Eleuterio Blasco Ferrer

 

 (Foz-Calanda, 1907 - Alcañiz, 1993)

  Este artista estudia en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en la etapa de 1926 a 1930. Allí se imbuirá de las ideas políticas anarquistas, por eso con la ocupación franquista se ve obligado a exiliarse en París desde 1939. Allí realizó la mayor parte de su obra, considerándose un artista del pueblo. Con la instauración de la democracia en España decide el regreso y en 1984 fija su residencia en Barcelona y finalmente en Alcañiz donde fallece en 1993.

Su obra pictórica es de factura expresionista, de carácter sombrío y acentuado dramatismo. Cultiva el retrato y el paisaje con o sin figura humana. Desde su infancia, quizá por ser hijo de alfarero, se inclina por el metal, mediante chapas y láminas de hierro que suelda. 

Dicho material le sirve para un expresionismo al servicio de muy dispares temas: bailarinas, retratos, tipos populares, maternidades, personajes históricos, etc.; los interpreta a través de potenciar dispares sentimientos. El uso del barro, a partir de 1965, le permite concluir una obra de marcado primitivismo, cercano al arte ingenuo y a los exvotos iberos.

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Jaume Queralt.

 

Jaume Queralt ( 1949 )

Jaume Queralt es un artista catalán, conocido por sus múltiples facetas como las de pintor, poeta, ensayista y activista social.

Profesor de la Escuela de Bellas Artes de Perpiñan y colaborador en revistas y períodicos con artículos, además de haber escritos numerosos libros de arte y poesía.

A los 23 años se formó como pintor en la Escuela de Arte de Tarragona y en sus obras hay una exploración de su interior plasmada en cuadros. Llama la atención sus pinturas centradas en las muñecas de porcelanas, haciendo de el , un artista muy peculiar.

Queralt, desde su aislamiento en su estudio del pequeño municipio de Alforja (Tarragona) - donde vive y trabaja -, es capaz de desarrollar de manera simultánea diferentes líneas argumentales, que pese a ser complementarias, responden a razonamientos dispares e inciden en distintas maneras de entender la psique y la condición humana.

Ciertamente, el proceso creativo de Jaume Queralt es poco o nada convencional. Es un artista que rehuye de la creación insípida y meramente decorativa. Para él, el Arte debe comunicar, debe transmitir, sino no tiene sentido y cae en la banalidad.

Si a este hecho le sumamos la gran creatividad con la que se expresa y la intensidad con la que plasma sus propias inquietudes y temores a través de su pintura, obtenemos como resultado una obra realmente comunicativa, sensible, inquietante en algunas ocasiones, que incita a la meditación y que provoca en el espectador una profunda introspección y una acuciante necesidad de llegar, incluso, a cuestionarse los fundamentos mismos de la propia esencia del ser humano.

El artista vuelca sobre la tela sus angustias y sus vivencias interiores, que son las que muchos otros tenemos, por esta razón comunica tan bien con el espectador.

Todas sus obras responden a ejercicios reflexivos de investigación y a planteamientos madurados a nivel interno de manera muy espiritual. Sin embargo, pese a ese proceso de reflexión, que podría dar a entender que sus obras son premeditadas en exceso, su mano corre por el lienzo de manera muy libre y espontánea, guiada por su portentosa creatividad.

También caería en el error quien pudiera pensar que toda esa carga psicológica podría dar como fruto obras con demasiado peso conceptual que se harían fatigosas de interpretar, pues ello también es falso. Sus obras tienen una lectura profunda, aunque agradable, al estar apoyadas en suaves contrastes cromáticos y en una manera de componer gratamente cautivante.

Recurre, en ocasiones, a un suave informalismo y a ligeros apoyos constructivistas, aunque su versatilidad hace que se mueva con soltura en el expresionismo, el simbolismo o el impresionismo, alternando abstracción con figuración. En definitiva, un artista muy completo, con una obra cargada de un onirismo absorbente y apasionante. 

ciudad de la pintura

Marisa Roesset y Velasco-

 (Madrid, 1904-1976). Pintora española que cultivó el retrato y los temas religiosos. Se formó en la madrileña Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumna de Fernando Álvarez de Sotomayor, José María López Mezquita y Daniel Vázquez Díaz. Participó en numerosas exposiciones y certámenes artísticos y se dio a conocer en el Liceum Club Femenino.

 Remitió sus obras a la exposición celebrada en el Museo Nacional de Arte Moderno de Madrid en 1929 y dos años más tarde al concurso de Pintura, Escultura y Grabado organizado por el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Fue galardonada con sendas terceras medallas en las Exposiciones Nacionales de 1924 y 1929, por los lienzos titulados Autorretrato y Reposo; asimismo, obtuvo una segunda en la edición de 1941 por el lienzo titulado La Anunciación. Presentó sus obras en la exposición del Women International Art Club en 1947 y un año después en la Internacional de Buenos Aires.

