Otto Modersohn

Otto Modersohn nació el 22 de febrero de 1865 en Westfalia. Fue un reconocido pintor alemán expresionista  y co-fundador del grupo de Worpswede. 

La familia Modersohn se mudó en 1884 de Soest a Münster. Otto Modersohn  ya mostraba desde niño una facilidad para el arte. Después de graduarse, Otto Modersohn va a la Academia en Dusseldorf, pero los métodos de enseñanza no cumplen con sus expectativas. Espera encontrar modelos artísticos después de una corta estadía en Munich en la academia de Karlsruhe. Pero incluso aquí sus expectativas no se cumplen.

Un viaje por el norte de Alemania con Mackensen en 1888 espoleó a Otto Modersohn. Otro viaje de los dos artistas de Worpswede en 1889  le llevaron a tomar la decisión de establecerse allí en una colonia de artistas.

Presenta ocho obras en la   Kunsthalle de Bremer en 1895. Las reacciones a esta exposición se dividieron, sin embargo,  su participación posterior en la "Exposición Internacional de Palacio de Cristal" en Munich, fue para Modersohn un gran éxito.En 1897, Paula Becker fue  a Worpswede por primera vez y en 1901 se casaron.  Hicieron varios viajes y  varias estancias en Alemania y Francia. En la primavera de 1907, los Modersohns finalmente regresan a Worpswede. Paula Modersohn muere allí en noviembre después del nacimiento de su hija. Otto Modersohn se muda a Fischerhude. 

En este entorno rural, Otto Modersohn se dedica al estudio de la naturaleza y aquí vuelve una y otra vez, después de renovadas estancias en Worpswede y Berlín en 1917. "Simplificación, resumen en forma y color es un objetivo principal" de su arte en la década de 1920.A partir de ahora, Modersohn encuentra sugerencias importantes en Holanda y en Allgäu. En Allgäu Otto Modersohn  adquirió una casa en 1930. Modersohn pierde la vista de un ojo en 1936. Luego detiene sus estancias en el Allgäu y solo pinta en el Fischerhuder.En 1943 muere después de una breve enfermedad.

KITCHEN SINK PAINTERS

                                             John Bratby

El término se usó originalmente como el título de un artículo del crítico David Sylvester en el número de diciembre de 1954 de la revista Encounter.

                                                 Jack Smith
 El artículo valoraba  el trabajo de los artistas realistas conocidos como el Cuarteto de Bellas Artes, John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith. Sylvester escribió que su trabajo "nos lleva de vuelta del estudio a la cocina" y describió sus temas como: "Un inventario que incluye todo tipo de comida y bebida, cada utensilio, los muebles normales e incluso los pañales de los bebés". El fregadero de la cocina también. "Sylvester también enfatizó que estas cocinas eran donde la gente común cocinaba y vivía sin duda alguna en sus vidas normales".

                                                                   Peter Coker
 Su obra trata de la vida cotidiana de la gente común, lo cual conlleva un comentario social y político, por lo que el arte de KITCHEN SINK puede considerarse como realismo social.

                                                             Edward Middleditch
El grupo alcanzó su apogeo en 1956 cuando el Cuarteto de Bellas Artes fue seleccionado para representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia

Derrick Greaves

(1927– ) Pintor y artista gráfico británico, nacido en Sheffield. Estudió en la Real Academia de Bellas Artes. Estuvo en Italia, becado, desd  1952 hasta  1953 y el realismo de Renato Guttuso le influenció mucho. En la década de los 50 fue una figura influyente del grupo "the Kitchen Sink School",  y durante esta época retrataba temas de objetos  y vistas de su ciudad. El miembro del grupo del que era más amigo era Edward Middleditch, con el que pintó un mural "las cuatro estaciones", para el   Nuffield College, en Oxford. 

 Era el miembro más político del grupo, visitó Rusia en  1957 con  John Berger e hizo una exposición allí, tambien fue uno de los primeros activistas en contra de las armas nucleares. 

 Se desilusionó con la pintura figurativa porque no tenía mucho publico. En 1959 escribió ""Intenté formar un lenguaje pictórico de la naturaleza que fuera de fácil acceso para todos los que quisieran verla. Hacer esto en Inglaterra en este momento ... , me di cuenta que era un suicidio estético ".

 Sus cuadros tenían un fuerte empaste...poco a poco las capas se hicieron  más finas y su obra tendía al Arte Pop mostrando admiración por los collages de  Matisse  y Ellsworth Kelly.

 Dio clases en varias escuelas de arte

Peter Coker

Nacido en 1926, Coker tenía 30 años cuando hizo su primera exposición individual en Londres en 1958, época en que el público volcaba todo su entusiasmo por lo estadounidense y abstracto.

