Archie Rand (1949) es un artista y académico americano, de Brooklyn, New York, actualmente profesor de arte en el Brooklyn College.
La obra de Rand como pintor y muralista figura en todo el mundo, incluyendo las coleccoines de San Francisco Museum of Modern Art, the Art Institute of Chicago, y el Victoria and Albert Museumein London, la Bibliothèque Nationale de France en Paris, y el Tel Aviv Museum of Art.
Walton Ford ( 1960) es un artista americano que pinta grandes acuarelas al estilo de las ilustraciones del naturalista Audubon. Cada pintura es un meticuloso estudio de la flora y la fauna, llena de símbolos, claves y bromas referencias a multitud de textos de la literatura colonial y cuentos populares de guias de viajes. Los cuadros de Ford son complejas nararrativas que critican la historia del colonialismo, la industrialización, la politica, ciencias naturales y los efectos del hombre sobre el medio ambiente.
Walton Ford se apropia del estilo fresco y descriptivo de los naturalistas del siglo diecinueve y artistas como —John James Audubon, Karl Bodmer, George Catlin—pero el pone sus propias premisas para trabajar en una investigacion sobre historia natural propia.
Recomponiendo una guia estética, Ford realiza densas alegorías que a a veces hacen recordar, a veces hacen alusión de reojo a todo sobre el conservacionismo,consumo de guerra, política e imperialismo.
Aún manteniendose totalmente fiel a la moda de la historia natural, Ford pinta a escala mucho más grande, realizando enormes acuarelas con composiciones épicas. Realiza sus escenas como un drama lírico, capturando momentos cuando el orden natural cambia, como si el "último miembro de una especie luchara antes de la extinción"
Walton Ford ha conseguido varios premios incluyendo una beca - John Simon Guggenheim Memorial Foundation -the National Endowment for the Arts- y es uno de las artistas selecionados para -the artists profiled on the PBS series Art:21. Tuvo su primera gran exposición individual en el Brooklyn Museum en 2006 y actualmente está representado por Paul Kasmin Gallery en Manhattan.
Despues de vivir en la ciudad de Nueva York durante más de diez años, Ford se trasladó con su familia a Great Barrington, Massachusetts.
References
1. ^ William Hanley (December 20, 2006), THE AI INTERVIEW: Walton Ford, ARTINFO, http://www.artinfo.com/news/story/24160/walton-ford/, retrieved 2008-04-24
Allen Jones (nacido en Southampton el 1 de septiembre de 1937) es un artista pop británico, conocido sobre todo por sus esculturas, pero también cultiva las artes visuales.
Desde 1955 hasta 1961 estudió en el Hornsey College of Art (Londres). Se distinguió al ser expulsado del Royal College of Art; desde 1961 hasta 1963 enseñó en el Croydon College of Art.
Su exposición de esculturas eróticas, como el conjunto Chair, Table y Hat Stand (1969), cada una de los cuales transforma a una mujer en una pieza de mobiliario. Gran parte de su obra nace de la imaginería del fetichismo de goma y BDSM. Las esculturas en el Milkbar Korova de la película La naranja mecánica se basan en obras de Jones. Jones diseñó el film Maîtresse, dirigido por Barbet Schroeder en 1976.
Fue elegido miembro de la Royal Academy en 1986. Vive y trabaja en Londres. ref-wikipedia
Martin Puryear ( 1941)es un escultor afro-americano. Trabaja con materials como la madera, piedra, resina y alambre, y su trabajo es una mezcla de minimalismo con tradición artesana .
Martin Puryear nació en Washington, D.C., pasó parte de su juventud estudiando y practicando artesanía, aprendiendo a hacer guitarras y muebles. Se graduó en la Universidad Católica de America en 1963 y se fue de voluntario de Peace corps a Sierra Leona de 1964 a 1966. A finales de los 60 estudió grabado en Suecia. En 1969 entró en la universidad de Yale en un curso de escultura. Su primera exposición individual se celebró a finales de los 70 en la Corcoran Gallery of Art. En los 80 participó en las bienales de Whitney y recibió una beca Guggenheim y otra MacArthur Foundation en 1989.
En November 2008, el Museo de Arte Moderno de S. Francisco presentó una retrospectiva de 30 años .