Museo Nacional del Prado

María Roësset Mosquera (MaRo)

 

María Roësset Mosquera (1882-1921)​ es la primera gran conocida de la saga de las Roësset, pues era tía de la pintora Marisa Roësset Velasco, de la escultora Marga Gil Roësset. Nacida en el seno de una familia burguesa, se formó con el pintor Eduardo Chicharro. Comenzó su actividad artística copiando obras del Museo del Prado. Más tarde realizó escenas de género y retratos, en los que predomina el color sobre el dibujo debido a la influencia de Cecilio Pla y Joaquín Sorolla.

A lo largo del siglo XIX las artistas proyectaron una imagen pública de sí mismas que contrasta en buena medida con la de sus predecesoras. Salvo excepciones, eligieron no
representarse en el acto de pintar ni con los instrumentos propios de una actividad que, profesionalizada, podía comprometer su estatus social.

El estilo de María Roësset evoluciona a lo largo de sus escasos años de producción: desde artistas como Wisthler, Sargent, Sorolla, Vázquez Díaz o Paula Modersonh-Becker; a movimientos como el simbolismo, el costumbrismo o el expresionismo.

Su pintura tuvo como objeto central a las mujeres de su familia, a las que a menudo hizo posar como modelos para sus composiciones, para subrayar su carácter oriental, a veces cosía cuentas y adornos.​ Dicho discurso pictórico no implica que María pintase únicamente por afición o exclusivamente retratos sino que plasmaba su propio universo femenino compuesto por sí misma y sus familiares más directas.

La pintora Solía firmar sus cuadros como MaRo​, pintaba sin voluntad de profesionalización, afirmación muy fácil de hacer en relación a las mujeres creadoras y parte de la descripción romántica y plagada de silencios que nos han llegado de esta pintora. Esta descripción no casa con la rotundidad de sus imágenes, en especial de sus autorretratos, si los analizamos en relación a las muy particulares coordenadas de este género, clave para el examen de la autoría artística.

Su Autorretrato de cuerpo entero del 1912, donado por su hija al Museo del Prado en 1985 ​ y hoy ubicado, aunque no expuesto, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía,​es seguramente su obra maestra. En él, la autora se pinta como una mujer singular, cuyo rostro posee una gran fuerza expresiva, acentuada por su mirada analítica, profunda y delicada.

De pie ante un fondo neutro de color rojizo, ofrece al espectador su porte de viuda elegante, no exento de cierta atractiva extravagancia, en el que se funde la sed de orientalismo con el reconocimiento de la tradición del retrato barroco español, concentrado y sintético, del que había bebido en el Museo del Prado.

De su producción también destacan, por su particularidad y la controversia que en la época causaban este tipo de obras realizadas por mujeres artistas, los desnudos de jóvenes y adolescentes. Pinta en varias ocasiones a su hija Eugenia, es el caso de Desnudo de niña con brazos cruzados conservado en el Museo de Bellas Artes de la Coruña, y a su sobrina Marisa Roësset (que tiempo después seguirá sus pasos como pintora y que está presente en las exposiciones de "Pintoras de España)
Una actitud desafiante frente a los convencionalismos sociales de la época en sus respectivos campos. Así, desde la propia MaRo hasta su sobrina Marisa, «el apellido Roësset encarna en España la lucha de género, con sus avances y retrocesos».

Bibliografía  :Enciclopedia online del Museo del Prado

Vera Nilsson

1888 - 1979

1888 - 1979

Conocida  pintora sueca, nacida en Jönköping. Estudió en la Escuela Técnica de Estocolmo, en Valand en Gotemburgo y en la Académie de la Palette en París. Tuvo su primera exposición en Copenhague junto con Mollie Faustman. 

Ese mismo año, 1922, se estableció   en Liljevalchs con "Falange". Falange fue un grupo de 17 artistas suecos compuesto por ex alumnos de Henri Matisse: Leander Engström, Arvid Fougstedt y Einar Jolin. Vera Nilson era expresionista y a menudo pintaba con pinceladas vigorosas y colores intensos. 

A menudo se inspiró tanto en El Greco como en Vincent van Gogh. Vera Nilsson, como la primera mujer en la década de 1900, junto con Sigrid Hjertén, fue elegida miembro de la Academia y se convirtió en una de las principales artistas pioneras de Suecia.

