Jeronimo Elespe

 
 

 Jeronimo Elespe  nació en Madrid en 1975. Vive y trabaja en Madrid

Además de por su técnica, el trabajo de Elespe llama la atención por su tamaño: las dimensiones de las piezas llegan a ser diminutas, aunque con una intensidad que hace difícil no recordarlas.

 
Estudió en la Universidad de Yale de Estados Unidos y ha vivido doce años en Nueva York. Su trabajo muestra una visión muy particular del mundo del artista desde su estudio.

Estudió en la Universidad de Yale de Estados Unidos y ha vivido doce años en Nueva York. Su trabajo muestra una visión muy particular del mundo del artista desde su estudio.

Información obtenida del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga

George Condo

 

 George Condo (nacido en 1957 en Concord, Nueva Hampshire ) es un artista americano contemporáneo  que trabaja  pintura, dibujo,  escultura y  grabado.

 A principios de 1980, cuando surgió en la escena artística del East Village, Condo acuñó el término realismo artificial, "la representación realista de lo que es artificial", para describir la hibridación tradicional de la pintura europea con una sensibilidad del  Pop americano.  Junto con Jean-Michel Basquiat y Keith Haring , Condo fue fundamental en el renacimiento internacional de la pintura desde la década de 1980.  La obra de  Condo ha influido a muchos artistas de su generación y  en las soguientes  generaciones, incluyendo  a Nigel Cooke , Sean Landers , John Currin , Yuskavage Lisa y Glenn Brown . 

  Condo estudió Historia del Arte y Teoría de la Música en la Universidad de Massachusetts en Lowell. A lo largo de sus primeros años estudió guitarra y composición, mientras perseguía su interés por  la pintura y el dibujo. Después de dos años en la Universidad de Massachusetts  se trasladó a Boston donde trabajó en un taller de serigrafía y se unió a la banda proto-synth/punk band The Girls   con el pintor abstracto Marcos Dagley, músico avant garde DaveD Hild y Amos Robin, miembro fundador de Cul de Sac. Su primer y único single, Jeffrey I Hear You / Elephant Man (1979) fue producido por David Thomas de Pere Ubu. En 1979  conoció a Jean-Michel Basquiat e inmediatamente se trasladó a Nueva York para seguir su carrera como artista. En 1980 Condo convirtió en miembro fundador de Punk/Blues band Hi Sheriffs of Blue.

Las primeras exposiciones  de su obra tuvieron  lugar en la ciudad de Nueva York en varias galerías del East Village desde 1981 a 1983. Durante este período trabajó en la fábrica de Warhol, sobre todo en el estudio de producción de serigrafía de aplicación de polvo de diamante en la serie Mitos de Warhol. Se trasladó brevemente a Los Ángeles y tuvo su primera exposición individual en 1983 en  Ulrike Galería Kantor. Después de regresar a Nueva York a finales de ese mismo año, hizo su primer viaje a Europa. Condo se trasladó a Colonia, Alemania, donde conoció y trabajó con varios artistas del grupo Mulheimer Freiheit, incluyendo a Walter Dahn y Jiri Georg Dokoupil. Su primera exposición individual en Europa fue en 1984 en la Galería de Monika Sprueth.

    En Europa conoció  y comenzó  a trabajar con la galerista  estadounidense Barbara Gladstone y en 1984 realizó dos exposiciones  simultáneas en  dos salas en Nueva York.  Conoció a  Keith Haring de vuelta en Nueva York y los dos siguieron siendo amigos toda la vida hasta la muerte de Haring a causa del SIDA en 1990.  

 
Entre 1985 y 1995 Condo vivió y trabajó principalmente en hoteles y estudios alquilados entre París y Nueva York, sin dejar de exponer extensamente en los Estados Unidos y Europa. En París  Haring le presentó al   escritor y artista Bryon Gysin, quien más tarde le presentó a William S. Burroughs . Condo y Burroughs colaboraron  ​​en numerosas pinturas y esculturas entre 1988 y 1996. Las obras seleccionadas a partir de sus colaboraciones fueron exhibidas en 1997 en la Pat Hearn Gallery, Nueva York.  También trabajaron juntos en una colección de escritos y grabados titulada Ghost of Chance, que fue publicada por el Museo Whitney en 1991.