Se cuenta que se hizo una exposición en el MOMA (Museo de arte moderno de Nueva York) como parte del programa de la Agencia Central de Inteligencia de los EE. UU. para utilizar el arte estadounidense como propaganda de la guerra fría. La exposición tenía solo una sala  que contenía a Pollock, Kline, Motherwell, Rothko y sus contemporáneos. -la escuela de Nueva York.

 Coker desapareció de los periódicos y de las reseñas artísticas casi sin dejar rastro, junto con los miembros de la "escuela del fregadero " Si Coker fue derrotado por este giro de los acontecimientos, no permitió que lo desviaran de una manera de pintar que había sido inspirada por su primera visión, en París en 1949, de la obra de Gustave Courbet.

Al igual que los otros miembros del "Kitchen sink", Coker fue alabado por el crítico marxista John Berger  que  como un revolucionario  se oponía a aquella  moda  americana. Esto significó  poco para Coker como lo fue para los otros realistas: en lo que a él respecta, pintó los motivos más cercanos y en un estilo más adecuado para representar el tema de forma realista.

Coker nació en Londres, hijo de un padre con negocio de  confitería y una madre amante de las artes. Salió de la escuela pronto para trabajar en la empresa de su padre, pero los dulces no le atraían y   buscando algo que tuviera algo que ver con el arte encontró empleo en la publicación de Odhams Press  y asistía a  clases nocturnas de arte en  la Escuela de arte de St Martin  y en 1950 ingresó en el  Royal College of Art, donde fue sobresaliente y ganó un par de becas.

Cuando Coker tenía 11 años, sus padres se mudaron a la zona rural de Essex, y el paisaje y la sensación de cercanía del mar le causaron una impresión perdurable. En el momento de su primera exposición de Zwemmer, ya se estaba moviendo hacia la pintura de paisajes con pigmentos colocados con fuerza y, en los paisajes marinos, grandes losas de color azul inspiradas en la obra de Nicholas de Staël.
 
Esta línea de trabajo fue la que mantuvo Coker durante el resto de su vida, aunque después de que su hijo Nicholas muriera en 1985, Coker sufrió un ataque cardíaco y un derrame cerebral. Su esposa Vera lo cuidó  y volvió a pintar en sus últimos años. Fue nombrado académico en 1972.

Keith Vaughan

Keith Vaughan nació en Selsey, Sussex (1912)  Después de unos años, la familia se mudó al norte de Londres.

 Al dejar la escuela, Vaughan fue contratado por Lintas, una agencia de publicidad de Unilever. En privado  pintaba y estudiaba las obras de los grandes maestros, Cézanne, Matisse y Picasso en particular. En Lintas hizo amistad con el artista australiano John Passmore que alquiló una casa de campo en Suffolk. Aquí, durante un año antes del comienzo de la guerra, Vaughan y Passmore residían, pintaban, escuchaban música e iban al ballet. Lo que Vaughan veía en el ballet  la agrupación de personas  en movimiento, imágenes que representaría  en gran parte de su trabajo.

 Vaughan era un objetor de conciencia asi que durante la guerra   trabajó como oficinista e intérprete de  alemán en el campo de prisioneros de guerra, Malton, Yorkshire. 

Allí encontró tiempo para dibujar y trabajar en gouache, y también comenzó a escribir un diario que continuó a lo largo de su vida, extractos del cual, a fines de los sesenta, publicaría (Journal and Drawings 1966). Le gustaba escribir y envió contribuciones cortas a Penguin New Writing. Se hizo amigo de John Lehman, el fundador de New Writing, y a través de sus contribuciones fue invitado a mostrar dibujos en una exposición de arte de guerra en la National Gallery. Aquí conoció a Graham Sutherland, John Minton y John Craxton, cada uno de los cuales influiría en Vaughan.

 La primera exposición de dibujos de Vaughan se realizó en la Galería Reid and Lefevre, Londres. En las décadas posteriores realizó exhibiciones en Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires y Sao Paulo, y en el Reino Unido realizó varias exposiciones, incluidas Matthiesen Gallery (1960) y Whitechapel Art Gallery (1962).Vaughan continuó pintando cuando no trabajaba, pero se dedicaba a la enseñanza: primero en Camberwell (1946-8), luego en la Escuela Central de Artes y Oficios (1948-57) y desde 1957  en la Escuela Slade. También fue artista residente en la Universidad Estatal de Iowa en 1959.