MARIANNE STOKES

 

 

(1855-1927)

Marianne Preindlsberger nació en la ciudad austriaca de Graz el 19 de enero de 1855. Inició sus estudios artísticos en la Academia de Arte de Munich donde aprendió del pintor alemán Wilhelm Lindenschmit el Joven. Un lienzo que tituló Mutterglück le valió una beca para continuar sus estudios en Francia.

En París aprendió de muchos pintores de la época y pintó hermosos paisajes de la ciudad de París y sus alrededores. En la ciudad de la luz conoció a la pintora finlandesa Helene Schjerfbeck con quien visitó la localidad de Pont-Avent en la Bretaña francesa en 1883. Allí conoció al pintor de paisajes Adrian Scott Stokes con quien se casaría un año después.

Convertida en Marianne Stokes, su obra Reflexión se exponía en Inglaterra en 1885. La vida en común de Marianne y Adrian se centró en la trayectoria artística de ambos. La pareja, que no tuvo hijos, viajó en varias ocasiones a Dinamarca. En la ciudad de Skagen se unieron a una colonia de artistas conocida como Skagen Painters.

Con el cambio de siglo, los Stokes se instalaron en Saint Ives, donde se unieron a otra colonia de artistas, la Newlyn School. 

Marianne viajó con su marido a otros lugares como Irlanda o Inglaterra. Cuando descubrió la actividad artística de los prerrafaelitas quedó prendada de su vuelta a la Edad Media y empezó a pintar cuadros de escenas medievales.

Marianne Stokes fallecía en Londres el 13 de agosto de 1927.

 Referencias 

www.penleehouse.org.uk/artists/marianne-stokes
www.tate.org.uk/art/artists/marianne-stokes-528
arthive.com/artists/7118~Marianne_Stokes_Preindlesberger

JUAN GUERRA HERNÁNDEZ

1945 Las Palmas de gran Canaria

 En 1960 comienza los estudios de pintura en la escuela Luján Pérez (Las Palmas de Gran Canaria). En 1965 obtiene el título de Maestria industrial y oposita para una plaza de delineante en el departamento de Urbanismo del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria. 

En 1975 inicia los estudios de Bellas Artes en Las Palmas de Gran Canaria y obtiene en 1980 la Licenciatura en la Facultad Santa Isabel de Hungría de la Universidad de Sevilla; a partir de este año viaja a diferentes capitales europeas, principalmente París, Bruselas, Amsterdam, etc.. para ampliar sus conocimientos. 

En 1981 obtiene el Título de Agregado en la asignatura de Dibujo en Enseñanza Secundaria y en 1983 el título de Catedratico de Dibujo, desenpeñando su cargo en distintos institutos de Las Palmas de Gran Canaria. En 1984 inicia los estudios de arquitectura en la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria. El 11 de abril de 2013 es elegido Académico Correspondiente de la Real Academia Canaria de Bellas Artes (RACBA).

Heidi Palmer

 Heidi Palmer nació en Ginebra, Suiza, ha vivido en Canadá y actualmente reside en Connecticut. Luz, aire y el significado del tiempo son los tres elementos que ella trata de abordar en sus pinturas.

Se graduó en grabado e ilustración. Comenzó ilustrando libros infantiles para dedicarse despues a la pintura. Confiesa que los artistas que más le han influido son Vermeer, Hammershoi, Randall Exon, Diebenkorn y Homer. Su medio preferido es el óleo sobre lienzo. Sin embargo, también disfruta creando monotipos porque hay un grado de libertad que caracteriza el proceso.

La luz, el aire y el significado del tiempo son los tres elementos que trata de abordar en sus pinturas y grabados. La luz gobierna sus composiciones tanto en los paisajes como en los interiores. La luz define la forma, que es muy concreta, pero también sirve como catalizador para ahondar en los efectos efímeros del aire y la atmósfera que ayudan a aclarar el sentido del lugar. Momentos, recuerdos, ensoñaciones, comienzos, finales y anhelos son parte de lo que es ser un ser humano en este mundo.

"A través de mi trabajo, espero que los espectadores puedan experimentar un sentido de lugar y tiempo y su significado para ellos mismos"- confiesa

Carl Holsoe

Arhus, 1863-Asserbo, 1935, pintor danés de interiores de gran talento, nace en la ciudad de Aarhus. Tras formarse como pintor, ingresa en 1882 en la Kongelige Danske Kunstakademi de Copenhague, y en 1884 en la Kunstnernes Studieskole, donde recibe las enseñanzas de P. S. Krøyer. 

En la academia y luego en la Kunstnernes Studieskole coincide, entre otros, con Peter Ilsted y Vilhelm Hammershøi; los tres constituirán la élite de la pintura danesa de interiores. Holsoe, que se casó dos veces, se establece en el pueblo de Asserbo, en las afueras de Copenhague.