 
Durante su estancia en París Condo también conoció y se hizo amigo del filósofo y semiólogo Félix Guattari , más conocido por sus colaboraciones con Gilles Deleuze, cuando Condo trabajaba en un estudio en el edificio de apartamentos donde residía Guattari. Guattari escribió extensamente sobre el trabajo de Condo, incluyendo un texto de introducción y una  entrevista en el catálogo de la exposición para la exposición de 1990 en la Galerie Daniel Templon. 

 

  La obra de Condo se encuentra en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Victoria Civera

Sagunto (Valencia), 1955

Pintora española.

Realiza sus estudios entre los años 1973 y 1977 en la Escuela Superior de San Carlos de Valencia. En sus primeras obras experimenta con la imagen de la pornografía y la realización de fotomontajes. Se da a conocer en los años ochenta mediante piezas abstractas cuya principal característica es la monocromía y su realización siguiendo la técnica del action painting, dando como resultado telas de gran fuerza y vigor. A mediados de esa década evoluciona hacia una figuración expresionista.

 En 1987 se traslada a vivir a Nueva York con su marido, el también pintor Juan Uslé. El contacto directo con el ambiente artístico neoyorkino la conduce hacia el informalismo, a la vez que disminuye los formatos y aligera de materia sus pinturas que ahora refuerzan su verticalidad mediante líneas, creando todo ello un conjunto de sutilezas estilísticas de innegable interés. Paralelamente comienza a experimentar con la escultura, que le llevará en los años siguientes a la instalación y puesta en escena, en un ámbito que revela su interés por la investigación subjetiva de las experiencias corporales.

 Ha protagonizado numerosas exposiciones individuales y ha participado en importantes muestras colectivas, entre las que cabe reseñar: Arte Español Actual (1984) Toulouse, Estrasburgo y Niza, Salón de los 16 (1985 y 1989) Museo Español de Arte Contemporáneo Madrid y Centro Cultural Caixa de Pensions de Barcelona respectivamente, New currents recent art in Spain (1991) The Riffe Gallery, Columbus (Ohio), Sueños geométricos (1993) Arteleku de San Sebastián y Visiones de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación La Caixa, celebrada en la sede de la fundación en Palma de Mallorca en el año 2000. Por último señalar su participación en la feria de Arco desde 1994 hasta el 2000.

 

JOSE MANUEL BROTO

Zaragoza, 1949
Pintor aragones cuya obra se inscribe en la corriente denominada Neoabstraccion de la decada de 1970.
Estudio en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal, Zaragoza. En 1972 se instalo en Barcelona. Miembro del grupo Trama, integrado por Javier Rubio, Xavier Grau y Gonzalo Tena, realizan su presentacion en 1976 en la galeria Maeght de Barcelona, contando con el apoyo de Antoni Tapies. Editan una revista, tambien llamada Trama, de la que solo aparecieron dos numeros (1976-1977).


La neoabstraccion practicada por Broto se vio influida en su genesis por los principios esteticos y plasticos del grupo frances Support(s)-Surface(s). Su produccion evoluciona desde la decada de 1970, epoca en que produce obras informalistas de tono minimal basadas en estructuras geometricas elementales con campos planos de color monocromos, hacia una abstraccion gestual o lirica que combina las formas abstractas con referencias formales a objetos geometricos, organicistas o signos tomados de otros lenguajes como las matematicas, la musica o la escritura, sobre todo, desde 1985 en adelante. Su informalismo va unido a la revalorizacion del color, con fines expresivos y emotivos, y del gesto, siendo fruto de una reflexion poetica y metafisica.

 En sus obras son frecuentes los contrapuntos y tensiones entre campos cromaticos y formas. Recibe influencias del expresionismo abstracto, de Cezanne y el cubismo.
Desde el punto de vista tecnico, en sus ultimas obras emplea el acrilico y alquitranes, realiza veladuras mediante la superposicion de finas capas de pintura muy liquida, y tambien en ocasiones recurre al dripping.