 Sus paisajes están influenciados por la obra de Graham Sutherland, mientras que su retrato del desnudo masculino se debe más a las últimas obras de Cézanne que representan grupos de personas que se bañan. Con el tiempo, sin embargo, se apartó de la obra más claramente figurativa de Cézanne, sus figuras se vuelven abstractas, y sus colores se convierten en patrones en lugar de representaciones de matices reales.Vaughan fue elegido miembro honorario del Royal College of Art (1964) y en 1965 fue nombrado CBE. Por su vida laboral, vivió en Hampstead, Londres, pero viajó extensamente a Francia, España, Estados Unidos y México;  Grecia y norte de África.

A pesar del éxito considerable, incluido su premio de CBE, hacia el final de su vida, Vaughan se volvió cada vez más melancólico y solitario. Le diagnosticaron cáncer y se suicidó en 1977. El último de los diarios de Vaughan fue publicado después de su muerte - mientras caía en la inconsciencia por sobredosis escribía en su diario: 'Es una mañana soleada y brillante. Lleno de vida... '.

John Minton

¿Por qué un artista de tanto talento, un pintor, aparentemente sin problemas financieros querría suicidarse? 

Joh Minton fue encontrado moribundo en su estudio de Londres. Tenía solamente  39 años, a su lado descubrieron  un frasco de pastillas. Minton era gay, un hombre muy popular y sin preocupacions aparentes. En los años cincuenta muchos artistas  les fue dificil aguantar el tirón de la abstracción y el Pop Art, a otros como Francis Bacon, Keith Vaughan o Lucian Freud les importó un bledo.

John Minton (1917-1957) fue un dibujante y artista gráfico de gran talento. Hombre inquieto, recorre el mundo desde los años 30 pintando hombres musculosos, sentados al lado de la pesca del día en Francia, En Córcega retrata un cementerio de cruces doradas y flore escarlata y en España, país que visita muchas veces, captura la oscuridad interior de una carreta, en la que un granjero dormita, contra el maíz maduro que arde hacia un cielo azul feroz. Su vista del Támesis desde Rotherhithe hasta Wapping, después de la guerra, es como una magnífica Venecia.  

En los años   50 alcanza el apogeo con su obra en Jamaica. Pinta  un enorme friso, tres pescadores metidos  hasta la cintura en el océano, hojas de palmera  cuelgan como gigantescas plumas de papel, obra que parece prefigurar el arte caribeño de Ofili y Peter Doig

A partir de ahí todo parece ir  mal. Minton deja de pintar, comienza de nuevo, tropieza y pierde el control. Las imágenes le salen  mal.  Unos meses más tarde se suicidó

JOHN BRATBY

La vida de JOHN BRATBY es tan colorida como su arte. Los ingleses adoraban  este artista  excéntrico, siempre dispuesto a ofrecer su opinión en entrevistas o cartas a la prensa. Sin embargo, hay una extraña contradicción, porque Bratby era uno de los hombres más tímidos. Sus apariciones públicas reales fueron muy pocas. Sus dramas privados (divorcio, locura, segundas nupcias, amenaza de perder la vista) a menudo se convertían en noticias. Bratby, tan astuto como siempre en la promoción de su arte a lo largo de su vida, era su mejor agente de prensa.

Nació en Wimbledon en 1928. Su niñez fue caótica e infeliz, y se refugió en varias empresas escolares: revendió bollos, escribió historias pornográficas que cobraba por la lectura y se entrenó para ser boxeador profesional. 

Logró obtener una beca para  la Escuela de Arte Kingston (1948-50). Falló el examen intermedio de artes y oficios, abandonó la escuela pero logró continuar pintando. Logró convencer  a la Escuela Slade de que le ofreciera un puesto de postgrado y entró  en 1951.

Fue durante estos años universitarios cuando el mito de Bratby comenzó a fraguarse. Antisocial por la timidez, le resultaba difícil hablar con las chicas y gastaba el dinero de  la beca  en la primera quincena en "mujeres de las calles". Estaba empobrecido, y mendigaba o dormía en Hyde Park o se escondía en los áticos del Royal College. Su arte parecía coincidir con su salvaje reputación. Lo encontrarían pintando un bodegón de cubos de basura o colocando su caballete en el lavabo. Era partidario de la pintura muy empastada.

Un poco de estabilidad se produjo en su vida en 1953 cuando conoció y se casó con su compañera de estudios Jean Cooke. Al año siguiente, Bratby hizo  su primera exposición individual, a la edad de 26 años, en la famosa Beaux Arts Gallery. Su carrera profesional se inició con  éxito, le siguió  el primer premio en la Sección Juvenil de John Moores en 1959 y los Premios Guggenheim de 1956, 1957 y 1958. En 1954 expuso por primera vez en la Royal Academy, donde fue elegido Asociado. en 1959 y miembro de pleno derecho en 1971.