La obra de Martin Puryear es producto de mucha reflexión, asociada al minimalismo, de diseño sencillo. Dos de sus obras principales son "Sanctuary" y "Box and Pole". La simplicidad es evidente, solo basta analizar sus titulos. "Box and Pole" comprende una caja en el suelo con un poste de unos cien pies apuntando hacia el cielo, simbolizando nuestra posición en la tierra. Nosotros somos superiores a algunas cosas (la caja), pero inferiores a otros (los poderes espirituales). Evidentemente es un escultor moderno, pero en obras como Sanctuary utilizas tecnicas primitivas para crear el trabajo final. Sanctuary es basicamente un palo que conecta una caja con anclas con el otro lado del palo, una rueda. La rueda se puede mover, pero su movimiento es restringido, simboliza la vida humana. Su obra contribuye a la sociedad como conjunto ya que nos da lecciones morales como las dos mencionadas.
Puryear utiliza materiales comunes como la madera, resina, alambre, y otros materiales para crear formas de referencias artesanales y al mismo tiempo hacer escultura formalista. La obra de Puryear se asocia a menudo con la minimalismo, aunque el propio artista rechaza el ideal minimalista de completa objetividad y no referencial. Del minimalismo el dijo una vez, " Lo miré, lo probé y lo escupí"
References
1. ^ a b c d e f Karen O. Janovy, Janice Driesbach, Daniel A. Siedell, Norman A. Geske,David Cateforis, Sculpture from the Sheldon Memorial Art Gallery, University of Nebraska Press, 2006, p239. ISBN 080327629X 2. ^ Horst Woldemar Janson, Anthony F. Janson, History of Art: The Western Tradition, Prentice Hall, 2004, p882. ISBN 0131828959 3. ^ New York Times. "Solo Museum Shows: Not the Usual Suspects" by Roberta Smith. September 9, 2007 4. ^ "Martin Puryear at SFMOMA 5. ^ Humanity’s Ascent, in Three Dimensions 6. ^ guggenheimcollection.org 7. ^ moma.org 8. ^ corcoran.org 9. ^ themodern.org 10. ^ collections.walkerart.org 11. ^ artic.edu
Para hablar de la obra del escultor orensano Ignacio Basallo (1952) -uno de los supervivientes menos ruidosos de Atlántica-, podríamos establecer determinados paralelismos con un grande de la escultura como Martín Puryear; sobre todo en aspectos formales, manteniéndose distantes en intenciones e hilos temáticos. Ambos valoran las distintas tonalidades de su material por excelencia, la madera, para establecer tensiones y ritmos, utilizando su capacidad de sorpresa, su movimiento, para combinarla con materiales flexibles como las cuerdas y llegar así a productos de elegante sencillez. Sus silenciosas construcciones poseen, como indicaba Robert Storr a propósito de las obras de Puryear, una “voluntad de anonimato similar a la del artesano tradicional”. Bien en sus huecos monolitos, bien en sus aéreas maquetas, Basallo matiza hasta lo refinado, valorando el gesto del dibujo y dominando la escala. Escapa de la humanidad inherente al uso de la piel en Puryear para inspirarse en lo popular, en una realidad cotidiana que descontextualiza, aproximándose al equilibrio constructivo de los instrumentos de labranza, macizos y a la vez inconsistentes, atados o cerrados en apariencia y carentes de límites en sus virtuales interpretaciones.
Duane Hanson ( 1925– 1996) fue un artista americano que vivía en el sur de florida, un escultor conocido por sus obras realistas, realizadas en varios materiales, incluyendo poliester, resina, fibra de vidrio, Bondo y bronce. Su obra se relaciona a menudo con el movimiento Pop Art, asi como con el hiperrealismo. Duane Hanson nació el 17 de enero de 1925, en Alexandria, Minnesota. Despues de asistir al Luther College y a la universidad de Washington, se graduó en el Macalaster College en 1946. Despues de pasar un tiempo dando clases en un colegio, recibio un Master of Fine Arts degree de la Cranbrook Academy of Art en Bloomfield Hills en 1951.
Alrededor de 1966 Hanson empezó a hacer figuras utilizando fibra de vidrio y vinilo. Las obras que presentó era figuras agrupadas en cuadros, normalmente de temas violentos, similares en algún sentido al trabajo de Edward Keinholz. Hanson's Abortion (1966) fue inspirada por los horrores de un procedimiento de trastienda; Accident (1967) mostraba un accidente de motos; y Race Riot (1969-1971) incluía entre las siete figuras a un policía blanco aterrorizando a un hombre afroamericano asi como a un negro alborotador atacando a un policía. Otras obras que tenían que ver con la violencia física u otro tipo de explosiones sociales de los años 60 fueron Riot (1967), Football Players (1969), y Vietnam Scene (1969).