Manu Muniategiandikoetxea

Manu Muniategiandikoetxea (Bergara, 1966) se mueve rápido por el proyecto de la pintura y lo somete a una continua revisión, especialmente interesante en lo referente a problemas del espacio interno. La vanguardia constructivista rusa, el concepto integrador de la Bauhaus, el interés por un espacio neutro -no “expresivo”- de Kippenberger, la poética del proyecto de Halley buscando “ayudar al mundo ideal del arte geométrico a que encuentre la vía del paisaje social”, sin olvidar su devoción por el cine de Godard y por la fotografía de Araki (inspiradora de su diario de dibujos eróticos), son los recursos conscientes o antecesores de su arte. 

Paul McCarthy

Georges W Bush y los siete enanitos-  Así es la escultura y así funciona

La obra de Paul McCarthy es burlona, subversiva y roza el absurdo. Su mundo es nuestro mundo: "Obsceno, sucio, cínico y gracioso", afirma. En su obra, el ketchup fluye con abundancia. La violencia es ilusoria, emuladora, gesticulante, y su modo de abordarla es a través de disparatadas representaciones teatrales, protagonizadas por marionetas como Big Robert, una criatura de grandes manos. Esos espectáculos dejan una impresión inolvidable; es como si el artista hubiera descubierto el secreto de lo grotesco, de algo que resulta más destructivo que el sacrificio o la mutilación real. Nos encontramos con él en el Modern Museum de Nueva York, que ofrece su primera retrospectiva.

Continúa la secuencia de fotografías en las que McCarthy sumerge la cara en un recipiente con "ketchup".

¿Cómo define la violencia en su obra?
Mi trabajo no es una manifestación violenta. Trata sobre una violencia ficticia, del tipo que se puede ver en las películas. Empleo los mismos trucos, por ejemplo, las prótesis de plástico o una mano artificial. Uno de los personajes que aparecen en mis actuaciones, Big Robert, posee unas manos enormes. Al mismo tiempo, yo introduzco la mía en su interior para manejarlo. Lo golpeo con un movimiento convulso y repetitivo que produce un efecto hipnótico, durante el que sus dedos de látex se llegan a romper. Por un momento, el público se asusta. Puede que me haya cortado la mano. Es entonces cuando surge la duda. El público no sabe si reírse o asustarse ante la brutalidad de los golpes. Se ríen del chiste, de la enorme mano protésica, de la sangre artificial. Pero, al mismo tiempo, hay un elemento brutal y les incomoda que les haga gracia. Mi trabajo consiste en una especie de brutalidad virtual, ficticia.

 
Su trabajo también evoca la violencia social.
Sí. Muchas de mis obras tratan sobre la violencia familiar, el abuso, la opresión y la dominación. La más frecuente es la relacionada con los niños. Sin embargo, no ilustro literalmente estos temas en mi trabajo, sino que, más bien, son asuntos que se evocan de un modo indirecto. Pero en sus actuaciones a menudo utiliza su propio cuerpo como un objeto. Hacia finales de los años 70, estaba más interesado en lo específico. Mis performances se orientaban hacia la realidad; después me interesé por la confusión entre la realidad y la ilusión. Comprendí que la necesidad de generar violencia, la necesidad de la violencia física, no correspondía a una realización específica. Me fui interesando cada vez más en representarla. Esa es la razón de que use ketchup. Lo utilizo como si fuese sangre y como símbolo de nuestra sociedad de consumo. También empleo sangre de verdad. Lo más interesante fue darme cuenta de que la sangre podía ser real o artificial de manera simultánea y el efecto era el mismo.

Un cuerpo maltratado, odiado, es, a veces, su tema central.
Utilizo el cuerpo como un receptáculo de los temores, la obsesión y el conflicto que se genera en nuestra sociedad, aunque no siempre poseo el control total durante una performance. Los elementos pueden interactuar entre sí y permitir que afloren o no diferentes emociones. Lo único que hago es establecer la situación, después permito que suceda lo inesperado, aquel fenómeno mental o físico que provoca una reacción con el cuerpo mismo.

¿Se considera usted una especie de salvador gracias a su trabajo?
No, nunca he pensado que mi arte pueda salvar a alguien o a algo: ni a mí mismo ni a la Humanidad ni a nuestra sociedad. Quizás se trate de una denuncia, pero desconozco hasta qué punto mi arte afecta al público. No sé lo que gana o pierde con él.