Muy pronto el artista alcanza la madurez como pintor de interiores. Sus primeras obras de este género, expuestas en 1886, tienen buena acogida por parte de la crítica danesa, que reconoce su talento artístico, comparando su técnica con la de los maestros holandeses del siglo XVII. 

En sus cuadros, ejecutados con un estilo realista y académico, presenta sobrias descripciones pictóricas de los interiores. Desarrolla un interés especial por los temas de interior, siempre marcados por un fuerte sentido compositivo, una visión precisa y una observación directa del espacio y de la luz. Además de este tema, Holsoe también aborda paisajes, bodegones y floreros, siempre con el mismo estilo claro y realista. 

Pero se dedica fundamentalmente a los interiores, de los que ofrece toda una gama de variaciones. Resalta los relucientes muebles de caoba, las paredes blancas y otros elementos importantes de la decoración de los salones, en los que estudia la incidencia de la luz. La figura femenina que suele incluir, sentada o de pie, en el último término de sus composiciones, constituye un mero elemento decorativo.

A lo largo de su vida Holsoe alcanzó fama como pintor de interiores tanto en Dinamarca como en Suecia, recibiendo varias distinciones internacionales. En la Exposición Universal de París de 1889, recibe una mention honorable y en una exposición internacional celebrada en Múnich en 1891 gana la medalla de oro. En Dinamarca se le otorga el Eckersberg.

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

 

CARLOS CREGO

( Vigo, 29 de octubre de 1961 )

Comenzó a exponer muy joven, cuando aún no había cumplido los veinte años. Alternó las muestras individuales con las colectivas; en toda Galicia, Barcelona y Atenas, independientemente, y en la serie que con motivo de su centenario ofreció Caixavigo en 1980, Bienal de Pontevedra, Francia, Bélgica y muestras auspiciadas por la Consellería de Cultura de la Xunta de Galicia, entre las que estuvieron las tituladas «Vexo Vigo» y «A toda Tela». 

A mediados de los ochenta, este vigués ya conocido en el ámbito internacional fija su residencia en Barcelona y participa en numerosos acontecimientos del rico mundo artístico catalán, que reafirman su nombradía, lo que no le impide seguir en contacto con su tierra natal, en diversas exposiciones, que se extienden desde galerías particulares a cetámenes como el de Unión Fenosa, en cuya primera edición, de 1989, fue seleccionado.

Carlos Crego ha cultivado siempre un expresionismo sinóptico, vagamente emparentable con las últimas tendencias del postcubismo, en gamas neutras y asordadas, sobre un excelente dibujo y sentido de la composición y el ritmo muy acusados. Su mancha es amplia, fácil, y a veces recurre a modos que lo asemejan al collage. Sus mundos son insinuaciones de escenas, próximas a la figuración, aunque sin incidir en ella, y siempre con una fuerte carga de abstracción. Figura en colecciones institucionales de importancia y en particulares, sobre todo en Cataluña.

afundación

Akseli Gallen-Kallela

 Finlandia, 1865–1931

Akseli Gallen-Kallela fue el artista nacional finlandés, pieza base del nacionalismo que vivió el país (y muchos otros de Europa) en el siglo XIX.

Aún así, en Finlandia pertenecía a una minoría de habla sueca, por lo que su verdadero nombre era Axél Waldemar Gallén. El pequeño Akseli quería ser artista pero su padre (jefe de policía) se opuso radicalmente. Hasta la muerte de éste, el joven no pudo tomar clases de dibujo.

Cuando por fin puede dar rienda suelta a su creatividad, se prepara seriamente en el mundo del arte, y eso implica viajar a París. Ahí nace su estilo característico, de un realismo plagado de símbolos y leyendas de su tierra.

Es el caso del Kalevala, historia épica de su país, que Gallen-Kallela se pone a estudiar para poder ilustrar.

Cada vez más simbolista, su arte se puede englobar dentro del Karelianismo,una corriente cultural finlandesa de carácter nacionalista típica de la época que engloba todas las disciplinas artísticas y culturales, aderezadas de un poquito de historia mínimamente adulterada y la falsa idea de pertenecer a una raza diferente. En la época, cada esquina de Europa vivió una corriente cultural similar.

Esto en historia del arte se metió dentro del romanticismo, y en el caso de Gallen-Kallela tenía matices del simbolismo e incluso Art Nouveau.

A finales del XIX llega a exponer con su colega nórdico Edvard Munch y en el XX con los tipos de Die Brücke, con los que comparte no pocas similitudes artísticas. Al final, Gallen-Kallela viajaría por todo el mundo, poniendo el pie en casi todos los continentes y recopilando siempre material para su pintura, desde culturas africanas a nativos norteamericanos.

Artistas