Estas obras, sacadas de gente real, estaban hechas de fibra de vidrio reforzadas con resina, luego pintadas para que la piel pareciese real con venas y manchas. Hanson luego vistió las figuras con ropa de segunda mano y luego las colocaba en actitud teatral. Evidentemente, estos trabajos contienen un fuerte impacto real y pueden verse como un paralelo moderno a las preocupaciones de los realistas franceses del siglo XIX tales como Honore Daumier y Jean Francois Millet, artistas que Hanson admiraba.
References
1. ^ Is Duane Hanson the Phidias of Our Time?, Kimmelman, Michael. The New York Times. 27 February, 1994.
Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance".
El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.
El abuelo de Marina Abramović fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Tras su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava en Belgrado. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial: su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado.
El padre de Abramović abandonó a la familia en 1964.
Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario.
En 1976 Abramović dejó Yugoslavia y se fue a Ámsterdam. En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.
Después de cortarse veinte veces, reproducía la cinta, escuchaba los sonidos y trataba de repetir los mismos movimientos y errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del artista.
En esta performance, Abramović intentó reevocar la energía del dolor corporal extremo, en este caso usando un gran estrella mojada en petróleo, la cual es encendida al comienzo de la actuación. Parada fuera de la estrella, Abramović corta sus uñas, las de los pies y su cabello. Cuando termina con todo, lanza los recortes a las llamas haciendo cada vez un estallido de luces.
En el acto final de purificación, Abramović saltó al centro de las llamas, cayendo en el centro de la estrella. Debido a la luz y el humo del fuego, el público no notó esto, y la artista perdió el conocimiento por la falta de aire. Algunas personas de la audiencia se dieron cuenta de lo ocurrido sólo cuando el fuego se acercó demasiado al cuerpo que permanecía inerte. Un doctor y varios miembros de la audiencia intervinieron y la sacaron.
Como una experimento para probar si un estado de inconsciencia puede ser incorporado en una performance, Abramović desarrolló una en dos partes.
En la primera parte, ella tomó una píldora que se utiliza para la catatonia. Estando completamente sano, el cuerpo de Abramović reaccionó violentamente a la droga, experimentando ataques y movimientos involuntarios. Mientras perdía el control de los movimientos de su cuerpo, su mente estaba lúcida y observaba todo lo que ocurría.
Diez minutos después que los efectos de la droga pasaran, Abramović tomó otra píldora (utilizada por personas depresivas y violentas) la cual da como resultado una inmovilización general. Físicamente ella se encontraba presente, pero mentalmente no. Este proyecto fue uno de los primeros componentes de sus exploraciones de la conexión entre cuerpo y mente, exploraciones que más tarde la llevaron al Tíbet y al desierto de Australia.
Para probar los límites de la relación entre el artista y el público, Abramović desarrolló una de sus performances mas exigentes (y la más conocida). En ella adoptaba un rol pasivo, mientras el público la forzaba a realizar la actuación.
Colocó sobre una mesa 72 objetos que la gente le permitiera usar en la forma que ellos eligieran. Algunos de estos objetos podían dar placer, mientras otros podían infligir dolor o incluso dañarla. Entre ellos había tijeras, un cuchillo, un látigo, una pistola y una bala. Durante seis horas la artista permitió a los miembros de la audiencia manipular su cuerpo y sus acciones.
Inicialmente, la audiencia reaccionó con precaución y pudor, pero a medida que pasaba el tiempo (y la artista permanecía impasible) mucha gente empezó a actuar muy agresivamente.
Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día.
Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.
Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.
En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporció lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.
Magdalena Abakanowicz (nació en 1930 en Varsovia). Figura destacada de la escuela polaca del tapiz. En sus composiciones, en las que aunó elementos procedentes de las corrientes estéticas en boga, recurrió a menudo a elementos escultoricos. Su originalidad radica en el traslado de sus conocimientos sobre tapicería a la escultura a partir de unos experimentos realizados en la década de los sesenta. Sus obras, verdaderos ambientes en los que las repeticiones de formas alusivas a la cabeza, tórax o multitudes, son representadas en tonalidades oscuras, confieren una dimensión dramática acentuada por los temas que priman en su obra: lo individual y lo colectivo, el anonimato y el estereotipo, la corrosión y la enfermedad, cuya presencia singular plasmada de manera concreta y sensible imprime en ella cierta elocuencia.
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