Emplea diferentes técnicas y gran variedad de materiales. ¿Desea crear una confusión de géneros?
Los dibujos y esculturas siempre guardan relación con la performance. Cada soporte, cada material, está entrelazado con otro. A menudo, el mundo del arte aparece compartimentado. A un lado están los pintores y, al otro, los escultores. Yo rompo esos compartimentos. También utilizo los objetos, los juguetes, la publicidad, los productos de la televisión y los subvierto. Siempre existe una crítica implícita, otra utilidad que extraer de ellos. De hecho, yo mismo fabrico los objetos. Los juguetes y las marionetas no siempre son completamente industriales. En todos los elementos interviene la imitación para criticar nuestra sociedad, mezclada con mis obsesiones. Es una manera de reinventar nuestro mundo.

¿Intenta ofender y escandalizar deliberadamente al público?
No me interesa la simple idea de escandalizar. Intento crear imágenes que resulten evocadoras. Para que puedan existir, el público debe mostrar preocupación. Pero sí, tengo un cierto problema con el término escandalizar. Cuando planeo alguna de mis representaciones, jamás pienso en que puedan escandalizar a la gente. Hay ocasiones en que sucede lo contrario. Me escandaliza que algunas personas se escandalicen. Cuando menciono algún tabú, como el arquetipo del padre y el bestialismo en Garden (Jardín), donde una figura con los pantalones bajados se masturba contra un árbol, no intento romper el tabú, sino resaltarlo. Existen distintos niveles de reacción en función del individuo. A algunos les ofende y a otros les hace reflexionar. Las piezas no funcionan de la misma manera, aunque estoy menos interesado en la gente que pueda sentirse escandalizada y más en aquellos que estén dispuestos a pensar.

Su trabajo, que es muy independiente y siempre resulta rebelde, se ha convertido en un instrumento de intercambio y posee un valor de mercado. ¿Cómo resulta vivir con semejante paradoja?
Para mí supone un cierto dilema. Mi trabajo cuestiona el abuso de poder, que a menudo tiene una conexión con el dinero. Ahora mis obras circulan entre los ricos y entre las instituciones dominadas por ellos. Irónico. Sin embargo, comparado con una producción cinematográfica, mi arte no cuesta tanto. ¿Que si me siento a gusto vendiendo mis creaciones a los millonarios? Eso depende de sus objetivos, de lo que hacen con su dinero y la manera en que lo obtienen. El tema no es nuevo. Los artistas, durante el Renacimiento, trabajaron para la Iglesia. La situación ahora resulta muy ambigua, aunque espero que la tecnología sea capaz de liberar la comunicación casi totalmente. Para el arte, Internet es una plataforma global que le otorga mayor poder.

 elmundo.es/magazine

 Paul McCarthy nació en 1945 en Salt Lake City, Utah, Estados Unidos. Es un artista afincado en Los Angeles, California (USA)

Perejaume

Perejaume (Borrel Guinard, Pere Jaume)

Sant Paule de Mar, 1957

Pintor artista experimental y poeta

De formación autodidacta es licenciado en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona. Las raíces de su obra se encuentran en el surrealismo catalán, cultivado en la vanguardia por Joan Miró , Joan Ponç y Antoni Tàpies . Amigo de Joan Brossa su producción está marcada por el humor, aunque ligada de un modo profundo a la naturaleza. Vive y trabaja en Montnegre, cenca de Sant Paule de Mar, y de ahí su cada vez más agudo interés por el paisaje, descubriendo todo tipo de interacciones sobre él. 

El trabajo de Perejaume se centra en investigar la frontera entre la materialidad y la idea indagando en las raíces de la modernidad, sin embargo, no se interesa en el funcionamiento del código expresivo a la manera del arte conceptual , sino que se sirve de los ingredientes de la representación para activarlos de un modo poético. Pública en 1980 Poema areostatic: bola nocturna y en 1984 La mutanya del firmament. Expone individualmente en la Galería Joan Prats, Barcelona (1983) y Galería Montenegro, Madrid (1987), entre otras. Es el encargado de pintar la techumbre del Liceo de Barcelona después de su reconstrucción.