americano. Él vivió con O'Keeffe por un tiempo cuando regresó a Nueva York, pero ella quiso viajar al oeste y Stieglitz no compartía sus planes. Durante su estancia en Nueva York, O'Keeffe conoció a los grandes modernistas americanos, Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, Paul Strand y Edward Steichen.

O'Keeffe pasó mucho tiempo en Taos, Nuevo México, y tras fallecer Stieglitz en 1946, se estableció allí hasta el día de su muerte, a los 99 años.

Es famosa por sus pinturas sobre escenas y flores del desierto, en las que las simples flores u objetos como calaveras de vaca se presentan en primeros planos. Aunque O´Keeffe trata los temas de forma figurativa, la severidad de líneas, el colorido claro y transparente y los audaces esquemas compositivos producen diseños abstractos. En sus obras los detalles de la flor se han agrandado hasta el punto de que ésta resulta irreconocible y sorprendente.

En 1997 recibió la Presidential Medal of Freedom.