Desde el principio, Bratby llamó la atención de la prensa. Cuando su realismo áspero, duro y descortés invadió el mundo del arte, el impacto pudo haber sido saludable, pero la respuesta fue desproporcionada. En 1954, John Russell, entonces crítico de arte del Sunday Times, comparó  la versión de Bratby de un paquete de copos de maíz con la Venus de Velázquez, y Studio Magazine calificó a Bratby con Rembrandt, Goya, Courbet y Manet... Bratby se convirtió en un nombre internacional casi de la noche a la mañana, y la primera estrella del pop artístico, varios años antes de Hockney. En 1956, Bratby y los otros pintores llamados Kitchen Sink, Edward Middleditch, Jack Smith y Derrick Greaves, fueron elegidos para representar a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. 

Los años cincuenta fueron indudablemente el mejor período de Bratby.  En las escuelas de arte se convirtió en una especie de ídolo popular que  estaba demoliendo vigorosamente el viejo orden. Las pinturas de Bratby se mostraron en los Estados Unidos, y él podía permitirse comprar una casa grande en Blackheath. Luego, en 1960, las modas cambiaron, y la abstracción, que pronto sería seguida por el Pop Art, derrocó al Kitchen Sink. Los críticos revirtieron sus juicios - Berger acusó a Bratby de venderse al materialismo - burlaron o ignoraron su trabajo. 

Curiosamente, el público nunca perdió la fe en Bratby y continuó vendiendo bien. Un trabajador increíblemente duro, también fue un excelente promotor de ventas. Cada dos meses se inauguraba una exposición de Bratby en algún lugar de Gran Bretaña.

Siempre estaba pintando  y   en los años sesenta  comenzó a escribir novelas autobiográficas atractivas: Breakdown (1960), Breakfast y Elevenses (1961), Brake-Pedal Down (1962) y Break 50 Kill (1963). Entonces, de repente su vida dio un cambio, abandonó la vida conyugal, comenzó a beber y comenzó a frecuentar, de nuevo, "las señoritas". A su vez su paleta cambió
a  pesar de su atracción por el expresionismo de Van Gogh y su preciada pero infundada creencia en su propia judeidad (vinculándolo así más directamente con pintores que admiraba como Chaim Soutine y Oskar Kokoschka), estudió los colores brillantes, los contrastes y parches de color de los Fauves y Nabis-

 Se casó en  1977  con la actriz Patti Prime  y esto le trajo a Bratby una gran felicidad  lo que fructificó en su arte y cambió su existencia. Afortunadamente, el enfant terrible nunca se convirtió en Viejo, y sus pinturas conservaron el poder de conmocionar.

Bratby también debería ser reconocido como precursor del Pop Art, después de todo, fue el  primero en entusiasmarse con los envases y las marcas.  

John Craxton

 1922;  2009

.John tuvo el ingenio para disfrutar de  la vida a medida que pasaba. Pintó el placer, poetas y pastores, marineros en bares y gatos. A los 14 años, el padre de un amigo lo llevó de un campamento Scout en Francia a la Exposición Mundial de París. Fueron solo al pabellón español  a ver el  Guernica de Picasso.  Picasso, a quien conoció después de la guerra, tendría un gran impacto en sus últimas imágenes semicubistas.

Procedía de una familia de músicos pero el, desde niño, deseaba ser pintor. A los 16 años lo enviaron a estudiar a París, a la  Académie de la Grande Chaumière. Despues se matriculó en Westminster Art School y  Central School of Art en Londres en 1940.

 En 1941 fue rechazado por el ejército debido a una pleuresía. Más o menos en esta época, en plena guerra, conoció a Peter Watson, cofundador de la revista Horizon. Este sería su mecenas durante varios años y le presentó a otros dos pintores, Robert Colquhoun y Robert MacBryde. También en esta época conoció a Lucian Freud; los dos tenían 19 años y se les consideró como el futuro de la pintura inglesa. Estudiaron juntos en varias academias e incluso compartieron un diminuto piso.

Sus dibujos y pinturas durante la guerra recibieron el calificativo de "neorrománticas"- nombre que el odiaba. 
A partir de 1946, el y  Freud pintaron en Poros. John viajaba por toda Grecia y dijo "tengo la sensación de ser  poco británico, me identifico más con Grecia"

Nunca dejó de viajar regularmente a Inglaterra, aunque cada vez menos. Solo abandonó Grecia voluntariamente desde 1970 a 1976 durante la dictadura de los coroneles.
 
Antes de mudarse a Grecia, en los años cincuenta, el coreógrafo Frederick Ashton le pidió que diseñara los decorados y el vestuario del ballet “Dafnis y Cloe”, protagonizado por la gran bailarina Margot Fonteyn.

En  1993 fue nombrado académico. Vivía y trabajaba entre  Chania, Creta y Londres. Sobrevivió a su compañero de muchos años 
Richard Riley.